Искусство модерн: европейский стиль 1890–1911 гг.

Искусство модерн (Art Nouveau): европейский стиль в архитектуре и искусстве 1890-1911 гг. Характерные черты – природные мотивы, динамичные линии, новые материалы.

54 мин чтения

100%

Источник: Art Nouveau — Wikipedia

Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.

Содержание

Введение

1890–1911 Европейский стиль искусства и архитектуры

Ар-нуво (,/ɑː//r//(//t//)// //n//uː/'/v//oʊ/ AR(T) nooVOH, aʁ nuvo;) — международный стиль в искусстве, архитектуре и прикладном искусстве, особенно в декоративном искусстве. Он часто вдохновлялся природными формами, такими как изогнутые линии растений и цветов. Другими характерными чертами ар-нуво были ощущение динамизма и движения, часто достигаемое асимметрией или плавными, волнообразными линиями, а также использование современных материалов, особенно железа, стекла, керамики и позднее бетона, для создания необычных форм и просторных интерьеров. Стиль был популярен между 1890 и 1910 годами в период Бель Эпок и являлся реакцией на академизм, эклектизм и историзм в архитектуре и декоративном искусстве XIX века. Одной из главных целей ар-нуво было стирание традиционного различия между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Он наиболее широко использовался в оформлении интерьеров, графическом искусстве, мебели, стеклоделии, текстиле, керамике, ювелирном деле и металлообработке. Стиль опирался на идеи ведущих теоретиков XIX века, таких как французский архитектор Эжен Эммануэль Виоле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Великобритании на него повлияли Уильям Моррис и движение «Искусства и ремёсла». Немецкие архитекторы и дизайнеры стремились создать духовно возвышающий Gesamtkunstwerk («синтетическое произведение искусства»), который объединил бы архитектуру, обстановку и искусство в интерьере в едином стиле, чтобы вдохновить и облагородить обитателей. Стиль быстро распространился в Париж, где его адаптировал Гектор Гимар, увидевший работы Виктора Орта в Брюсселе и применивший этот стиль к входам в парижское метро. Пиком развития ар-нуво стала Международная выставка в Париже 1900 года, представившая работы таких художников, как Луи Комфорт Тиффани. Он проявился в графическом искусстве на плакатах Альфонса Мухи и в стеклянных изделиях Рене Лалика и Эмиля Галле. Из Великобритании, Бельгии и Франции ар-нуво распространился по всей Европе, приобретая различные названия и характеристики в каждой стране (см. раздел «Название» ниже). Он появлялся не только в столицах, но и в быстрорастущих городах, стремившихся к созданию собственной художественной идентичности (Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии; Барселона в Каталонии, Испания), а также в центрах национально-освободительных движений (Хельсинки в Финляндии, входившей тогда в состав Российской империи). К 1914 году, с началом Первой мировой войны, ар-нуво в значительной степени исчерпал себя. В 1920-х годах его сменили как доминирующие архитектурные и декоративные стили арт-деко, а затем модернизм. Стиль ар-нуво начал привлекать больше внимания критиков в конце 1960-х годов, с крупной выставкой работ Гектора Гимара в Музее современного искусства в 1970 году.

Art Nouveau (,/ɑː//r//(//t//)// //n//uː/'/v//oʊ/ AR(T) nooVOH, aʁ nuvo; ) is an international style of art, architecture, and applied art, especially the decorative arts. It was often inspired by natural forms such as the sinuous curves of plants and flowers. Other characteristics of Art Nouveau were a sense of dynamism and movement, often given by asymmetry or whiplash lines, and the use of modern materials, particularly iron, glass, ceramics and later concrete, to create unusual forms and larger open spaces. It was popular between 1890 and 1910 during the Belle Époque period, and was a reaction against the academicism, eclecticism and historicism of 19th century architecture and decorative art. One major objective of Art Nouveau was to break down the traditional distinction between fine arts (especially painting and sculpture) and applied arts. It was most widely used in interior design, graphic arts, furniture, glass art, textiles, ceramics, jewellery and metal work. The style responded to leading 19 century theoreticians, such as French architect Eugène Emmanuel Viollet le Duc (1814–1879) and British art critic John Ruskin (1819–1900). In Britain, it was influenced by William Morris and the Arts and Crafts movement. German architects and designers sought a spiritually uplifting Gesamtkunstwerk ('total work of art') that would unify the architecture, furnishings, and art in the interior in a common style, to uplift and inspire the residents. It moved quickly to Paris, where it was adapted by Hector Guimard, who saw Horta's work in Brussels and applied the style to the entrances of the new Paris Métro. It reached its peak at the 1900 Paris International Exposition, which introduced the Art Nouveau work of artists such as Louis Tiffany. It appeared in graphic arts in the posters of Alphonse Mucha, and the glassware of René Lalique and Émile Gallé. From Britain, Belgium and France, Art Nouveau spread to the rest of Europe, taking on different names and characteristics in each country (see Naming section below). It often appeared not only in capitals, but also in rapidly growing cities that wanted to establish artistic identities (Turin and Palermo in Italy; Glasgow in Scotland; Munich and Darmstadt in Germany; Barcelona in Catalonia, Spain), as well as in centres of independence movements (Helsinki in Finland, then part of the Russian Empire). By 1914, with the beginning of the First World War, Art Nouveau was largely exhausted. In the 1920s, it was replaced as the dominant architectural and decorative art style by Art Deco and then Modernism. The Art Nouveau style began to receive more positive attention from critics in the late 1960s, with a major exhibition of the work of Hector Guimard at the Museum of Modern Art in 1970.

Париж Дом модерна (1895) и Кастель Беранже (18951898)

Ключевую роль в популяризации стиля сыграл франко-германский торговец произведениями искусства и издатель Зигфрид Бинг. В 1891 году он основал журнал, посвященный искусству Японии, который способствовал распространению японизму в Европе. В 1892 году он организовал выставку семи художников, среди которых Пьер Боннар, Феликс Валлотон, Эдуард Вуйяр, Тулуза-Лотрек и Эжен Грассе, на которой были представлены как современные картины, так и декоративные работы. Эта выставка экспонировалась в Национальном обществе изящных искусств в 1895 году. В том же году Бинг открыл новую галерею по адресу 22 rue de Provence в Париже, Maison de l'Art Nouveau, посвященную новым работам в области изобразительного и декоративного искусства. Интерьер и мебель галереи были спроектированы бельгийским архитектором Генри ван де Вельде, одним из пионеров архитектуры модерна. В Maison de l'Art Nouveau были представлены картины Жоржа Сёра, Поля Синьяка и Тулузы-Лотрека, изделия из стекла Луи Комфорта Тиффани и Эмиля Галле, ювелирные изделия Рене Лалика и плакаты Обри Бердсли. Работы, представленные там, не отличались единообразием стиля. Бинг писал в 1902 году: «Арт-нуво, в момент своего создания, ни в коей мере не стремилось к чести стать общепринятым термином. Это было просто название дома, открытого как место встречи для всех молодых и пылких художников, нетерпеливых продемонстрировать современность своих устремлений». Стиль быстро привлек внимание в соседней Франции. После посещения отеля Тассель, спроектированного Виктором Орта, Гектор Гимар построил Кастель Беранже, одно из первых парижских зданий в новом стиле, в период с 1895 по 1898 год. Парижцы жаловались на монотонность архитектуры бульваров, построенных при Наполеоне III Жоржем Эженом Оссманом. Кастель Беранже представлял собой любопытное сочетание нео-готики и модерна, с изогнутыми линиями, напоминающими хлыст, и природными формами. Гимар, умелый популяризатор своего творчества, заявил: «Чего следует избегать любой ценой, так это параллельности и симметрии. Природа – величайший строитель, и природа ничего не создает параллельного и симметричного». Парижцы приветствовали оригинальный и живописный стиль Гимара; Кастель Беранже был выбран одним из лучших новых фасадов Парижа, что положило начало карьере Гимара. Гимар получил заказ на проектирование входов для новой системы парижского метро, что привлекло внимание миллионов посетителей Всемирной выставки 1900 года. Выставка стала первой международной площадкой для демонстрации работ дизайнеров и художников модерна со всей Европы и за ее пределами. Среди лауреатов и участников были Альфонс Муха, создавший фрески для павильона Боснии и Герцеговины и разработавший меню для ресторана этого павильона; декораторы и дизайнеры Бруно Поль и Бруно Мёринг из Берлина; Карло Бугатти из Турина; Бернхардт Панкок из Баварии; российский архитектор-дизайнер Федор Шехтель и компания Луи Комфорта Тиффани из Соединенных Штатов. Венский архитектор Отто Вагнер был членом жюри и представил модель ванной комнаты в стиле модерн из своей собственной городской квартиры в Вене, с ванной из стекла. Йозеф Хоффманн спроектировал венский экспонат на Парижской выставке, подчеркнув работы Венского сецессиона. Элиэль Сааринен впервые получил международное признание за свой оригинальный дизайн павильона Финляндии. Хотя Парижская выставка была самой масштабной, другие выставки также способствовали популяризации стиля. Всемирная выставка в Барселоне 1888 года ознаменовала начало стиля модерн в Испании, с некоторыми зданиями, созданными Луисом Доменеком-и-Монтанером. Международная выставка декоративного искусства 1902 года в Турине, Италия, представила дизайнеров со всей Европы, включая Виктора Орта из Бельгии и Йозефа Марию Олбриха из Вены, а также местных художников, таких как Карло Бугатти, Галилео Чини и Эудженио Кварти.

The Franco German art dealer and publisher Siegfried Bing played a key role in publicizing the style. In 1891, he founded a magazine devoted to the art of Japan, which helped publicize Japonism in Europe. In 1892, he organized an exhibit of seven artists, among them Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse Lautrec and Eugène Grasset, which included both modern painting and decorative work. This exhibition was shown at the Société nationale des beaux arts in 1895. In the same year, Bing opened a new gallery at 22 rue de Provence in Paris, the Maison de l'Art Nouveau, devoted to new works in both the fine and decorative arts. The interior and furniture of the gallery were designed by the Belgian architect Henry van de Velde, one of the pioneers of Art Nouveau architecture. The Maison de l'Art Nouveau showed paintings by Georges Seurat, Paul Signac and Toulouse Lautrec, glass from Louis Comfort Tiffany and Émile Gallé, jewellery by René Lalique, and posters by Aubrey Beardsley. The works shown there were not at all uniform in style. Bing wrote in 1902, "Art Nouveau, at the time of its creation, did not aspire in any way to have the honor of becoming a generic term. It was simply the name of a house opened as a rallying point for all the young and ardent artists impatient to show the modernity of their tendencies." The style was quickly noticed in neighbouring France. After visiting Horta's Hôtel Tassel, Hector Guimard built the Castel Béranger, among the first Paris buildings in the new style, between 1895 and 1898. Parisians had been complaining of the monotony of the architecture of the boulevards built under Napoleon III by Georges Eugène Haussmann. The Castel Beranger was a curious blend of Neo Gothic and Art Nouveau, with curving whiplash lines and natural forms. Guimard, a skilled publicist for his work, declared: "What must be avoided at all cost is the parallel and symmetry. Nature is the greatest builder of all, and nature makes nothing that is parallel and nothing that is symmetric." Parisians welcomed Guimard's original and picturesque style; the Castel Béranger was chosen as one of the best new façades in Paris, launching Guimard's career. Guimard was given the commission to design the entrances for the new Paris Métro system, which brought the style to the attention of the millions of visitors to the city's 1900 [[Exposition Universelle (1900). The Exposition was the first international showcase for Art Nouveau designers and artists from across Europe and beyond. Prize winners and participants included Alphonse Mucha, who made murals for the pavilion of Bosnia Herzegovina and designed the menu for the restaurant of the pavilion; the decorators and designers Bruno Paul and Bruno Möhring from Berlin; Carlo Bugatti from Turin; Bernhardt Pankok from Bavaria; The Russian architect designer Fyodor Schechtel, and Louis Comfort Tiffany and Company from the United States. The Viennese architect Otto Wagner was a member of the jury, and presented a model of the Art Nouveau bathroom of his own town apartment in Vienna, featuring a glass bathtub. Josef Hoffmann designed the Viennese exhibit at the Paris exposition, highlighting the designs of the Vienna Secession. Eliel Saarinen first won international recognition for his imaginative design of the pavilion of Finland. While the Paris Exposition was by far the largest, other expositions did much to popularize the style. The 1888 Barcelona Universal Exposition marked the beginning of the Modernisme style in Spain, with some buildings of Lluís Domènech i Montaner. The Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna of 1902 in Turin, Italy, showcased designers from across Europe, including Victor Horta from Belgium and Joseph Maria Olbrich from Vienna, along with local artists such as Carlo Bugatti, Galileo Chini and Eugenio Quarti.

Модернизация во Франции

После выставки 1900 года столицей модерна стал Париж. Самые экстравагантные резиденции в этом стиле были построены Жюлем Лавироттом, который полностью покрывал фасады керамическим скульптурным декором. Самым ярким примером является здание Лавиротт по адресу: авеню Рапп, 29 (1901). В офисных зданиях и универмагах встречались высокие дворы, перекрытые куполами из витражного стекла и керамическим декором. Стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, включая Maxim's на улице Royale, 3, и Le Train bleu на вокзале Gare de Lyon (1900). Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он помог украсить знаменитый кабаре Le Chat Noir в 1885 году, создал свои первые плакаты для Fêtes de Paris и знаменитый плакат с Сарой Бернхардт в 1890 году. В Париже он преподавал в художественной школе Герана (École normale d'enseignement du dessin), где его учениками были Августо Джакометти и Поль Бертон. Швейцарский художник Теофиль Александр Штайнлен создал знаменитый плакат для парижского кабаре Le Chat Noir в 1896 году. Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году создал плакат для актрисы Сары Бернхардт к пьесе Викториена Сарду «Гисмонда», поставленной в Théâtre de la Renaissance. Успех этого плаката привел к заключению контракта на создание плакатов к шести другим пьесам с участием Бернхардт. Город Нанси в Лотарингии стал еще одной французской столицей нового стиля. В 1901 году была основана Альянс провинциальных индустрий искусства, также известная как Школа Нанси, целью которой было ниспровержение иерархии, возводящей живопись и скульптуру выше декоративного искусства. Среди ключевых художников, работавших там, были создатели стеклянных ваз и ламп Эмиль Галле, братья Дом в области дизайна стекла и дизайнер Луи Мажорель, создававший мебель с изящными цветочными и растительными формами. Архитектор Анри Соваж принес новый архитектурный стиль в Нанси с его виллой Мажорель в 1902 году. Французский стиль широко распространялся благодаря новым журналам, таким как The Studio, Arts et Idées и Art et Décoration, чьи фотографии и цветные литографии сделали этот стиль известным дизайнерам и состоятельным клиентам по всему миру. Во Франции стиль достиг своего расцвета в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции к 1905 году. Модерн был роскошным стилем, требовавшим квалифицированных и высокооплачиваемых мастеров и не поддававшимся легкому и дешевому массовому производству. Одним из немногих изделий в стиле модерн, которые можно было производить массово, был флакон для духов, и они до сих пор изготавливаются в этом стиле.

Following the 1900 Exposition, the capital of Art Nouveau was Paris. The most extravagant residences in the style were built by Jules Lavirotte, who entirely covered the façades with ceramic sculptural decoration. The most flamboyant example is the Lavirotte Building, at 29, avenue Rapp (1901). Office buildings and department stores featured high courtyards covered with stained glass cupolas and ceramic decoration. The style was particularly popular in restaurants and cafés, including Maxim's at 3, rue Royale, and Le Train bleu at the Gare de Lyon (1900). The status of Paris attracted foreign artists to the city. The Swiss born artist Eugène Grasset was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat Noir in 1885, made his first posters for the Fêtes de Paris and a celebrated poster of Sarah Bernhardt in 1890. In Paris, he taught at the Guérin school of art (École normale d'enseignement du dessin), where his students included Augusto Giacometti and Paul Berthon. Swiss born Théophile Alexandre Steinlen created the famous poster for the Paris cabaret Le Chat noir in 1896. The Czech artist Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895, made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda by Victorien Sardou in Théâtre de la Renaissance. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. The city of Nancy in Lorraine became the other French capital of the new style. In 1901, the Alliance provinciale des industries d'art, also known as the École de Nancy, was founded, dedicated to upsetting the hierarchy that put painting and sculpture above the decorative arts. The major artists working there included the glass vase and lamp creators Émile Gallé, the Daum brothers in glass design, and the designer Louis Majorelle, who created furniture with graceful floral and vegetal forms. The architect Henri Sauvage brought the new architectural style to Nancy with his Villa Majorelle in 1902. The French style was widely propagated by new magazines, including The Studio, Arts et Idées and Art et Décoration, whose photographs and colour lithographs made the style known to designers and wealthy clients around the world. In France, the style reached its summit in 1900, and thereafter slipped rapidly out of fashion, virtually disappearing from France by 1905. Art Nouveau was a luxury style, which required expert and highly paid craftsmen, and could not be easily or cheaply mass produced. One of the few Art Nouveau products that could be mass produced was the perfume bottle, and these are still manufactured in the style today.

Модернизация в Бельгии

Бельгия была одним из первых центров модерна, во многом благодаря архитектуре Виктора Орта, спроектировавшего один из первых домов в стиле модерн – отель Тассель в 1893 году, а также три других таунхауса в вариациях того же стиля. Сегодня они являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО. Орт оказал значительное влияние на творчество молодого Гектора Гимара, который приехал посмотреть на строящийся отель Тассель и позже заявил, что Орт был "изобретателем" модерна. Новаторством Орта был не фасад, а интерьер, в котором он обильно использовал железо и стекло, чтобы расширить пространство и наполнить комнаты светом, украшая их коваными железными колоннами и перилами изогнутых растительных форм, которые повторялись на полах и стенах, а также в мебели и коврах, разработанных самим Ортом. Полом Ханкаром был еще одним пионером брюссельского модерна. Его дом был завершен в 1893 году, одновременно с отелем Тассель Орта, и отличался фасадом, украшенным сграффито. Ханкар находился под влиянием как Виоле-ле-Дюка, так и идей английского движения «Искусства и ремесла». Его концепция заключалась в объединении декоративного и изобразительного искусства в единое целое. Он пригласил скульптора Альфреда Крика и художника Адольфа Креспина для украшения фасадов домов своими работами. Наиболее ярким примером является дом и студия, построенные для художника Альберта Чиамберлани по адресу: улица Дефакц, 48 / Defacqzstraat в Брюсселе, для которого он создал пышный фасад, покрытый сграффито с изображением фигур и орнаментов, воссоздавая декоративную архитектуру Кватроченто, то есть Италии XV века. Бельгийские дизайнеры использовали обильные запасы слоновой кости, импортируемой из Бельгийского Конго; скульптуры, сочетающие камень, металл и слоновую кость, работы таких художников, как Филипп Вольферс, пользовались популярностью.

Новое искусство в Нидерландах

В Нидерландах стиль был известен как Nieuwe Stijl («Новый стиль») или Nieuwe Kunst («Новое искусство»), и он пошел другим путем, нежели более цветочный и изогнутый стиль в Бельгии. На него повлияли более геометричные и стилизованные формы немецкого югендстиля и австрийского Венского сецессиона. Также на него оказали влияние искусство и импортируемая древесина из Индонезии, тогда Голландской Ост-Индии, в особенности дизайн текстиля и батика с Явы. Самым важным архитектором и дизайнером мебели в этом стиле был Хендрик Петрус Берлаж, который отвергал исторические стили и выступал за исключительно функциональную архитектуру. Он писал: «Необходимо бороться с искусством иллюзии, распознавать ложь, чтобы найти сущность, а не иллюзию». Как и Виктор Орта и Гауди, он был поклонником архитектурных теорий Виоле ле Дюка. Его мебель проектировалась как строго функциональная, с уважением к естественной форме дерева, а не с его изгибами и скручиваниями, будто это металл. Он приводил в пример египетскую мебель и предпочитал стулья с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой была Берс ван Берлаж (1896–1903), Амстердамская товарная биржа, построенная им в соответствии с принципами конструктивизма. Все было функциональным, включая линии заклепок, украшавшие стены главного зала. Он часто включал в свои здания высокие башни, чтобы сделать их более заметными, что было распространено среди других архитекторов модерна того времени, таких как Йозеф Мария Ольбрих в Вене и Элиэль Сааринен в Финляндии. К другим зданиям в этом стиле относятся American Hotel (1898–1900), также спроектированный Берлажем; и Astoria (1904–1905) работы Германа Хендрика Баандерса и Геррита ван Аркеля в Амстердаме; железнодорожный вокзал в Харлеме (1906–1908) и бывшее офисное здание Holland America Lines (1917) в Роттердаме, ныне отель New York. Среди выдающихся графических художников и иллюстраторов этого стиля был Ян Туроп, чьи работы тяготели к мистицизму и символизму, даже в его плакатах для салатного масла. В их цветовой гамме и рисунках иногда проявлялось влияние искусства Явы. Важными фигурами в голландской керамике и фарфоре были Юрриан Кок и Тео Коленбрандер. Они использовали красочные цветочные узоры и более традиционные мотивы модерна, сочетая их с необычными формами керамики и контрастными темными и светлыми цветами, заимствованными из батик-декорации Явы.

In the Netherlands, the style was known as the Nieuwe Stijl ('New Style'), or Nieuwe Kunst ('New Art'), and it took a different direction from the more floral and curving style in Belgium. It was influenced by the more geometric and stylized forms of the German Jugendstil and Austrian Vienna Secession. It was also influenced by the art and imported woods from Indonesia, then the Dutch East Indies, particularly the designs of the textiles and batik from Java. The most important architect and furniture designer in the style was Hendrik Petrus Berlage, who denounced historical styles and advocated a purely functional architecture. He wrote, "It is necessary to fight against the art of illusion, to and to recognize the lie, in order to find the essence and not the illusion." Like Victor Horta and Gaudí, he was an admirer of architectural theories of Viollet le Duc. His furniture was designed to be strictly functional, and to respect the natural forms of wood, rather than bending or twisting it as if it were metal. He pointed to the example of Egyptian furniture, and preferred chairs with right angles. His first and most famous architectural work was the Beurs van Berlage (1896–1903), the Amsterdam Commodities Exchange, which he built following the principles of constructivism. Everything was functional, including the lines of rivets that decorated the walls of the main room. He often included very tall towers to his buildings to make them more prominent, a practice used by other Art Nouveau architects of the period, including Joseph Maria Olbrich in Vienna and Eliel Saarinen in Finland. Other buildings in the style include the American Hotel (1898–1900), also by Berlage; and Astoria (1904–1905) by Herman Hendrik Baanders and Gerrit van Arkel in Amsterdam; the railway station in Haarlem (1906–1908), and the former office building of the Holland America Lines (1917) in Rotterdam, now the Hotel New York. Prominent graphic artists and illustrators in the style included Jan Toorop, whose work inclined toward mysticism and symbolism, even in his posters for salad oil. In their colors and designs, they also sometimes showed the influence of the art of Java. Important figures in Dutch ceramics and porcelain included Jurriaan Kok and Theo Colenbrander. They used colorful floral pattern and more traditional Art Nouveau motifs, combined with unusual forms of pottery and contrasting dark and light colors, borrowed from the batik decoration of Java.

Современный стиль и школа Глазго в Британии

Арт-нуво зародился в Великобритании, в рамках движения «Искусства и ремесла», начавшегося в 1860-х годах и получившего международное признание к 1880-м годам. Оно призывало к более высокому уровню декоративного искусства и черпало вдохновение в средневековом ремесленничестве и дизайне, а также в природе. Одним из ранних примеров стиля модерн является дизайн Артура Макмурдо для обложки его эссе о городских церквях сэра Кристофера Рена, опубликованного в 1883 году, и его кресло из красного дерева того же года. Среди других важных новаторов в Великобритании были графические дизайнеры Обри Бердсли, чьи рисунки отличались плавными изогнутыми линиями, ставшими наиболее узнаваемой чертой стиля. Также можно привести примеры кованого железа 1880-х годов с его текучими формами, или некоторые плоские цветочные текстильные узоры, многие из которых испытали влияние дизайна XIX века. Важное место в стиле занимали также британские художники Уолтер Крейн и Чарльз Эшби. Универмаг Liberty в Лондоне сыграл значительную роль благодаря своим красочным, стилизованным цветочным узорам для текстиля, а также дизайнам серебряных, оловянных изделий и ювелирных украшений Арчибальда Нокса, выходца с острова Мэн (шотландского происхождения). Его ювелирные изделия в материалах и формах полностью отошли от исторических традиций ювелирного искусства. Глазго был важнейшим центром архитектуры и дизайна мебели в стиле модерн в Великобритании, благодаря творениям Чарльза Ренни Маккинтоша и Глазгоской школы, чьи работы вдохновлялись шотландской барочной архитектурой и японским дизайном. Начиная с 1895 года, Маккинтош выставлял свои проекты на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине, оказав особое влияние на венский сецессион. Его архитектурные работы включают здание газеты «Глазго Геральд» (1894) и библиотеку Школы искусств Глазго (1897). Он также завоевал репутацию дизайнера мебели и декоратора, тесно сотрудничая со своей женой Маргарет Макдональд Маккинтош, известной художницей и дизайнером. Вместе они создавали эффектные проекты, сочетающие геометрические прямые линии с мягкими изогнутыми цветочными мотивами, в частности знаменитый символ стиля – Глазгоскую розу. Леон Виктор Солон внес значительный вклад в керамику модерна в качестве художественного директора на фабрике Mintons. Он специализировался на плакетах и вазах, выполненных в технике наложения трубочек, которые продавались как «сецессионные изделия» (обычно описываемые как названные в честь венского художественного движения). Помимо керамики, он разрабатывал текстиль для шелковой промышленности Лика и форзацы для книгосвязчика (Г. Т. Баггули из Ньюкасла-под-Лаймом), который запатентовал переплет Сазерленда в 1895 году. Джордж Скиппер, возможно, был самым активным архитектором модерна в Англии. Здание Эдварда Эверарда в Бристоле, построенное в 1900–1901 годах для размещения типографии Эдварда Эверарда, отличается фасадом в стиле модерн. На нем изображены фигуры Иоганна Гутенберга и Уильяма Морриса, выдающихся деятелей в области печати. Крылатая фигура символизирует «Дух Света», а фигура, держащая лампу и зеркало, – свет и истину.

Art Nouveau had its roots in Britain, in the Arts and Crafts movement which started in 1860s and reached international recognition by 1880s. It called for better treatment of decorative arts, and took inspiration in medieval craftmanship and design, and nature. One notable early example of the Modern Style is Arthur Mackmurdo's design for the cover of his essay on the city churches of Sir Christopher Wren, published in 1883, as is his Mahogany chair from the same year. Other important innovators in Britain included the graphic designers Aubrey Beardsley whose drawings featured the curved lines that became the most recognizable feature of the style. Free flowing wrought iron from the 1880s could also be adduced, or some flat floral textile designs, most of which owed some impetus to patterns of 19th century design. Other British graphic artists who had an important place in the style included Walter Crane and Charles Ashbee. The Liberty department store in London played an important role, through its colourful stylized floral designs for textiles, and the silver, pewter, and jewellery designs of Manxman (of Scottish descent) Archibald Knox. His jewellery designs in materials and forms broke away entirely from the historical traditions of jewellery design. For Art Nouveau architecture and furniture design, the most important centre in Britain was Glasgow, with the creations of Charles Rennie Mackintosh and the Glasgow School, whose work was inspired by Scottish baronial architecture and Japanese design. Beginning in 1895, Mackintosh displayed his designs at international expositions in London, Vienna, and Turin; his designs particularly influenced the Secession Style in Vienna. His architectural creations included the Glasgow Herald Building (1894) and the library of the Glasgow School of Art (1897). He also established a major reputation as a furniture designer and decorator, working closely with his wife, Margaret Macdonald Mackintosh, a prominent painter and designer. Together they created striking designs that combined geometric straight lines with gently curving floral decoration, particularly a famous symbol of the style, the Glasgow Rose". Léon Victor Solon, made an important contribution to Art Nouveau ceramics as art director at Mintons. He specialised in plaques and in tube lined vases marketed as "secessionist ware" (usually described as named after the Viennese art movement). Apart from ceramics, he designed textiles for the Leek silk industry and doublures for a bookbinder (G. T. Bagguley of Newcastle under Lyme), who patented the Sutherland binding in 1895. George Skipper was perhaps the most active Art Nouveau architect in England. The Edward Everard building in Bristol, built during 1900–01 to house the printing works of Edward Everard, features an Art Nouveau façade. The figures depicted are of Johannes Gutenberg and William Morris, both eminent in the field of printing. A winged figure symbolises the "Spirit of Light", while a figure holding a lamp and mirror symbolises light and truth.

Югендстиль в Германии

Немецкий модерн обычно известен под своим немецким названием – югендстиль, или «молодежный стиль». Название происходит от художественного журнала «Jugend» («Молодежь»), издававшегося в Мюнхене. Журнал был основан в 1896 году Георгом Хиртом, который оставался его редактором до своей смерти в 1916 году. Журнал выходил до 1940 года. В начале XX века югендстиль применялся преимущественно к графическому искусству, особенно к формам типографии и графического дизайна, встречающимся в немецких журналах, таких как Jugend, Pan и Simplicissimus. Позднее югендстиль стали применять к другим направлениям модерна в Германии и Нидерландах. Этот термин был заимствован из немецкого языка несколькими балтийскими и скандинавскими странами для обозначения модерна (см. раздел «Название»). В 1892 году Георг Хирт выбрал название «Мюнхенская сецессия» для Ассоциации изобразительных художников Мюнхена. Венская сецессия, основанная в 1897 году, и Берлинская сецессия также заимствовали свое название у мюнхенской группы. Журналы Jugend и Simplicissimus, издаваемые в Мюнхене, и Pan, издаваемый в Берлине, были важными сторонниками югендстиля. Искусство югендстиля сочетало плавные кривые и более геометричные линии и использовалось для оформления обложек романов, рекламы и выставочных плакатов. Дизайнеры часто создавали оригинальные шрифты, гармонично сочетающиеся с изображением, например, шрифт Арнольда Беклина в 1904 году. Отто Экман был одним из наиболее известных немецких художников, связанных как с журналом Die Jugend, так и с Pan. Его любимым животным был лебедь, и его влияние было настолько велико, что лебедь стал символом всего движения. Другим выдающимся дизайнером в этом стиле был Рихард Римершмид, создававший мебель, керамику и другие декоративные предметы в сдержанном геометрическом стиле, предвосхищавшем арт-деко. Швейцарский художник Герман Обрист, живший в Мюнхене, проиллюстрировал мотив «coup de fouet» (удар кнута), или «хлыстообразный изгиб» – сильно стилизованную двойную кривую, изображающую движение и взятую из стебля цикламена. Дармштадтская колония художников была основана в 1899 году Эрнестом Людвигом, великим герцогом Гессенским. Архитектором, построившим дом великого герцога и крупнейшее сооружение колонии (Свадебную башню), был Иосиф Мария Олбрих, один из основателей Венской сецессии. Среди других известных художников колонии были Петер Беренс и Ханс Кристиансен. Эрнест Людвиг также поручил восстановить курортный комплекс в Бад-Наухайме в начале века. Полностью новый комплекс Спрудельхоф был построен в 1905–1911 годах под руководством Вильгельма Йоста и достиг одной из главных целей югендстиля: синтеза всех видов искусства. Еще одним членом правящей семьи, заказавшим строительство в стиле модерн, была принцесса Елизавета Гессенская и Рейнская. Она основала Марфо-Мариинскую обитель в Москве в 1908 году, и ее собор признан шедевром модерна. Важным объединением в Германской империи был Deutscher Werkbund, основанный в 1907 году в Мюнхене по инициативе Германна Мутезиуса художниками Дармштадтской колонии Иосифом Марией Олбрихом и Петером Беренсом, другим основателем Венской сецессии Йозефом Хоффманом, а также Wiener Werkstätte (основанной Хоффманом), Рихардом Римершмидом, Бруно Полом и другими художниками и компаниями. Позже к движению присоединился бельгиец Анри ван де Вельде. Основанная им Великая герцогская школа искусств и ремесел в Веймаре стала предшественницей Баухауса – одного из самых влиятельных направлений в модернистской архитектуре. В Берлине югендстиль был выбран для строительства нескольких железнодорожных станций. Наиболее известна станция Bülowstraße, построенная Бруно Мёрингом (1900–1902 годы), другие примеры – станции Mexikoplatz (1902–1904 годы), Botanischer Garten (1908–1909 годы), Frohnau (1908–1910 годы), Wittenbergplatz (1911–1913 годы) и Pankow (1912–1914 годы). Еще одним заметным сооружением Берлина являются Hackesche Höfe (1906 год), для фасада двора которых использовался полихромный глазурованный кирпич. Модерн в Страсбурге (тогда часть Германской империи как столица Рейхсланда Эльзас-Лотарингия) имел свою специфику, сочетая влияния из Нанси и Брюсселя с влияниями из Дармштадта и Вены, что привело к местному синтезу, отражавшему историю города, находящегося на стыке германской и французской культур.

German Art Nouveau is commonly known by its German name, Jugendstil, or 'Youth Style'. The name is taken from the artistic journal, [[Jugend (magazine) ('Youth'), which was published in Munich. The magazine was founded in 1896 by Georg Hirth, who remained editor until his death in 1916. The magazine survived until 1940. During the early 20th century, Jugendstil was applied only to the graphic arts. It referred especially to the forms of typography and graphic design found in German magazines such as Jugend, Pan, and Simplicissimus. Jugendstil was later applied to other versions of Art Nouveau in Germany, the Netherlands. The term was borrowed from German by several languages of the Baltic states and Nordic countries to describe Art Nouveau (see Naming section). In 1892 Georg Hirth chose the name Munich Secession for the Association of Visual Artists of Munich. The Vienna Secession, founded in 1897, and the Berlin Secession also took their names from the Munich group. The journals Jugend and Simplicissimus, published in Munich, and Pan, published in Berlin, were important proponents of the Jugendstil. Jugendstil art combined sinuous curves and more geometric lines, and was used for covers of novels, advertisements, and exhibition posters. Designers often created original styles of typeface that worked harmoniously with the image, e. g. Arnold Böcklin typeface in 1904. Otto Eckmann was one of the most prominent German artists associated with both Die Jugend and Pan. His favourite animal was the swan, and so great was his influence that the swan came to serve as the symbol of the entire movement. Another prominent designer in the style was Richard Riemerschmid, who made furniture, pottery, and other decorative objects in a sober, geometric style that pointed forward toward Art Deco. The Swiss artist Hermann Obrist, living in Munich, illustrated the coup de fouet or whiplash motif, a highly stylized double curve suggesting motion taken from the stem of the cyclamen flower. The Darmstadt Artists' Colony was founded in 1899 by Ernest Ludwig, Grand Duke of Hesse. The architect who built Grand Duke's house, as well as the largest structure of the colony (Wedding tower), was Joseph Maria Olbrich, one of the Vienna Secession founders. Other notable artists of the colony were Peter Behrens and Hans Christiansen. Ernest Ludwig also commissioned to rebuild the spa complex in Bad Nauheim at the beginning of century. A completely new Sprudelhof [de] complex was constructed in 1905–1911 under the direction of Wilhelm Jost [de] and attained one of the main objectives of Jugendstil: a synthesis of all the arts. Another member of the reigning family who commissioned an Art Nouveau structure was Princess Elisabeth of Hesse and by Rhine. She founded Marfo Mariinsky Convent in Moscow in 1908 and its katholikon is recognized as an Art Nouveau masterpiece. Another notable union in German Empire was the Deutscher Werkbund, founded in 1907 in Munich at the instigation of Hermann Muthesius by artists of Darmstadt Colony Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens; by another founder of Vienna Secession Josef Hoffmann, as well as by Wiener Werkstätte (founded by Hoffmann), by Richard Riemerschmid, Bruno Paul and other artists and companies. Later Belgian Henry van de Velde joined the movement. The Grand Ducal School of Arts and Crafts [de], founded by him in Weimar, was a predecessor of Bauhaus, one of the most influential currents in Modernist architecture. In Berlin, Jugendstil was chosen for the construction of several railway stations. The most notable is Bülowstraße by Bruno Möhring (1900–1902), other examples are Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) and Pankow (1912–1914) stations. Another notable structure of Berlin is Hackesche Höfe (1906) which used polychrome glazed brick for the courtyard façade. Art Nouveau in Strasbourg (then part of the German Empire as the capital of the Reichsland Elsaß Lothringen) was a specific brand, in that it combined influences from Nancy and Brussels, with influences from Darmstadt and Vienna, to operate a local synthesis which reflected the history of the city between the Germanic and the French realms.

Венская сецессия

Вена стала центром особого варианта модерна, который получил название Венская сецессия. Движение заимствовало своё название у Мюнхенской сецессии, основанной в 1892 году. Венская сецессия была основана в апреле 1897 года группой художников, в которую входили Густав Климт, Коломан Мозер, Йозеф Хоффман, Йозеф Мария Олбрих, Макс Курцвейл, Эрнст Штёр и другие. Он присоединился к движению вскоре после его основания, чтобы поддержать своих учеников Хоффмана и Ольбриха. Его основные проекты включали несколько станций городской железной дороги (Штадтбан), здания на улице Линке Винцеле (включая Дом Майолики, Дом медальонов и дом на Кёстлергассе). Станция Карлсплац сейчас является выставочным залом Венского музея. Церковь на Штейнхофе психиатрической больницы Штейнхоф (1904–1907) – уникальный и тонко выполненный образец религиозной архитектуры сецессии, с традиционным купольным экстерьером, но гладким, современным интерьером в золотых и белых тонах, освещённым множеством современных витражей. В 1899 году Йозеф Мария Олбрих переехал в Дармштадтскую художественную колонию, а в 1903 году Коломан Мозер и Йозеф Хоффман основали Венер Веркштетте – учебную школу и мастерскую для дизайнеров и мастеров, работающих с мебелью, коврами, текстилем и декоративными предметами. В 1905 году Коломан Мозер и Густав Климт отделились от Венской сецессии, а позднее, в 1907 году, Коломан Мозер покинул Венер Веркштетте, в то время как другой его основатель, Йозеф Хоффман, присоединился к Немецкому рабочему союзу. В июне 2009 года объект был включён в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Венгерский Szecesszió

Пионер и пророк «Сецессиона» (Szecesszió на венгерском языке), архитектор Эдён Лехнер, создал здания, которые ознаменовали переход от историзма к модерну в венгерской архитектуре. Его идея венгерского архитектурного стиля заключалась в использовании архитектурной керамики и восточных мотивов. В своих работах он использовал пигорганит, производство которого было начато в 1886 году на фарфоровой фабрике Золная. К его работам относятся Музей прикладного искусства (1893–1896), а также другие здания с аналогичными характерными чертами – Геологический музей (1896–1899) и здание Почтово-сберегательного банка (1899–1902), все в Будапеште. Однако из-за противодействия венгерского архитектурного сообщества успеху Лехнера, он вскоре не смог получить новые заказы, сопоставимые с его ранними работами. Среди его наиболее известных зданий – Римско-католическая церковь в Зебегень (1908–1909), павильоны Будапештского муниципального зоопарка (1909–1912) и Национальный музей Секели в Сепсисент-Дьердь (ныне Сфынту-Георге, Румыния, 1911–1912). Движением, продвигавшим «Сецессион» в искусстве, была художественная колония Гёдёллё, основанная Аладаром Кёрёшфои Криешем, также последователем Джона Раскина и Уильяма Морриса и профессором Королевской школы прикладного искусства в Будапеште с 1901 года. Его художники принимали участие во многих проектах, включая Академию музыки имени Ференца Листа в Будапеште. Микса Рот, сотрудничавший с художественной колонией Гёдёллё, также участвовал в нескольких десятках проектов в стиле «Сецессион», включая будапештские здания, такие как Дворец Грешама (витражи, 1906) и Банк Тёрок [fr] (мозаики, 1906), а также создал мозаики и витражи для Дворца культуры (1911–1913) в Марошвашархели. Известным дизайнером мебели был Эдён Фараго [hu], который объединил традиционную народную архитектуру, восточную архитектуру и международный модерн в весьма живописном стиле. Другой венгерский дизайнер, Пал Хорти [hu], придерживался более сдержанного и функционального стиля, используя дуб с изящными узорами из эбенового дерева и латуни.

Отделение Богемии, Моравии и Словакии

Самые заметные здания сецессии в Праге являются примерами тотального искусства с характерной архитектурой, скульптурой и живописью. Главный железнодорожный вокзал (1901–1909) был спроектирован Йозефом Фантой и украшен картинами Вацлава Янсы и скульптурами Ладислава Шалуна и Станислава Сучарды, а также работами других художников. Муниципальный дом (1904–1912) был спроектирован Освальдом Поливкой и Антонином Бальшанеком, расписан известным чешским художником Альфонсом Мухой и включает скульптуры Йозефа Маратки и Ладислава Шалуна. Поливка, Маратка и Шалун одновременно сотрудничали в строительстве Новой Ратуши (1908–1911) вместе со Станиславом Сучардой, а Муха позже создал витражи для собора Святого Вита в своем неповторимом стиле. Самым важным чешским архитектором этого периода был Ян Котера, учившийся в Вене у Отто Вагнера. Его наиболее известные работы – Дом Петрки на Вацлавской площади, 12 (Прага, 1899–1900), Национальный дом в Простоёеве (1905–1907) и Музей восточной Богемии в Градец-Кралове (1909–1912). Многие значимые венские архитекторы родились в Моравии или Австрийской Силезии, такие как Йозеф Хоффман, Губерт Гесснер, Йозеф Мария Олбрих и Леопольд Бауэр. Для словацкого архитектора Душана Юрковича был характерен стиль, сочетавший венгерскую сецессию и национальные архитектурные элементы. Его наиболее оригинальные работы – Дом культуры в Сакольце (ныне Скалица, Словакия, 1905), здания курорта в Лугачовице (ныне Чехия, 1901–1903) и 35 военных кладбищ вблизи Новы-Жмигрода в Галиции (ныне Польша), большинство из которых испытали сильное влияние местного лемковского (русинского) народного искусства и плотницкого дела (1915–1917).

Отделение Галиции

Наиболее важными центрами сецессии в Галиции были Краков, Львов и Бельско-Бяла. Самым важным примером стиля в Кракове является Дворец искусств (1898–1901), спроектированный Франциском Мачинским под влиянием Зала сецессии в Вене. Другие важные работы, которые Мачинский спроектировал в Кракове совместно с Тадеушем Стриенским: Дом под Глобусом (1904–1905) и Старый театр (1903–1906). Важнейшими художниками по интерьеру были Станислав Выспяньский и Йозеф Мехоффер, которые создали множество витражей и оформляли интерьеры зданий. Наиболее значимыми работами Выспяньского являются витражи в Францисканской церкви и в Доме Краковского медицинского общества (1905), а Мехоффера – интерьер Дома под Глобусом. Во Львове ведущим архитектором был Владислав Садловский, учившийся в Вене и находившийся под влиянием Отто Вагнера. Он спроектировал Львовский вокзал (1899–1904), Львовскую филармонию (1905–1908) и Промышленную школу (1907–1908). Другим важным архитектором, также вдохновленным Вагнером, был Иван Левинский. Одной из самых известных построек в Бельско-Бяле является так называемый Дом лягушек Эммануэля Роста (1903). Другие важные образцы сецессии были спроектированы венскими архитекторами: Максом Фабиани, автором дома на улице Барлицкого, 1 (1900), а также Леопольдом Бауэром, спроектировавшим дом на улице Стояловского, 51 (1903) и реконструкцию собора Святого Николая (1909–10).

Отступление Словении, Боснии, Хорватии и Триеста

Самым плодовитым архитектором словенского сецессиона был Сирил Метод Кох. Он учился в классе Отто Вагнера в Вене и работал в городском совете Лайбаха (ныне Любляна, Словения) с 1894 по 1923 год. После землетрясения в Лайбахе в 1895 году он спроектировал множество светских зданий в стиле сецессион, который он использовал в период с 1900 по 1910 год.

Арта 1900 или модерн в Румынии

Ар-нуво появляется в Румынии в те же годы, что и в Западной Европе (начало 1890-х – до начала Первой мировой войны в 1914 году), но здесь зданий в этом стиле немного, преобладает стиль Beaux-Arts. Самым известным примером является казино в Констанце. Большинство румынских образцов архитектуры ар-нуво на самом деле представляют собой сочетание стиля Beaux-Arts и ар-нуво, как, например, дом Ромула Пореску или дом № 61 на улице Василе Ласкэр, оба в Бухаресте. Это связано с тем, что стиль был своего рода под запретом в румынской архитектуре из-за его популярности в Трансильвании, которая в то время входила в состав Австро-Венгерской империи, где румыны подвергались угнетению и дискриминации, несмотря на то, что составляли большинство населения. Поэтому те, кто хотел дом в стиле ар-нуво в 1900-х и начале 1910-х годов, могли позволить себе лишь некоторые тонкие орнаменты, напоминающие этот стиль, в то время как остальное оформлялось в стиле Beaux-Arts или, в редких случаях, в стиле румынского возрождения. Примером этого является дом Фанни и Исаака Поппера в Бухаресте (улица Сфинцлор, д. 1), построенный Альфредом Поппером в 1914 году. Он выполнен преимущественно в академическом стиле Beaux-Arts, но имеет рельефы в стиле ар-нуво с изображением танцующих женщин, играющих на музыкальных инструментах, у основания двух пилястр и цветами над арочным дверным проемом. Часто встречающаяся деталь, напоминающая этот стиль, – арочные окна с изогнутыми деревянными элементами. Однако эта особенность окон не обязательно указывает на ар-нуво, поскольку в архитектуре Beaux-Arts и неорококо также часто используются изогнутые и плавные линии, особенно в 1890-х, 1900-х и 1910-х годах. Одним из наиболее известных румынских художников, работавших в стиле ар-нуво, был Штефан Лучиан, который на короткий период времени перенял новаторские и декоративные тенденции этого стиля. Этот период совпал с основанием Общества «Илеана» в 1897 году, одним из основателей которого он был. Общество организовало выставку (1898) в отеле Union под названием «Выставка независимых художников» и издавало журнал «Журнал Илеаны». В Трансильвании сохранились образцы как архитектуры ар-нуво, так и румынского возрождения, причем первые относятся к австро-венгерскому периоду. Большинство из них можно найти в Орадее, который называют «столицей ар-нуво Румынии», а также в Тимишоаре, Тыргу-Муреше и Сибиу.

Art Nouveau appears in Romania during the same years as it does in Western Europe (early 1890s until the outbreak of World War I in 1914), but here few are the buildings in this style, the Beaux Arts being predominant. The most famous of them is the Constanța Casino. Most of the Romanian examples of Art Nouveau architecture are actually mixes of Beaux Arts and Art Nouveau, like the Romulus Porescu House or house no. 61 on Strada Vasile Lascăr, both in Bucharest. This is because the style was somewhat illegal in Romanian architecture, due to being popular in Transilvania, part of the Austro Hungarian Empire at that time, where Romanians were suppressed and discriminated, despite being the majority of the population. So, the people who wanted an Art Nouveau home in the 1900s and early 1910s could only put some subtile ornaments reminiscent of the style, while the rest was completely Beaux Arts or in some rare cases Romanian Revival. An example of this is the Fanny and Isac Popper House in Bucharest (Strada Sfinților no. 1), 1914, by Alfred Popper, which is primarily in the Beaux Arts academic style, but has some Art Nouveau reliefs of women dancing and playing musical instruments at the bases of the two pilasters and flowers above the arch door. A frequent feature reminiscent of the style are the arch windows which have curvy woodwork elements. However, this window feature may not necessarily be Art Nouveau, since Beaux Arts and Rococo Revival architecture tends to use curvy and sinuous lines, especially during the 1890s, 1900s and 1910s. One of the most notable Art Nouveau painters from Romania was Ștefan Luchian, who quickly took over the innovative and decorative directions of Art Nouveau for a short period of time. The moment was synchronized with the founding of the Ileana Society in 1897, of which he was a founding member, a company that organized an exhibition (1898) at the Union Hotel entitled The Exhibition of Independent Artists and published a magazine – the Ileana Magazine. Transylvania has examples of both Art Nouveau and Romanian Revival buildings, the former being from the Austro Hungarian era. Most of them can be found in Oradea, nicknamed the "Art Nouveau capital of Romania", but also in Timișoara, Târgu Mureș and Sibiu.

Стиль Либерти в Италии

В Италии модерн был известен как arte nuova, stile floreale, stile moderno и особенно stile Liberty. Стиль Либерти получил свое название от Артура Ласенби Либерти и магазина, который он основал в 1874 году в Лондоне, универмага Liberty, специализировавшегося на импорте украшений, текстиля и предметов искусства из Японии и Дальнего Востока, и чьи красочные ткани были особенно популярны в Италии. Среди известных итальянских дизайнеров в этом стиле был Галилео Чини, чья керамика часто вдохновлялась узорами майолики. Позже он прославился как художник и театральный декоратор; он создал декорации к двум знаменитым операм Пуччини – «Джанни Шикки» и «Турандот». Красочные фрески, выполненные как в живописи, так и в керамике, и скульптуры, как в интерьере, так и снаружи, были характерной чертой стиля Либерти. Они опирались как на классические, так и на растительные мотивы, как, например, в банях Аку-дель-Салют и в Casa Guazzoni в Милане. Самой важной фигурой в дизайне стиля Либерти был Карло Бугатти, сын архитектора и декоратора, отец Рембрандта Бугатти, скульптора в стиле Либерти, и Этторе Бугатти, знаменитого автомобильного конструктора. Он учился в Миланской академии Брера, а затем в Академии изящных искусств в Париже. Его работы отличались экзотикой и эксцентричностью и включали серебряные изделия, текстиль, керамику и музыкальные инструменты, но он наиболее известен своими новаторскими проектами мебели, впервые представленными на Миланской выставке изобразительных искусств в 1888 году. Его мебель часто имела дизайн в виде замочной скважины и отличалась необычной обивкой, включая пергамент и шелк, а также инкрустацией из кости и слоновой кости. Иногда она также имела удивительные органические формы, имитирующие улиток и кобр.

Модернизация и сецессия в Сербии

Из-за близости к Австро-Венгрии и того, что Воеводина входила в состав империи до 1918 года, как Венский сецессион, так и венгерский Сецессио были широко распространены в современной северной Сербии, а также в столице Белграде. Знаменитые австрийские и венгерские архитекторы спроектировали множество зданий в Суботице, Нови-Саде, Паличе, Зреньянине, Врбасе, Сенте и Кикинде. Наследие модерна в Белграде, Панчево, Аранджеловаце и Врнячке Бане представляет собой сочетание французских, немецких, австрийских, венгерских и местных сербских направлений. От причудливой цветочной красоты синагоги в Суботице до розеток в стиле морава на белградском телеграфном здании, архитектура модерна принимает разнообразные формы в современной Сербии. В начале 1900-х годов к северу от Савы и Дуная возрождающиеся венгерские национальные настроения наполнили здания в Суботице и Сенте местными цветочными этническими мотивами, а в небольшом Королевстве Сербия национальные романтики, такие как Бранко Танезевич и Драгутин Инкиостири Меденяк (оба родились в Австро-Венгерской империи), воплотили традиционные сербские мотивы в великолепных зданиях. Другие архитекторы, такие как Милан Антонович и Никола Несторович, привнесли тогдашние модные плавные линии и природные мотивы в дома и предприятия своих состоятельных заказчиков, чтобы те могли продемонстрировать свою образованность и соответствие тенденциям в Париже, Мюнхене и Вене.

Модернизм и модернизм в Испании

Очень оригинальный вариант стиля возник в Барселоне, Каталония, примерно в то же время, что и стиль модерн в Бельгии и Франции. На каталонском он назывался Modernisme, а на испанском – Modernismo. Его самым известным создателем был Антони Гауди. Гауди использовал цветочные и органические формы совершенно новаторски в Палау Гюэль (1886–1890). По мнению ЮНЕСКО, «архитектура парка сочетает в себе элементы движения «Искусства и ремесла», символизма, экспрессионизма и рационализма, предвосхищая и оказывая влияние на многие формы и техники модернизма XX века». Он интегрировал в свою архитектуру ремесленные техники, такие как керамика, витражи, кованое железо и столярные работы. В своих Павильонах Гюэля (1884–1887), а затем в Парке Гюэля (1900–1914) он также использовал новую технику под названием trencadís, в которой использовались обломки керамики. Его проекты, начиная примерно с 1903 года, такие как Casa Batlló (1904–1906) и Casa Milà (1906–1912), а также более поздние сооружения, такие как Саграда Фамилия, объединяли элементы модерна с возрожденной нео-готикой. Другим крупным модернистом был Жозеп Пуиг и Кадафальч, спроектировавший Casa Martí и кафе Els Quatre Gats, текстильную фабрику Казимира Касарамоны (ныне художественный музей CaixaFòrum), Casa Macaya, Casa Amatller, Палау дель Баро де Квадрас (в котором в течение 10 лет до 2013 года располагался Casa Àsia) и так называемый «Дом шипов». Выразительное течение модерна также существовало в Валенсийском сообществе. Среди известных архитекторов были Деметрио Рибес Марко, Висенте Паскуаль Пастор, Тимотео Бриет Монто и Хосе Мария Мануэль Кортина Перес. Для валенсийского модерна характерно заметное использование керамики в декоре, как на фасадах, так и в орнаментах, а также применение валенсийских региональных мотивов. Еще одним примечательным вариантом является мадридский модерн или Modernismo madrileño, представленный такими известными зданиями, как Дворец Лонгория, Казино де Мадрид или Кладбище Альмудена и другими. Известными мадридскими модернистами были архитекторы Хосе Лопес Саллаберри, Фернандо Арбос и Треманти и др. Движение Modernisme оставило богатое художественное наследие, включающее рисунки, картины, скульптуры, изделия из стекла и металла, мозаики, керамику и мебель. Часть этого наследия можно увидеть в Национальном музее искусства Каталонии. Вдохновленный парижским кафе Le Chat Noir, где он ранее работал, Пере Ромеу и Боррас решил открыть кафе в Барселоне под названием Els Quatre Gats (Четыре кота на каталонском языке). Кафе стало центральным местом встреч для самых выдающихся деятелей Modernisme в Барселоне, таких как Пабло Пикассо и Рамон Касас и Карбо, которые способствовали популяризации движения своими плакатами и открытками. Для кафе он создал картину «Рамон Касас и Пере Ромеу на тандеме», которая в 1901 году была заменена другой композицией под названием «Рамон Касас и Пере Ромеу в автомобиле», символизирующей новый век. Антони Гауди проектировал мебель для многих домов, которые он строил; одним из примеров является кресло для Дома Битвы. Он оказал влияние на другого известного каталонского дизайнера мебели, Гаспара Хомара (1870–1953), который часто сочетал инкрустацию и мозаику в своей мебели.

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Catalonia, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. It was called Modernisme in Catalan and Modernismo in Spanish. Its most famous creator was Antoni Gaudí. Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th century Modernism." He integrated crafts as ceramics, stained glass, wrought ironwork forging and carpentry into his architecture. In his Güell Pavilions (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904–1906) and Casa Milà (1906–1912), Later structures such as Sagrada Família combined Art Nouveau elements with revivalist Neo Gothic. Another major modernista was Josep Puig i Cadafalch, who designed the Casa Martí and its Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the italic=unset ('House of Spikes'). A distinctive Art Nouveau movement was also in the Valencian Community. Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud, and José María Manuel Cortina Pérez. Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the façade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives. Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or Modernismo madrileño, with such notable buildings as the Longoria Palace, the Casino de Madrid or the Cementerio de la Almudena, among others. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti and es. The Modernisme movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya. Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan). The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernisme, such as Pablo Picasso and Ramon Casas i Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas and Pere Romeu on a Tandem that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century. Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House. He influenced another notable Catalan furniture designer, Gaspar Homar [ca] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.

Арте Нова в Португалии

Вариант модерна в Авейру (Португалия) назывался Арт-нова, и его главной отличительной чертой было показное великолепие: этот стиль использовали представители буржуазии, стремившиеся продемонстрировать своё богатство на фасадах зданий, сохраняя при этом консервативные интерьеры. Ещё одной характерной особенностью Арт-новы было использование местной керамической плитки с мотивами модерна. Примерами служат Музей-резиденция доктора Анастасио Гонсалвеса работы Мануэля Хоакима Норте Жуниора (1904–1905) в Лиссабоне, Café Majestic работы Жоау Квироша (1921) и книжный магазин Livraria Lello работы Ксавье Эстевеша (1906), оба расположенные в Порту.

Финляндия

Арт-нуво был популярен в странах Северной Европы, где он обычно был известен как югендстиль и часто сочетался с национально-романтическим стилем каждой страны. Страной Северной Европы с наибольшим количеством зданий в стиле югендстиль является Великое княжество Финляндия, в то время входившее в состав Российской империи. Период югендстиля совпал с золотым веком финского искусства и национальным возрождением. После Парижской выставки 1900 года ведущим финским художником стал Аксели Галлен-Каллела. Он известен своими иллюстрациями к «Калевале», финскому национальному эпосу, а также изображениями многочисленных зданий в стиле югендстиль в герцогстве. Архитекторами финского павильона на выставке были Герман Гезеллиус, Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен. Они работали вместе с 1896 по 1905 год и создали множество выдающихся зданий в Хельсинки, включая здание страховой компании Pohjola (1899–1901) и Национальный музей Финляндии (1905–1910), а также их совместную резиденцию Hvitträsk в Киркконумми (1902). Архитекторы вдохновлялись скандинавскими легендами и природой, поэтому грубый гранитный фасад стал символом принадлежности к финской нации. После роспуска фирмы Сааринен спроектировал здание Хельсинкского вокзала (1905–1914) в более четких формах, под влиянием американской архитектуры.

Норвегия

Норвегия также стремилась к независимости (от Швеции), и местный модерн был связан с возрождением, вдохновленным искусством и ремеслами викингов. Известные дизайнеры включали Ларса Кисарвика, который разработал стулья с традиционными викингими и кельтскими узорами, и Герхарда Мунте, который создал стул со стилизованным изображением головы дракона с древних кораблей викингов, а также множество плакатов, картин и графики. Норвежский город Олесунн считается главным центром модерна в Скандинавии, поскольку он был полностью восстановлен после пожара 23 января 1904 года. Около 350 зданий были построены между 1904 и 1907 годами в соответствии с городским планом, разработанным инженером Фредериком Нессером. Сочетание единства и разнообразия породило стиль, известный как «Ål Stil». Здания в этом стиле отличаются линейным декором и отголосками как югендстиля, так и местных элементов, например, башен каркасных церквей или крыш с коньком. Также стоит отметить бывшую городскую библиотеку (ныне Датский национальный бизнес-архив) в Орхусе, Дания (1898–1901). Архитектором последнего является Хак Кампманн, в то время сторонник национально-романтического стиля, который также спроектировал здание таможни, театр и виллу Кампен в Орхусе. Самым известным дизайнером модерна в Дании был серебряник Георг Йенсен. Балтийская выставка в Мальмё в 1914 году может рассматриваться как последнее крупное проявление югендстиля в Швеции.

Современный в России

Модерн ("Современный") был очень красочным русским вариантом стиля модерн, который возник в Москве и Санкт-Петербурге в 1898 году с публикацией нового художественного журнала «Мир искусства» (Mir Iskusstva, «Мир искусства»), основанного русскими художниками Александром Бенуа и Леоном Бакстом и главным редактором Сергеем Дягилевым. Журнал организовывал выставки ведущих русских художников, включая Михаила Врубеля, Константина Сомова, Исаака Левитана и книжного иллюстратора Ивана Билибина. Стиль «Мира искусства» в меньшей степени использовал растительные и цветочные формы французского модерна, активно опираясь на яркие цвета и экзотические мотивы русского фольклора и сказок. Наиболее значительным вкладом «Мира искусства» стало создание новой балетной труппы, возглавляемой Дягилевым, с костюмами и декорациями, созданными Бакстом и Бенуа. Новая балетная труппа дебютировала в Париже в 1909 году и выступала там ежегодно до 1913 года. Экзотические и красочные декорации, разработанные Бенуа и Бакстом, оказали значительное влияние на французское искусство и дизайн. Костюмы и декорации публиковались в ведущих парижских журналах L'Illustration, La Vie Parisienne и Gazette du Bon Ton, а русский стиль стал известен в Париже как à la Bakst. Труппа оказалась заблокированной в Париже сначала из-за начала Первой мировой войны, а затем и из-за Русской революции 1917 года, и, иронично, так и не выступила в России. Среди русских архитекторов наиболее ярким представителем стиля модерн был Федор Шехтель. Самый известный пример – дом Рябушинского в Москве. Он был построен русским предпринимателем и владельцем газеты, а после Революции стал резиденцией писателя Максима Горького, а ныне – Музеем Горького. Главная лестница, выполненная из полированного бетона, мрамора и гранита, имеет плавные, изогнутые линии, напоминающие морские волны, и освещается лампой в форме парящей медузы. В интерьере также присутствуют двери, окна и потолок, украшенные красочными мозаичными фресками. Шехтель, которого также считают ключевой фигурой русского символизма, спроектировал несколько других знаковых зданий в Москве, включая реконструкцию Московского Ярославского вокзала в более традиционном стиле московского возрождения. Другие русские архитекторы того периода создавали здания в стиле русского возрождения, вдохновляясь исторической русской архитектурой. Эти постройки в основном возводились из дерева и отсылали к архитектуре Киевской Руси. Примером является дом «Теремок» в Талашкино (1901–1902) работы Сергея Малютина и дом Перцова (также известный как особняк Перцовых) в Москве (1905–1907). Он также был членом движения «Мир искусства». Санкт-петербургский архитектор Николай Васильев работал в различных стилях, прежде чем эмигрировать в 1923 году. Здание примечательно каменной резьбой работы Сергея Вашкова, вдохновленной резьбой собора Святого Дмитрия Ростовского во Владимире и собора Святого Георгия в Юрьеве-Польском XII и XIII веков. Другим примером архитектуры русского возрождения является Марфо-Мариинская обитель (1908–1912), обновленная Русская православная церковь, спроектированная Алексеем Щусевым, который позже, иронично, спроектировал Мавзолей Ленина в Москве. В этот период в России было построено несколько художественных колоний в стиле русского возрождения. Наиболее известными были Абрамцево, финансируемое Саввой Мамонтовым, и Талашкино в Смоленской губернии, финансируемое княгиней Марией Тенишевой.

Модерн ('Modern') was a very colourful Russian variation of Art Nouveau which appeared in Moscow and Saint Petersburg in 1898 with the publication of a new art journal, Мир искусства (Mir Iskusstva, 'The World of Art'), by Russian artists Alexandre Benois and Léon Bakst, and chief editor Sergei Diaghilev. The magazine organized exhibitions of leading Russian artists, including Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan, and the book illustrator Ivan Bilibin. The World of Art style made less use of the vegetal and floral forms of French Art Nouveau; it drew heavily upon the bright colours and exotic designs of Russian folklore and fairy tales. The most influential contribution of the Mir Iskusstva was the creation of a new ballet company, the italic=unset, headed by Diaghilev, with costumes and sets designed by Bakst and Benois. The new ballet company premiered in Paris in 1909, and performed there every year through 1913. The exotic and colourful sets designed by Benois and Bakst had a major impact on French art and design. The costume and set designs were reproduced in the leading Paris magazines, L'Illustration, [[La Vie Parisienne (magazine) and [[Gazette du Bon Ton, and the Russian style became known in Paris as à la Bakst. The company was stranded in Paris first by the outbreak of World War I, and then by the Russian Revolution in 1917, and ironically never performed in Russia. Of Russian architects, the most prominent in the pure Art Nouveau style was Fyodor Schechtel. The most famous example is the Ryabushinsky House in Moscow. It was built by a Russian businessman and newspaper owner, and then, after the Russian Revolution, became the residence of the writer Maxim Gorky, and is now the Gorky Museum. Its main staircase, made of a polished aggregate of concrete, marble and granite, has flowing, curling lines like the waves of the sea, and is illuminated by a lamp in the form of a floating jellyfish. The interior also features doors, windows and ceiling decorated with colorful frescoes of mosaic. Schechtel, who is also considered a major figure in Russian symbolism, designed several other landmark buildings in Moscow, including the rebuilding of the Moscow Yaroslavsky railway station, in a more traditional Moscow revival style. Other Russian architects of the period created Russian Revival architecture, which drew from historic Russian architecture. These buildings were created mostly in wood, and referred to the Architecture of Kievan Rus'. One example is the Teremok House in Talashkino (1901–1902) by Sergey Malyutin, and Pertsova House (also known as Pertsov House) in Moscow (1905–1907). He also was a member of Mir iskusstva movement. The Saint Petersburg architect Nikolai Vasilyev built in a range of styles before emigrating in 1923. This building is most notable for stone carvings made by Sergei Vashkov inspired by the carvings of Cathedral of Saint Demetrius in Vladimir and Saint George Cathedral in Yuryev Polsky of the XII and XIII centuries. Another example of this Russian Revival architecture is the Marfo Mariinsky Convent (1908–1912), an updated Russian Orthodox Church by Alexey Shchusev, who later, ironically, designed Lenin's Mausoleum in Moscow. Several art colonies in Russia in this period were built in the Russian Revival style. The two best known colonies were Abramtsevo, funded by Savva Mamontov, and Talashkino, Smolensk Governorate, funded by Princess Maria Tenisheva.

Украинская современная архитектура

Архитектура начала XX века на украинских землях (юго-западная часть Российской империи, Восточная Галиция, Буковина и Закарпатье в Австро-Венгрии) развивалась под влиянием украинской народной архитектуры, а также европейских направлений модерна, таких как закопанский стиль. Украинская "модерная" архитектура впервые приобрела известность в Полтавской губернии, где ее наиболее активными популяризаторами были Василий Крычевский и Опанас Сластион. В конце 1900-х и начале 1910-х годов ряд зданий в так называемом "украинском стиле" было построено в Киеве, Харькове, Одессе, Екатеринославе и ряде других городов Российской империи. В Западной Украине, которая в то время входила в состав Австро-Венгрии, местный украинский стиль испытал влияние гуцульской архитектуры, а также западноевропейских тенденций и влияний из Центральной Украины.

Сапин в Ла-Шо-де-Фон, Швейцария

Вариант, названный Style Sapin («Стиль ели»), возник в Ла-Шо-де-Фонде в кантоне Невшатель в Швейцарии. Стиль был разработан художником и мастером Шарлем Л’Эплаттенье и вдохновлен, в особенности, елью (sapin), а также другими растениями и дикой природой гор Юра. Одной из его главных работ стал крематорий в городе, украшенный треугольными формами деревьев, сосновыми шишками и другими природными мотивами региона. Стиль также сочетался с более геометричными элементами югендстиля и венской сецессии. Еще одним примечательным зданием в этом стиле является вилла Фальле в Ла-Шо-де-Фонде – шале, спроектированное и построенное в 1905 году учеником Л’Эплаттенье, восемнадцатилетним Ле Корбюзье. Форма дома представляла собой традиционное швейцарское шале, однако декор фасада включал треугольные деревья и другие элементы природы. Ле Корбюзье построил еще два шале в этом районе, в том числе Виллу Стотцер, в более традиционном стиле шале.

Тиффани Стайл и Луи Салливан в Соединенных Штатах

В Соединенных Штатах фирма Луи Комфорта Тиффани сыграла центральную роль в американском модерне. Родился в 1848 году, учился в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, начал работать со стеклом в 24 года, вступил в семейный бизнес, основанный его отцом, и в 1885 году открыл собственное предприятие, посвященное изысканному стеклу, и разработал новые техники его окрашивания. В 1893 году он начал создавать стеклянные вазы и чаши, вновь разрабатывая новые методы, позволявшие получать более оригинальные формы и расцветки, и начал экспериментировать с декоративным оконным стеклом. Слои стекла наносились печатью, имитировали мрамор и наслаивались друг на друга, создавая исключительное богатство и разнообразие цвета. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее модерна Зигфрида Бинга, что принесло ему новых европейских клиентов. После смерти отца в 1902 году он возглавил все предприятие Тиффани, но продолжал уделять значительную часть времени проектированию и изготовлению стеклянных произведений искусства. По совету Томаса Эдисона он начал производство электрических ламп с многоцветными стеклянными абажурами, выполненными из бронзы и железа или украшенными мозаикой, выпускаемыми многочисленными сериями и изданиями, каждое из которых создавалось с тщательностью, достойной ювелирного изделия. Над каждым изделием работала команда дизайнеров и мастеров. Лампа Тиффани, в частности, стала одним из символов модерна, но мастера Тиффани проектировали и изготавливали также необыкновенные окна, вазы и другие предметы из стекла. Стекло Тиффани имело большой успех на Всемирной выставке 1900 года в Париже; его витраж «Полет душ» был удостоен золотой медали. Колумбийская выставка стала важной площадкой для Тиффани; часовня его проекта была представлена в Павильоне искусства и промышленности. Часовня Тиффани и одно из окон из дома Тиффани в Нью-Йорке сейчас экспонируются в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-Парке, штат Флорида. Другой важной фигурой американского модерна был архитектор Луис Салливан. Салливан был ведущим пионером американской современной архитектуры. Он был основателем Чикагской школы, архитектором одних из первых небоскребов и учителем Фрэнка Ллойда Райта. Его самая известная фраза звучала как «Форма следует за функцией». Хотя форма его зданий определялась их назначением, его декор являлся примером американского модерна. На Всемирной Колумбийской выставке 1893 года в Чикаго, наиболее известной неоклассической архитектурой знаменитого Белого города, он спроектировал впечатляющий вход в стиле модерн для вполне функционального здания транспортного центра. Архитектура его здания Карсон, Пири, Скотт и Компании (1899) (ныне Центр Салливана) была поразительно современной и функциональной, но он окружил окна стилизованным цветочным декором. Он разработал столь же оригинальный декор для Национального фермерского банка Оватонны, штат Миннесота (1907–1908) и Торгового национального банка в Гринелле, штат Айова. Он создал специфически американский вариант модерна, утверждая, что декоративные формы должны колебаться, пульсировать, смешиваться и бесконечно развиваться. Он создавал работы высокой точности, которые иногда сочетались с готическими и модерновыми мотивами.

In the United States, the firm of Louis Comfort Tiffany played a central role in American Art Nouveau. Born in 1848, he studied at the National Academy of Design in New York City, began working with glass at the age of 24, entered the family business started by his father, and in 1885 set up his own enterprise devoted to fine glass, and developed new techniques for its colouring. In 1893, he began making glass vases and bowls, again developing new techniques that allowed more original shapes and colouring, and began experimenting with decorative window glass. Layers of glass were printed, marbled and superimposed, giving an exceptional richness and variety of colour in 1895 his new works were featured in the Art Nouveau gallery of Siegfried Bing, giving him a new European clientele. After the death of his father in 1902, he took over the entire Tiffany enterprise, but still devoted much of his time to designing and manufacturing glass art objects. At the urging of Thomas Edison, he began to manufacture electric lamps with multicoloured glass shades in structures of bronze and iron, or decorated with mosaics, produced in numerous series and editions, each made with the care of a piece of jewellery. A team of designers and craftsmen worked on each product. The Tiffany lamp in particular became one of the icons of the Art Nouveau, but Tiffany's craftsmen designed and made extraordinary windows, vases, and other glass art. Tiffany's glass also had great success at the 1900 Exposition Universelle in Paris; his stained glass window called the Flight of Souls won a gold medal. The Columbian Exposition was an important venue for Tiffany; a chapel he designed was shown at the Pavilion of Art and Industry. The Tiffany Chapel, along with one of the windows of Tiffany's home in New York, are now on display at the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida. Another important figure in American Art Nouveau was the architect Louis Sullivan. Sullivan was a leading pioneer of American modern architecture. He was the founder of the Chicago School, the architect of some of the first skyscrapers, and the teacher of Frank Lloyd Wright. His most famous saying was "Form follows function." While the form of his buildings was shaped by their function, his decoration was an example of American Art Nouveau. At the 1893 World's Columbian Exposition in Chicago, most famous for the neoclassical architecture of its renowned White City, he designed a spectacular Art Nouveau entrance for the very functional Transportation Building. While the architecture of his Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (now the Sullivan Center) was strikingly modern and functional, he surrounded the windows with stylized floral decoration. He invented equally original decoration for the National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907–1908) and the Merchants' National Bank in Grinell, Iowa. He invented a specifically American variety of Art Nouveau, declaring that decorative forms should oscillate, surge, mix and derive without end. He created works of great precision which sometimes combined Gothic with Art Nouveau themes.

Жанры

Ар-нуво представлено в живописи и скульптуре, но наиболее ярко выражено в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Оно особенно хорошо подходило для графических искусств, в частности для плаката, дизайна интерьеров, художественной обработки металла и стекла, ювелирного дела, дизайна мебели, керамики и текстиля.

Плакаты и графические работы

Графическое искусство процветало в эпоху модерна благодаря новым технологиям печати, особенно цветной литографии, которая позволила массовое производство цветных плакатов. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было увидеть на парижских стенах и в иллюстрированных художественных журналах, распространявшихся по всей Европе и в Соединенных Штатах. Наиболее популярной темой плакатов модерна были женщины – воплощение гламура, современности и красоты, часто окруженные цветами. В Великобритании ведущим графиком в стиле модерн был Обри Бердсли (1872–1898). Он начал с гравюрных иллюстраций к «Смерти Артура», затем создал черно-белые иллюстрации к «Саломее» Оскара Уайльда (1893), которые принесли ему известность. В том же году он начал создавать иллюстрации и плакаты для художественного журнала The Studio, который способствовал популяризации европейских художников, таких как Фернанд Хнопфф, в Великобритании. Изогнутые линии и замысловатые цветочные узоры привлекали столько же внимания, сколько и текст. Швейцарский художник французского происхождения Эжен Грасс (1845–1917) был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он помог украсить знаменитое кабаре Le Chat noir в 1885 году и создал свои первые плакаты для Fêtes de Paris. В 1890 году он создал знаменитый плакат с Сарой Бернхардт, а также множество книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Шере, Жорж де Фёре и художник Анри де Тулуз-Лотрек создавали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов и кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) прибыл в Париж в 1888 году, а в 1895 году создал плакат для актрисы Сары Бернхардт к пьесе Викториена Сарду «Гисмонда». Успех этого плаката привел к заключению контракта на создание плакатов для шести других пьес с участием Бернхардт. В течение следующих четырех лет он также разрабатывал декорации, костюмы и даже украшения для актрисы. Основываясь на успехе своих театральных плакатов, Муха создавал плакаты для различных товаров – от сигарет и мыла до пивного печенья, – всегда изображая идеализированную женскую фигуру с силуэтом «песочных часов». Он продолжил разрабатывать дизайн продуктов, от ювелирных изделий до коробок для печенья, в своем неповторимом стиле. В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868–1918), который активно участвовал в движении «Сецессион» вместе с Густавом Климтом и Йозефом Хоффманом, создавал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum, а также картины, мебель и элементы декора.

The graphic arts flourished in the Art Nouveau period, thanks to new technologies of printing, particularly colour lithography, which allowed the mass production of colour posters. Art was no longer confined to galleries, museums and salons; it could be found on Paris walls, and in illustrated art magazines, which circulated throughout Europe and to the United States. The most popular theme of Art Nouveau posters was women; women symbolizing glamour, modernity and beauty, often surrounded by flowers. In Britain, the leading graphic artist in the Art Nouveau style was Aubrey Beardsley (1872–1898). He began with engraved book illustrations for Le Morte d'Arthur, then black and white illustrations for Salome by Oscar Wilde (1893), which brought him fame. In the same year, he began engraving illustrations and posters for the art magazine The Studio, which helped publicize European artists such as Fernand Khnopff in Britain. The curving lines and intricate floral patterns attracted as much attention as the text. The Swiss French artist Eugène Grasset (1845–1917) was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat noir in 1885 and made his first posters for the Fêtes de Paris. He made a celebrated poster of Sarah Bernhardt in 1890, and a wide variety of book illustrations. The artist designers Jules Chéret, Georges de Feure and the painter Henri de Toulouse Lautrec all made posters for Paris theaters, cafés, dance halls cabarets. The Czech artist Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895 made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda by Victorien Sardou. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. Over the next four years, he also designed sets, costumes, and even jewellery for the actress. Based on the success of his theater posters, Mucha made posters for a variety of products, ranging from cigarettes and soap to beer biscuits, all featuring an idealized female figure with an hourglass figure. He went on to design products, from jewellery to biscuit boxes, in his distinctive style. In Vienna, the most prolific designer of graphics and posters was Koloman Moser (1868–1918), who actively participated in the Secession movement with Gustav Klimt and Josef Hoffmann, and made illustrations and covers for the magazine of the movement, Ver Sacrum, as well as paintings, furniture and decoration.

Стеклянное искусство

Искусство стекла стало средой, в которой модерн (ар-нуво) нашёл новые и разнообразные способы выражения. Интенсивные эксперименты проводились, особенно во Франции, для достижения новых эффектов прозрачности и непрозрачности: в технике гравировки преобладали камео, двойные слои и кислотная гравировка – технология, позволявшая серийное производство. Город Нанси стал важным центром французской стекольной промышленности, и там располагались мастерские Эмиля Галле и студия Daum, возглавляемая Августом и Антонином Даумом. Они сотрудничали со многими выдающимися дизайнерами, включая Эрнеста Буссиера, Анри Берже (иллюстратор) и Амальрика Уолтера. Они разработали новый метод инкрустации стекла, заключающийся в вдавливании фрагментов разноцветного стекла в незавершенное изделие. Они часто работали в сотрудничестве с дизайнером мебели Луи Мажорелем, чей дом и мастерские находились в Нанси. Характерной чертой модерна было также использование витражей с растительными мотивами в жилых помещениях, особенно в домах в стиле модерн в Нанси. Многие из них были выполнены Жаком Грубером, который создавал окна для Виллы Мажорель и других зданий. В Бельгии ведущей фирмой была стекольная фабрика Val Saint Lambert, производившая вазы органических и цветочных форм, многие из которых были разработаны Филиппом Вольферсом. Вольферс был особенно известен своими работами из символического стекла, часто украшенными металлическими элементами. В Богемии, регионе Австро-Венгерской империи, славившейся производством хрусталя, компании J. & L. Lobmeyr и Joh. Loetz Witwe также экспериментировали с новыми техниками окрашивания, создавая более яркие и насыщенные цвета. В Германии эксперименты возглавлял Карл Кёппинг, который использовал выдувное стекло для создания чрезвычайно изящных изделий в форме цветов, настолько хрупких, что до наших дней сохранилось лишь немного экземпляров. В Вене стеклянные изделия движения «Сецессион» отличались большей геометричностью, чем во Франции или Бельгии; Отто Прутшер был самым последовательным дизайнером стекла этого направления. В Великобритании Маргарет Макдональд Маккинтош создала ряд цветочных витражей для архитектурной экспозиции под названием «Дом любителя искусства». В Соединенных Штатах Луи Комфорт Тиффани и его дизайнеры прославились своими лампами, абажуры которых украшали распространенные цветочные мотивы, искусно собранные воедино. Лампы Тиффани приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани представил свои лампы в часовне, оформленной в византийском стиле. Тиффани активно экспериментировал с процессами окрашивания стекла и запатентовал в 1894 году технологию Favrile glass, в которой для окрашивания расплавленного стекла использовались металлические оксиды, придающие ему перламутровый эффект. Его мастерские выпускали несколько серий ламп Тиффани с различными цветочными узорами, а также витражи, ширмы, вазы и широкий ассортимент декоративных предметов. Его работы сначала импортировал в Германию, а затем во Францию Зигфрид Бинг, и вскоре они стали одной из декоративных сенсаций выставки 1900 года. Американским конкурентом Тиффани была компания Steuben Glass, основанная в 1903 году в Корнинге (штат Нью-Йорк) Фредериком Кардером, который, как и Тиффани, использовал процесс Favrile для создания поверхностей с радужными оттенками. Другим известным американским стеклохудожником был Джон Ла Фардж, создававший сложные и красочные витражи на религиозные и декоративные темы. Примеры витражей в церквях можно найти в статье об архитектуре модерна в религиозных зданиях.

Glass art was a medium in which Art Nouveau found new and varied ways of expression. Intense amount of experimentation went on, particularly in France, to find new effects of transparency and opacity: in engraving win cameo, double layers, and acid engraving, a technique that permitted production in series. The city of Nancy became an important centre for the French glass industry, and the workshops of Émile Gallé and the Daum studio, led by Auguste and Antonin Daum, were located there. They worked with many notable designers, including Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (illustrateur) [fr], and Amalric Walter. They developed a new method of incrusting glass by pressing fragments of different coloured glass into the unfinished piece. They often collaborated with the furniture designer Louis Majorelle, whose home and workshops were in Nancy. Another feature of Art Nouveau was the use of stained glass windows with that style of floral themes in residential salons, particularly in the Art Nouveau houses in Nancy. Many were the work of Jacques Grüber, who made windows for the Villa Majorelle and other houses. In Belgium, the leading firm was the glass factory of Val Saint Lambert, which created vases in organic and floral forms, many of them designed by Philippe Wolfers. Wolfers was noted particularly for creating works of symbolist glass, often with metal decoration attached. In Bohemia, then a region of the Austro Hungarian Empire noted for crystal manufacture, the companies J. & L. Lobmeyr and Joh. Loetz Witwe also experimented with new colouring techniques, producing more vivid and richer colours. In Germany, experimentation was led by Karl Köpping, who used blown glass to create extremely delicate glasses in the form of flowers; so delicate that few survive today. In Vienna, the glass designs of the Secession movement were much more geometrical than those of France or Belgium; Otto Prutscher was the most rigorous glass designer of the movement. In Britain, a number of floral stained glass designs were created by Margaret Macdonald Mackintosh for the architectural display called The House of an Art Lover. In the United States, Louis Comfort Tiffany and his designers became particularly famous for their lamps, whose glass shades used common floral themes intricately pieced together. Tiffany lamps gained popularity after the World's Columbian Exposition in Chicago in 1893, where Tiffany displayed his lamps in a Byzantine like chapel. Tiffany experimented extensively with the processes of colouring glass, patenting in 1894 the process Favrile glass, which used metallic oxides to colour the interior of the molten glass, giving it an iridescent effect. His workshops produced several different series of the Tiffany lamp in different floral designs, along with stained glass windows, screens, vases and a range of decorative objects. His works were first imported to Germany, then to France by Siegfried Bing, and then became one of the decorative sensations of the 1900 Exposition. An American rival to Tiffany, Steuben Glass, was founded in 1903 in Corning, N. Y., by Frederick Carder, who, like Tiffany, used the Fevrile process to create surfaces with iridescent colours. Another notable American glass artist was John La Farge, who created intricate and colourful stained glass windows on both religious and purely decorative themes. Examples of stained glass windows in churches can be found in the Art Nouveau religious buildings article.

Металлоискусство

Теоретик архитектуры XIX века Виоле ле Дюк выступал за то, чтобы демонстрировать, а не скрывать железные каркасы современных зданий, но архитекторы модерна Виктор Орта и Гектор Гимар пошли еще дальше: они добавили железный декор в виде кривых, вдохновленных цветочными и растительными формами, как в интерьерах, так и на фасадах своих зданий. Внутри это проявлялось в форме лестничных перил, светильников и других деталей, а снаружи – в балконах и других украшениях. Эти элементы стали одними из самых характерных черт архитектуры модерна. Использование металлического декора в растительных формах вскоре распространилось на столовое серебро, лампы и другие предметы декора. В Соединенных Штатах дизайнер Джордж Грант Элмсли создавал чрезвычайно сложные чугунные конструкции для балюстрад и других элементов интерьера зданий чикагского архитектора Луиса Салливана. В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Йозеф Мария Олбрих и другие художники сецессиона создавали чайники и другие металлические предметы в более геометричном и сдержанном стиле.

Скульптура

Скульптура была еще одной формой самовыражения для художников модерна, часто переплетаясь с керамикой. Фарфоровая фигурка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонара получила признание как в керамике, так и в скульптуре на Парижской выставке 1900 года. Скульпторы из других стран также создавали керамические скульптуры: чех Станислав Сучарда и Ладислав Шалун, бельгиец Шарль Ван дер Степпен и каталонец Ламберт Эскалер, создававшие статуи из полихромной терракоты. Другим выдающимся скульптором того времени был Агусти Керуль Субиратс из Каталонии, который создавал статуи в Испании, Мексике, Аргентине и Кубе. В архитектурной скульптуре использовались не только статуи, но и рельефы. Архитекторы и скульпторы модерна черпали вдохновение в мотивах животных (бабочки, павлины, лебеди, совы, летучие мыши, драконы, медведи). Также применялись атланты, кариатиды, путти и горгульи.

Мебель

Дизайн мебели в период модерна был тесно связан с архитектурой зданий; архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель часто была сложной и дорогой; изысканная отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальные образцы обычно отличались особой сложностью, с изогнутыми формами, которые были дороги в производстве. Кроме того, существовал недостаток: владелец дома не мог изменить мебель или добавить элементы в другом стиле, не нарушив общей гармонии интерьера. По этой причине, когда архитектура модерна вышла из моды, стиль мебели также во многом исчез. Во Франции центром дизайна и производства мебели был Нанси, где располагались студии и мастерские двух выдающихся дизайнеров – Эмиля Галле и Луи Мажореля, а в 1901 году был основан Альянс индустрий декоративного искусства (позже получивший название Школа Нанси). Оба дизайнера основывали структуру и орнамент своих работ на формах, заимствованных из природы, включая цветы и насекомых, таких как стрекоза – популярный мотив в стиле модерн. Галле особенно известен своим использованием рельефной маркетри, изображающей пейзажи или поэтические сюжеты. Мажорель славился использованием экзотических и дорогих пород дерева, а также бронзовыми скульптурами на растительную тематику, которые он крепил к своей мебели. Оба дизайнера использовали машины на первых этапах производства, но все изделия завершались ручной работой. Среди других известных дизайнеров мебели школы Нанси были Эжен Валлин и Эмиль Андре; оба по образованию были архитекторами и проектировали мебель, напоминающую работы бельгийских дизайнеров, таких как Хорта и Ван де Вельде, отличавшуюся меньшим количеством декора и более точным следованием изогнутым линиям растений и цветов. Другими известными французскими дизайнерами были Анри Беллери-Дефонтен, вдохновлявшийся нео-готическим стилем Виоле ле Дюка, а также Жорж де Фёре, Эжен Гейяр и Эдуард Колонна, которые совместно с арт-дилером Зигфридом Бингом работали над возрождением французской мебельной промышленности, предлагая новые темы. Их работы отличались «абстрактным натурализмом», сочетанием прямых и изогнутых линий и влиянием рококо. Мебель де Фёре, представленная в павильоне Бинга, завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и живописным французским дизайнером был Франсуа Руперт Карабин, скульптор по образованию, чья мебель отличалась скульптурными изображениями обнаженных женских фигур и символических животных, особенно кошек, сочетающих элементы модерна и символизма. Другими влиятельными парижскими дизайнерами мебели были Шарль Плюме и Александр Шарпантье. Во многом старый словарный запас и техники классической французской мебели XVIII века в стиле рококо были переосмыслены в новом ключе. Континентальные образцы были гораздо более сложными, часто используя изогнутые формы как в основных конструкциях, так и в декоративных мотивах. В Германии мебель Петера Беренса и югендстиля была преимущественно рационалистичной, с геометрическими прямыми линиями и небольшим количеством декоративных элементов, прикрепленных к поверхности. Их цель была прямо противоположна французскому модерну: простота конструкции и материалов, чтобы мебель была недорогой и легко поддавалась массовому производству. То же самое можно сказать о мебели дизайнеров Венской мастерской (Wiener Werkstätte) в Вене, возглавляемых Отто Вагнером, Йозефом Хоффманом, Йозефом Марией Олбрихом и Коломаном Мозером. Мебель отличалась геометрическими формами и минимальным количеством декора, хотя в стиле часто опиралась на национальные исторические традиции, особенно стиль Бидермейер. Итальянский и испанский дизайн мебели развивался своим собственным путем. Карло Бугатти в Италии разработал необычный стул «Улитка», деревянный каркас которого был покрыт окрашенным пергаментом и медью, для Туринской международной выставки 1902 года. В Испании, следуя примеру Антони Гауди и движения Модернизма (Modernismo), дизайнер мебели Гаспар Хомар создавал работы, вдохновленные природными формами с элементами каталонского исторического стиля. В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще вдохновлялся движением «Искусства и ремесла» (Arts and Crafts) или историческими американскими образцами, чем модерном. Одним из дизайнеров, который привнес темы модерна, был Чарльз Ролфс из Буффало, штат Нью-Йорк, чьи проекты мебели из американского белого дуба находились под влиянием мотивов кельтского и готического искусства, с элементами модерна в металлической отделке изделий.

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared. In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé and Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of marquetry in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin and Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery Desfontaines, who took his inspiration from the neo Gothic styles of Viollet le Duc; and Georges de Feure, Eugène Gaillard, and Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rococo influence. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolism. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, and Alexandre Charpentier. In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th century Rococo furniture were re interpreted in a new style. Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens and the Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier style. Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí and the Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles. In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, N. Y., whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art and Gothic art, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.

Керамика

Керамическое искусство, включая фаянс, было еще одной процветающей областью для художников модерна, а в англоязычных странах – частью более широкого движения художественной керамики (art pottery). Последняя треть XIX века ознаменовалась множеством технологических инноваций в производстве керамики, особенно в разработке высокотемпературной керамики (grand feu) с кристаллизованными и матовыми глазурями. Одновременно были заново открыты несколько утраченных техник, таких как глазурь «кровь быка» (sang de boeuf). Керамика модерна также находилась под влиянием традиционной и современной японской и китайской керамики, чьи растительные и цветочные мотивы гармонично сочетались со стилем модерн. Во Франции художники вновь открыли для себя традиционные методы изготовления каменной керамики (grès) и переосмыслили их, используя новые мотивы. Эмиль Галле в Нанси создавал изделия из обожженной глины в естественных земляных тонах с натуралистическими изображениями растений и насекомых. Керамика нашла важное новое применение в архитектуре: архитекторы модерна, такие как Жюль Лавиротт и Гектор Гимар, стали украшать фасады зданий архитектурной керамикой, многие из которых изготавливались фирмой Александра Биго, придавая им характерный скульптурный облик модерна. Одним из пионеров французской керамики модерна был Эрнест Шапле, чья тридцатилетняя карьера была посвящена керамике. Он начал создавать каменную керамику под влиянием японских и китайских прототипов. С 1886 года он работал с художником Полем Гогеном над разработками из каменной керамики с накладными фигурами, множественными ручками, расписанными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликсом Браккемондом, Жюлем Далу и Огюстом Роденом. Его работы получили признание на выставке 1900 года. Крупнейшие национальные керамические фирмы занимали важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальная мануфактура Севр близ Парижа, Нимфенбург, Мейсен, Виллерой и Бох в Германии и Дультон в Великобритании. Среди других ведущих французских керамистов были Таксиль Доат, Пьер Адриен Дальпайра, Эдмон Лашеналь и Огюст Делахерш. Во Франции керамика модерна иногда стирала грань между керамикой и скульптурой. Фарфоровая статуэтка «Танцовщица с шарфом» Агатона Леонара, созданная для Национальной мануфактуры Севр, была отмечена в обеих категориях на Парижской выставке 1900 года. Фабрика Zsolnay в Пече, Венгрия, была основана Миклошем Зсолнаем (1800–1880) в 1853 году и руководилась его сыном Вильмошем Зсолнаем (1828–1900) при главном дизайнере Таде Сикорски (1852–1940) для производства каменной керамики и других керамических изделий. В 1893 году Zsolnay представила фарфоровые изделия из эозина. Он вывел фабрику на мировую известность, демонстрируя свои инновационные продукты на всемирных выставках и международных экспозициях, включая Всемирную выставку 1873 года в Вене, а затем на Всемирной выставке 1878 года в Париже, где Zsolnay получил Гран-при. Морозостойкие декоративные элементы Zsolnay для зданий использовались во многих сооружениях, особенно в период модерна. Керамическая плитка также была характерной чертой португальской ар-нуво, продолжавшей давнюю традицию азулежу в стране.

Ceramic art, including faience, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English speaking countries falling under the wider art pottery movement. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional stoneware (grés) methods and reinvented them with new motifs. Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte and Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectural ceramics, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look. One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou and Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition. The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germany, and Doulton in Britain. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, and Auguste Delaherche. In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition. The Zsolnay factory in Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, then at the 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a Grand Prix. Frost resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement. Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Мозаики

Мозаики использовались многими художниками модерна различных направлений, особенно каталонского модернизма (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó Morera и многие другие). Антони Гауди изобрел новую технику обработки материалов, называемую тренкадис, в которой использовались обломки керамики. Цветная майолика с цветочным орнаментом была характерной чертой дома Майолика в Вене, созданного Отто Вагнером (1898), и зданий русской колонии Абрамцево, особенно тех, над которыми работал Михаил Врубель.

Текстиль и обои

Текстиль и обои с самого начала были важным средством выражения стиля модерн и его неотъемлемым элементом в оформлении интерьеров. В Великобритании текстильные разработки Уильяма Морриса способствовали зарождению движения «Искусства и ремесла», а затем и модерна. Многие проекты создавались для лондонского универмага Liberty, который популяризировал этот стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была студия Silver Studio, предлагавшая красочные стилизованные цветочные узоры. Отличительные разработки также поступали из школы Глазго и от Маргарет Макдональд Маккинтош. Школа Глазго представила ряд характерных мотивов, включая стилизованные яйца, геометрические формы и «Розу Глазго». Во Франции значительный вклад внес дизайнер Эжен Грассе, опубликовавший в 1896 году книгу La Plante et ses applications ornamentales, в которой предлагал дизайны модерна, основанные на различных цветах и растениях. Многие образцы разрабатывались и производились для крупных французских текстильных фабрик в Мюльхаузе, Лилле и Лионе, а также в немецких и бельгийских мастерских. Немецкий дизайнер Германн Обрист специализировался на цветочных узорах, особенно на цикламенах и стиле «хлыст», основанном на цветочных стеблях, который стал одним из ключевых мотивов стиля. Бельгийский художник Анри ван де Вельде представил на брюссельском Салоне свободной эстетики текстильную работу «Вечернее бдение ангелов», вдохновленную символизмом Поля Гогена и художников группы «Наби». В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся узорами батика из голландских колоний в Ост-Индии. Народное искусство также послужило источником вдохновения для создания гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии, в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Дизайн «Пять лебедей» Отто Экмана был реализован более чем в ста различных вариантах. Венгерский дизайнер Янош Вашари сочетал элементы модерна с фольклорными мотивами.

Потомство

Ар-нуво подвергалось критике за "примитивные излишества" и начало угасать после 1911 года. В исторических исследованиях европейской архитектуры XX века, начиная с 1930-х и на протяжении 1940-х и 1950-х годов, влиятельные историки, такие как Николаус Певснер, Зигфрид Гидион и Генри Рассел Хичкок, не рассматривали ар-нуво. Это привело к тому, что в первых изданиях книги Певснера "Гений европейской архитектуры" не было упоминаний о Гекторе Гимаре или Антонио Гауди. Первые значительные работы, посвященные ар-нуво, были опубликованы в конце 1950-х годов, благодаря Джонни Уотсеру.

Влияние на арт-деко

Арт-нуво был одним из факторов, приведших к возникновению Арт-деко – стиля, созданного коллективными усилиями ряда французских дизайнеров около 1910 года с целью разработки нового современного направления. Это произошло потому, что Арт-нуво подорвал господство историзма и эклектики XIX века, противопоставляя себя академическим канонам. В своих различных проявлениях он разработал новые орнаментальные системы, больше не опиравшиеся на исторические формулы, используя изогнутые растительные формы в большинстве стран мира, геометрический декор в Австро-Венгрии и Великобритании, а также переосмысление национальных традиций в странах Северной, Центральной и Восточной Европы. Идея создания нового стиля с новыми орнаментами и формами стала важным вкладом Арт-нуво в формирование Арт-деко. Еще одним заимствованием из Арт-нуво является акцент на роскоши в быту. Некоторые из тонких деталей и плавных линий Арт-нуво также встречаются в архитектуре и дизайне Арт-деко 1920-х годов, но в несколько упрощенном виде. Подобным образом, плоские цвета и четкие контуры, популяризированные плакатами в стиле Арт-нуво, часто используются в иллюстрациях Арт-деко. В отличие от многих образцов Арт-нуво, где растительные мотивы словно растут и преображаются на предмете или архитектурном орнаменте, большинство работ Арт-деко обладают четкой композиционной структурой, напоминающей неоклассицизм. Помимо идей, заимствованных из франко-бельгийского Арт-нуво, влияние оказали также геометрические мотивы и объемы, характерные для Великобритании и Вены. Цветы, спирали и квадраты, встречающиеся там, очень похожи на те, что можно увидеть в Арт-деко. Чарльз Ренни Маккинтош даже предвосхитил формы Арт-деко в своих более поздних работах. Одной из работ, наиболее предвосхищающих этот стиль, является дворец Стокле в Брюсселе с его зиккуратообразными отступами, узким вертикальным окном лестничной клетки и общей простотой и умеренным орнаментом.

Возрождение

В 1960-х годах родился постмодернизм. Это было и остается движением, которое ставит под сомнение модернизм (существующий порядок после Второй мировой войны) и способствовало включению и переосмыслению элементов исторических стилей в новые проекты. Несмотря на то, что в 1950-х годах прошло несколько международных выставок, посвященных модерну, успешное возрождение стиля произошло в 1960-х годах, а особенно в 1970-х, с подъемом постмодернизма. Помимо выставок, это возрождение могло быть связано с поколением "детей цветов", которое задавало тон эпохе и узнавало свои жизненные идеалы в цветочных орнаментах и эротически "эмансипированных" художественных темах рубежа веков. Модерн также стал одним из основных источников вдохновения для многих плакатов психоделического рока того же периода. Ведущими представителями психоделического движения 1960-х годов были художники-оформители плакатов из Сан-Франциско, такие как Рик Гриффин, Виктор Москозо, Бонни Маклин, Стэнли Маус, Алтон Келли и Уэс Уилсон. В отличие от приглушенных, землистых цветов, характерных для модерна, эти плакаты отличались высокой насыщенностью и контрастностью цветов, а также сильно стилизованным, порой трудночитаемым текстом. Этот стиль процветал примерно с 1966 по 1972 год. Однако, знаменитые картины Густава Климта сегодня можно встретить на множестве безвкусных сувениров: кружках, тарелках, салфетках, брелоках и так далее. Это вызывает опасения, поскольку одно из определений китча – это «промышленное воспроизведение или копирование произведений искусства, тиражируемых и эксплуатируемых в коммерческих целях». Картина «Поцелуй» была напечатана в бесчисленных размерах и на различных материалах. В аналогичной ситуации находятся плакаты Альфонса Мухи. Одним из художников, нашедших в модерне важный источник вдохновения, был австрийский художник и архитектор Фриденсрайх Хундертвассер. Он черпал вдохновение из различных источников, включая творчество Эгона Шиле, барокко и персидской миниатюры, а также изогнутые орнаменты модерна.