Введение
Создание одежды с эстетической точки зрения
Дизайн костюма – это создание одежды для формирования общего образа персонажа или исполнителя. Костюм может относиться к стилю одежды, характерному для определенной нации, социальной группы или эпохи. Во многих случаях он способствует созданию целостного художественного и визуального мира, уникального для конкретного театрального или кинематографического произведения. Самые простые костюмы создаются для обозначения статуса, обеспечения защиты или приличия, либо для придания персонажу визуальной выразительности. Костюмы могут использоваться в театре, кино, музыкальных представлениях, косплее, на вечеринках или других мероприятиях. Дизайн костюма не следует путать с костюмной адаптацией, которая заключается лишь в изменении существующей одежды, хотя оба процесса направлены на создание сценического костюма. В театральном дизайне используются четыре основных типа костюмов: исторические, фантастические, танцевальные и современные.
История
Древнегреческие деревенские фестивали и шествия в честь Диониса (см. также: Дионисии) считаются источником театра, а следовательно, и театрального костюма. Скульптура и росписи на вазах предоставляют наиболее ясные свидетельства этих костюмов. То же самое справедливо и для римлян, которые продолжили традицию масок: удвоение маски облегчало исполнение двойных ролей. В конце Средних веков в Европе получили распространение драматические постановки библейских историй, поэтому в качестве костюмов использовались настоящие христианские облачения, стилизованные под традиционные византийские придворные наряды, чтобы обеспечить максимальный реализм представлений. Позднее, в эпоху елизаветинского театра в Англии (1500–1600-е годы), костюм стал важнейшим визуальным элементом. Одежда была очень дорогой, поскольку использовались только лучшие ткани. Большинство персонажей были одеты в соответствии с современной елизаветинской модой. Костюмы можно было разделить на пять категорий: «Архаичные», представляющие собой устаревшую одежду для изображения другой эпохи; «Антикварные», более старые элементы, добавляемые к современной одежде для обозначения классических персонажей; «Фантастические», причудливые наряды для сверхъестественных или аллегорических персонажей; «Традиционные», представляющие лишь нескольких конкретных персонажей, таких как Робин Гуд, или «Национальные и этнические» костюмы, предназначенные для выделения определенной группы людей, но редко отличавшиеся исторической достоверностью. «Обычно модная одежда использовалась как в комедии, так и в трагедии до 1727 года, когда Адриенна Лекуврёр начала использовать для трагедии гораздо более сложный и формальный придворный наряд. Эта практика вскоре стала стандартной для всех трагических героинь». Ведущие актеры стали соревноваться друг с другом в роскоши сценических нарядов. Эта тенденция продолжалась примерно до 1750-х годов, когда костюмы вновь стали соответствовать характеру персонажа. Искусство стало подражать жизни, и реалистичные характеристики стали предпочтительнее, особенно в XIX веке. Например, герцог Саксен-Майнингенский Георг II проявлял личный интерес к театру и начал руководить труппами. Он выступал за подлинность и точность сценария и эпохи, поэтому отказывался допускать вольное обращение актеров со своими костюмами. Он также следил за тем, чтобы материалы были подлинными и специфичными, используя настоящие кольчуги, доспехи, мечи и т. д. Дешевые заменители были недопустимы. В августе 1823 года в журнале «Альбом» Джеймс Планше опубликовал статью, в которой утверждал, что следует уделять больше внимания эпохе пьес Шекспира, особенно в отношении костюмов. В том же году случайная беседа привела к одному из наиболее значительных влияний Планше на британский театр. Он заметил управляющему Ковент-Гардена Чарльзу Кемблу, что «в то время как на рождественскую пантомиму или пасхальное представление часто тратили тысячу фунтов, пьесы Шекспира ставились на сцене с импровизированными декорациями и, в лучшем случае, с одним-двумя новыми платьями для главных героев». Кембл «увидел потенциальную выгоду в правильном реквизите, который мог бы понравиться публике» и согласился предоставить Планше контроль над костюмами для предстоящей постановки «Король Иоанн», если тот проведет исследование, разработает костюмы и будет руководить производством. У Планше было мало опыта в этой области, и он обратился за помощью к антикварам, таким как Фрэнсис Дус и сэр Сэмюэль Мейрик. Исследования, связанные с этим, пробудили скрытый интерес Планше к антиквариату, который впоследствии занимал все больше его времени. Несмотря на возражения актеров, «Король Иоанн» имел успех и привел к ряду аналогично костюмированных шекспировских постановок Кембла и Планше («Генрих IV, часть 1», «Как вам это понравится», «Отелло», «Цимбелин», «Юлий Цезарь»). После 1830 года, хотя он все еще использовал костюмы эпохи, он больше не претендовал на историческую точность своей работы в пьесах. Его работа над «Королем Иоанном» привела к «революции в сценической практике XIX века». В 1923 году первая из серии новаторских постановок пьес Шекспира в современной одежде, «Цимбелин», поставленная Х. К. Айлиффом, открылась в Бирмингемском репертуарном театре Барри Джексона в Англии. Костюмы в китайском театре имеют большое значение, особенно в Пекинской опере. Они обычно богато украшены яркими цветами. Стандартный комплект состоит как минимум из 300 предметов и указывает на тип персонажа, возраст и социальный статус актера посредством орнамента, дизайна, цвета и аксессуаров. «Цвет всегда используется символически: красный – для верности и высокого положения, желтый – для королевской власти, темно-бордовый – для варваров или военных советников». Символическое значение также можно найти в узорах, используемых для эмблем. Например, тигр символизирует силу и мужественность. Большинство предметов одежды, независимо от ранга, изготавливаются из богатых и роскошных материалов. Грим также используется символически и завершает общий образ. В японской драме Но маски всегда используются и являются наиболее заметным элементом костюма. Они изготавливаются из дерева и обычно передаются из поколения в поколение. Существует пять основных типов: мужской, женский, пожилой, божественный и демонический, каждый из которых имеет множество вариаций. Маски часто меняются на протяжении всей пьесы. В Кабуки, другой форме японского театра, актеры не носят маски, но в значительной степени полагаются на грим для создания образов. Черты лица преувеличиваются или убираются, а для некоторых акробатических ролей очерчивается мускулатура по определенному шаблону. Для каждой роли используются традиционные костюмы, основанные на исторических нарядах, которые изменяются для драматического эффекта. «Некоторые костюмы весят до двадцати двух килограммов, и помощники актеров помогают им поддерживать их в надлежащем порядке во время выступления».
"Ancient", which was out of style clothing used to represent another period; "Antique", older additions to contemporary clothing to distinguish classical characters; Dreamlike, "fanciful" garments for supernatural or allegorical characters; "Traditional" clothing which represented only a few specific people, such as Robin Hood, or "National or Racial" costumes that were intended to set apart a specific group of people but did not tend to be historically accurate. "Ordinarily, fashionable garments were used in both comedy and tragedy until 1727, when Adrienne Lecouvreur adopted the much more elaborate and formal court dress for tragedy. Her practice soon became standard for all tragic heroines" Major actors began to compete with one another about who would have the most lavish stage dress. This practice continued until around the 1750s when costumes became relevant to the character again. Art began to copy life and realistic characteristics were favored especially during the 19th century. For example, Georg the second, Duke of Saxe Meiningen took personal interest in the theatre and began managing troupes. He advocated for authenticity and accuracy of the script and time period, therefore he refused to let actors tamper with their own costumes. He also made sure the materials were authentic and specific, using real chain mail, armor, swords, etc. No cheap substitutes would be allowed. In August 1823, in an issue of The Album, James Planché published an article saying that more attention should be paid to the time period of Shakespeare's plays, especially when it comes to costumes. In the same year, a casual conversation led to one of Planché's more lasting effects on British theatre. He observed to Charles Kemble, the manager of Covent Garden, that "while a thousand pounds were frequently lavished upon a Christmas pantomime or an Easter spectacle, the plays of Shakespeare were put upon the stage with makeshift scenery, and, at the best, a new dress or two for the principal characters." Kemble "saw the possible advantage of correct appliances catching the taste of the town" and agreed to give Planché control of the costuming for the upcoming production of King John, if he would carry out the research, design the costumes and superintend the production. Planché had little experience in this area and sought the help of antiquaries such as Francis Douce and Sir Samuel Meyrick. The research involved sparked Planché's latent antiquarian interests; these came to occupy an increasing amount of his time later in life. Despite the actors' reservations, King John was a success and led to a number of similarly costumed Shakespeare productions by Kemble and Planché (Henry IV, Part I, As You Like It, Othello, Cymbeline, Julius Caesar). After 1830, although he still used period costume, he no longer claimed historical accuracy for his work in plays. His work in King John had brought about a "revolution in nineteenth century stage practice"
In 1923 the first of a series of innovative modern dress productions of Shakespeare plays, Cymbeline, directed by H. K. Ayliff, opened at Barry Jackson's Birmingham Repertory Theatre in England. Costumes in Chinese theatre are very important, especially in Beijing Opera. They are usually heavily patterned with intense, bright colors. The standard items consist of at least 300 pieces and indicate the actors character type, age and social status through ornament, design, color and accessories. "Color is always used symbolically: red for loyalty and high position, yellow for royalty, and dark crimson for barbarians or military advisors." Symbolic significance is also found in the designs used for emblems. For example, the tiger stands for power and masculine strength. A majority of the clothing, regardless of rank, is made out of rich and luxurious materials. Makeup is also used symbolically and completes the overall look. In Japanese Noh drama masks are always used and the prominent aspect of the costume. They are made of wood and usually last for generations. There are five basic types: male, female, aged, deities and monsters, all with many variations. The masks are changed often throughout the play. In Kabuki, another form of Japanese theatre, actors do not wear masks but rely heavily on makeup for the characterizations. Features are exaggerated or removed and for some of the athletic roles musculature is outlined in a specific pattern. Traditional costumes are used for each role, based upon historical garments that are altered for dramatic effect. "Some costumes weigh as much as fifty pounds, and stage attendants assist the actors in keeping them properly arranged while on stage"
In the 21st century digital technologies have ushered in a new era of costume design. Traditionally, theater costumers were manually crafted by hand, through sewing and patterns drafted on paper. Now, theater costumes are able to be designed using 3D printers, modeling software and other digital tools to create costumes more efficiently. Utilizing 3D costume modeling programs and 3D printers allows designers to come up with the most efficient ways to save the amount of materials used on a project. Designers can optimize material usage with design softwares, and reduce costs through cheaper materials printed from 3D printing. Moreover, these technologies save on time where models can be adjusted in real time to the corresponding feedback through virtual fittings and sewings.
В XXI веке цифровые технологии открыли новую эру в дизайне костюмов. Традиционно театральные костюмы создавались вручную, путем шитья и выкройки, нарисованной на бумаге. Теперь театральные костюмы можно проектировать с помощью 3D-принтеров, программного обеспечения для моделирования и других цифровых инструментов для более эффективного создания костюмов. Использование программ для 3D-моделирования костюмов и 3D-принтеров позволяет дизайнерам находить наиболее эффективные способы экономии материалов в проекте. Дизайнеры могут оптимизировать использование материалов с помощью программного обеспечения для проектирования и снизить затраты за счет более дешевых материалов, напечатанных на 3D-принтере. Кроме того, эти технологии экономят время, поскольку модели можно корректировать в режиме реального времени в соответствии с отзывами посредством виртуальных примерок и шитья.
"Ancient", which was out of style clothing used to represent another period; "Antique", older additions to contemporary clothing to distinguish classical characters; Dreamlike, "fanciful" garments for supernatural or allegorical characters; "Traditional" clothing which represented only a few specific people, such as Robin Hood, or "National or Racial" costumes that were intended to set apart a specific group of people but did not tend to be historically accurate. "Ordinarily, fashionable garments were used in both comedy and tragedy until 1727, when Adrienne Lecouvreur adopted the much more elaborate and formal court dress for tragedy. Her practice soon became standard for all tragic heroines" Major actors began to compete with one another about who would have the most lavish stage dress. This practice continued until around the 1750s when costumes became relevant to the character again. Art began to copy life and realistic characteristics were favored especially during the 19th century. For example, Georg the second, Duke of Saxe Meiningen took personal interest in the theatre and began managing troupes. He advocated for authenticity and accuracy of the script and time period, therefore he refused to let actors tamper with their own costumes. He also made sure the materials were authentic and specific, using real chain mail, armor, swords, etc. No cheap substitutes would be allowed. In August 1823, in an issue of The Album, James Planché published an article saying that more attention should be paid to the time period of Shakespeare's plays, especially when it comes to costumes. In the same year, a casual conversation led to one of Planché's more lasting effects on British theatre. He observed to Charles Kemble, the manager of Covent Garden, that "while a thousand pounds were frequently lavished upon a Christmas pantomime or an Easter spectacle, the plays of Shakespeare were put upon the stage with makeshift scenery, and, at the best, a new dress or two for the principal characters." Kemble "saw the possible advantage of correct appliances catching the taste of the town" and agreed to give Planché control of the costuming for the upcoming production of King John, if he would carry out the research, design the costumes and superintend the production. Planché had little experience in this area and sought the help of antiquaries such as Francis Douce and Sir Samuel Meyrick. The research involved sparked Planché's latent antiquarian interests; these came to occupy an increasing amount of his time later in life. Despite the actors' reservations, King John was a success and led to a number of similarly costumed Shakespeare productions by Kemble and Planché (Henry IV, Part I, As You Like It, Othello, Cymbeline, Julius Caesar). After 1830, although he still used period costume, he no longer claimed historical accuracy for his work in plays. His work in King John had brought about a "revolution in nineteenth century stage practice"
In 1923 the first of a series of innovative modern dress productions of Shakespeare plays, Cymbeline, directed by H. K. Ayliff, opened at Barry Jackson's Birmingham Repertory Theatre in England. Costumes in Chinese theatre are very important, especially in Beijing Opera. They are usually heavily patterned with intense, bright colors. The standard items consist of at least 300 pieces and indicate the actors character type, age and social status through ornament, design, color and accessories. "Color is always used symbolically: red for loyalty and high position, yellow for royalty, and dark crimson for barbarians or military advisors." Symbolic significance is also found in the designs used for emblems. For example, the tiger stands for power and masculine strength. A majority of the clothing, regardless of rank, is made out of rich and luxurious materials. Makeup is also used symbolically and completes the overall look. In Japanese Noh drama masks are always used and the prominent aspect of the costume. They are made of wood and usually last for generations. There are five basic types: male, female, aged, deities and monsters, all with many variations. The masks are changed often throughout the play. In Kabuki, another form of Japanese theatre, actors do not wear masks but rely heavily on makeup for the characterizations. Features are exaggerated or removed and for some of the athletic roles musculature is outlined in a specific pattern. Traditional costumes are used for each role, based upon historical garments that are altered for dramatic effect. "Some costumes weigh as much as fifty pounds, and stage attendants assist the actors in keeping them properly arranged while on stage"
In the 21st century digital technologies have ushered in a new era of costume design. Traditionally, theater costumers were manually crafted by hand, through sewing and patterns drafted on paper. Now, theater costumes are able to be designed using 3D printers, modeling software and other digital tools to create costumes more efficiently. Utilizing 3D costume modeling programs and 3D printers allows designers to come up with the most efficient ways to save the amount of materials used on a project. Designers can optimize material usage with design softwares, and reduce costs through cheaper materials printed from 3D printing. Moreover, these technologies save on time where models can be adjusted in real time to the corresponding feedback through virtual fittings and sewings.
Процесс проектирования
Процесс создания костюмов включает в себя множество этапов, и хотя они различаются в зависимости от жанра, обычно используется базовый метод. 1. Анализ:
Первый шаг – анализ сценария, музыкальной композиции, хореографии и т.д. Определяются параметры костюмов для постановки и создается предварительный план костюмов. План костюмов показывает, какой персонаж в какой сцене, когда происходят смены костюмов и какие костюмы упоминаются в сценарии. 2. Совместная разработка дизайна:
Важным этапом процесса является встреча всех художников по костюмам с режиссером. Необходимо четкое понимание общей концепции постановки. Художники должны прийти к единому мнению с режиссером относительно тем постановки и тех сообщений, которые создатели хотят донести до зрителей. 3. Исследование костюмов:
Как только режиссер и художники по костюмам достигли взаимопонимания, следующим шагом для художника по костюмам является сбор материалов для исследования. Обычно художники по костюмам начинают с поиска ресурсов, чтобы создать мир, в котором происходит действие. Это помогает установить правила этого мира и лучше понять персонажей. Затем художник проводит более глубокое исследование каждого персонажа, чтобы попытаться определить их индивидуальность через костюм. 4. Предварительные эскизы и цветовое решение:
После получения достаточной информации художники по костюмам начинают с создания предварительных эскизов. Начиная с быстрых набросков, художник может получить общее представление о том, как будет выглядеть постановка в целом и соблюдаются ли правила созданного мира. Затем художник переходит к более детальным эскизам, определяя конкретные костюмы и цвета для каждого персонажа. Эскизы помогают увидеть постановку как единое целое, не тратя на них слишком много времени. 5. Финальные эскизы:
Как только художник по костюмам и режиссер согласуют костюмы и идеи будут полностью проработаны, художник создает финальные эскизы. Эти изображения называются рендерами и обычно выполняются акварелью или акриловыми красками. Эти финальные эскизы демонстрируют, как художник представляет себе внешний вид персонажа и цветовую гамму костюма.
The first step is an analysis of the script, musical composition, choreography, etc. Costume parameters for the show are established and a rough costume plot is created. A costume plot outlines which character is in which scene, when the actors change, and what costumes are mentioned in the script. 2. Design collaboration:
An important phase in the process is when all of the designers meet with the director. There must be a clear understanding of the overall show concept. The designers must all get on the same page with the director in terms of themes for the show and what messages they want the audience to get from the show. 3. Costume research:
Once the director and designers are on the same page, the next step is for the Costume designer to gather research. Costume designers usually begin with research where they find resources to establish the world where the play takes place. This helps the designers establish the rules of the world and then in turn understand the characters better. The designer will then go into broad research about each character to try to establish their personalities though their costume. 4. Preliminary sketching and color layout:
Once enough information is obtained, Costume designers begin by creating preliminary sketches. Beginning with very quick rough sketches the designer can get a basic idea for how the show will look put together and if the rules of the world are being maintained. The Costume designer will then go into more detailed sketches and will figure out the specific costumes and colors for the character. Sketches help see the show as a whole without them having to spend too much time on them. 5. Final sketches:
Once the Costume Designer and the Director agree on the costumes and the ideas are fully flushed out, the designer will create final sketches. These are called renderings and are usually painted with watercolors or acrylic paints. These final sketches show what the designer wants the character to look like and the colors of the costume.