Азия өнерінің тарихы: Орталық, Шығыс, Оңтүстік, Оңтүстік-Шығыс және Батыс Азия мәдениеттерінің көркемдік дәуірлері, діни және түркілік өнер ескерткіштері.
Ағылшыншамен салыстырыңыз: абзацты басыңыз — түпнұсқа терезеде ашылады. Абзац астындағы EN түймесі оны мәтін ішінде көрсетеді.
Мазмұны
Кіріспе
Азия өнерінің тарихы немесе Шығыс өнері – Азиядағы бейнелеу өнерінің тарихы.
History of Asian art or Eastern art
the history of visual arts in Asia
Азия өнерінің тарихы Азия құрлығындағы әртүрлі мәдениеттер, аймақтар мен діндерден келген өнердің кең ауқымын қамтиды. Азияның негізгі аймақтарына Орталық, Шығыс, Оңтүстік, Оңтүстік-Шығыс және Батыс Азия кіреді. Орталық Азия өнері негізінен Еуразия даласының түркі халықтарының туындыларынан тұрады, ал Шығыс Азия өнері Қытай, Жапония және Кореяның туындыларын қамтиды. Оңтүстік Азия өнері Үндістан субконтинентінің өнерін қамтиды, ал Оңтүстік-Шығыс Азия өнері Бруней, Камбоджа, Шығыс Тимор, Индонезия, Лаос, Малайзия, Мьянма (Бирма), Филиппин, Сингапур, Таиланд және Вьетнам өнерін қамтиды. Батыс Азия өнері Таяу Шығыстың өнерін, соның ішінде ежелгі Месопотамия өнерін қамтиды, ал соңғы кезде ислам өнері басымдыққа ие болды. Азиядағы өнер тарихы көп жағынан Батыс өнерінің дамуымен паралель жүреді. Азия мен Еуропаның өнер тарихтары тығыз байланысты, Азия өнері Еуропа өнеріне зор әсер етеді және керісінше; мәдениеттер жібек жолы арқылы, өнердің таралуы, жаңалықтар ашу дәуірі мен отарлаудың мәдени алмасуы, сондай-ақ интернет және қазіргі заманғы жаһандану арқылы араласты. Тарихқа дейінгі өнерді есепке алмағанда, Месопотамия өнері Азиядағы ең көне өнер түрлерін білдіреді.
The history of Asian art includes a vast range of arts from various cultures, regions, and religions across the continent of Asia. The major regions of Asia include Central, East, South, Southeast, and West Asia. Central Asian art primarily consists of works by the Turkic peoples of the Eurasian Steppe, while East Asian art includes works from China, Japan, and Korea. South Asian art encompasses the arts of the Indian subcontinent, while Southeast Asian art includes the arts of Brunei, Cambodia, East Timor, Indonesia, Laos, Malaysia, Myanmar (Burma), the Philippines, Singapore, Thailand, and Vietnam. West Asian art encompasses the arts of the Near East, including the ancient art of Mesopotamia, and more recently becoming dominated by Islamic art. In many ways, the history of art in Asia parallels the development of Western art. The art histories of Asia and Europe are greatly intertwined, with Asian art greatly influencing European art, and vice versa; the cultures mixed through methods such as the Silk Road transmission of art, the cultural exchange of the Age of Discovery and colonization, and through the internet and modern globalization. Excluding prehistoric art, the art of Mesopotamia represents the oldest forms of art in Asia.
Жоғарғы палеолит кезеңінің Солтүстік-Шығыс Азия
Солтүстік-шығыс Азияның қатал климатындағы ең алғашқы заманауи адамдардың қоныстануы шамамен 40 000 жыл бұрын болса, Солтүстік Сібірдің ерте Яна мәдениеті шамамен 31 000 жыл бұрынға датирленеді. Б.з.д. 21 000 жылға таяу екі негізгі мәдениет қалыптасты: Мальта мәдениеті және одан сәл кейінірек Афонтова Гора – Ошурково мәдениеті. Ангара өзенінің жанындағы, Байкал көліне жақын, Иркутск облысындағы Оңтүстік Сібірде орналасқан Мальта мәдениеті жоғарғы палеолит дәуіріндегі алғашқы өнер туындыларын, мысалы Мальта Венерасының мүсіндерін жасады. Бұл мүсіндердің көпшілігі мамонттың сүйегінен жасалған. Мүсіндердің жасы шамамен 23 000 жыл, олар граветт мәдениетіне жатады. Көптеген мүсіндерде стильделген киімдер бейнеленген. Беті жиі көрсетіледі. Жоғарғы палеолитке тән портативті мүсіндердің дәстүрі негізінен Еуропаға тән болғандықтан, Мальтаның сол кезде Еуропамен мәдени және діни байланысы болған деген пікір айтылды, бірақ бұл мәселе әлі де шешілмеген.
The first modern human occupation in the difficult climates of Northeast Asia is dated to circa 40,000 ago, with the early Yana culture of northern Siberia dated to circa 31,000 BCE. By around 21,000 BCE, two main cultures developed: the Mal'ta culture and slightly later the Afontova Gora Oshurkovo culture. The Mal'ta culture culture, centered around at Mal'ta, at the Angara River, near Lake Baikal in Irkutsk Oblast, Southern Siberia, created some of the first works of art in the Upper Paleolithic period, with objects such as the Venus figurines of Mal'ta. These figures consist most often of mammoth ivory. The figures are about 23,000 years old and stem from the Gravettian. Most of these statuettes show stylized clothes. Quite often the face is depicted. The tradition of Upper Paleolithic portable statuettes being almost exclusively European, it has been suggested that Mal'ta had some kind of cultural and cultic connection with Europe during that time period, but this remains unsettled.
Орталық Азия өнері
Орталық Азия өнері – бүгінгі Қырғызстан, Қазақстан, Өзбекстан, Түрікменстан, Әзірбайжан, Тәжікстан, Моңғолия, Тибет, Ауғанстан және Пәкістан, сондай-ақ Қытай мен Ресейдің бір бөліктерін мекендейтін түркі халықтарының бейнелеу өнері. Соңғы ғасырларда аймақтағы өнер ислам өнерінің күшті ықпалында болды. Алдыңғы кездерде Орталық Азия өнеріне Жібек жолы арқылы қытай, грек және парсы өнері әсер еткен.
Art in Central Asia is visual art created by the largely Turkic peoples of modern day Kyrgyzstan, Kazakhstan, Uzbekistan, Turkmenistan, Azerbaijan, Tajikistan, Mongolia, Tibet, Afghanistan, and Pakistan as well as parts of China and Russia. In recent centuries, art in the region has been greatly influenced by Islamic art. Earlier, Central Asian art was influenced by Chinese, Greek, and Persian art, via the Silk Road transmission of art.
Көшеяқтық халық өнері
Көшпелі халық өнері Орталық Азия өнерінің маңызды бір бөлігі болып табылады. Бұл өнер аймақта қоныс тепкен көшпелі тайпалардың өмір салтының мәнін көрсетеді. Жартылай бағалы тастар, жамылғылар, ойылған есіктер және кестеленген кілемдердің әсемдігіне қызығушылық танытуға болады, олардың бәрі осы өнерде көрініс тапқан.
Nomadic Folk art serves as a vital aspect of Central Asian Art. The art reflects the core of the lifestyle of nomadic groups residing within the region. One is bound to be awestruck by the beauty of semi precious stones, quilt, carved door, and embroidered carpets that this art reflects.
Музыка және музыкалық аспаптар
Орталық Азия классикалық музыка мен аспаптарға бай. Кейбір танымал классикалық музыкалық аспаптар Орталық Азия аймағында туған. Рубаб, домбыра және чаң – Орталық Азия музыка өнерінде қолданылатын музыкалық аспаптардың бірнешесі.
Central Asia is enriched with the classical music and instruments. Some of the famous classical musical instruments were originated within the Central Asian region. Rubab, Dombra, and Chang are some of the musical instruments used in the musical arts of Central Asia.
Орталық Азия өнерінің қайта өркендеуі
Орталық Азия халқының өмірі көшпелі тіршілікке орайлас болған. Сондықтан, қазіргі заманғы Орталық Азия өнерінің көп бөлігі де алтын ғасырды бейнелейтін көшпелі өмір салтынан шабыттанды. Шындығында, Орталық Азия өнеріндегі дәстүр мен мәдениеттің ықпалы халықаралық өнер форумдарында қызығушылық тудыратын маңызды фактор болып табылады. Орталық Азия өнерінің әлемдік мойынға алынуы оның құнын арттырды.
The lives of Central Asian people revolved around the nomadic lifestyle. Thereby most of the Central Asian arts in the modern times are also inspired by nomadic living showcasing the golden era. As a matter of fact, the touch of tradition and culture in Central Asian art acts as a major attraction factor for the international art forums. The global recognition towards the Central Asian Arts has certainly added up to its worth.
Қытай өнері
Қытай өнері (қытайша: 中國藝術/中国艺术) өзінің ежелгі тарихы бойында Қытайдың билеуші династиялары мен технологияның өзгеруіне сәйкес кезеңдерге бөлінген. Өнердің түрлі салаларына көрнекті философтар, ұстаздар, діни тұлғалар, тіпті саяси лидерлер де әсер еткен. Қытай өнері – бейнелеу өнері, халық өнері және сахна өнерін қамтиды. Қытай өнері – Қытайда туған немесе Қытай суретшілері мен орындаушылары тарапынан жасалған, қазіргі заманғы немесе ежелгі өнер. Сун дәуірінде поэзияда «Ци» (詞) деп аталатын лирикалық поэзия кең таралды, ол көбінесе қабылданған кейіптегі құштарлық сезімдерін білдіретін. Сондай-ақ Сун дәуірінде табиғат құбылыстарын импрессионистік стильде бейнелейтін, көмескі сызықтар мен тау контурлары арқылы алыстықты көрсететін ландшафттардың нәзік суреттері пайда болды. Осы кезеңде суретте бұрынғы кезеңдегіден гөрі рухани элементтерге басымдық берілді. «Куньку» – қытай операсының ең ежелгі түрі, ол Сун дәуірінде, қазіргі Шанхай маңындағы Куньшань қаласында дамыды. Юань дәуірінде қытай суретшісі Чжао Мэнфудың (趙孟頫) суреттері кейінгі қытай ландшафт суретіне зор ықпал етті, ал Юань дәуірінің операсы – бүгінге дейін сақталған кантон операсының бір түріне айналды.
Chinese art (Chinese: 中國藝術/中国艺术) has varied throughout its ancient history, divided into periods by the ruling dynasties of China and changing technology. Different forms of art have been influenced by great philosophers, teachers, religious figures, and even political leaders. Chinese art encompasses fine arts, folk arts, and performance arts. Chinese art is art, whether modern or ancient, that originated from or is practiced in China or by Chinese artists or performers. In the Song dynasty, poetry was marked by a lyric poetry known as Ci (詞) which expressed feelings of desire, often in an adopted persona. Also in the Song dynasty, paintings of more subtle expressions of landscapes appeared, with blurred outlines and mountain contours which conveyed distance through an impressionistic treatment of natural phenomena. It was during this period that in painting, emphasis was placed on spiritual rather than emotional elements, as in the previous period. Kunqu, the oldest extant form of Chinese opera developed during the Song dynasty in Kunshan, near present day Shanghai. In the Yuan dynasty, painting by the Chinese painter Zhao Mengfu (趙孟頫) greatly influenced later Chinese landscape painting, and the Yuan dynasty opera became a variant of Chinese opera which continues today as Cantonese opera.
Қытайдың қазіргі заманғы өнері
Қытайдағы соңғы феодалдық династия аяқталғаннан кейін, жаңа мәдени қозғалыс өркендегенмен бірге, қытай суретшілері батыс өнерінің ықпалына түсіп, батыс өнерін қытай мәдениетіне енгізе бастады. Америкалық джаздың ықпалымен қытай композиторы Ли Цзиньхуэй (қытай поп-музыкасының әкесі деп танылады) үлкен қызығушылық тудырған халықтық музыканы жасай бастады. 20-шы ғасырдың басында майлы бояу Қытайға әкелінді, соның салдарынан көптеген қытай суретшілері батыс сурет техникаларын үйреніп, оларды дәстүрлі қытай суретімен үйлестіре бастады. Осы арада, сурет өнерінің жаңа түрі – комикстер де пайда бола бастады. Ол көптеген адамдарға ұнады және сол кездегі ең қолжетімді ойын-сауық құралы болды.
After the end of the last feudal dynasty in China, with the rise of the new cultural movement, Chinese artists began to be influenced by Western art and began to integrate Western art into Chinese culture. Influenced by American jazz, Chinese composer Li Jinhui (Known as the father of Chinese pop music) began to create and promote popular music, which made a huge sensation. At the beginning of the 20th century, oil paintings were introduced to China, and more and more Chinese painters began to touch Western painting techniques and combine them with traditional Chinese painting. Meanwhile, a new form of painting, comics, had also begun to rise. It was popular with many people and became the most affordable way to entertain at the time.
Тибет өнері
Тибет өнері Тибет (Қытайдағы Тибет автономиялық аймағы) және басқа да қазіргі және бұрынғы Гималай патшалықтарының (Бутхан, Ладак, Непал және Сикким) өнерін білдіреді. Тибет өнерінің ең бастысы - бұл қасиетті өнердің бір түрі, бұл бұл мәдениеттерге тибет буддизмінің басым әсерін көрсетеді. Құм мандаласы (тибет: kilkhor) - бұл Тибет буддистік дәстүрі, ол заттардың өткінші табиғатын бейнелейді. Буддизмнің бір бөлігі ретінде барлық материалдық заттар уақытша деп саналады. Бұған мысал ретінде құм мандаланы келтіруге болады, өйткені ол салынғаннан кейін және оған қоса рәсімдер мен қарау аяқталғаннан кейін жүйелі түрде жойылады. Махаяна буддизмі б. з. б. 4 ғасырда жеке мектеп ретінде пайда болған кезде ол бодхисаттвалардың рөлін, бауырларына көмектесу үшін Нирванаға жеке қашып кетуден бас тартқан жанашыр жандардың рөлін атап өтті. Ерте кезден-ақ әр түрлі бодхисаттвалар мүсін өнерінің тақырыбы болды. Махаяна буддизмінен шыққан Тибет буддизмі осы дәстүрді мұра етті. Бірақ Ваджраянаның (немесе буддалық тантраның) басым болуы көркемдік мәдениетте аса маңызды болған болуы мүмкін. Тибет өнерінде бейнеленген жалпы бодхисаттва - бұл Chenrezig (Avalokitesvara) құдай, ол көбінесе әр қолының ортасында көзі бар мың қарулы қасиетті ретінде бейнеленеді, бұл біздің өтініштерімізді еститін барлық көретін жанашыр адамды білдіреді. Бұл құдайды Ваджраяна практикасы үшін Йидам немесе "медитация Буддасы" деп түсінуге болады. Тибет буддизміне Тантрикалық буддизм кіреді, ол Vajrayana буддизмі деп те аталады, өйткені оның жалпы символикасы vajra, алмаздық найзағай (тибет тілінде dorje деп аталады). Тибет буддистік өнерінің көп бөлігін тантраның бір бөлігі ретінде қарастыруға болады. Ваджраяна техникасы медитация кезінде көптеген визуализацияларды / қиялды қамтиды, ал тантрикалық өнердің көп бөлігін осы визуализацияларға көмек ретінде қарастыруға болады; медитациялық құдайлардың бейнелерінен (идамдар) мандалаларға және барлық ырымдық құралдарға дейін. Тантралық буддизмнің көрнекі аспектісі - ашулы құдайлардың жиі бейнеленген бейнесі, көбінесе ашулы бетпен, от шеңберлерімен немесе өлгендердің бас сүйектерімен бейнеленеді. Бұл суреттер Қорғаушыларды (Ск. Дхармапала) және олардың қорқынышты мінез-құлқы олардың нағыз жанашырлық сипатын жоққа шығарады. Шын мәнінде, олардың ашуы дхарма ілімін қорғау мен практикалық іс-әрекеттің бұзылуына немесе бұзылуына жол бермеу үшін белгілі бір тантрикалық іс-әрекеттерді қорғауға деген құлшыныстарын білдіреді. Олар ең бастысы, практиктың жағымсыз көзқарастарын жеңу үшін қолданылатын ашулы психологиялық аспектілер ретінде қолданылады. Тарихшылар қытай суреті жалпы тибет суретіне үлкен әсер еткенін атап өтті. 14-15 ғасырлардан бастап, Тибет кескіндемесі қытайлықтардың көптеген элементтерін енгізді, ал 18 ғасырда қытай кескіндемесі Тибет бейнелеу өнеріне терең және кең әсер етті. Джузеппе Туччидің айтуынша, Цинь династиясы кезінде "биыл жаңа тибет өнері дамыды, ол белгілі бір мағынада XVIII ғасырдағы қытайлықтардың сәнді сәнді сәнді көркемдіктерінің провинциялық эхосы болды".) 16 ғасырдағы жапон абысына арналып жасалды. Кейінгі жапон пейзаждарында, әдетте, басты назар алдыңғы жақтағы ерекшелікке аударылады. Жапондық өнер мен сәулет өнеріне адам өмір сүруінің басталуынан, б.з.б. 10-мыңжылдықта, қазіргі уақытқа дейін Жапонияда жасалған өнер туындылары жатады. Жапон өнерінде сан түрлі көркем стилдер мен құралдар бар, соның ішінде көне қыш бұйымдар, ағаш пен қоладан жасалған мүсіндер, жібек пен қағазға боялған бояулар және сан алуан басқа да көркем туындылар; ежелгі заманнан бастап қазіргі ХХІ ғасырға дейін. Өнер түрі 17-ші ғасырдың екінші жартысында Эдоның (Токио) мегаполисі мәдениетінде үлкен танымалдылыққа ие болды, 1670-ші жылдары Хишикава Моронобуның бір түсті шығармаларымен пайда болды. Алғашында тек қана үнді сиясы қолданылды, содан кейін кейбір принттер қолмен щеткамен боялды, бірақ 18-ші ғасырда Судзуки Харунобу нишики е. Жапон суреті (絵画) - жапон өнерінің ең көне және ең жетілдірілген түрлерінің бірі, жанрлар мен стилдердің кең спектрін қамтиды. Жалпы жапон өнерінің тарихы сияқты, жапон суреті тарихы да жапондық эстетика мен импорттық идеялардың бейімделуінің синтезі мен бәсекелестігінің ұзақ тарихы. Жапонияда сурет салудың басталуы Жапонияның тарихқа дейінгі кезеңінен басталады. Қарапайым таяқ фигуралары мен геометриялық үлгілерді Жомон кезеңінің қыш құмырасынан және Яйои кезеңінің (б.з.д....
Tibetan art refers to the art of Tibet (Tibet Autonomous Region in China) and other present and former Himalayan kingdoms (Bhutan, Ladakh, Nepal, and Sikkim). Tibetan art is first and foremost a form of sacred art, reflecting the overriding influence of Tibetan Buddhism on these cultures. The Sand Mandala (Tib: kilkhor) is a Tibetan Buddhist tradition which symbolises the transitory nature of things. As part of Buddhist canon, all things material are seen as transitory. A sand mandala is an example of this, being that once it has been built and its accompanying ceremonies and viewing are finished, it is systematically destroyed. As Mahayana Buddhism emerged as a separate school in the 4th century BC it emphasized the role of bodhisattvas, compassionate beings who forgo their personal escape to Nirvana in order to assist others. From an early time various bodhisattvas were also subjects of statuary art. Tibetan Buddhism, as an offspring of Mahayana Buddhism, inherited this tradition. But the additional dominating presence of the Vajrayana (or Buddhist tantra) may have had an overriding importance in the artistic culture. A common bodhisattva depicted in Tibetan art is the deity Chenrezig (Avalokitesvara), often portrayed as a thousand armed saint with an eye in the middle of each hand, representing the all seeing compassionate one who hears our requests. This deity can also be understood as a Yidam, or 'meditation Buddha' for Vajrayana practice. Tibetan Buddhism contains Tantric Buddhism, also known as Vajrayana Buddhism for its common symbolism of the vajra, the diamond thunderbolt (known in Tibetan as the dorje). Most of the typical Tibetan Buddhist art can be seen as part of the practice of tantra. Vajrayana techniques incorporate many visualizations/imaginations during meditation, and most of the elaborate tantric art can be seen as aids to these visualizations; from representations of meditational deities (yidams) to mandalas and all kinds of ritual implements. A visual aspect of Tantric Buddhism is the common representation of wrathful deities, often depicted with angry faces, circles of flame, or with the skulls of the dead. These images represent the Protectors (Skt. dharmapala) and their fearsome bearing belies their true compassionate nature. Actually, their wrath represents their dedication to the protection of the dharma teaching as well as to the protection of the specific tantric practices to prevent corruption or disruption of the practice. They are most importantly used as wrathful psychological aspects that can be used to conquer the negative attitudes of the practitioner. Historians note that Chinese painting had a profound influence on Tibetan painting in general. Starting from the 14th and 15th century, Tibetan painting had incorporated many elements from the Chinese, and during the 18th century, Chinese painting had a deep and far reaching impact on Tibetan visual art. According to Giuseppe Tucci, by the time of the Qing dynasty, "a new Tibetan art was then developed, which in a certain sense was a provincial echo of the Chinese 18th century's smooth ornate preciosity.") made for a 16th century Japanese abbot. Typically for later Japanese landscapes, the main focus is on a feature in the foreground.]] Japanese art and architecture include works of art produced in Japan from the beginnings of human habitation there, sometime in the 10th millennium BC, to the present. Japanese art covers a wide range of art styles and media, including ancient pottery, sculpture in wood and bronze, ink painting on silk and paper, and a myriad of other types of works of art; from ancient times until the contemporary 21st century. The art form rose to great popularity in the metropolitan culture of Edo (Tokyo) during the second half of the 17th century, originating with the single color works of Hishikawa Moronobu in the 1670s. At first, only India ink was used, then some prints were manually colored with a brush, but in the 18th century Suzuki Harunobu developed the technique of polychrome printing to produce nishiki e.
Japanese painting (絵画) is one of the oldest and most highly refined of the Japanese arts, encompassing a wide variety of genre and styles. As with the history of Japanese arts in general, the history of Japanese painting is a long history of synthesis and competition between native Japanese aesthetics and adaptation of imported ideas. The origins of painting in Japan date well back into Japan's prehistoric period. Simple stick figures and geometric designs can be found on Jōmon period pottery and Yayoi period (300 BC – 300 AD) dōtaku bronze bells. Mural paintings with both geometric and figurative designs have been found in numerous tumulus from the Kofun period (300–700 AD). Ancient Japanese sculpture was mostly derived from the idol worship in Buddhism or animistic rites of Shinto deity. In particular, sculpture among all the arts came to be most firmly centered around Buddhism. Materials traditionally used were metal—especially bronze—and, more commonly, wood, often lacquered, gilded, or brightly painted. By the end of the Tokugawa period, such traditional sculpture – except for miniaturized works – had largely disappeared because of the loss of patronage by Buddhist temples and the nobility. Ukiyo, meaning "floating world", refers to the impetuous young culture that bloomed in the urban centers of Edo (modern day Tokyo), Osaka, and Kyoto that were a world unto themselves. It is an ironic allusion to the homophone term "Sorrowful World" (憂き世), the earthly plane of death and rebirth from which Buddhists sought release.
Корея өнерінің
Корея өнерінің көркемдік салт-дәстүрлері қыш құмыра жасау, музыка, каллиграфия, сурет салу, мүсін және басқа жанрлар, көбінесе қатаң түстер, табиғи формалар, нақты пішіндер мен масштабтар және беткі безендіру арқылы белгіленеді. Үш тәуелсіз мәдениеттің арасында айқын және айрықша айырмашылықтар болса да, Корея, Қытай және Жапония өнерінің арасында елеулі және тарихи ұқсастықтар мен өзара іс-қимылдар бар. Батыс елдері корей өнерін зерттеу мен бағалау әлі де қалыптасу кезеңінде. Корея Қытай мен Жапонияның арасында орналасқандықтан, Кореяны Қытай мәдениетінің Жапонияға тек қана арнасы ретінде қарастырды. Алайда, соңғы уақытта ғалымдар Кореяның өзіндік ерекше өнерін, мәдениетін және Қытай мәдениетін беруде ғана емес, оны сіңіруде және өзіндік ерекше мәдениетті құруда маңызды рөл атқара бастады. Ұлт туып, дамыған өнердің өзі - өз өнері. Жалпы алғанда, корей суреті шамамен б.з. 108-ші жылы, ол алғаш рет өз алдына жеке сурет ретінде пайда болған кезде пайда болған. Сол уақыттан бастап, Горёо әулетінің қабірлерінде пайда болған суреттер мен фрескалар аралығында аз зерттеулер жүргізілді. Жосон әулетіне дейін негізгі әсер қытай суреті болды, бірақ корей пейзаждары, бет-әлпеттер, буддалық тақырыптар және корей астрономиясының қарқынды дамуына сәйкес аспанды бақылауға баса назар аударылды. Кореялық сурет өнерінің тарихында қара бояумен жасалған монохроматикалық туындылар, көбінесе шөптесін қағаз немесе жібекпен жасалған туындылар, түрлі-түсті халық өнерлері немесе мин-хва, ырым-жырым өнерлері, қабір суреттері және түстерді кеңінен қолданған фестиваль өнерлері үнемі бөлініп келеді. Бұл айырмашылық көбінесе тапқа негізделген: ғалымдар, әсіресе Конфуций өнерінде, адам түстерді монохроматикалық суреттерде градуациялар ішінде көре алады деп ойлады және түстерді нақты пайдалану суреттерді дөрекілендіріп, қиялды шектеді деп ойлады. Кореяның халық өнерінде және сәулет шеберліктерінің суреттелуі кейбір сыртқы ағаш шеберліктерін жарқыратып, Қытай сәулетінің дәстүрі мен Үндістанның өнерінен әсер алған бай тало мен негізгі түстердің ерте буддалық әсері ретінде көрінді. Кореядағы қазіргі заманғы өнер: Корея өнеріндегі батыс стильіндегі майлы суретшінің алғашқы үлгісі корей суретшісі Ко Ху и донның (18861965) автопортреттерінде болды. Олардың үшеуі ғана әлі күнге дейін сақталған. Бұл автопортреттер стильдік және мәдени айырмашылықты растаудан да асып түсетін ортаны түсінуге мүмкіндік береді. ХХ ғасырдың басында Кореяда май мен кенепті сурет салу туралы шешім екі түрлі түсіндірілді. Біріншісі - батыс идеялары мен өнер стильдерінің әсерінен пайда болған ағартушылық сезімі. Бұл ағартушылық 17-18 ғасырлардағы зияткерлік қозғалыстан туындаған. Ко Кореяны Жапония басып алған кезде осы әдіспен сурет салған. Осы уақыт аралығында көптеген адамдар оның өнері саяси болуы мүмкін деп мәлімдеді, алайда ол өзі саясаткер емес, суретші екенін айтты. Ко былай деді: "Токиода жүргенде, өте қызықты нәрсе болды. Сол кезде Токиода жүзден аз корей студенті бар еді. Барлығымыз жаңа ауа ішуге және жаңа зерттеулерге кірісуге тырыстық, бірақ сурет салуды таңдағанымды мазақтайтын адамдар болды. Бір жақын досым менің сурет салуды осы уақытта үйренуім дұрыс емес деді". Кореяның қыш құмырасы біздің заманымызға дейінгі 6000 жылдардың басында танылған. Бұл керамика сыртына оюланған сәнді сызықтарға байланысты шегелі өрнекті керамика деп те аталды. Ертедегі корей қоғамдары негізінен балық аулауға байланысты болды. Сонымен олар қыш ыдыстарды балық пен мұхиттан жиналған басқа да заттар, мысалы, моллюскалар үшін пайдаланған. Керамиканың екі негізгі аймақтық ерекшелігі бар. Шығыс жағалаудағы ыдыстардың негізі жазық, ал оңтүстік жағалаудағы қыш ыдыстардың негізі дөңгелек.
Korean art is noted for its traditions in pottery, music, calligraphy, painting, sculpture, and other genres, often marked by the use of bold color, natural forms, precise shape and scale, and surface decoration. While there are clear and distinguishing differences between three independent cultures, there are significant and historical similarities and interactions between the arts of Korea, China, and Japan. The study and appreciation of Korean art is still at a formative stage in the West. Because of Korea's position between China and Japan, Korea was seen as a mere conduit of Chinese culture to Japan. However, recent scholars have begun to acknowledge Korea's own unique art, culture, and important role in not only transmitting Chinese culture but assimilating it and creating a unique culture of its own. An art given birth to and developed by a nation is its own art. Generally, the history of Korean painting is dated to approximately 108 C. E., when it first appears as an independent form. Between that time and the paintings and frescoes that appear on the Goryeo dynasty tombs, there has been little research. Suffice to say that until the Joseon dynasty the primary influence was Chinese painting though done with Korean landscapes, facial features, Buddhist topics, and an emphasis on celestial observation in keeping with the rapid development of Korean astronomy. Throughout the history of Korean painting, there has been a constant separation of monochromatic works of black brushwork on very often mulberry paper or silk; and the colourful folk art or min hwa, ritual arts, tomb paintings, and festival arts which made extensive use of colour. This distinction was often class based: scholars, particularly in Confucian art, felt that one could see colour in monochromatic paintings within the gradations and felt that the actual use of colour coarsened the paintings, and restricted the imagination. Korean folk art, and painting of architectural frames was seen as brightening certain outside wood frames, and again within the tradition of Chinese architecture, and the early Buddhist influences of profuse rich thalo and primary colours inspired by the Art of India. Contemporary art in Korea: The first example of Western style oil painting in Korean art was in the self portraits of Korean artist Ko Hu i dong (1886–1965). Only three of these works still remain today. These self portraits impart an understanding of the medium that extends well beyond the affirmation of stylistic and cultural difference. By the early twentieth century, the decision to paint using oil and canvas in Korea had two different interpretations. One being a sense of enlightenment due to western ideas and art styles. This enlightenment derived from an intellectual movement of the seventeenth and eighteenth centuries. Ko had been painting with this method during a period of Japan's annexation of Korea. During this time many claimed his art could have been political, however, he himself stated he was an artist and not a politician. Ko stated, "While I was in Tokyo, a very curious thing happened. At that time there were fewer than one hundred Korean students in Tokyo. All of us were drinking the new air and embarking on new studies, but there were some who mocked my choice to study art. A close friend said that it was not right for me to study painting in such a time as this." Korean pottery was recognized as early as 6000 BCE. This pottery was also referred to as comb patterned pottery due to the decorative lines carved onto the outside. Early Korean societies were mainly dependent on fishing. So, they used pottery to store fish and other things collected from the ocean such as shellfish. Pottery had two main regional distinctions. Those from the East coast tend to have a flat base, whereas pottery on the South coast had a round base.
Пәкістандық өнер
Пәкістандық өнердің ұзақ тарихы мен дәстүрі бар. Оған сурет салу, мүсін жасау, каллиграфия, керамика және тоқыма өнері, мысалы, тоқыма жібек сияқты әртүрлі өнер түрлері кіреді. Географиялық жағынан алғанда, ол қазіргі Пәкістан аумағын қоса, Үндістан субконтиненті өнерінің бір бөлігі болып табылады.
Pakistani art has a long tradition and history. It consists of a variety of art forms, including painting, sculpture, calligraphy, pottery, and textile arts such as woven silk. Geographically, it is a part of the Indian subcontinent art, including what is now Pakistan.
Буддистік өнер
Буддистік өнер тарихи Гаутама Будданың өмірінен кейінгі ғасырларда, б.з.д. 6-5 ғасырларда Үндістан субконтинентінде пайда болды, содан кейін басқа мәдениеттермен байланысқа түсіп, Азияның және әлемнің қалған бөліктеріне таралу арқылы дамыды. Буддистік өнер дхарманың таралуымен сенушілермен бірге саяхаттады, әр жаңа елде бейімделіп, өзгерді. Ол солтүстікке Орталық Азия арқылы Шығыс Азияға қарай дамып, буддистік өнердің солтүстік тармағын, ал шығысқа Оңтүстік-Шығыс Азияға дейін жетіп, буддистік өнердің оңтүстік тармағын құрады. Үндістанда буддистік өнер гүлденді және тіпті индуизм өнерінің дамуына әсер етті, бірақ исламның индуизммен қатар белсенді таралуының нәтижесінде 10-шы ғасыр шамасында Үндістанда буддизмге айналды. Буддистік өнердегі кең таралған көрнекі элемент – мандала. Көрерменнің тұрғысынан қарағанда, ол идеалды ғаламды схемалық түрде бейнелейді. Әртүрлі рухани дәстүрлерде мандалалар ізденушілер мен үйренушілердің назарын шоғырландыру, рухани оқыту құралы, қасиетті кеңістік құру және медитация мен гипнозға көмектесу үшін қолданылуы мүмкін. Оның символдық мәні сананың терең деңгейлеріне жете алуға көмектеседі, соңында медитаторға ғаламның барлық түрлерінің пайда болуымен түпкі бірлікпен рухани байланыс сезінуге көмектеседі. Психоаналитик Карл Юнг мандаланы "санның ортасының бейнесі" деп қарастырды және мандалалардың суреттері оған эмоционалдық бұзылыстарды анықтауға және жеке тұлғаның толықтығына жетуге көмектескенін сендірді.
Buddhist art originated in the Indian subcontinent in the centuries following the life of the historical Gautama Buddha in the 6th to 5th century BCE, before evolving through its contact with other cultures and its diffusion through the rest of Asia and the world. Buddhist art traveled with believers as the dharma spread, adapted, and evolved in each new host country. It developed to the north through Central Asia and into East Asia to form the Northern branch of Buddhist art, and to the east as far as Southeast Asia to form the Southern branch of Buddhist art. In India, Buddhist art flourished and even influenced the development of Hindu art, until Buddhism nearly disappeared in India around the 10th century CE due in part to the vigorous expansion of Islam alongside Hinduism. A common visual device in Buddhist art is the mandala. From a viewer's perspective, it represents schematically the ideal universe. In various spiritual traditions, mandalas may be employed for focusing the attention of aspirants and adepts, a spiritual teaching tool, for establishing a sacred space, and as an aid to meditation and trance induction. Its symbolic nature can help one "to access progressively deeper levels of the unconscious, ultimately assisting the meditator to experience a mystical sense of oneness with the ultimate unity from which the cosmos in all its manifold forms arises." The psychoanalyst Carl Jung saw the mandala as "a representation of the centre of the unconscious self," and believed his paintings of mandalas enabled him to identify emotional disorders and work towards wholeness in personality.
Бутан өнерінің көркем туындылары
Бутан өнері Тибет өнеріне ұқсас. Екеуі де Ваджраяна буддизміне негізделген, оның құдайлар пантеоны бар. Бутандағы буддизмнің негізгі ағымдары – Друкпа Кагью және Ньингма. Алғашқысы Кагью мектебінің бір тармағы болып табылады және буддалық ұстаздардың және 70 Дже Кхенпоның (Бутанның монахтық мекемелерінің басшылары) тегін көрсететін суреттерімен танымал. Ньингма ағымы 7-шы ғасырда Бутанға буддизмді әкелген Падмасамбхаваның бейнелерімен белгілі. Аңыз бойынша, Падмасамбхава болашақ буддалық ұстаздар, әсіресе Пема Лингпа үшін қасиетті қазыналарды жасырған. Қазына табушылар (тертон) да Ньингма өнерінде жиі кездесетін тақырыптар. Әр құдайға арнайы пішіндер, түстер және/немесе лотос, иттің тісінен жасалған қабық, найзағай және тілек ыдысы сияқты белгілі бір нысандар тағайындалады. Барлық қасиетті бейнелер ғасырлар бойы өзгермеген қатаң талаптарға сәйкес жасалады. Бутан өнері әртүрлі қоладан жасалған бұйымдарға өте бай, олар Бутанда жасалса да, «Kham so» (Kham-да жасалған) деп аталады, өйткені оларды жасау технологиясы бастапқыда Тибеттің шығыс провинциясы Kham-нан әкелінген. Бұл аймақтардағы қабырға суреттері мен мүсіндері буддалық өнердің мәңгілік негізгі принциптеріне сүйенеді. Олардың егжей-тегжейлілігіне назар аударуы Тибет үлгілерінен алынған болса да, олардың шығу тегін оңай аңғаруға болады, тіпті осы тұлғалар көп кестеленген киімдермен және жылтыраған әшекейлермен әсем безенілгеніне қарамастан. Демондардың фантастикалық әлемінде суретшілер құдайлардың бейнелерін жасағандағы шектеулерден гөрі көбірек еркіндікке ие болған сияқты. Бутанның «Гималай мемлекетінің руханы мен ерекшелігін» көрсететін өнер мен қолөнер «Зориг Чосум» өнері деп аталады, яғни «Бутанның он үш өнер мен қолөнері». Осы он үш қолөнердің ішінде ағаш өңдеу, сурет салу, қағаз жасау, ұсталық, тоқымашылық, мүсін жасау және тағы да басқа көптеген қолөнерлер бар. Бутан Үкіметінің Бутанның бай мәдениеті мен дәстүрін сақтау және барлық дәстүрлі өнер түрлерінде студенттерді оқыту мақсатымен құрған Зориг Чосум институты Тымпудағы дәстүрлі өнер мен қолөнердің жетекші орталығы болып табылады. Шығыс Бутанда да осыған ұқсас Trashi Yangtse атты мекеме бар. Бутанның ауылдық өмірі Тымпудағы «Халық мұражайында» көрсетілген. Тымпудағы жастарды өнерге ынталандыру және оны насихаттау үшін «Еркіндік суретшілер студиясы» да жұмыс істейді.
Bhutanese art is similar to the art of Tibet. Both are based upon Vajrayana Buddhism, with its pantheon of divine beings. The major orders of Buddhism in Bhutan are Drukpa Kagyu and Nyingma. The former is a branch of the Kagyu School and is known for paintings documenting the lineage of Buddhist masters and the 70 Je Khenpo (leaders of the Bhutanese monastic establishment). The Nyingma order is known for images of Padmasambhava, who is credited with introducing Buddhism into Bhutan in the 7th century. According to legend, Padmasambhava hid sacred treasures for future Buddhist masters, especially Pema Lingpa, to find. The treasure finders (tertön) are also frequent subjects of Nyingma art. Each divine being is assigned special shapes, colors, and/or identifying objects, such as lotus, conch shell, thunderbolt, and begging bowl. All sacred images are made to exact specifications that have remained remarkably unchanged for centuries. Bhutanese art is particularly rich in bronzes of different kinds that are collectively known by the name Kham so (made in Kham) even though they are made in Bhutan, because the technique of making them was originally imported from the eastern province of Tibet called Kham. Wall paintings and sculptures, in these regions, are formulated on the principal ageless ideals of Buddhist art forms. Even though their emphasis on detail is derived from Tibetan models, their origins can be discerned easily, despite the profusely embroidered garments and glittering ornaments with which these figures are lavishly covered. In the grotesque world of demons, the artists apparently had greater freedom of action than when modeling images of divine beings. The arts and crafts of Bhutan that represent the exclusive “spirit and identity of the Himalayan kingdom" are defined as the art of Zorig Chosum, which means the “thirteen arts and crafts of Bhutan”; the thirteen crafts are carpentry, painting, paper making, blacksmithing, weaving, sculpting, and many other crafts. The Institute of Zorig Chosum in Thimphu is the premier institution of traditional arts and crafts set up by the Government of Bhutan with the sole objective of preserving the rich culture and tradition of Bhutan and training students in all traditional art forms; there is another similar institution in eastern Bhutan known as Trashi Yangtse. Bhutanese rural life is also displayed in the ‘Folk Heritage Museum’ in Thimphu. There is also a ‘Voluntary Artists Studio’ in Thimphu to encourage and promote the art forms among the youth of Thimphu.
Непал өнері
Қатмандудың ежелгі әрі мәдениетті дәстүрлі мәдениеті, жалпы Непалдың өзінде де, діндар халқының өмір салтында индуизм мен буддизмнің үздіксіз және ерекше қарым-қатынасы болып табылады. Ол сонымен қатар джайнизм, ислам және христиан сияқты басқа діндердің ұсынып берген мәдени алуантүрлілігін де қабылдаған.
The ancient and refined traditional culture of Kathmandu, for that matter in the whole of Nepal, is an uninterrupted and exceptional meeting of the Hindu and Buddhist ethos practiced by its highly religious people. It has also embraced in its fold the cultural diversity provided by the other religions such as Jainism, Islam, and Christianity.
Бруней өнерінің көркем түрі
Күміс – бруней өнерінде кең таралған элемент. Күмісшілер әшекейлер, гүл вазалары және гонгтар (соққанда дыбыс беретін жиекті металл дискілер) жасайды. Тағы бір танымал ыдыс – пасигупан, ол мандала суреті салған, темекі сақтауға арналған кішкентай құмыра. Тоқу өнері ұрпақтан-ұрпаққа беріліп келеді. Брунейде көйлектер мен саронгтарға арналған маталар өндіріледі. "Мата тоқу және әшекейлеу, сондай-ақ оны кию, көрсету және алмасу бруней мәдениетінің жылдар бойы маңызды бөлігі болды (Orr 96)." Тоқу өнері 15 ғасырда маңызға ие болды. Антонио Пигафетта саяхаты барысында Брунейге барып, киімнің қалай жасалатынын көрді. Мысалы, Жонгсарат – тойлар мен арнайы шараларда қолданылатын қолмен жасалған киім. Ол көбінесе күміс пен алтынмен әшекейленеді. Оны қабырғаға жабу үшін де пайдалануға болады. Брунейде батик және икат деп аталатын екі түрлі киім бар. Батик – бұл бау-бақшаға бояуды қарсылыққа ұшырату әдісімен безендірілген боялған мақта мата. Икат та батик сияқты бірдей процесте жасалады, бірақ батиктегідей дайын матаға сурет салмай, тоқу кезінде өрнек құралады.
Silver is a popular element in Bruneian art. Silversmiths make ornaments, flower vases and gongs (metal disk with a turned rim giving a resonant note when stuck). Another popular utensil is pasigupan, a type of mini pot that has a mandala print and holds tobacco. Weaving skills have been passed across generations. Brunei produces fabric for making gowns and sarongs. "The weaving and decoration of cloth as well as wearing, display, and exchange of it, has been an important part of Bruneian culture for years (Orr 96)." Weaving became significant in the 15th century. Antonio Pigafetta visited Brunei during his travels and observed how the clothes were made. One example was a Jongsarat, a handmade garment used for weddings and special occasions. It typically includes a hint of silver and gold. It can be used for wall coverings. The two types of clothing in Brunei are called Batik and Ikat. Batik is dyed cotton cloth decorated through a technique known as wax resist dyeing. Ikat is made through a similar process as Batik, Instead of dyeing the pattern onto finished cloth, it is created during weaving.
Камбоджа өнері
Камбоджа өнері мен мәдениеті көп ғасырлар бойы бай және әртүрлі тарихқа ие, Үндістанның зор ықпалына дерлік толыққан. Өз кезегінде Камбоджа Таиланд, Лаос және керісінше елдерге үлкен әсер етті. Камбоджаның ұзақ тарихында дін маңызды шабыт көзі болды. Шамамен екі мың жыл бойы камбоджалықтар жергілікті анимистік сенімдер мен буддизм және индуизмнің үнді діндерінің қосылуынан туған ерекше кхмерлік сенімдерін дамытты. Үндістан мәдениеті мен өркениеті, соның ішінде тілі мен өнері, біздің заманымыздың 1-ші ғасырында Оңтүстік-Шығыс Азияға жеткені белгілі. Әдетте, теңіз саудагерлері Қытаймен сауда жасағанда, Үндістанның әдет-ғұрыптары мен мәдениетін Таиланд шығанағы мен Тынық мұхитындағы порттарға әкелген деп есептеледі. Бұл арқасында алғашқы пайданы Фунан мемлекеті көрді. Әртүрлі уақыттарда камбоджалық мәдениетке яван, қытай, лаос және тай мәдениеттерінің де элементтері сіңген. Камбоджаның бейнелеу өнерінің тарихы ғасырлар бойына созылып, ежелгі қолөнерге дейін жетеді; кхмер өнері Ангкор дәуірінде өзінің гүлдену шегіне жетті. Камбоджаның дәстүрлі өнері мен қолөнеріне тоқыма, тоқыма емес өрім, күміс жасау, тасқа ою, лакқа бояу, керамика, ваттардағы суреттер және желкендер жасау кіреді. 20-шы ғасырдың ортасынан бастап Камбоджада заманауи өнер дәстүрі қалыптасты, бірақ 20-шы ғасырдың соңында дәстүрлі және заманауи өнер бірнеше себептермен, соның ішінде қызыл кхмерлердің суретшілерді өлтіруі салдарынан құлдырады. Елде үкіметтердің, үкіметтік емес ұйымдардың және шетелдік туристердің қолдауының артуына байланысты соңғы кезде өнер қайта жандануда.
Cambodian art and the culture of Cambodia has had a rich and varied history dating back many centuries and has been heavily influenced by India. In turn, Cambodia greatly influenced Thailand, Laos, and vice versa. Throughout Cambodia's long history, a major source of inspiration was from religion. Throughout nearly two millennia, Cambodians developed a unique Khmer belief from the syncreticism of indigenous animistic beliefs and the Indian religions of Buddhism and Hinduism. Indian culture and civilization, including its language and arts, reached mainland Southeast Asia around the 1st century CE. It is generally believed that seafaring merchants brought Indian customs and culture to ports along the gulf of Thailand and the Pacific while trading with China. The first state to benefit from this was Funan. At various times, Cambodian culture also absorbed elements from Javanese, Chinese, Lao, and Thai cultures. The history of the visual arts of Cambodia stretches back centuries to ancient crafts; Khmer art reached its peak during the Angkor period. Traditional Cambodian arts and crafts include textiles, non textile weaving, silversmithing, stone carving, lacquerware, ceramics, wat murals, and kite making. Beginning in the mid 20th century, a tradition of modern art began in Cambodia, though in the later 20th century both traditional and modern arts declined for several reasons, including the killing of artists by the Khmer Rouge. The country has experienced a recent artistic revival due to increased support from governments, NGOs, and foreign tourists.
Кхмер мүсіндері
Кхмер мүсіндері – 9-13 ғасырларда қазіргі Камбоджа аумағынан әлдеқайда кеңірек жерді билеген Кхмер империясының тас мүсіндерін білдіреді. Ең танымал мысалдары империяның орталығы болған Ангкорда табылады. 7-ғасырға қарай кхмер мүсіндері индуистік ықпалынан алшақта бастайды – буддалық бейнелер Гуптадан, индуистік бейнелер Паллавадан әсерленеді. Үнемі стильдік эволюция арқылы өзінің ерекшелігін дамытып, 10-ғасырға қарай толыққанды және абсолютті деп санауға болады. Кхмер мүсіндері тез арада діни бейнелеуден асып, тіпті сарайдағы тұлғаларды құдайлар мен құдайшалар кейпінде бейнелеу үшін құралға айналады. Алайда, одан да маңыздысы, ол стильдік жетілдіруді жүзеге асырудың өзіндік мақсаты мен құралы болып табылады, бұл бір түрлі сынақ полигонына ұқсайды. Кхмер патшалығының әлеуметтік контексі осы өнерді түсінудің екінші кілті екенін білдік. Бірақ, сонымен қатар, шағын топтағы зиялылар мен суретшілердің өзіндік шеберлік пен нәзіктік үшін бәсекелесіп, стильдің гипотетикалық кемелдігін іздегенін де көзге елестете аламыз. Кхмер мүсіндеріндегі құдайлар – Үндістанның екі ірі діні, буддизм мен индуизмнің құдайлары. Олар әрқашан өте дәл иконографиялық тұрғыдан бейнеленеді, бұл жұмыстарды орындау барысында білімді дін қызметкерлерінің қадағалауын көрсетеді. Бұл мүсіндер – құдайлардың, патшалардың және билеушілердің таңғажайып бейнелері, бірақ әйелдік сезімталдықтан да айырылмаған, сарайдағы маңызды тұлғалар мен үлкен билікке ие адамдар туралы ойға жетелейді. Тасқа қашап жасаған суретшілер, сөзсіз, оларды тапсырған адамдардың басты мақсаттары мен талаптарын қанағаттандырды. Скульптуралар таңдалған құдайды дәстүрлі түрде бейнелейді және сарайдың жоғары лауазымды тұлғаларын олардың сән-салтанатымен, киім-кешектерімен, әшекейлерімен және зергерлік бұйымдарымен керемет шеберлікпен бейнелей алады.
Khmer sculpture refers to the stone sculpture of the Khmer Empire, which ruled a territory based on modern Cambodia, but rather larger, from the 9th to the 13th century. The most celebrated examples are found in Angkor, which served as the seat of the empire. By the 7th century, Khmer sculpture begins to drift away from its Hindu influences – pre Gupta for the Buddhist figures, Pallava for the Hindu figures – and through constant stylistic evolution, it comes to develop its own originality, which by the 10th century can be considered complete and absolute. Khmer sculpture soon goes beyond religious representation, which becomes almost a pretext in order to portray court figures in the guise of gods and goddesses. But furthermore, it also comes to constitute a means and end in itself for the execution of stylistic refinement, like a kind of testing ground. We have already seen how the social context of the Khmer kingdom provides a second key to understanding this art. But we can also imagine that on a more exclusive level, small groups of intellectuals and artists were at work, competing among themselves in mastery and refinement as they pursued a hypothetical perfection of style. The gods we find in Khmer sculpture are those of the two great religions of India, Buddhism and Hinduism. And they are always represented with great iconographic precision, clearly indicating that learned priests supervised the execution of the works. The sculptures are admirable images of gods, royal and imposing presences, though not without feminine sensuality, making us think of important persons at the courts and persons of considerable power. The artists who sculpted the stones doubtless satisfied the primary objectives and requisites demanded by the persons who commissioned them. The sculptures represent the chosen divinity in the orthodox manner and succeed in portraying, with great skill and expertise, high figures of the courts in all of their splendour, in the attire, adornments, and jewelry of a sophisticated beauty.
Филиппиндік өнер
Филиппиндердің ең ерте белгілі өнері – тас өнері, оның ең көнесі – Ангоно петроглифтері, неолит дәуірінде жасалған, б.з.д. 6000-2000 жылдар аралығында. Бұл мүсіндер ежелгі дәуірде ауру балаларды емдеу салтының бір бөлігі ретінде қолданылған болуы мүмкін. Одан кейін б.з.д. 1500 жылға дейін жасалған Алаб петроглифтері пайда болды, онда құнарлылық символы – пуденда бейнеленген. Тас өнері петрографияны қамтиды, соның ішінде Пенабланкадағы көмір тас өнері, Сингнапандағы көмір тас өнері, Андадағы қызыл гематит өнері және Монреалдан (Тикао) жақында табылған тас өнері, онда маймылдар, адам беттері, құрттар немесе жыландар, өсімдіктер, құсқұрттар мен құстар бейнеленген. 890-710 жылдар аралығында Палаванның оңтүстігінде Манунггул ыдысы жасалды. Бұл екінші дәрежелі жерлеу ыдысы ретінде қолданылды, оның жоғарғы жапқышында жанның психопомппен қайық арқылы өмірден кейінгі әлемге сапары бейнеленген. Б.з.д. 100 жылы Қабаян мумиясы таудан қазылған. Б.з.д. 5-225 жылдар аралығында Котабатода Майтум антропоморфты қыш бұйымдары жасалды. Бұл бұйымдар екінші дәрежелі қабір құмыралары еді, олардың көпшілігі адамның басын, қолын, аяғын және кеудесін бейнелейді. Филиппиннің ежелгі халқы біздің заманымыздың 4-шы ғасырында және одан бұрын алып соғыс кемелерін жасаған, ал ең ерте археологиялық дәлелдер Бутуаннан қазылып алынған, онда кеме балангай ретінде анықталған және 320 жылға жатқызылған. Қазіргі кезде табылған ең көне жазулы артефакт – 900 жылы жасалған Лагуна мыс жазуы. Тақтада қарызды төлеу туралы айтылған. Бутуанның пил сүйегі мөрі – елдегі ең ерте пил сүйегі өнері, ол біздің заманымыздың 9-12 ғасырлары аралығында жасалған. Мөрде көне жазудың ою-өрнегі бар. Осы кезеңде Агусан мүсіні сияқты әртүрлі артефакттар жасалды, ол индуизм мен буддизмнің ықпалымен жасалған құдайдың алтын мүсіні. 12-15 ғасырларда Бутуан күміс палеографы жасалды. Күмістегі жазу әлі де шифрланбаған. 13-14 ғасырларда Бантонның жергілікті тұрғындары Ромблон Бантон матасын жасады, ол Оңтүстік-Шығыс Азиядағы ең көне сақталған икат матасы. Бұл мата өлім салтанаты ретінде қолданылған. 16 ғасырдан бастап 19 ғасырдың соңына дейін испан отарлауы елдегі өнердің әртүрлі түрлеріне әсер етті. 1565 жылдан 1815 жылға дейін филиппиндік шеберлер Азиядан Америкаға сауда үшін пайдаланылатын Манила галеондарын жасады, ал көптеген тауарлар Еуропаға жеткізілді. 1565 жылы Филиппинде татуировка жасаудың ежелгі дәстүрі алғаш рет Пинтадос арқылы тіркелді. 1584 жылы Сан-Антонио-Абад бекінісі аяқталды, ал 1591 жылы Сантьяго бекінісі салынды. 1600 жылы Филиппиннің күріш террасалары жасалды. Бес күріш террасасы әлемдік мұра ретінде танылды. 1607 жылы Манила қаласындағы Сан-Агустин шіркеуі салынды. Ғимарат әлемдік мұра ретінде жарияланды. Бұл орын сырлы интерьерімен танымал. 1613 жылы қағазға жазылған ең көне суят жазуы Санто-Томас университетінің Baybayin құжаттары арқылы жасалды. 1621 жылдан кейін Монреал тастары Масбате штатының Тикао қаласында жасалды. 1680 жылы ғасырлар аркасы салынды. 1692 жылы Порта-Вагадағы Нуэстра-Сеньора-де-ла-Соледад бейнесі суреттелді. Манаоаг шіркеуі 1701 жылы құрылды. 1710 жылы Паоай шіркеуінің әлемдік мұралық орны салынды. Шіркеу жер сілкінісі барокко архитектурасының бір бөлігі болып табылатын алып тіректерімен танымал. 1725 жылы тарихи Санта-Ана шіркеуі салынды. 1765 жылы Санта-Мария шіркеуінің әлемдік мұралық орны салынды. Бұл орын биік таулы құрылымымен ерекшеленеді. 1797 жылы Миагао шіркеуінің әлемдік мұралық орны салынды. Шіркеу фасадындағы ою-өрнектерімен танымал. 1891 жылы Азиядағы тұңғыш және жалғыз темірден жасалған шіркеу – Сан-Себастьян шіркеуі (Манила) салынды. 1894 жылы "Ананың кек алуы" атты саз мүсіні жасалды. 20 ғасырда, немесе одан бұрын, Баянгтың Құран кітабы жазылды. Сол уақытта сырттан келгендер Бесаодағы Гидайдың тасша ауыл шаруашылығы күнтізбесін тапты. 1913 жылы Ризал ескерткіші аяқталды. 1927 жылы Санто-Томас университетінің бас ғимараты қайта салынды, ал оның орталық семинария ғимараты 1933 жылы салынды. 1931 жылы Сулудың патша сарайы Дарул Жамбанган қиратылды. Сол жылы Манила Метрополитен театры салынды. "Филиппин медицинасының прогресі" картинасы 1953 жылы аяқталды. Санто-Доминго шіркеуі 1954 жылы салынды. 1962 жылы Халықаралық күріш зерттеу институтының суреті аяқталды, ал Манила қабырғалық кескіндемесі 1968 жылы жасалды. 1993 жылы Бонифасио ескерткіші құрылды.
The earliest known Filipino arts are the rock arts, where the oldest is the Angono Petroglyphs, made during the Neolithic age, dated between 6000 and 2000 BC. The carvings were possibly used as part of an ancient healing practice for sick children. This was followed by the Alab Petroglyphs, dated not later than 1500 BC, which exhibited symbols of fertility such as a pudenda. The rock arts are petrographs, including the charcoal rock art from Peñablanca, charcoal rock art from Singnapan, red hematite art at Anda, and the recently discovered rock art from Monreal (Ticao), depicting monkeys, human faces, worms or snakes, plants, dragonflies, and birds. Between 890 and 710 BC, the Manunggul Jar was made in southern Palawan. It served as a secondary burial jar, where the top cover depicts the journey of the soul into the afterlife through a boat with a psychopomp. In 100 BC, the Kabayan Mummy Burial Caves were carved from a mountain. Between 5 BC 225 AD, the Maitum anthropomorphic pottery were created in Cotabato. The crafts were secondary burial jars, with many depicting human heads, hands, feet, and breast. By the 4th century AD, and most likely before that, ancient people from the Philippines have been making giant warships, where the earliest known archaeological evidences have been excavated from Butuan, where the ship was identified as a balangay and dated at 320 AD. The oldest, currently found, artifact with a written script on it is the Laguna Copperplate Inscription, dated 900 AD. The plate discusses the payment of a debt. The Butuan Ivory Seal is the earliest known ivory art in the country, dated between the 9th to 12th century AD. The seal contains carvings of an ancient script. During this period, various artifacts were made, such as the Agusan image, a gold statue of a deity, possibly influenced by Hinduism and Buddhism. From the 12th to 15th century, the Butuan Silver Paleograph was made. The script on the silver has yet to be deciphered. Between the 13th–14th century, the natives of Banton, Romblon, crafted the Banton cloth, the oldest surviving ikat textile in Southeast Asia. The cloth was used as a death blanket. By the 16th century, up to the late 19th century, Spanish colonization influenced various forms of art in the country. From 1565 to 1815, Filipino craftsfolk were making the Manila galleons used for the trading from Asia to the Americas, where many of the goods went to Europe. In 1565, the ancient tradition of tattooing in the Philippines was first recorded through the Pintados. In 1584, Fort San Antonio Abad was completed, while in 1591, Fort Santiago was built. By 1600, the Rice Terraces of the Philippine Cordilleras were made. Five rice terrace clusters have been designated as World Heritage Sites. In 1607, the San Agustin Church (Manila) was built. The building has been declared as a World Heritage Site. The site is famous for its painted interior. In 1613, the oldest surviving suyat writing on paper was written through the University of Santo Tomas Baybayin Documents. Following 1621, the Monreal Stones were created in Ticao, Masbate. In 1680, the Arch of the Centuries was made. In 1692, the image of Nuestra Senora de la Soledad de Porta Vaga was painted. Manaoag Church was established in 1701. In 1710, the World Heritage Site of Paoay Church was built. The church is known for its giant buttresses, part of the earthquake Baroque architecture. In 1725, the historical Santa Ana Church was built. In 1765, the World Heritage Site of Santa Maria Church was built. The site is notable for its highland structure. In 1797, the World Heritage Site of Miagao Church was built. The church is famous for its facade carvings. In 1891, the first and only all steel church in Asia, San Sebastian Church (Manila), was built. In 1894, the clay art Mother's Revenge was made. In the 20th century, or possibly earlier, the Koran of Bayang was written. During the same time, the Stone Agricultural Calendar of Guiday, Besao, was discovered by outsiders. In 1913, the Rizal Monument was completed. In 1927, the University of Santo Tomas Main Building was rebuilt, while its Central Seminary Building was built in 1933. In 1931, the royal palace Darul Jambangan of Sulu was destroyed. On the same year, the Manila Metropolitan Theater was built. The Progress of Medicine in the Philippines paintings were finished in 1953. Santo Domingo Church was built in 1954. In 1962, the International Rice Research Institute painting was completed, while the Manila Mural was made in 1968. In 1993, the Bonifacio Monument was created. describes Balinese art as, " a highly developed, although informal Baroque folk art that combines the peasant liveliness with the refinement of classicism of Hinduistic Java, but free of the conservative prejudice and with a new vitality fired by the exuberance of the demonic spirit of the tropical primitive". Eiseman pointed out that Balinese art is actually carved, painted, woven, and prepared into objects intended for everyday use rather than as object d 'art. In the 1920s, with the arrival of many western artists, Bali became an artist enclave (as Tahiti was for Paul Gauguin) for avant garde artists such as Walter Spies (German), Rudolf Bonnet (Dutch), Adrien Jean Le Mayeur (Belgian), Arie Smit (Dutch), and Donald Friend (Australian) in more recent years. Most of these western artists had very little influence on the Balinese until the post World War Two period, although some accounts over emphasise the western presence at the expense of recognising Balinese creativity. This groundbreaking period of creativity reached a peak in the late 1930s. A stream of famous visitors, including Charlie Chaplin and the anthropologists Gregory Bateson and Margaret Mead, encouraged the talented locals to create highly original works. During their stay in Bali in the mid 1930s, Bateson and Mead collected over 2000 paintings, predominantly from the village of Batuan, but also from the coastal village of Sanur. Among western artists, Spies and Bonnet are often credited for the modernization of traditional Balinese paintings. From the 1950s onwards, Baliese artists incorporated aspects of perspective and anatomy from these artists. More importantly, they acted as agents of change by encouraging experimentation, and promoted departures from tradition. The result was an explosion of individual expression that increased the rate of change in Balinese art.
Лао өнерінің үлгілері
Лаос өнері керамиканы, лаос буддалық мүсіндерін және лаос музыкасын қамтиды. Лаос буддалық мүсіндері алтын, күміс және көбінесе қола сияқты алуан түрлі материалдардан жасалған. Кірпіш пен цемент те алып мүсіндер жасау үшін қолданылды, олардың ең танымал мысалы – Вьентьян қаласындағы Пья Ват мүсіні (16 ғасыр). Бірақ жаңарту мүсіннің түрін толығымен өзгертті, ол енді лаос Буддасына ұқсамайды. Ағаш көбінесе үңгірлерде қалдырылатын кішкентай, құрбандық шалуға арналған буддалық мүсіндер жасау үшін қолданылады. Ағаш Будданың толық өлшемді, тік тұрған мүсіндерін жасау үшін де жиі қолданылады. Жартылай қымбат тастардан жасалған ең танымал екі мүсін – Пхра Кёо (Зумруд Будда) және Пхра Футта Бутсаварат. Пхра Кёо, бәлкім, Сиенг Сен (Чианг Саен) өлкесінде жасалған, толық бір жаде тасынан қашалған. Ол Вьентьян қаласында екі жүз жыл бойы тұрды, содан кейін 18 ғасырдың соңында сиамдықтар оны олжа ретінде алып кетті. Бүгінде ол Таиланд Корольдігінің қасиетті нысаны болып саналады және Бангкоктағы Ұлы сарайда орналасқан. Пхра Футта Бутсаварат, Пхра Кёо сияқты, Бангкоктағы Ұлы сарайдағы жеке ғибадатханада сақталған. Сиамдықтар оны 19 ғасырдың басында тартып алғанға дейін, бұл кристалл мүсін Лаос патшалығының қасиетті нысаны болған. Пак-У үңгірлерінде көптеген әдемі лаос буддалық мүсіндері тікелей қашалған. Пак-У (У өзенінің сағасы) маңында, Луанг Прабангқа жақын орналасқан Тхам-Тинг (Төменгі үңгір) және Тхам-Тхэунг (Жоғарғы үңгір) бар. Бұл Луанг Прабангтың орталығынан екі сағаттық сапармен ғана қолжетімді, керемет үңгірлер тобы, және соңғы кезде туристер арасында танымал бола бастады. Үңгірлер қабырғаларына қашалған әсерлі буддалық және лаос стиліндегі мүсіндерімен, едендер мен қабырға сөрелеріндегі жүздеген тасталған буддалық мүсіндерімен танымал. Олардың иелері оларды жоюды қаламағандықтан, олар осында орналастырылған, сондықтан адамдар қаламаған мүсіндерін қою үшін үңгірлерге қиын сапар жасайды.
Laotian art includes ceramics, Lao Buddhist sculpture, and Lao music. Lao Buddhist sculptures were created in a large variety of material including gold, silver, and, most often, bronze. Brick and mortar was also a medium used for colossal images, most famous of these is the image of Phya Vat (16th century) in Vientiane, although a renovation completely altered the appearance of the sculpture, and it no longer resembles a Lao Buddha. Wood is popular for small, votive Buddhist images that are often left in caves. Wood is also very common for large, life size standing images of the Buddha. The most famous two sculptures carved in semi precious stone are the Phra Keo (The Emerald Buddha) and the Phra Phuttha Butsavarat. The Phra Keo, which is probably of Xieng Sen (Chiang Saen) origin, is carved from a solid block of jade. It rested in Vientiane for two hundred years before the Siamese carried it away as booty in the late 18th century. Today it serves as the palladium of the Kingdom of Thailand, and resides at the Grand Palace in Bangkok. The Phra Phuttha Butsavarat, like the Phra Keo, is also enshrined in its own chapel at the Grand Palace in Bangkok. Before the Siamese seized it in the early 19th century, this crystal image was the palladium of the Lao kingdom of Champassack. Many beautiful Lao Buddhist sculptures are carved right into the Pak Ou caves. Near Pak Ou (mouth of the Ou river) the Tham Ting (lower cave) and the Tham Theung (upper cave) are near Luang Prabang, Laos. They are a magnificent group of caves that are only accessible by boat, about two hours upstream from the center of Luang Prabang, and have recently become more well known and frequented by tourists. The caves are noted for their impressive Buddhist and Lao style sculptures carved into the cave walls, and hundreds of discarded Buddhist figures laid out over the floors and wall shelves. They were put there as their owners did not wish to destroy them, so a difficult journey is made to the caves to place their unwanted statues there.
Малайзия өнері
Малайзия өнері негізінен малай және борнео өнерінен тұрады, ол Бруней, Индонезия және Сингапур сияқты Оңтүстік-Шығыс Азияның басқа стильдерімен ұқсастықтарды бөліседі. Малайзиядағы өнер тарихы малай сұлтандықтарымен қатар, қытай, үнді және ислам өнерінің ықпалына дейін жетеді. Традициялық малайзия өнері негізінен ою-өрнек жасау, тоқу және күміс шеберлігіне бағытталған. Дәстүрлі өнер ауылдық аймақтардан қолмен тоқылған себеттерден бастап, малай сарайларының күміс бұйымдарына дейін қамтиды. Көбінесе әшекейлі кристер мен жаңғақ жиынтықтары жасалған. "Сонгкет" деп аталатын сәнді маталар, сондай-ақ дәстүрлі өрнекті батик маталары тоқылады. Шығыс Малайзияның жергілікті тұрғындары ағаштан жасалған маскаларымен танымал. Малайзия өнері тек соңғы кезде ғана кеңіне тарады, себебі 1950 жылдарға дейін адамдар мен жануарларды бейнелеуге қатысты ислами тыйымдар өте күшті болды. Батик, сонгкет, пуа кумбу және текат сияқты маталар әшекейлеу үшін қолданылады және көбінесе суреттермен немесе өрнектермен кестеленеді. Дәстүрлі әшекейлер алтын мен күмістен жасалып, қымбат тастармен безендірілді, ал Шығыс Малайзияда осы мақсатта тері мен мұқтарлар қолданылды.
Malaysian art is primarily composed of Malay art and Bornean art, holding similarities with the other styles from Southeast Asia, such that of Brunei, Indonesia, and Singapore. The history of art in Malaysia dates back to the Malay sultanates, with influences from Chinese, Indian and Islamic arts. Traditional Malaysian art is mainly centred on the crafts of carving, weaving, and silversmithing. Traditional art ranges from handwoven baskets from rural areas to the silverwork of the Malay courts. Common artworks included ornamental kris and beetle nut sets. Luxurious textiles known as Songket are made, as well as traditional patterned batik fabrics. Indigenous East Malaysians are known for their wooden masks. Malaysian art has expanded only recently, as before the 1950s Islamic taboos about drawing people and animals were strong. Textiles such as the batik, songket, Pua Kumbu, and tekat are used for decorations, often embroidered with a painting or pattern. Traditional jewelry was made from gold and silver adorned with gems, and, in East Malaysia, leather and beads were used to the same effect.
Мьянма өнері
Мьянма өнері – Мьянмада (Бірма) жасалған бейнелеу өнері. Ежелгі Бірма өнері Үндістанның ықпалында болды және көбінесе діни сипатта болған, Татон патшалығындағы индуистік мүсіндерден бастап Шри Ксетра патшалығындағы теравада буддалық бейнелеріне дейін. Баган дәуірі қабырға суреттері мен мүсіндерден бастап, штукатурлық және ағаш өңдеу сияқты көптеген өнер түрлерінде маңызды дамуға ие болды. Суретшілер Бірма мәдениетін көрсететін суреттер мен мүсіндер жасады. Бірма суретшілері үкіметтің араласуы мен цензурасына ұшырады, бұл Мьянмадағы өнердің дамуын тежеді. Бірма өнері мудра, жатака әңгімелері, пагода және Бодхисаттва сияқты орталық буддалық элементтерді көрсетеді.
Art of Myanmar refers to visual art created in Myanmar (Burma). Ancient Burmese art was influenced by India and was often religious in nature, ranging from Hindu sculptures in the Thaton Kingdom to Theravada Buddhist images in the Sri Ksetra Kingdom. The Bagan period saw significant developments in many art forms from wall paintings and sculptures to stucco and wood carving. artists created paintings and sculptures that reflect the Burmese culture. Burmese artists have been subjected to government interference and censorship, hindering the development of art in Myanmar. Burmese art reflects the central Buddhist elements including the mudra, Jataka tales, the pagoda, and Bodhisattva.
Сингапур өнері
Сингапур өнерінің тарихы Малай архипелагының жергілікті көркемдік дәстүрлерін және Қытайдан, Үндістан субконтинентінен және Еуропадан келген көшпелі суретшілер мен көшіп келушілердің әртүрлі көркемдік тәжірибесін қамтиды. Сингапур өнері малай әлемінің мүсін, тоқыма және сәндік өнер дәстүрлерін қамтиды; портрет, пейзаж, мүсін, графика және елдің британдық отаршылдық кезеңіндегі табиғи тарих суреттері; Қытайдың әсерімен Наньян стиліндегі суреттер, әлеуметтік реалистік өнер, абстрактілдік өнер және соғыстан кейінгі кезеңде пайда болған фотосуретшілік тәжірибе. Қазіргі кезде Сингапурдың қазіргі заманғы өнері халықаралық деңгейде өнер биенналелері мен басқа да ірі халықаралық көрмелер арқылы таралуда. Сингапурдың қазіргі заманғы өнері "гипер-заманауилық пен салынған орта; алшақтық және әлеуметтік әдет-ғұрыптарды өзгерту; отарлаудан кейінгі жекелік және көпмәдениеттілік" тақырыптарын қарастыруға бейім. Осы үрдістердің бәрінде "өнер мен орындаушы денені зерттеу" - бұл ортақ желі.
The history of Singaporean art includes the indigenous artistic traditions of the Malay Archipelago and the diverse visual practices of itinerant artists and migrants from China, the Indian subcontinent, and Europe. Singaporean art includes the sculptural, textile, and decorative art traditions of the Malay world; portraiture, landscapes, sculpture, printmaking, and natural history drawings from the country's British colonial period; along with Chinese influenced Nanyang style paintings, social realist art, abstract art, and photography practices emerging in the post war period. The emergence of modern Singaporean art, or more specifically, "the emergence of self aware artistic expression"
Presently, the contemporary art of Singapore also circulates internationally through art biennales and other major international exhibitions. Contemporary art in Singapore tends to examine themes of "hyper modernity and the built environment; alienation and changing social mores; post colonial identities and multiculturalism." Across these tendencies, "the exploration of performance and the performative body" is a common running thread.
Тимор өнері
Шығыс Тимордағы өнер 2006 жылғы Шығыс Тимор дағдарысы кезіндегі зорлық-зомбылықтан кейін кеңінен таныла бастады. Елде тұратын балалар қабырғаларға бейбітшілік туралы суреттер сала бастады. Шығыс Тимор өнер қауымдастығы аймақтағы өнерді қолдап, дамытады және елде жасалған сан алуан өнер туындыларын көрсетеді.
Art in East Timor began to popularize since the violence during the 2006 East Timorese crisis. Children living in the country began graffiting walls into peace murals. The East Timor Arts Society promotes the art in the area, and house many different artworks produced in the country.
Вьетнамдық өнер
Вьетнамдық өнер Оңтүстік-Шығыс Азия аймағындағы ең ежелгі мәдениеттердің бірінен шыққан. Бұл – тарихи алдындағы заманнан бастау алатын, жібек суреттері, мүсіншілік, қыш ыдыстар, керамика, ағашқа қашалған суреттер, сәулет, музыка, би және театрды қамтитын бай көркемдік мұра. Дәстүрлі вьетнамдық өнер – Вьетнамда немесе вьетнамдық суретшілердің ежелгі заманнан (әсіресе, күрделі Дун Сон барабандарынан бастап) қытайлық үстемдікке дейінгі кезеңдегі және одан кейінгі өнері. Бұл өнерге қытайлық буддалық өнер, сондай-ақ таосизм мен конфуциандық сияқты философиялардың күшті әсері тиді. Кейіннен Чампа және француз өнері де шағын рөл атқарды. Вьетнамдық өнерге қытайдың ықпалы қыш және керамика, каллиграфия және дәстүрлі сәулет салаларына дейін жетеді. Қазіргі кезде вьетнамдық лак суреттері ерекше танымал. Вьетнамның соңғы билеуші әулеті Нгуен (шамамен 1802–1945 жылдар) керамика және фарфор өнеріне деген қызығушылықты жаңартты. Азияның императорлық сарайлары вьетнамдық керамиканы импорттады. Нгуен әулеті кезінде сахналық өнердің (императорлық сарай музыкасы мен биі сияқты) өте дамығанына қарамастан, кейбірлер өнердің басқа салалары Нгуен әулетінің соңғы кезеңінде құлдырауға ұшырады деп санайды. 19 ғасырдан бастап Вьетнамға француз өнерінің ықпалы мен заманауи өнер енді. 20 ғасырдың басында Еуропалық әдістерді оқыту үшін Эколь-супериер дес-бо-арт де л’Индoшине (Индоқытай көркемсурет академиясы) құрылды, ол негізінен Ханой және Хо Ши Мин қаласы сияқты ірі қалаларда ықпал етті. Францияның 80 жылдық Вьетнам үстемдігі және ұлттық тәуелсіздік үшін ұзақ соғыс кезеңінде вьетнамдықтарға саяхат шектеулері салынғандықтан, өте аз вьетнамдық суретшілер Вьетнамнан тыс жерде білім алуға немесе жұмыс істеуге мүмкіндік алды. Жақсы жағдайдағы бірнеше суретші Францияға барып, мансабын дамытуға мүмкіндік алды. Мысалы, Ле Тхи Лу, Ле Фо, Май Трунг Тху, Ле Ван Де, Ле Ба Данг және Фам Танг. Қазіргі вьетнамдық суретшілер француз техникаларын жібек, лак сияқты дәстүрлі материалдармен үйлестіріп, шығыс және батыс элементтерінің бірегей қоспасын жасады.
Vietnamese art is from one of the oldest of such cultures in the Southeast Asian region. A rich artistic heritage that dates to prehistoric times and includes: silk painting, sculpture, pottery, ceramics, woodblock prints, architecture, music, dance, and theatre. Traditional Vietnamese art is art practiced in Vietnam or by Vietnamese artists, from ancient times (including the elaborate Đông Sơn drums) to post Chinese domination art which was strongly influenced by Chinese Buddhist art, among other philosophies such as Taoism and Confucianism. The art of Champa and French art also played a smaller role later on. The Chinese influence on Vietnamese art extends into Vietnamese pottery and ceramics, calligraphy, and traditional architecture. Currently, Vietnamese lacquer paintings have proven to be quite popular. The Nguyễn dynasty, the last ruling dynasty of Vietnam (c. 1802–1945), saw a renewed interest in ceramics and porcelain art. Imperial courts across Asia imported Vietnamese ceramics. Despite how highly developed the performing arts (such as imperial court music and dance) became during the Nguyễn dynasty, some view other fields of art as beginning to decline during the latter part of the Nguyễn dynasty. Beginning in the 19th century, modern art and French artistic influences spread into Vietnam. In the early 20th century, the École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Indochina College of Arts) was founded to teach European methods and exercised influence mostly in the larger cities, such as Hanoi and Ho Chi Minh City. Travel restrictions imposed on the Vietnamese during France's 80 year rule of Vietnam and the long period of war for national independence meant that very few Vietnamese artists were able to train or work outside of Vietnam. A small number of artists from well to do backgrounds had the opportunity to go to France and make their careers there for the most part. Examples include Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang, and Pham Tang. Modern Vietnamese artists began to utilize French techniques with many traditional mediums such as silk, lacquer, etc., thus creating a unique blend of eastern and western elements.
Вьетнам каллиграфиясы
Вьетнамда каллиграфияның ұзақ тарихы бар, бұрын Chữ Hán және Chữ Nôm қолданылып келген. Дегенмен, қазіргі вьетнам каллиграфиясының көп бөлігі рим әріптеріне негізделген Chữ Quốc Ngữ-ны пайдаланады, ол өте танымал болды. Бұрын Вьетнамның ескі әріптік жазу жүйесіндегі сауаттылық ғалымдар мен элиталардың құзырында болса да, каллиграфия вьетнамдықтардың өмірінде маңызды рөл атқарды. Тет Нгуен Дань сияқты арнайы мерекелерде адамдар ауыл мұғаліміне немесе ғалымға каллиграфиялық ілмек (көбінесе өлең, халық мақалдары немесе жеке сөздер) жасау үшін баратын. Оқу-жазуды білмейтін адамдар да ғибадатханаларда жағып жіберу үшін дұғаларын жазуды ғалымдарға тапсыратын.
Calligraphy has had a long history in Vietnam, previously using Chữ Hán along with Chữ Nôm. However, most modern Vietnamese calligraphy instead uses the Roman character based Chữ Quốc Ngữ, which has proven to be very popular. In the past, with literacy in the old character based writing systems of Vietnam being restricted to scholars and elites, calligraphy nevertheless still played an important part in Vietnamese life. On special occasions such as the Tết Nguyên Đán, people would go to the village teacher or scholar to make them a calligraphy hanging (often poetry, folk sayings, or even single words). People who could not read or write also often commissioned scholars to write prayers which they would burn at temple shrines.