История искусств Азии

История азиатского искусства: обзор культур и регионов Азии – от Центральной Азии до Восточного и Южного, включая исламское искусство и многое другое.

29 мин чтения

100%

Источник: History of Asian art — Wikipedia

Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.

Содержание

Введение

История азиатского искусства, или восточного искусства – это история изобразительного искусства в Азии.

История азиатского искусства охватывает широкий спектр искусств различных культур, регионов и религий на всем азиатском континенте. К основным регионам Азии относятся Центральная, Восточная, Южная, Юго-Восточная и Западная Азия. Искусство Центральной Азии в основном представлено произведениями тюркских народов Евразийской степи, в то время как искусство Восточной Азии включает в себя произведения Китая, Японии и Кореи. Южно-азиатское искусство охватывает искусство Индийского субконтинента, а искусство Юго-Восточной Азии – искусство Брунея, Камбоджи, Восточного Тимора, Индонезии, Лаоса, Малайзии, Мьянмы (Бирмы), Филиппин, Сингапура, Таиланда и Вьетнама. Искусство Западной Азии включает искусство Ближнего Востока, в том числе древнее искусство Месопотамии, и в последнее время испытывает сильное влияние исламского искусства. История искусства в Азии во многом сопоставима с развитием западного искусства. Истории искусства Азии и Европы тесно переплетены: азиатское искусство оказывало значительное влияние на европейское, и наоборот; культурное взаимодействие происходило посредством таких каналов, как передача искусства по Шелковому пути, культурный обмен в эпоху Великих географических открытий и колонизации, а также через интернет и современную глобализацию. Исключая доисторическое искусство, искусство Месопотамии представляет собой древнейшие формы искусства в Азии.

Верхний палеолит Северо-Восточная Азия

Первое расселение современных людей в суровых климатических условиях Северо-Восточной Азии датируется примерно 40 000 лет назад, а ранняя янинская культура северной Сибири – примерно 31 000 годом до нашей эры. К 21 000 году до н.э. сформировались две основные культуры: мальтинская культура и чуть позже – афонтовская гора-ошурковская культура. Мальтинская культура, центрированная вокруг поселения Мальта на реке Ангаре, недалеко от озера Байкал в Иркутской области, Южной Сибири, создала одни из первых образцов искусства эпохи верхнего палеолита, такие как венеринки из Мальты. Эти фигурки чаще всего изготавливались из мамонтовой кости. Их возраст составляет около 23 000 лет, и они относятся к граветтской культуре. Большинство этих статуэток изображают стилизованную одежду, и довольно часто на них прорисовано лицо. Учитывая, что традиция создания переносных статуэток верхнего палеолита была почти исключительно европейской, предполагается, что в тот период у Мальты существовала определенная культурная и культовая связь с Европой, однако этот вопрос остается открытым.

Искусство Центральной Азии

Искусство Центральной Азии — это изобразительное искусство, созданное преимущественно тюркскими народами современной Кыргызстана, Казахстана, Узбекистана, Туркменистана, Азербайджана, Таджикистана, Монголии, Тибета, Афганистана и Пакистана, а также отдельных регионов Китая и России. В последние века искусство этого региона испытывало значительное влияние исламского искусства. Ранее на центральноазиатское искусство оказывали влияние китайское, греческое и персидское искусство, распространявшееся по Великому шёлковому пути.

Народное искусство кочевников

Народное искусство кочевников является важной частью искусства Центральной Азии. Оно отражает суть образа жизни кочевых народов, проживающих в этом регионе. Невозможно не восхититься красотой полудрагоценных камней, стеганых изделий, резной мебели и вышитых ковров, воплощенных в этом искусстве.

Музыка и музыкальные инструменты

Центральная Азия богата классической музыкой и музыкальными инструментами. Некоторые известные классические музыкальные инструменты возникли в регионе Центральной Азии. Рубаб, домбра и чанг – это лишь некоторые из инструментов, используемых в музыкальном искусстве Центральной Азии.

Возрождение искусства Центральной Азии

Жизнь народов Центральной Азии была неразрывно связана с кочевым образом жизни. Поэтому большинство видов искусства Центральной Азии в наши дни также вдохновлены кочевым бытом и воссоздают образы золотого века. На самом деле, влияние традиций и культуры в центральноазиатском искусстве является ключевым фактором, привлекающим внимание на международных художественных площадках. Мировое признание центральноазиатского искусства, несомненно, повысило его ценность.

Китайское искусство

Китайское искусство (кит. 中國藝術/中国艺术) менялось на протяжении всей своей древней истории, разделенной на периоды правящими династиями Китая и развивающимися технологиями. Различные формы искусства находились под влиянием великих философов, учителей, религиозных деятелей и даже политических лидеров. Китайское искусство охватывает изобразительное, народное и исполнительское искусство. Китайское искусство – это искусство, современное или древнее, которое возникло в Китае или практикуется китайскими художниками и исполнителями. В эпоху Сун поэзия отличалась лирическим жанром, известным как цы (詞), который выражал чувства тоски, часто от лица вымышленного персонажа. Также в эпоху Сун появились картины с более утонченным изображением пейзажей, с размытыми контурами и очертаниями гор, передающими перспективу посредством импрессионистского изображения природных явлений. В этот период в живописи акцент был сделан на духовных, а не на эмоциональных аспектах, в отличие от предыдущего периода. Куньцюй, старейшая сохранившаяся форма китайской оперы, зародилась в эпоху Сун в Куншане, недалеко от современного Шанхая. В эпоху Юань живопись китайского художника Чжао Мэнфу (趙孟頫) оказала значительное влияние на последующую китайскую пейзажную живопись, а опера эпохи Юань стала одним из вариантов китайской оперы, который существует и сегодня в форме кантонской оперы.

Современное китайское искусство

После окончания последней феодальной династии в Китае, с возникновением нового культурного движения, китайские художники начали подвергаться влиянию западного искусства и начали интегрировать западное искусство в китайскую культуру. Под влиянием американского джаза китайский композитор Ли Цзиньхуа (известный как отец китайской поп-музыки) начал создавать и продвигать популярную музыку, которая произвела огромную сенсацию. В начале XX века в Китай были введены масляные картины, и все больше и больше китайских художников начали прикоснуться к западным живописным методам и объединить их с традиционной китайской живописью. Между тем, новая форма живописи, комиксы, также начали возникать. Он был популярен у многих людей и стал самым доступным способом развлечения в то время.

Тибетское искусство

Тибетское искусство относится к искусству Тибета (Тибетского автономного района в Китае) и других нынешних и бывших гималайских королевств (Бутан, Ладакх, Непал и Сикким). Тибетское искусство – это прежде всего форма сакрального искусства, отражающая определяющее влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала (тиб. килхор) – это тибетская буддийская традиция, символизирующая преходящую природу вещей. В соответствии с буддийским каноном, все материальное считается временным. Песчаная мандала является примером этого, поскольку после завершения ее создания и сопутствующих церемоний и созерцания она систематически разрушается. Когда буддизм Махаяны оформился как отдельная школа в IV веке до н.э., он подчеркивал роль бодхисаттв – сострадательных существ, отказывающихся от личного ухода в Нирвану ради помощи другим. С ранних времен различные бодхисаттвы также становились сюжетами для статуарного искусства. Тибетский буддизм, как потомок буддизма Махаяны, унаследовал эту традицию. Однако дополнительное и доминирующее влияние Ваджраяны (или буддийской тантры) могло иметь первостепенное значение в художественной культуре. Распространенным бодхисаттвой, изображаемым в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), часто изображаемое как тысячерукий святой с глазом в центре каждой ладони, символизирующий всевидящего и сострадательного, слышащего наши просьбы. Это божество также можно понимать как Йидам, или «медитационного Будду» для практики Ваджраяны. Тибетский буддизм включает в себя тантрический буддизм, также известный как буддизм Ваджраяна из-за его общей символики ваджры, алмазной молнии (известной в Тибете как дордже). Большинство типичных произведений тибетского буддийского искусства можно рассматривать как часть практики тантры. Техники Ваджраяны включают множество визуализаций/воображений во время медитации, и большая часть сложного тантрического искусства может рассматриваться как вспомогательное средство для этих визуализаций: от изображений медитационных божеств (йидамов) до мандал и всевозможных ритуальных орудий. Визуальным аспектом тантрического буддизма является распространенное изображение грозных божеств, часто изображаемых с сердитыми лицами, кругами пламени или черепами мертвых. Эти изображения представляют собой Защитников (санскр. дхармапала), и их устрашающий вид скрывает их истинную сострадательную природу. На самом деле, их гнев символизирует их преданность защите учения Дхармы, а также защите конкретных тантрических практик, чтобы предотвратить их искажение или нарушение. Они наиболее важны как грозные психологические аспекты, которые можно использовать для преодоления негативных установок практикующего. Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с XIV и XV веков, тибетская живопись включала в себя многие элементы китайской живописи, а в XVIII веке китайская живопись оказала глубокое и далеко идущее влияние на тибетское изобразительное искусство. По словам Джузеппе Туччи, ко времени династии Цин «было разработано новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным эхом гладкой, изысканной и богато украшенной живописи Китая XVIII века». Создано для японского аббата XVI века. Как правило, для более поздних японских пейзажей основное внимание уделяется объекту на переднем плане. Японское искусство и архитектура включают произведения искусства, созданные в Японии с начала человеческого обитания там, примерно в X тысячелетии до н.э., и до настоящего времени. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и техник, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, живопись тушью на шелке и бумаге, а также множество других видов произведений искусства, от древних времен до современного XXI века. Этот вид искусства приобрел большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине XVII века, начиная с одноцветных работ Хисикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовались только индийские чернила, затем некоторые гравюры раскрашивались вручную кистью, но в XVIII веке Судзуки Харунобу разработал технику полихромной печати для создания нишики-э. Японская живопись (絵画) – одно из старейших и наиболее утонченных видов японского искусства, охватывающее широкий спектр жанров и стилей. Как и в истории японского искусства в целом, история японской живописи – это долгая история синтеза и соперничества между местной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей. Истоки живописи в Японии уходят корнями в глубокую древность. Простые изображения палочек и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (300 г. до н.э. – 300 г. н.э.). Настенные росписи с геометрическими и фигуративными узорами были найдены во многих курганах периода Кофун (300–700 гг. н.э.). Древняя японская скульптура в основном происходила из идолопоклонства в буддизме или анимистических ритуалов синтоистских божеств. В частности, скульптура среди всех видов искусства стала наиболее прочно связана с буддизмом. Традиционно использовались материалы, такие как металл, особенно бронза, и чаще дерево, часто покрытое лаком, позолотой или ярко раскрашенное. К концу периода Токугава такая традиционная скульптура – за исключением миниатюрных работ – в значительной степени исчезла из-за утраты покровительства буддийских храмов и знати. Укиё, что означает «плавучий мир», относится к импульсивной молодежной культуре, расцветшей в городских центрах Эдо (современный Токио), Осаки и Киото, которые представляли собой мир сами по себе. Это ироничная аллюзия на омоним «Мир скорби» (憂き世), земную сферу смерти и перерождения, от которой буддисты стремились освободиться.

Tibetan art refers to the art of Tibet (Tibet Autonomous Region in China) and other present and former Himalayan kingdoms (Bhutan, Ladakh, Nepal, and Sikkim). Tibetan art is first and foremost a form of sacred art, reflecting the overriding influence of Tibetan Buddhism on these cultures. The Sand Mandala (Tib: kilkhor) is a Tibetan Buddhist tradition which symbolises the transitory nature of things. As part of Buddhist canon, all things material are seen as transitory. A sand mandala is an example of this, being that once it has been built and its accompanying ceremonies and viewing are finished, it is systematically destroyed. As Mahayana Buddhism emerged as a separate school in the 4th century BC it emphasized the role of bodhisattvas, compassionate beings who forgo their personal escape to Nirvana in order to assist others. From an early time various bodhisattvas were also subjects of statuary art. Tibetan Buddhism, as an offspring of Mahayana Buddhism, inherited this tradition. But the additional dominating presence of the Vajrayana (or Buddhist tantra) may have had an overriding importance in the artistic culture. A common bodhisattva depicted in Tibetan art is the deity Chenrezig (Avalokitesvara), often portrayed as a thousand armed saint with an eye in the middle of each hand, representing the all seeing compassionate one who hears our requests. This deity can also be understood as a Yidam, or 'meditation Buddha' for Vajrayana practice. Tibetan Buddhism contains Tantric Buddhism, also known as Vajrayana Buddhism for its common symbolism of the vajra, the diamond thunderbolt (known in Tibetan as the dorje). Most of the typical Tibetan Buddhist art can be seen as part of the practice of tantra. Vajrayana techniques incorporate many visualizations/imaginations during meditation, and most of the elaborate tantric art can be seen as aids to these visualizations; from representations of meditational deities (yidams) to mandalas and all kinds of ritual implements. A visual aspect of Tantric Buddhism is the common representation of wrathful deities, often depicted with angry faces, circles of flame, or with the skulls of the dead. These images represent the Protectors (Skt. dharmapala) and their fearsome bearing belies their true compassionate nature. Actually, their wrath represents their dedication to the protection of the dharma teaching as well as to the protection of the specific tantric practices to prevent corruption or disruption of the practice. They are most importantly used as wrathful psychological aspects that can be used to conquer the negative attitudes of the practitioner. Historians note that Chinese painting had a profound influence on Tibetan painting in general. Starting from the 14th and 15th century, Tibetan painting had incorporated many elements from the Chinese, and during the 18th century, Chinese painting had a deep and far reaching impact on Tibetan visual art. According to Giuseppe Tucci, by the time of the Qing dynasty, "a new Tibetan art was then developed, which in a certain sense was a provincial echo of the Chinese 18th century's smooth ornate preciosity.") made for a 16th century Japanese abbot. Typically for later Japanese landscapes, the main focus is on a feature in the foreground.]] Japanese art and architecture include works of art produced in Japan from the beginnings of human habitation there, sometime in the 10th millennium BC, to the present. Japanese art covers a wide range of art styles and media, including ancient pottery, sculpture in wood and bronze, ink painting on silk and paper, and a myriad of other types of works of art; from ancient times until the contemporary 21st century. The art form rose to great popularity in the metropolitan culture of Edo (Tokyo) during the second half of the 17th century, originating with the single color works of Hishikawa Moronobu in the 1670s. At first, only India ink was used, then some prints were manually colored with a brush, but in the 18th century Suzuki Harunobu developed the technique of polychrome printing to produce nishiki e.

Japanese painting (絵画) is one of the oldest and most highly refined of the Japanese arts, encompassing a wide variety of genre and styles. As with the history of Japanese arts in general, the history of Japanese painting is a long history of synthesis and competition between native Japanese aesthetics and adaptation of imported ideas. The origins of painting in Japan date well back into Japan's prehistoric period. Simple stick figures and geometric designs can be found on Jōmon period pottery and Yayoi period (300 BC – 300 AD) dōtaku bronze bells. Mural paintings with both geometric and figurative designs have been found in numerous tumulus from the Kofun period (300–700 AD). Ancient Japanese sculpture was mostly derived from the idol worship in Buddhism or animistic rites of Shinto deity. In particular, sculpture among all the arts came to be most firmly centered around Buddhism. Materials traditionally used were metal—especially bronze—and, more commonly, wood, often lacquered, gilded, or brightly painted. By the end of the Tokugawa period, such traditional sculpture – except for miniaturized works – had largely disappeared because of the loss of patronage by Buddhist temples and the nobility. Ukiyo, meaning "floating world", refers to the impetuous young culture that bloomed in the urban centers of Edo (modern day Tokyo), Osaka, and Kyoto that were a world unto themselves. It is an ironic allusion to the homophone term "Sorrowful World" (憂き世), the earthly plane of death and rebirth from which Buddhists sought release.

Корейское искусство

Корейское искусство известно своими традициями в керамике, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, часто характеризующихся использованием ярких цветов, природных форм, точной формы и масштаба, а также декоративного оформления. Несмотря на четкие различия между тремя независимыми культурами, искусство Кореи, Китая и Японии имеет значительные исторические сходства и взаимосвязи. Изучение и оценка корейского искусства в западном мире все еще находятся на начальной стадии формирования. В силу своего географического положения между Китаем и Японией, Корея долгое время рассматривалась лишь как посредник в передаче китайской культуры в Японию. Однако современные исследователи все чаще признают уникальность корейского искусства, культуры и важную роль Кореи не только в трансляции китайской культуры, но и в ее ассимиляции и создании собственной, самобытной культуры. Искусство, рожденное и развитое нацией, принадлежит этой нации. Обычно историю корейской живописи относят к приблизительно 108 году н.э., когда она впервые появляется как самостоятельное направление. Между этим периодом и росписями и фресками, обнаруженными в гробницах династии Корё, существует мало исследований. Следует отметить, что до династии Чосон основным влиянием была китайская живопись, хотя она создавалась с использованием корейских пейзажей, черт лица, буддийских мотивов и с акцентом на астрономические наблюдения, что соответствовало быстрому развитию корейской астрономии. На протяжении всей истории корейской живописи наблюдалось постоянное разделение на монохромные работы, выполненные черной тушью на бумаге из тутового дерева или шелке, и красочное народное искусство – минхва, ритуальное искусство, росписи для гробниц и праздничное искусство, в которых широко использовался цвет. Это разделение часто определялось социальным статусом: ученые, особенно в конфуцианском искусстве, считали, что цвет можно увидеть в монохромных картинах через градации тона и полагали, что прямое использование цвета упрощает картины и ограничивает воображение. Корейское народное искусство и роспись архитектурных элементов воспринимались как способ украшения деревянных конструкций, и они также развивались в рамках традиций китайской архитектуры, а раннее буддийское влияние, проявлявшееся в обилии насыщенных цветов и основных оттенков, было вдохновлено индийским искусством. Современное искусство в Корее: Первым примером масляной живописи в корейском искусстве в западном стиле стали автопортреты корейского художника Ко Хуидона (1886–1965). Сегодня сохранились лишь три этих работы. Эти автопортреты дают представление о технике, которое выходит за рамки простого утверждения стилистических и культурных различий. К началу двадцатого века решение рисовать маслом на холсте в Корее имело две различные интерпретации. Одна из них – ощущение просвещения, вызванного западными идеями и художественными стилями. Это просвещение было результатом интеллектуального движения XVII и XVIII веков. Ко работал в этой технике в период японской аннексии Кореи. В то время многие считали, что его искусство могло иметь политический подтекст, однако сам он заявлял, что он художник, а не политик. Ко говорил: "Когда я был в Токио, произошло очень странное событие. В то время там было меньше ста корейских студентов. Мы все дышали свежим воздухом и начинали новые занятия, но некоторые высмеивали мой выбор изучать искусство. Один близкий друг сказал, что мне не следует заниматься живописью в такое время". Корейская керамика известна с 6000 года до н.э. Эта керамика также называлась "керамикой с гребенчатым узором" из-за декоративных линий, вырезанных на ее поверхности. Ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства, поэтому они использовали керамику для хранения рыбы и других даров моря, таких как моллюски. В керамике можно выделить два основных региональных стиля: изделия с восточного побережья обычно имеют плоское дно, а изделия с южного побережья – круглое.

Korean art is noted for its traditions in pottery, music, calligraphy, painting, sculpture, and other genres, often marked by the use of bold color, natural forms, precise shape and scale, and surface decoration. While there are clear and distinguishing differences between three independent cultures, there are significant and historical similarities and interactions between the arts of Korea, China, and Japan. The study and appreciation of Korean art is still at a formative stage in the West. Because of Korea's position between China and Japan, Korea was seen as a mere conduit of Chinese culture to Japan. However, recent scholars have begun to acknowledge Korea's own unique art, culture, and important role in not only transmitting Chinese culture but assimilating it and creating a unique culture of its own. An art given birth to and developed by a nation is its own art. Generally, the history of Korean painting is dated to approximately 108 C. E., when it first appears as an independent form. Between that time and the paintings and frescoes that appear on the Goryeo dynasty tombs, there has been little research. Suffice to say that until the Joseon dynasty the primary influence was Chinese painting though done with Korean landscapes, facial features, Buddhist topics, and an emphasis on celestial observation in keeping with the rapid development of Korean astronomy. Throughout the history of Korean painting, there has been a constant separation of monochromatic works of black brushwork on very often mulberry paper or silk; and the colourful folk art or min hwa, ritual arts, tomb paintings, and festival arts which made extensive use of colour. This distinction was often class based: scholars, particularly in Confucian art, felt that one could see colour in monochromatic paintings within the gradations and felt that the actual use of colour coarsened the paintings, and restricted the imagination. Korean folk art, and painting of architectural frames was seen as brightening certain outside wood frames, and again within the tradition of Chinese architecture, and the early Buddhist influences of profuse rich thalo and primary colours inspired by the Art of India. Contemporary art in Korea: The first example of Western style oil painting in Korean art was in the self portraits of Korean artist Ko Hu i dong (1886–1965). Only three of these works still remain today. These self portraits impart an understanding of the medium that extends well beyond the affirmation of stylistic and cultural difference. By the early twentieth century, the decision to paint using oil and canvas in Korea had two different interpretations. One being a sense of enlightenment due to western ideas and art styles. This enlightenment derived from an intellectual movement of the seventeenth and eighteenth centuries. Ko had been painting with this method during a period of Japan's annexation of Korea. During this time many claimed his art could have been political, however, he himself stated he was an artist and not a politician. Ko stated, "While I was in Tokyo, a very curious thing happened. At that time there were fewer than one hundred Korean students in Tokyo. All of us were drinking the new air and embarking on new studies, but there were some who mocked my choice to study art. A close friend said that it was not right for me to study painting in such a time as this." Korean pottery was recognized as early as 6000 BCE. This pottery was also referred to as comb patterned pottery due to the decorative lines carved onto the outside. Early Korean societies were mainly dependent on fishing. So, they used pottery to store fish and other things collected from the ocean such as shellfish. Pottery had two main regional distinctions. Those from the East coast tend to have a flat base, whereas pottery on the South coast had a round base.

Пакистанское искусство

У пакистанского искусства богатая и долгая традиция и история. Оно включает в себя разнообразные формы искусства, такие как живопись, скульптура, каллиграфия, керамика и текстильное искусство, например, тканый шелк. Географически пакистанское искусство является частью искусства Индийского субконтинента, охватывая территорию современной Пакистанской Республики.

Буддийское искусство

Буддийское искусство возникло на Индийском субконтиненте в столетиях, последовавших за жизнью исторического Гаутамы Будды в VI–V веках до н.э., прежде чем развиваться в результате контакта с другими культурами и распространения по всей Азии и миру. Буддийское искусство путешествовало вместе с верующими по мере распространения дхармы, адаптируясь и развиваясь в каждой новой стране. Оно развивалось на север через Центральную Азию и в Восточную Азию, сформировав северную ветвь буддийского искусства, а на восток – до Юго-Восточной Азии, сформировав южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже повлияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии около X века н.э., отчасти из-за энергичного распространения ислама наряду с индуизмом. Распространенным визуальным элементом в буддийском искусстве является мандала. С точки зрения зрителя, она схематически изображает идеальную вселенную. В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для концентрации внимания практикующих и адептов, как духовный инструмент обучения, для создания священного пространства, а также в качестве помощи при медитации и введении в транс. Её символическая природа может помочь человеку "проникнуть на всё более глубокие уровни бессознательного, в конечном итоге помогая медитирующему испытать мистическое чувство единства с высшим единством, из которого возникает космос во всех его многочисленных формах". Психоаналитик Карл Юнг рассматривал мандалу как "представление центра бессознательного Я" и считал, что его картины мандал позволили ему выявлять эмоциональные расстройства и работать над целостностью личности.

Бутанское искусство

Художество Бутана сходно с искусством Тибета. Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ. Основными направлениями буддизма в Бутане являются Друкпа Кагью и Ньингма. Первое является ветвью школы Кагью и известно своими картинами, документирующими генеалогию буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского института). Направление Ньингма известно изображениями Падмасамбхавы, которому приписывают распространение буддизма в Бутане в VII веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпа, чтобы те их нашли. Поисковики сокровищ (тертоны) также часто изображаются в искусстве Ньингма. Каждому божественному существу соответствуют особые формы, цвета и/или опознавательные атрибуты, такие как лотос, раковина, ваджра и миска для подаяний. Все священные изображения создаются в строгом соответствии со спецификациями, которые на протяжении веков практически не изменились. Бутанское искусство особенно богато бронзовыми изделиями различных видов, которые коллективно известны как Kham so (изготовленные в Каме), хотя они изготавливаются в Бутане, поскольку техника их изготовления была изначально импортирована из восточной провинции Тибета, называемой Кам. Настенная живопись и скульптура в этих регионах создаются на основе вечных, основополагающих идеалов буддийского искусства. Несмотря на то, что акцент на деталях заимствован из тибетских образцов, их происхождение легко определить, несмотря на богато вышитую одежду и сверкающие украшения, которыми обильно покрыты эти фигуры. В гротескном мире демонов художники, по-видимому, обладали большей свободой творчества, чем при создании изображений божественных существ. Искусство и ремесла Бутана, представляющие исключительный «дух и самобытность Гималайского королевства», определяются как искусство Зориг Чосум, что означает «тринадцать искусств и ремесел Бутана»; эти тринадцать ремесел включают столярное дело, живопись, изготовление бумаги, кузнечное дело, ткачество, скульптуру и многие другие. Институт Зориг Чосум в Тхимпху является ведущим учреждением традиционных искусств и ремесел, основанным правительством Бутана с единственной целью – сохранить богатое культурное наследие и традиции Бутана и обучать студентов всем традиционным видам искусства; аналогичное учреждение находится в восточном Бутане и известно как Траши Янцзе. Сельская жизнь Бутана также представлена в Музее народного наследия в Тхимпху. В Тхимпху также действует «Студия художников-добровольцев», призванная поощрять и продвигать различные виды искусства среди молодежи Тхимпху.

Bhutanese art is similar to the art of Tibet. Both are based upon Vajrayana Buddhism, with its pantheon of divine beings. The major orders of Buddhism in Bhutan are Drukpa Kagyu and Nyingma. The former is a branch of the Kagyu School and is known for paintings documenting the lineage of Buddhist masters and the 70 Je Khenpo (leaders of the Bhutanese monastic establishment). The Nyingma order is known for images of Padmasambhava, who is credited with introducing Buddhism into Bhutan in the 7th century. According to legend, Padmasambhava hid sacred treasures for future Buddhist masters, especially Pema Lingpa, to find. The treasure finders (tertön) are also frequent subjects of Nyingma art. Each divine being is assigned special shapes, colors, and/or identifying objects, such as lotus, conch shell, thunderbolt, and begging bowl. All sacred images are made to exact specifications that have remained remarkably unchanged for centuries. Bhutanese art is particularly rich in bronzes of different kinds that are collectively known by the name Kham so (made in Kham) even though they are made in Bhutan, because the technique of making them was originally imported from the eastern province of Tibet called Kham. Wall paintings and sculptures, in these regions, are formulated on the principal ageless ideals of Buddhist art forms. Even though their emphasis on detail is derived from Tibetan models, their origins can be discerned easily, despite the profusely embroidered garments and glittering ornaments with which these figures are lavishly covered. In the grotesque world of demons, the artists apparently had greater freedom of action than when modeling images of divine beings. The arts and crafts of Bhutan that represent the exclusive “spirit and identity of the Himalayan kingdom" are defined as the art of Zorig Chosum, which means the “thirteen arts and crafts of Bhutan”; the thirteen crafts are carpentry, painting, paper making, blacksmithing, weaving, sculpting, and many other crafts. The Institute of Zorig Chosum in Thimphu is the premier institution of traditional arts and crafts set up by the Government of Bhutan with the sole objective of preserving the rich culture and tradition of Bhutan and training students in all traditional art forms; there is another similar institution in eastern Bhutan known as Trashi Yangtse. Bhutanese rural life is also displayed in the ‘Folk Heritage Museum’ in Thimphu. There is also a ‘Voluntary Artists Studio’ in Thimphu to encourage and promote the art forms among the youth of Thimphu.

Непальское искусство

Древняя и изысканная традиционная культура Катманду, и в целом всего Непала, представляет собой непрерывную и уникальную встречу индуистского и буддийского мировоззрений, практикуемых глубоко религиозным населением. Она также впитала в себя культурное разнообразие, принесенное другими религиями, такими как джайнизм, ислам и христианство.

Брунейское искусство

Серебро – популярный элемент в искусстве Брунея. Серебряные кузнецы изготавливают украшения, цветочные вазы и гонги (металлический диск с отогнутым краем, издающий резонирующий звук при ударе). Другим популярным предметом является пасигупан – небольшой кувшин с изображением мандалы, используемый для хранения табака. Навыки ткачества передаются из поколения в поколение. В Брунее производят ткани для пошива платьев и саронгов. «Ткачество и украшение ткани, а также ношение, демонстрация и обмен ею на протяжении многих лет являлись важной частью брунейской культуры (Orr 96)». Ткачество приобрело значительную роль в XV веке. Антонио Пигафетта посетил Бруней во время своих путешествий и наблюдал за процессом изготовления одежды. Одним из примеров является джонгсарат – одежда ручной работы, которую надевают на свадьбы и особые случаи. Обычно в ней присутствуют элементы серебра и золота. Её можно использовать в качестве настенного покрытия. Два основных вида одежды в Брунее – батик и икат. Батик – это окрашенная хлопчатобумажная ткань, украшенная с помощью техники воскового резервирования. Икат изготавливается по схожему принципу, но вместо нанесения рисунка на готовую ткань, он создается непосредственно в процессе ткачества.

Камбоджийское искусство

Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имеют богатую и разнообразную историю, насчитывающую многие века, и испытали сильное влияние Индии. В свою очередь, Камбоджа оказала значительное влияние на Таиланд, Лаос, и наоборот. На протяжении всей долгой истории Камбоджи религия являлась основным источником вдохновения. На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы развивали уникальную кхмерскую систему верований, возникшую в результате смешения местных анимистических представлений и индийских религий – буддизма и индуизма. Индийская культура и цивилизация, включая язык и искусство, достигли материковой Юго-Восточной Азии примерно в I веке нашей эры. Считается, что морские торговцы принесли индийские обычаи и культуру в порты вдоль Тайского залива и Тихого океана, осуществляя торговлю с Китаем. Первым государством, получившим выгоду от этого, был Фунань. В различные периоды времени камбоджийская культура также впитывала элементы яванской, китайской, лаосской и тайской культур. История изобразительного искусства Камбоджи уходит корнями в древние ремесла; кхмерское искусство достигло своего расцвета в период Ангкора. Традиционные камбоджийские ремесла включают текстиль, нетканое ткачество, серебряное дело, резьбу по камню, лаковую миниатюру, керамику, росписи в храмах (ватах) и изготовление воздушных змеев. Начиная с середины XX века в Камбодже зародилась традиция современного искусства, однако в конце XX века как традиционное, так и современное искусство пришли в упадок по ряду причин, включая убийства художников красными кхмерами. В последнее время страна переживает художественное возрождение благодаря возросшей поддержке со стороны правительств, неправительственных организаций и иностранных туристов.

Кхмерская скульптура

Кхмерская скульптура относится к каменной скульптуре Кхмерской империи, которая правила территорией, основанной на современной Камбодже, но значительно большей, с IX по XIII век. Наиболее известные образцы находятся в Ангкоре, который служил столицей империи. К VII веку кхмерская скульптура начинает отходить от индуистского влияния – догуптского для буддийских фигур и паллавского для индуистских – и, благодаря постоянной стилистической эволюции, обретает собственную оригинальность, которая к X веку становится полной и абсолютной. Вскоре кхмерская скульптура выходит за рамки религиозного изображения, которое почти превращается в предлог для изображения придворных фигур в образе богов и богинь. Более того, она становится самоцелью для достижения стилистического совершенства, своего рода полигоном для экспериментов. Мы уже видели, как социальный контекст кхмерского царства дает один из ключей к пониманию этого искусства. Но можно представить, что на более узком уровне работали небольшие группы интеллектуалов и художников, соперничавших друг с другом в мастерстве и изысканности, стремясь к гипотетическому совершенству стиля. Боги, представленные в кхмерской скульптуре, принадлежат к двум великим религиям Индии – буддизму и индуизму. Они всегда изображаются с большой иконографической точностью, что свидетельствует о контроле образованных жрецов над выполнением работ. Скульптуры – это восхитительные образы богов, величественные и внушающие трепет, хотя и не лишенные женственной чувственности, что наводит на мысли о влиятельных лицах при дворе и обладателях значительной власти. Художники, создававшие эти скульптуры, несомненно, удовлетворяли основные требования и цели заказчиков. Они изображали выбранное божество в соответствии с ортодоксальными канонами и с большим мастерством и умением передавали великолепие придворных особ, их одежду, украшения и изысканные ювелирные изделия.

Khmer sculpture refers to the stone sculpture of the Khmer Empire, which ruled a territory based on modern Cambodia, but rather larger, from the 9th to the 13th century. The most celebrated examples are found in Angkor, which served as the seat of the empire. By the 7th century, Khmer sculpture begins to drift away from its Hindu influences – pre Gupta for the Buddhist figures, Pallava for the Hindu figures – and through constant stylistic evolution, it comes to develop its own originality, which by the 10th century can be considered complete and absolute. Khmer sculpture soon goes beyond religious representation, which becomes almost a pretext in order to portray court figures in the guise of gods and goddesses. But furthermore, it also comes to constitute a means and end in itself for the execution of stylistic refinement, like a kind of testing ground. We have already seen how the social context of the Khmer kingdom provides a second key to understanding this art. But we can also imagine that on a more exclusive level, small groups of intellectuals and artists were at work, competing among themselves in mastery and refinement as they pursued a hypothetical perfection of style. The gods we find in Khmer sculpture are those of the two great religions of India, Buddhism and Hinduism. And they are always represented with great iconographic precision, clearly indicating that learned priests supervised the execution of the works. The sculptures are admirable images of gods, royal and imposing presences, though not without feminine sensuality, making us think of important persons at the courts and persons of considerable power. The artists who sculpted the stones doubtless satisfied the primary objectives and requisites demanded by the persons who commissioned them. The sculptures represent the chosen divinity in the orthodox manner and succeed in portraying, with great skill and expertise, high figures of the courts in all of their splendour, in the attire, adornments, and jewelry of a sophisticated beauty.

Филиппинское искусство

Самым ранним известным филиппинским искусством является скальное искусство, где самым старым является петроглиф Ангоно, созданный в эпоху неолита, датированный периодом между 6000 и 2000 годами до нашей эры. Эти резьбы, возможно, использовались в древней практике исцеления больных детей. За петроглифами Ангоно последовали петроглифы Алаба, датированные не позднее 1500 года до н.э., на которых изображены символы плодородия, такие как женские половые органы. Скальное искусство представлено петрографиями, включая наскальные рисунки углем из Пенабланки, наскальные рисунки углем из Сингнапана, красное гематитное искусство в Анда и недавно обнаруженное скальное искусство из Монреаля (Тикао), изображающее обезьян, человеческие лица, червей или змей, растения, стрекоз и птиц. Между 890 и 710 годами до н.э. в южной части Палавана был изготовлен горшок Манунгуль. Он служил вторичным погребальным кувшином, верхняя крышка которого изображает путешествие души в загробный мир на лодке с провожатым. В 100 году до н.э. в горах были вырезаны пещеры для захоронения мумий из Кабаяна. Между 5 годом до н.э. и 225 годом н.э. в Котабато была создана антропоморфная керамика Майтум. Эти изделия были вторичными погребальными кувшинами, многие из которых изображали человеческие головы, руки, ноги и грудь. К IV веку н.э., и, вероятно, ранее, древние жители Филиппин строили гигантские военные корабли, самые ранние археологические свидетельства которых были раскопаны в Бутуане, где корабль был идентифицирован как баланган и датирован 320 годом н.э. Самый старый из ныне найденных артефактов с письменностью – надпись на медной пластине из Лагуны, датированная 900 годом н.э. На пластине говорится об уплате долга. Печать из слоновой кости Бутуан – самое раннее из известных произведений искусства из слоновой кости в стране, датируемое IX–XII веками н.э. На печати вырезаны символы древнего письма. В этот период были созданы различные артефакты, такие как идол Агусан – золотая статуя божества, возможно, находящаяся под влиянием индуизма и буддизма. С XII по XV век изготавливался серебряный палеограф Бутуан. Надпись на серебре до сих пор не расшифрована. Между XIII и XIV веками жители Бантона, Ромблон, создавали ткань Бантон – старейший сохранившийся текстиль икат в Юго-Восточной Азии. Ткань использовалась в качестве погребального савана. К XVI веку и до конца XIX века испанская колонизация оказала влияние на различные формы искусства в стране. С 1565 по 1815 год филиппинские мастера изготавливали манилльские галеоны, использовавшиеся для торговли между Азией и Америкой, откуда многие товары отправлялись в Европу. В 1565 году древняя традиция татуировки на Филиппинах впервые была задокументирована в описаниях Пинтадос. В 1584 году был завершен форт Сан-Антонио-Абад, а в 1591 году был построен форт Сантьяго. К 1600 году были созданы рисовые террасы Филиппинских Кордильер. Пять кластеров рисовых террас были объявлены объектами Всемирного наследия. В 1607 году была построена церковь Сан-Агустин (Манила). Здание было объявлено объектом Всемирного наследия и известно своими расписными интерьерами. В 1613 году был написан самый старый сохранившийся текст суят на бумаге в Документах Университета Санто-Томаса-Байбаина. После 1621 года в Монреале, Тикао, Масбате, были созданы Монреальские камни. В 1680 году была создана Арка веков. В 1692 году был написан образ Нуэстра Сеньора де ла Соледад де Порта Вага. Церковь Манаоаг была основана в 1701 году. В 1710 году был построен объект Всемирного наследия – церковь Паоай, известная своими гигантскими контрфорсами, являющимися частью архитектуры барокко, устойчивой к землетрясениям. В 1725 году была построена историческая церковь Санта-Ана. В 1765 году был построен объект Всемирного наследия – церковь Санта-Мария, примечательная своей горной структурой. В 1797 году был построен объект Всемирного наследия – церковь Миагао, известная своими резьбами на фасаде. В 1891 году была построена первая и единственная в Азии церковь, полностью построенная из стали – церковь Сан-Себастьян (Манила). В 1894 году было создано глиняное произведение искусства «Месть матери». В XX веке, или, возможно, раньше, был написан Коран Баянга. В то же время, каменный сельскохозяйственный календарь Гвидай, Бесао, был обнаружен посторонними. В 1913 году был завершен памятник Ризалю. В 1927 году было перестроено главное здание Университета Санто-Томаса, а в 1933 году было построено здание Центральной семинарии. В 1931 году был разрушен королевский дворец Дарул Джамбанган султаната Сулу. В том же году был построен Манилльский Метрополитенский театр. Живописные полотна «Прогресс медицины на Филиппинах» были завершены в 1953 году. Церковь Санто-Доминго была построена в 1954 году. В 1962 году была завершена картина Института исследования риса, а в 1968 году была создана Манилльская муральная роспись. В 1993 году был создан памятник Бонифасио.

The earliest known Filipino arts are the rock arts, where the oldest is the Angono Petroglyphs, made during the Neolithic age, dated between 6000 and 2000 BC. The carvings were possibly used as part of an ancient healing practice for sick children. This was followed by the Alab Petroglyphs, dated not later than 1500 BC, which exhibited symbols of fertility such as a pudenda. The rock arts are petrographs, including the charcoal rock art from Peñablanca, charcoal rock art from Singnapan, red hematite art at Anda, and the recently discovered rock art from Monreal (Ticao), depicting monkeys, human faces, worms or snakes, plants, dragonflies, and birds. Between 890 and 710 BC, the Manunggul Jar was made in southern Palawan. It served as a secondary burial jar, where the top cover depicts the journey of the soul into the afterlife through a boat with a psychopomp. In 100 BC, the Kabayan Mummy Burial Caves were carved from a mountain. Between 5 BC 225 AD, the Maitum anthropomorphic pottery were created in Cotabato. The crafts were secondary burial jars, with many depicting human heads, hands, feet, and breast. By the 4th century AD, and most likely before that, ancient people from the Philippines have been making giant warships, where the earliest known archaeological evidences have been excavated from Butuan, where the ship was identified as a balangay and dated at 320 AD. The oldest, currently found, artifact with a written script on it is the Laguna Copperplate Inscription, dated 900 AD. The plate discusses the payment of a debt. The Butuan Ivory Seal is the earliest known ivory art in the country, dated between the 9th to 12th century AD. The seal contains carvings of an ancient script. During this period, various artifacts were made, such as the Agusan image, a gold statue of a deity, possibly influenced by Hinduism and Buddhism. From the 12th to 15th century, the Butuan Silver Paleograph was made. The script on the silver has yet to be deciphered. Between the 13th–14th century, the natives of Banton, Romblon, crafted the Banton cloth, the oldest surviving ikat textile in Southeast Asia. The cloth was used as a death blanket. By the 16th century, up to the late 19th century, Spanish colonization influenced various forms of art in the country. From 1565 to 1815, Filipino craftsfolk were making the Manila galleons used for the trading from Asia to the Americas, where many of the goods went to Europe. In 1565, the ancient tradition of tattooing in the Philippines was first recorded through the Pintados. In 1584, Fort San Antonio Abad was completed, while in 1591, Fort Santiago was built. By 1600, the Rice Terraces of the Philippine Cordilleras were made. Five rice terrace clusters have been designated as World Heritage Sites. In 1607, the San Agustin Church (Manila) was built. The building has been declared as a World Heritage Site. The site is famous for its painted interior. In 1613, the oldest surviving suyat writing on paper was written through the University of Santo Tomas Baybayin Documents. Following 1621, the Monreal Stones were created in Ticao, Masbate. In 1680, the Arch of the Centuries was made. In 1692, the image of Nuestra Senora de la Soledad de Porta Vaga was painted. Manaoag Church was established in 1701. In 1710, the World Heritage Site of Paoay Church was built. The church is known for its giant buttresses, part of the earthquake Baroque architecture. In 1725, the historical Santa Ana Church was built. In 1765, the World Heritage Site of Santa Maria Church was built. The site is notable for its highland structure. In 1797, the World Heritage Site of Miagao Church was built. The church is famous for its facade carvings. In 1891, the first and only all steel church in Asia, San Sebastian Church (Manila), was built. In 1894, the clay art Mother's Revenge was made. In the 20th century, or possibly earlier, the Koran of Bayang was written. During the same time, the Stone Agricultural Calendar of Guiday, Besao, was discovered by outsiders. In 1913, the Rizal Monument was completed. In 1927, the University of Santo Tomas Main Building was rebuilt, while its Central Seminary Building was built in 1933. In 1931, the royal palace Darul Jambangan of Sulu was destroyed. On the same year, the Manila Metropolitan Theater was built. The Progress of Medicine in the Philippines paintings were finished in 1953. Santo Domingo Church was built in 1954. In 1962, the International Rice Research Institute painting was completed, while the Manila Mural was made in 1968. In 1993, the Bonifacio Monument was created. describes Balinese art as, " a highly developed, although informal Baroque folk art that combines the peasant liveliness with the refinement of classicism of Hinduistic Java, but free of the conservative prejudice and with a new vitality fired by the exuberance of the demonic spirit of the tropical primitive". Eiseman pointed out that Balinese art is actually carved, painted, woven, and prepared into objects intended for everyday use rather than as object d 'art. In the 1920s, with the arrival of many western artists, Bali became an artist enclave (as Tahiti was for Paul Gauguin) for avant garde artists such as Walter Spies (German), Rudolf Bonnet (Dutch), Adrien Jean Le Mayeur (Belgian), Arie Smit (Dutch), and Donald Friend (Australian) in more recent years. Most of these western artists had very little influence on the Balinese until the post World War Two period, although some accounts over emphasise the western presence at the expense of recognising Balinese creativity. This groundbreaking period of creativity reached a peak in the late 1930s. A stream of famous visitors, including Charlie Chaplin and the anthropologists Gregory Bateson and Margaret Mead, encouraged the talented locals to create highly original works. During their stay in Bali in the mid 1930s, Bateson and Mead collected over 2000 paintings, predominantly from the village of Batuan, but also from the coastal village of Sanur. Among western artists, Spies and Bonnet are often credited for the modernization of traditional Balinese paintings. From the 1950s onwards, Baliese artists incorporated aspects of perspective and anatomy from these artists. More importantly, they acted as agents of change by encouraging experimentation, and promoted departures from tradition. The result was an explosion of individual expression that increased the rate of change in Balinese art.

Лаосское искусство

Лаосское искусство включает керамику, лаосские буддийские скульптуры и лаосскую музыку. Лаосские буддийские скульптуры создавались из самых разнообразных материалов, включая золото, серебро и, чаще всего, бронзу. Кирпич и раствор также использовались для создания колоссальных изображений, наиболее известным из которых является изображение Фиа Ват (16 век) в Вьентьяне, хотя реставрация полностью изменила внешний вид скульптуры, и она больше не похожа на лаосского Будду. Дерево популярно для небольших, подношений буддийских изображений, которые часто оставляют в пещерах. Дерево также широко используется для больших, полноразмерных стоячих изображений Будды. Две самые известные скульптуры, вырезанные из полудрагоценных камней, – это Фра Кё (Изумрудный Будда) и Фра Футта Бутсаварат. Фра Кё, предположительно происходящий из Сиенг-Сена (Чианг-Сен), вырезан из цельного куска нефрита. Он находился в Вьентьяне на протяжении двухсот лет, прежде чем сиамцы увезли его в качестве трофея в конце 18 века. Сегодня он является священной реликвией Королевства Таиланд и находится в Большом дворце в Бангкоке. Фра Футта Бутсаварат, как и Фра Кё, также хранится в собственной часовне в Большом дворце в Бангкоке. До того, как сиамцы захватили его в начале 19 века, это кристаллическое изображение было священной реликвией лаосского королевства Шампассак. Многие прекрасные лаосские буддийские скульптуры вырезаны прямо в пещерах Пак-У. Рядом с Пак-У (устье реки У) находятся Тхам-Тинг (нижняя пещера) и Тхам-Тхэунг (верхняя пещера) недалеко от Луанг-Прабанга, Лаос. Это великолепный комплекс пещер, доступных только на лодке, примерно в двух часах вверх по течению от центра Луанг-Прабанга, и в последнее время они стали более известными и посещаемыми туристами. Пещеры знамениты своими впечатляющими скульптурами в буддийском и лаосском стиле, вырезанными на стенах пещер, и сотнями отвергнутых буддийских фигур, разложенных на полу и полках вдоль стен. Их помещали туда, поскольку их владельцы не хотели их уничтожать, поэтому совершают трудный путь к пещерам, чтобы оставить там нежелательные статуи.

Laotian art includes ceramics, Lao Buddhist sculpture, and Lao music. Lao Buddhist sculptures were created in a large variety of material including gold, silver, and, most often, bronze. Brick and mortar was also a medium used for colossal images, most famous of these is the image of Phya Vat (16th century) in Vientiane, although a renovation completely altered the appearance of the sculpture, and it no longer resembles a Lao Buddha. Wood is popular for small, votive Buddhist images that are often left in caves. Wood is also very common for large, life size standing images of the Buddha. The most famous two sculptures carved in semi precious stone are the Phra Keo (The Emerald Buddha) and the Phra Phuttha Butsavarat. The Phra Keo, which is probably of Xieng Sen (Chiang Saen) origin, is carved from a solid block of jade. It rested in Vientiane for two hundred years before the Siamese carried it away as booty in the late 18th century. Today it serves as the palladium of the Kingdom of Thailand, and resides at the Grand Palace in Bangkok. The Phra Phuttha Butsavarat, like the Phra Keo, is also enshrined in its own chapel at the Grand Palace in Bangkok. Before the Siamese seized it in the early 19th century, this crystal image was the palladium of the Lao kingdom of Champassack. Many beautiful Lao Buddhist sculptures are carved right into the Pak Ou caves. Near Pak Ou (mouth of the Ou river) the Tham Ting (lower cave) and the Tham Theung (upper cave) are near Luang Prabang, Laos. They are a magnificent group of caves that are only accessible by boat, about two hours upstream from the center of Luang Prabang, and have recently become more well known and frequented by tourists. The caves are noted for their impressive Buddhist and Lao style sculptures carved into the cave walls, and hundreds of discarded Buddhist figures laid out over the floors and wall shelves. They were put there as their owners did not wish to destroy them, so a difficult journey is made to the caves to place their unwanted statues there.

Малазийское искусство

Малазийское искусство в основном состоит из малайского и искусства Борнео, имеющего сходство с другими стилями Юго-Восточной Азии, такими как искусство Брунея, Индонезии и Сингапура. История искусства Малайзии уходит корнями к малайским султанатам, испытав влияние китайского, индийского и исламского искусства. Традиционное малазийское искусство сосредоточено главным образом на ремеслах: резьбе по дереву, ткачестве и ювелирном деле. Традиционное искусство варьируется от плетеных вручную корзин из сельской местности до серебряных изделий малайских дворов. Распространенными произведениями искусства были декоративные крисы и наборы для бетеля. Создаются роскошные ткани, известные как Сонгкет, а также традиционные узорчатые ткани батик. Коренные жители Восточной Малайзии известны своими деревянными масками. Малазийское искусство получило развитие относительно недавно, поскольку до 1950-х годов существовали сильные исламские табу на изображение людей и животных. Текстиль, такой как батик, сонгкет, пуа-кумбу и текат, используется для украшения, часто вышиваясь картинами или узорами. Традиционные украшения изготавливались из золота и серебра, украшенных драгоценными камнями, а в Восточной Малайзии для этих целей использовались кожа и бусы.

Искусство Мьянмы

Искусство Мьянмы относится к изобразительному искусству, созданному в Мьянме (Бирма). Древнее бирманское искусство испытывало влияние Индии и часто имело религиозный характер, начиная от индуистских скульптур в царстве Татон и заканчивая изображениями Тхеравады в царстве Шри Ксетра. Период Багана ознаменовался значительным развитием многих видов искусства, от настенной живописи и скульптуры до лепнины и резьбы по дереву. Художники создавали произведения, отражающие бирманскую культуру. Бирманские художники подвергались государственному вмешательству и цензуре, что тормозило развитие искусства в Мьянме. Бирманское искусство отражает ключевые буддийские элементы, такие как мудры, истории Джатака, пагоды и Бодхисаттвы.

Сингапурское искусство

История сингапурского искусства включает в себя исконные художественные традиции Малайского архипелага и разнообразные визуальные практики художников-кочевников и мигрантов из Китая, Индийского субконтинента и Европы. Сингапурское искусство охватывает скульптурные, текстильные и декоративные традиции искусства малайского мира; портреты, пейзажи, скульптуры, гравюры и рисунки, посвященные естественной истории, созданные в британский колониальный период; а также картины в стиле Наньян, испытавшие китайское влияние, социально-реалистическое искусство, абстрактное искусство и фотографию, появившиеся в послевоенное время. Формирование современного сингапурского искусства, или, точнее, "возникновение самосознательного художественного самовыражения".

В настоящее время современное искусство Сингапура также активно представляется на международной арене через художественные биеннале и другие крупные международные выставки. Современное искусство Сингапура, как правило, исследует темы "гипермодерна и созданной человеком среды; отчуждения и меняющихся социальных норм; постколониальной идентичности и мультикультурализма". В рамках этих тенденций "исследование перформанса и перформативного тела" является сквозной темой.

Тиморское искусство

Искусство в Восточном Тиморе стало набирать популярность после вспышки насилия во время кризиса в Восточном Тиморе в 2006 году. Дети, живущие в стране, начали превращать стены в мирные муралы. Общество искусств Восточного Тимора продвигает искусство в регионе и представляет множество различных произведений искусства, созданных в стране.

Вьетнамское искусство

Вьетнамское искусство происходит из одной из старейших культур в регионе Юго-Восточной Азии. Оно обладает богатым художественным наследием, уходящим корнями в доисторические времена и включающим в себя: шелковую живопись, скульптуру, гончарное дело, керамику, гравюру на дереве, архитектуру, музыку, танец и театр. Традиционное вьетнамское искусство – это искусство, создаваемое во Вьетнаме или вьетнамскими художниками, начиная с древнейших времен (включая сложные барабаны Дунъшон) и до периода после китайского господства, которое подверглось сильному влиянию китайского буддийского искусства, а также других философских учений, таких как даосизм и конфуцианство. Искусство Чампы и французское искусство также оказали некоторое влияние позднее. Китайское влияние прослеживается во вьетнамской керамике, каллиграфии и традиционной архитектуре. В настоящее время вьетнамская лаковая живопись пользуется значительной популярностью. Династия Нгуен, последняя правящая династия Вьетнама (ок. 1802–1945 гг.), вновь проявила интерес к керамике и фарфоровому искусству. Императорские дворы по всей Азии импортировали вьетнамскую керамику. Несмотря на высокий уровень развития исполнительских искусств (таких как императорская придворная музыка и танец) во времена династии Нгуен, некоторые считают, что другие виды искусства начали приходить в упадок в конце правления династии. Начиная с XIX века, современное искусство и французское художественное влияние распространились во Вьетнаме. В начале XX века была основана École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Индокитайская школа изящных искусств) для обучения европейским методам, которая оказала наибольшее влияние в крупных городах, таких как Ханой и Хошимин. Ограничения на поездки, введенные для вьетнамцев во время 80-летнего французского правления во Вьетнаме и длительного периода войны за национальную независимость, привели к тому, что лишь немногие вьетнамские художники имели возможность учиться или работать за пределами Вьетнама. Небольшое число художников из обеспеченных семей получили возможность поехать во Францию и построить там свою карьеру. Среди них Ле Тхи Луу, Ле Фхо, Май Trung Thu, Ле Ван Де, Ле Ба Данг и Фам Танг. Современные вьетнамские художники стали использовать французские техники в сочетании с традиционными материалами, такими как шелк, лак и другие, создавая уникальное сочетание восточных и западных элементов.

Vietnamese art is from one of the oldest of such cultures in the Southeast Asian region. A rich artistic heritage that dates to prehistoric times and includes: silk painting, sculpture, pottery, ceramics, woodblock prints, architecture, music, dance, and theatre. Traditional Vietnamese art is art practiced in Vietnam or by Vietnamese artists, from ancient times (including the elaborate Đông Sơn drums) to post Chinese domination art which was strongly influenced by Chinese Buddhist art, among other philosophies such as Taoism and Confucianism. The art of Champa and French art also played a smaller role later on. The Chinese influence on Vietnamese art extends into Vietnamese pottery and ceramics, calligraphy, and traditional architecture. Currently, Vietnamese lacquer paintings have proven to be quite popular. The Nguyễn dynasty, the last ruling dynasty of Vietnam (c. 1802–1945), saw a renewed interest in ceramics and porcelain art. Imperial courts across Asia imported Vietnamese ceramics. Despite how highly developed the performing arts (such as imperial court music and dance) became during the Nguyễn dynasty, some view other fields of art as beginning to decline during the latter part of the Nguyễn dynasty. Beginning in the 19th century, modern art and French artistic influences spread into Vietnam. In the early 20th century, the École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Indochina College of Arts) was founded to teach European methods and exercised influence mostly in the larger cities, such as Hanoi and Ho Chi Minh City. Travel restrictions imposed on the Vietnamese during France's 80 year rule of Vietnam and the long period of war for national independence meant that very few Vietnamese artists were able to train or work outside of Vietnam. A small number of artists from well to do backgrounds had the opportunity to go to France and make their careers there for the most part. Examples include Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang, and Pham Tang. Modern Vietnamese artists began to utilize French techniques with many traditional mediums such as silk, lacquer, etc., thus creating a unique blend of eastern and western elements.

Вьетнамская каллиграфия

Вьетнамская каллиграфия имеет долгую историю, изначально использовавшая Chữ Hán вместе с Chữ Nôm. Однако в современной вьетнамской каллиграфии чаще используется Chữ Quốc Ngữ, основанная на латинском алфавите, которая оказалась очень популярной. В прошлом, когда грамотность в традиционных вьетнамских системах письма была доступна лишь ученым и элите, каллиграфия тем не менее играла важную роль в жизни вьетнамцев. В особые случаи, такие как Тэт Нгуен Джан, люди обращались к деревенскому учителю или ученому, чтобы заказать каллиграфическую композицию (часто это были стихи, народные пословицы или отдельные слова). Даже те, кто не умел читать и писать, часто просили ученых написать молитвы, которые затем сжигали в храмах.