Электронная музыка: история и развитие

Электронная музыка: жанры, использующие электронные инструменты и технологии. Синтезаторы, электрогитары, электроакустика – всё о создании музыки будущего!

31 мин чтения

100%

Источник: Electronic music — Wikipedia

Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.

Содержание

Введение

Музыкальный жанр, использующий электронные инструменты.

Электронная музыка в широком смысле — это совокупность музыкальных жанров, в создании которых используются электронные музыкальные инструменты, основанные на схемах музыкальные технологии и программное обеспечение, или универсальная электроника (например, персональные компьютеры). Она включает в себя музыку, созданную с использованием электронных и электромеханических средств (электроакустическую музыку). Чисто электронные инструменты полностью зависели от генерации звука на основе схем, например, с использованием таких устройств, как электронный осциллятор, терменвокс или синтезатор. Электромеханические инструменты могут иметь механические части, такие как струны, молотки, и электрические элементы, включая магнитные звукосниматели, усилители мощности и громкоговорители. К таким электромеханическим устройствам относятся телегармониум, орган Хаммонда, электропианино и электрогитара. Первые электронные музыкальные устройства были разработаны в конце XIX века. В 1920-х и 1930-х годах были представлены некоторые электронные инструменты, и были написаны первые композиции с их использованием. К 1940-м годам магнитная аудиолента позволила музыкантам записывать звуки, а затем модифицировать их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к развитию электроакустической музыки на магнитной ленте в 1940-х годах в Египте и Франции. Musique concrète, созданная в Париже в 1948 году, основывалась на монтаже записанных фрагментов природных и промышленных звуков. Музыка, созданная исключительно из электронных генераторов, была впервые представлена в Германии в 1953 году Карлхайнцем Штокхаузеном. Электронная музыка также создавалась в Японии и Соединенных Штатах, начиная с 1950-х годов, а алгоритмическая композиция с использованием компьютеров была впервые продемонстрирована в том же десятилетии. В 1960-х годах была разработана цифровая компьютерная музыка, произошел прорыв в области живой электроники, а японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на музыкальную индустрию. В начале 1970-х годов синтезаторы и драм-машины Moog помогли популяризировать синтезированную электронную музыку. В 1970-х годах электронная музыка начала оказывать значительное влияние на популярную музыку, с появлением полифонических синтезаторов, электронных барабанов, драм-машин и вертушек, что привело к возникновению таких жанров, как диско, краут-рок, новая волна, синти-поп, хип-хоп и EDM. В начале 1980-х годов стали популярными массово производимые цифровые синтезаторы, такие как Yamaha DX7, и был разработан MIDI (Musical Instrument Digital Interface). В том же десятилетии, с большей зависимостью от синтезаторов и использованием программируемых драм-машин, электронная популярная музыка вышла на передний план. В 1990-х годах, с распространением все более доступных музыкальных технологий, производство электронной музыки стало устоявшейся частью популярной культуры. В Берлине, начиная с 1989 года, Love Parade стал крупнейшей уличной вечеринкой с более чем 1 миллионом посетителей, вдохновляя другие подобные популярные празднования электронной музыки. Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и варьируется от экспериментальной художественной музыки до популярных форм, таких как электронная танцевальная музыка. Поп-электронная музыка наиболее узнаваема в форме 4/4 и больше связана с мейнстримом, чем предыдущие формы, которые были популярны на нишевых рынках.

Electronic music broadly is a group of music genres that employ electronic musical instruments, circuitry based music technology and software, or general purpose electronics (such as personal computers) in its creation. It includes both music made using electronic and electromechanical means (electroacoustic music). Pure electronic instruments depended entirely on circuitry based sound generation, for instance using devices such as an electronic oscillator, theremin, or synthesizer. Electromechanical instruments can have mechanical parts such as strings, hammers, and electric elements including magnetic pickups, power amplifiers and loudspeakers. Such electromechanical devices include the telharmonium, Hammond organ, electric piano and electric guitar. The first electronic musical devices were developed at the end of the 19th century. During the 1920s and 1930s, some electronic instruments were introduced and the first compositions featuring them were written. By the 1940s, magnetic audio tape allowed musicians to tape sounds and then modify them by changing the tape speed or direction, leading to the development of electroacoustic tape music in the 1940s, in Egypt and France. Musique concrète, created in Paris in 1948, was based on editing together recorded fragments of natural and industrial sounds. Music produced solely from electronic generators was first produced in Germany in 1953 by Karlheinz Stockhausen. Electronic music was also created in Japan and the United States beginning in the 1950s and Algorithmic composition with computers was first demonstrated in the same decade. During the 1960s, digital computer music was pioneered, innovation in live electronics took place, and Japanese electronic musical instruments began to influence the music industry. In the early 1970s, Moog synthesizers and drum machines helped popularize synthesized electronic music. The 1970s also saw electronic music begin to have a significant influence on popular music, with the adoption of polyphonic synthesizers, electronic drums, drum machines, and turntables, through the emergence of genres such as disco, krautrock, new wave, synth pop, hip hop, and EDM. In the early 1980s mass produced digital synthesizers, such as the Yamaha DX7, became popular, and MIDI (Musical Instrument Digital Interface) was developed. In the same decade, with a greater reliance on synthesizers and the adoption of programmable drum machines, electronic popular music came to the fore. During the 1990s, with the proliferation of increasingly affordable music technology, electronic music production became an established part of popular culture. In Berlin starting in 1989, the Love Parade became the largest street party with over 1 million visitors, inspiring other such popular celebrations of electronic music. Contemporary electronic music includes many varieties and ranges from experimental art music to popular forms such as electronic dance music. Pop electronic music is most recognizable in its 4/4 form and more connected with the mainstream than preceding forms which were popular in niche markets.

Истоки: конец XIX века - начало XX века

На рубеже XX века эксперименты с развивающейся электроникой привели к созданию первых электронных музыкальных инструментов. Эти первые изобретения не поступали в продажу, а использовались в демонстрациях и публичных выступлениях. Публике представляли репродукции существующей музыки, а не новые произведения, написанные специально для этих инструментов. В то время как некоторые из них считались диковинками и издавали простые тоны, Телармониум синтезировал звучание нескольких оркестровых инструментов с довольно высокой точностью. Он вызвал значительный общественный интерес и достиг коммерческого успеха в области потоковой передачи музыки по телефонным сетям. Критики музыкальных устоев того времени видели в этих разработках большой потенциал. Ферруччо Бузони поощрял сочинение микротональной музыки, возможности для которой открывали электронные инструменты. Он предсказал использование машин в будущем музыки, написав влиятельный труд «Эскиз новой эстетики музыки» (1907). Футуристы, такие как Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло, начали сочинять музыку с использованием акустического шума, чтобы имитировать звук машин. Они предсказывали расширение тембровой палитры, которое станет возможным благодаря электронике, в своем влиятельном манифесте «Искусство шума» (1913).

Ранние композиции

Развитие вакуумной лампы привело к созданию электронных инструментов, которые были меньше, мощнее и более удобны в использовании. В частности, терменвокс, онды Мартено и траутониум начали коммерчески производиться к началу 1930-х годов. Начиная с конца 1920-х годов, возросшая практичность электронных инструментов повлияла на композиторов, таких как Джозеф Шиллинджер и Мария Шуппель, побудив их начать использовать эти инструменты. Как правило, они использовались в оркестрах, и большинство композиторов писали партии для терменвокса, которые в противном случае могли быть исполнены на струнных инструментах. Эти возможности были использованы сторонниками микротональной музыки, такими как Чарльз Айвз, Димитриос Левидис, Оливье Мессиан и Эдгар Варез. Более того, Перси Грейнджер использовал терменвокс, чтобы полностью отказаться от фиксированной тональности, а русские композиторы, такие как Гавриил Попов, рассматривали его как источник шума в контексте акустической шумовой музыки.

Запись экспериментов

Развитие ранних технологий записи шло параллельно с развитием электронных инструментов. Первое средство для записи и воспроизведения звука было изобретено в конце XIX века – механический фонограф. Проигрыватели стали обычным предметом домашнего обихода, и к 1920-м годам композиторы использовали их для воспроизведения коротких записей во время выступлений. Введение электрической записи в 1925 году привело к увеличению экспериментов с проигрывателями. В 1930 году Пол Хиндемит и Эрнст Тох сочинили несколько произведений, накладывая записи инструментов и вокала с изменённой скоростью. Под влиянием этих техник Джон Кейдж в 1939 году сочинил «Воображаемый пейзаж № 1», изменяя скорость записанных тонов. Композиторы начали экспериментировать с новой звуковой технологией в кино. Записи можно было склеивать, создавая звуковые коллажи, как, например, у Тристана Тцара, Курта Швиттерса, Филиппо Томазо Маринетти, Вальтера Руттмана и Дзиги Вертова. Более того, технология позволяла графически создавать и модифицировать звук. Эти приемы использовались для написания саундтреков к ряду фильмов в Германии и России, а также к популярному фильму «Доктор Джекилл и мистер Хайд» в Соединенных Штатах. Норман Макларен продолжил эксперименты с графическим звуком с конца 1930-х годов.

Электроакустическая музыка

Первый практичный магнитофон был представлен в 1935 году. Усовершенствования технологии были достигнуты благодаря применению АЧ-смещения, что значительно улучшило качество записи. Уже в 1942 году велись тестовые стереозаписи. Хотя эти разработки первоначально были сосредоточены в Германии, магнитофоны и ленты были привезены в Соединенные Штаты после окончания Второй мировой войны. Они стали основой для первого коммерчески выпускаемого магнитофона в 1948 году. В 1944 году, до использования магнитной ленты в композиционных целях, египетский композитор Халим Эль-Дабх, будучи студентом в Каире, использовал громоздкий проволочный диктофон для записи звуков древней церемонии заар. Используя возможности студий Ближневосточного радио, Эль-Дабх обработал записанный материал с помощью реверберации, эха, регулировки напряжения и перезаписи. Полученный результат считается первой композицией, созданной на магнитной ленте. Эта работа получила название «Выражение Заара» и была представлена в 1944 году на художественной выставке в Каире. Хотя его первые эксперименты с композицией на основе магнитной ленты в то время не получили широкой известности за пределами Египта, Эль-Дабх также известен своей последующей работой в области электронной музыки в Центре электронной музыки Колумбийского университета и Принстона в конце 1950-х годов.

Конкретная музыка

После работы в студии Studio d'Essai на Radiodiffusion Française (RDF) в начале 1940-х годов, Пьеру Шефферу приписывают создание теории и практики musique concrète (конкретной музыки). В конце 1940-х годов Шеффер впервые провёл эксперименты по созданию композиций на основе звуков, используя шеллаковые проигрыватели. В 1950 году техники musique concrète были расширены с использованием магнитных ленточных аппаратов для изучения методов манипулирования звуком, таких как изменение скорости (сдвиг высоты тона) и склейка лент. 5 октября 1948 года RDF транслировала "Etude aux chemins de fer" (Этюд железным дорогам) Шеффера. Это было первое "движение" из "Cinq études de bruits" (Пяти этюдов шумов) и ознаменовало начало студийных разработок и musique concrète (или акусматического искусства). Шеффер использовал токарный станок для нарезки дисков, четыре проигрывателя, четырехканальный микшер, фильтры, эхокамеру и мобильный записывающий блок. Вскоре после этого Пьер Анри начал сотрудничать с Шеффером, партнерство, которое оказало глубокое и продолжительное влияние на развитие электронной музыки. Другой соратник Шеффера, Эдгар Варез, начал работу над "Déserts" (Пустыни), произведением для камерного оркестра и магнитной ленты. Части для ленты были созданы в студии Пьера Шеффера и впоследствии переработаны в Колумбийском университете. В 1950 году Шеффер дал первый публичный (не транслируемый) концерт musique concrète в École Normale de Musique de Paris. "Шеффер использовал звукоусиливающую аппаратуру, несколько проигрывателей и микшеры. Выступление прошло неудачно, поскольку создание живых монтажей с использованием проигрывателей ранее не практиковалось". Позднее в том же году Пьер Анри сотрудничал с Шеффером над "Symphonie pour un homme seul" (Симфонией для одного человека) (1950) – первой значительной работой в жанре musique concrète. В Париже в 1951 году, что стало важной мировой тенденцией, RTF основала первую студию для производства электронной музыки. Также в 1951 году Шеффер и Анри создали оперу "Orpheus" (Орфей) для конкретных звуков и голосов. К 1951 году работы Шеффера, композитора-перкуссиониста Пьера Анри и звукорежиссера Жака Пуллина получили официальное признание, и Groupe de Recherches de Musique Concrète, Club d'Essai de la Radiodiffusion Télévision Française была создана на RTF в Париже, став предшественницей ORTF.

Following his work with Studio d'Essai at Radiodiffusion Française (RDF), during the early 1940s, Pierre Schaeffer is credited with originating the theory and practice of musique concrète. In the late 1940s, experiments in sound based composition using shellac record players were first conducted by Schaeffer. In 1950, the techniques of musique concrete were expanded when magnetic tape machines were used to explore sound manipulation practices such as speed variation (pitch shift) and tape splicing. On 5 October 1948, RDF broadcast Schaeffer's Etude aux chemins de fer. This was the first "movement" of Cinq études de bruits, and marked the beginning of studio realizations and musique concrète (or acousmatic art). Schaeffer employed a disc cutting lathe, four turntables, a four channel mixer, filters, an echo chamber, and a mobile recording unit. Not long after this, Pierre Henry began collaborating with Schaeffer, a partnership that would have profound and lasting effects on the direction of electronic music. Another associate of Schaeffer, Edgard Varèse, began work on Déserts, a work for chamber orchestra and tape. The tape parts were created at Pierre Schaeffer's studio and were later revised at Columbia University. In 1950, Schaeffer gave the first public (non broadcast) concert of musique concrète at the École Normale de Musique de Paris. "Schaeffer used a PA system, several turntables, and mixers. The performance did not go well, as creating live montages with turntables had never been done before." Later that same year, Pierre Henry collaborated with Schaeffer on Symphonie pour un homme seul (1950) the first major work of musique concrete. In Paris in 1951, in what was to become an important worldwide trend, RTF established the first studio for the production of electronic music. Also in 1951, Schaeffer and Henry produced an opera, Orpheus, for concrete sounds and voices. By 1951 the work of Schaeffer, composer percussionist Pierre Henry, and sound engineer Jacques Poullin had received official recognition and The Groupe de Recherches de Musique Concrète, Club d 'Essai de la Radiodiffusion Télévision Française was established at RTF in Paris, the ancestor of the ORTF.

Электронная музыка, Германия

Карльхенц Стокхаузен непродолжительное время работал в студии Шаффера в 1952 году, а затем на протяжении многих лет в студии электронной музыки WDR в Кельне. 1954 год ознаменовался появлением того, что сегодня считается аутентичными электроакустическими композициями – акустические инструменты, дополненные или сопровождаемые записями обработанного или электронно сгенерированного звука. В этом году состоялись премьеры трех крупных произведений: «Дезерты» Вареза для камерного ансамбля и магнитной ленты, а также двух работ Отто Луенинга и Владимира Ушачевского: «Рапсодические вариации для Луисвилльского симфонического оркестра» и «Поэма в циклах и колоколах», обе – для оркестра и магнитной ленты. Поскольку он работал в студии Шаффера, часть с магнитной лентой в работе Вареза содержит гораздо больше конкретных звуков, чем электронных. «Группа, состоящая из духовых инструментов, ударных и фортепиано, чередуется с мутирующими звуками фабричных шумов, корабельных сирен и моторов, доносящимися из двух динамиков». На немецкой премьере «Дезертов» в Гамбурге, которую дирижировал Бруно Мадерна, управлением магнитной лентой занимался Карльхенц Стокхаузен. В двух случаях он объединял электронно сгенерированные звуки с относительно традиционными оркестрами – в Mixtur (1964) и Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Стокхаузен утверждал, что его слушатели говорили ему, что его электронная музыка дарит им ощущение «космического пространства», чувство полета или пребывания в «фантастическом мире грез».

Соединенные Штаты

В Соединенных Штатах электронная музыка начала создаваться еще в 1939 году, когда Джон Кейдж опубликовал «Imaginary Landscape, No. 1», используя два проигрывателя с переменной скоростью, частотные записи, приглушенное пианино и тарелку, но без каких-либо электронных средств производства. Кейдж сочинил еще пять «Воображаемых пейзажей» между 1942 и 1952 годами (один был отозван), преимущественно для ансамблей ударных инструментов, хотя No. 4 предназначен для двенадцати радиоприемников, а No. 5, написанный в 1952 году, использует 42 записи и должен быть реализован на магнитной ленте. По словам Отто Луенинга, Кейдж также исполнил «Williams Mix» в Донауэшингене в 1954 году, используя восемь громкоговорителей, спустя три года после предполагаемого сотрудничества. «Williams Mix» имел успех на фестивале в Донауэшингене, где произвел «сильное впечатление». Проект «Музыка для магнитной ленты» был создан участниками Нью-Йоркской школы (Джон Кейдж, Эрл Браун, Кристиан Вольф, Дэвид Тюдор и Мортон Фельдман) и просуществовал три года, до 1954 года. Кейдж писал об этом сотрудничестве: «В этой социальной темноте работа Эрла Брауна, Мортона Фельдмана и Кристиана Вольфа продолжает излучать яркий свет, поскольку в нескольких точках нотации, исполнения и прослушивания действие оказывается провокационным». Кейдж завершил «Williams Mix» в 1953 году, работая в рамках проекта «Music for Magnetic Tape Project». У группы не было постоянного помещения, и им приходилось полагаться на время, которое они занимали в коммерческих звукозаписывающих студиях, включая студию Бебе и Луи Баррон.

Центр Колумбия-Принстон

В том же году Колумбийский университет приобрел свой первый магнитофон – профессиональную модель Ampex – для записи концертов. Владимир Ушачевский, преподававший на музыкальном факультете Колумбийского университета, был назначен ответственным за это устройство и почти сразу же начал с ним экспериментировать. Герберт Раскол пишет: «Вскоре его захватили новые звуковые возможности, которые он мог получить, записывая музыкальные инструменты, а затем накладывая их друг на друга». Позже Ушачевский сказал: «Я внезапно осознал, что магнитофон можно использовать как инструмент для преобразования звука». Всего через три месяца, в августе 1952 года, Ушачевский по приглашению Луэнинга отправился в Беннингтон, штат Вермонт, чтобы продемонстрировать свои эксперименты. Там они вместе работали над различными произведениями. Луэнинг описал это событие так: «Вооружившись наушниками и флейтой, я начал создавать свою первую композицию для магнитофона. Мы оба были опытными импровизаторами, и эта среда стимулировала наше воображение».

СССР

В 1929 году Николай Обухов изобрел "звуковой крест" (la croix sonore), сопоставимый по принципу действия с терменвоксом. В 1930-х годах Николай Ананьев изобрел "сонар", а инженер Александр Гуров — неовиолену, И. Ильсаров — илстон, Римский-Корсаков, Андрей Владимирович и А. Иванов — эмиритон. В 1956 году Вячеслав Месчерин создал Ансамбль электромузыкальных инструментов под управлением Вячеслава Мещерина, в котором использовались терменвоксы, электрические арфы, электрические органы и первый в СССР синтезатор "Экводин". В середине 1970-х композитор Александр Зацепин разработал "оркестроллу" – модификацию меллотрона. В советских республиках Прибалтики также были свои пионеры: в Эстонской ССР — Свен Грунберг, в Литовской ССР — Гедрюс Куприавичус, в Латвийской ССР — группы "Опус" и "Зодиак". Музыкальную программу написал Кристофер Стречи.

В середине-конце 1950-х годов

Влияние компьютеров продолжалось в 1956 году. Леярен Хиллер и Леонард Айзексон сочинили Illiac Suite для струнного квартета – первую законченную работу, созданную с помощью компьютерной композиции и алгоритмического метода. Хиллер предположил, что компьютеру можно обучить правилам определенного стиля, а затем использовать его для сочинения в соответствии с этими правилами. Позднее в разработку вошла работа Макса Мэтьюса в Bell Laboratories, который в 1957 году создал влиятельную программу MUSIC I – одну из первых компьютерных программ для воспроизведения электронной музыки. Технология вокодера также стала важным достижением этой ранней эпохи. В 1956 году Стокхаузен сочинил Gesang der Jünglinge, первую значительную работу Кельнской студии, основанную на тексте из Книги Даниила. Важным технологическим развитием того года стало изобретение синтезатора Clavivox Реймондом Скоттом при участии Роберта Муга. В 1957 году Кид Балтан (Dick Raaymakers) и Том Диссевелт выпустили свой дебютный альбом Song Of The Second Moon, записанный в студии Philips в Нидерландах. Общественность продолжала интересоваться новыми звуками, создаваемыми по всему миру, что подтверждается включением Poème électronique Вареза, прозвучавшего более чем на четырехстах динамиках в павильоне Philips на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году. В том же году аргентинский композитор Маурисио Кагель сочинил Transición II. Работа была реализована в студии WDR в Кельне. Два музыканта играли на пианино: один – традиционным способом, другой – на струнах, раме и корпусе. Два других исполнителя использовали магнитофон, чтобы объединить живое звучание с будущим предварительно записанных материалов и прошлым записей, сделанных ранее во время исполнения. В 1958 году в Columbia Princeton был разработан RCA Mark II Sound Synthesizer – первый программируемый синтезатор. Известные композиторы, такие как Владимир Уссачевский, Отто Луенинг, Милтон Бэббит, Чарльз Вуоринэн, Халим Эль Дабх, Бюлент Арель и Марио Давидовский активно использовали синтезатор RCA в различных композициях. Одним из наиболее влиятельных композиторов, связанных с первыми годами работы студии, был египтянин Халим Эль Дабх, который, разработав в 1944 году самую раннюю известную электронную музыку на магнитной ленте, работал в мастерской вместе с Делией Дербишир, прославившейся в 1963 году своей электронной реализацией культовой темы сериала «Доктор Кто», написанной Роном Грейнером. В 1958 году, получив стипендию ЮНЕСКО для изучения электронной музыки, Йозеф Таль совершил учебную поездку по США и Канаде. Он обобщил свои выводы в двух статьях, представленных в ЮНЕСКО. В 1961 году он основал Центр электронной музыки в Израиле при Еврейском университете в Иерусалиме. В 1962 году Хью Ле Кейн прибыл в Иерусалим, чтобы установить свой Creative Tape Recorder в центре. В 1990-х годах Таль совместно с доктором Шломо Маркелем, при сотрудничестве с Technion – Израильским технологическим институтом и Фондом Volkswagen, провел исследовательский проект ('Talmark'), направленный на разработку новой системы музыкальной нотации для электронной музыки. Милтон Бэббит сочинил свою первую электронную работу с использованием синтезатора – Composition for Synthesizer (1961), созданную на синтезаторе RCA в Центре электронной музыки Columbia Princeton. Сотрудничество происходило и через океаны и континенты. В 1961 году Уссачевский пригласил Вареза в Columbia Princeton Electronic Music Center (CPEMC). По прибытии Варез приступил к пересмотру Déserts, в чем ему помогали Марио Давидовский и Бюлент Арель. Интенсивная деятельность в CPEMC и других местах вдохновила Мортона Суботника на создание в 1963 году San Francisco Tape Music Center, в который также вошли Полин Оливерос, Рамон Сендер, Энтони Мартин и Терри Райли. Позже Центр переехал в Mills College под руководством Полин Оливерос и был переименован в Center for Contemporary Music. Пьетро Гросси был итальянским пионером компьютерной композиции и ленточной музыки, который впервые начал экспериментировать с электронными техниками в начале 1960-х годов. Гросси был виолончелистом и композитором, родившимся в Венеции в 1917 году. В 1963 году он основал S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) для экспериментов с электронным звуком и композицией. Одновременно в Сан-Франциско композитор Стэн Шафф и конструктор оборудования Даг МакЭчерн представили первый концерт "Audium" в San Francisco State College (1962), а затем продолжили работу в San Francisco Museum of Modern Art (1963), концепция которого заключалась в контролируемом движении звука в пространстве во времени. Двенадцать динамиков окружали аудиторию, четыре динамика были установлены на вращающейся конструкции, похожей на мобильную. На выступлении в SFMOMA в следующем году (1964) музыкальный критик San Francisco Chronicle Альфред Франкенштейн отметил: "Возможности пространственного звукового континуума редко исследовались так всесторонне". Благодаря еженедельным программам (более 4500 за 40 лет) Шафф "скульптурирует" звук, исполняя сейчас оцифрованные пространственные работы вживую через 176 динамиков. Жан-Жак Перре экспериментировал с техниками Шаффера на магнитных петлях и был одним из первых, кто использовал недавно выпущенный синтезатор Moog, разработанный Робертом Мугом. С помощью этого инструмента он сочинил несколько работ совместно с Гершоном Кингсли и сольно. Хорошо известным примером использования полноразмерного модульного синтезатора Moog является альбом 1968 года Switched On Bach Венди Карлос, который вызвал бум интереса к синтезаторной музыке. В 1969 году Дэвид Тюдор привез модульный синтезатор Moog и магнитофоны Ampex в Национальный институт дизайна в Ахмедабаде при поддержке семьи Сарабхаи, заложив основу первого в Индии студии электронной музыки. Здесь группа композиторов – Джинрадж Джошипура, Гита Сарабхаи, С.К. Шарма, И.С. Матур и Атул Десаи – разрабатывали экспериментальные звуковые композиции между 1969 и 1973 годами.

The impact of computers continued in 1956. Lejaren Hiller and Leonard Isaacson composed Illiac Suite for string quartet, the first complete work of computer assisted composition using algorithmic composition. " Hiller postulated that a computer could be taught the rules of a particular style and then called on to compose accordingly." Later developments included the work of Max Mathews at Bell Laboratories, who developed the influential MUSIC I program in 1957, one of the first computer programs to play electronic music. Vocoder technology was also a major development in this early era. In 1956, Stockhausen composed Gesang der Jünglinge, the first major work of the Cologne studio, based on a text from the Book of Daniel. An important technological development of that year was the invention of the Clavivox synthesizer by Raymond Scott with subassembly by Robert Moog. In 1957, Kid Baltan (Dick Raaymakers) and Tom Dissevelt released their debut album, Song Of The Second Moon, recorded at the Philips studio in the Netherlands. The public remained interested in the new sounds being created around the world, as can be deduced by the inclusion of Varèse's Poème électronique, which was played over four hundred loudspeakers at the Philips Pavilion of the 1958 Brussels World Fair. That same year, Mauricio Kagel, an Argentine composer, composed Transición II. The work was realized at the WDR studio in Cologne. Two musicians performed on the piano, one in the traditional manner, the other playing on the strings, frame, and case. Two other performers used tape to unite the presentation of live sounds with the future of prerecorded materials from later on and its past of recordings made earlier in the performance. In 1958, Columbia Princeton developed the RCA Mark II Sound Synthesizer, the first programmable synthesizer. Prominent composers such as Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Charles Wuorinen, Halim El Dabh, Bülent Arel and Mario Davidovsky used the RCA Synthesizer extensively in various compositions. One of the most influential composers associated with the early years of the studio was Egypt's Halim El Dabh who, after having developed the earliest known electronic tape music in 1944, was Workshop staffer Delia Derbyshire, who is now famous for her 1963 electronic realisation of the iconic Doctor Who theme, composed by Ron Grainer. During the time of the UNESCO fellowship for studies in electronic music (1958) Josef Tal went on a study tour in the US and Canada. He summarized his conclusions in two articles that he submitted to UNESCO. In 1961, he established the Centre for Electronic Music in Israel at The Hebrew University of Jerusalem. In 1962, Hugh Le Caine arrived in Jerusalem to install his Creative Tape Recorder in the centre. In the 1990s Tal conducted, together with Dr. Shlomo Markel, in cooperation with the Technion – Israel Institute of Technology, and the Volkswagen Foundation a research project ('Talmark') aimed at the development of a novel musical notation system for electronic music. Milton Babbitt composed his first electronic work using the synthesizer—his Composition for Synthesizer (1961)—which he created using the RCA synthesizer at the Columbia Princeton Electronic Music Center. The collaborations also occurred across oceans and continents. In 1961, Ussachevsky invited Varèse to the Columbia Princeton Studio (CPEMC). Upon arrival, Varese embarked upon a revision of Déserts. He was assisted by Mario Davidovsky and Bülent Arel. The intense activity occurring at CPEMC and elsewhere inspired the establishment of the San Francisco Tape Music Center in 1963 by Morton Subotnick, with additional members Pauline Oliveros, Ramon Sender, Anthony Martin, and Terry Riley. Later, the Center moved to Mills College, directed by Pauline Oliveros, and has since been renamed Center for Contemporary Music. Pietro Grossi was an Italian pioneer of computer composition and tape music, who first experimented with electronic techniques in the early sixties. Grossi was a cellist and composer, born in Venice in 1917. He founded the S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) in 1963 to experiment with electronic sound and composition. Simultaneously in San Francisco, composer Stan Shaff and equipment designer Doug McEachern, presented the first "Audium" concert at San Francisco State College (1962), followed by work at the San Francisco Museum of Modern Art (1963), conceived of as in time, controlled movement of sound in space. Twelve speakers surrounded the audience, four speakers were mounted on a rotating, mobile like construction above. In an SFMOMA performance the following year (1964), San Francisco Chronicle music critic Alfred Frankenstein commented, "the possibilities of the space sound continuum have seldom been so extensively explored". Through weekly programs (over 4,500 in 40 years), Shaff "sculpts" sound, performing now digitized spatial works live through 176 speakers. Jean Jacques Perrey experimented with Schaeffer's techniques on tape loops and was among the first to use the recently released Moog synthesizer developed by Robert Moog. With this instrument he composed some works with Gershon Kingsley and solo. A well known example of the use of Moog's full sized Moog modular synthesizer is the 1968 Switched On Bach album by Wendy Carlos, which triggered a craze for synthesizer music. In 1969 David Tudor brought a Moog modular synthesizer and Ampex tape machines to the National Institute of Design in Ahmedabad with the support of the Sarabhai family, forming the foundation of India's first electronic music studio. Here a group of composers Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur and Atul Desai developed experimental sound compositions between 1969 and 1973.

Компьютерная музыка

Музыкальные мелодии были впервые сгенерированы компьютером CSIRAC в Австралии в 1950 году. В американской и английской прессе неоднократно появлялись сообщения (как ранние, так и недавние) о том, что компьютеры могли воспроизводить музыку и раньше, однако тщательные исследования опровергли эти утверждения, поскольку не было найдено никаких доказательств, подтверждающих газетные публикации (некоторые из которых явно носили спекулятивный характер). Исследования показали, что люди предполагали о возможности воспроизведения музыки компьютерами, возможно, из-за издаваемых ими звуков, но нет никаких свидетельств того, что это действительно происходило. Первым в мире компьютером, воспроизведшим музыку, был CSIRAC, разработанный и построенный Тревором Пирси и Мастоном Бердом в 1950-х годах. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC на исполнение популярных музыкальных мелодий начала 1950-х годов. В 1951 году компьютер публично исполнил "Марш полковника Боги", каких-либо записей которого не существует. Однако CSIRAC исполнял стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или композиторской практики, что является современной практикой в компьютерной музыке. Первым музыкальным произведением, исполненным в Англии, стало исполнение британского национального гимна, запрограммированное Кристофером Стречи на компьютере Ferranti Mark I в конце 1951 года. Позже в том же году подразделением выездного вещания BBC были записаны короткие фрагменты из трех композиций: национального гимна, "Ba, Ba Black Sheep" и "In the Mood", и эта запись признана самой ранней записью компьютерного исполнения музыки. Эту запись можно прослушать на сайте Манчестерского университета. Исследователи из Университета Кентербери в Крайстчерче удалили шумы и восстановили эту запись в 2016 году, а результаты доступны на SoundCloud. В своем перформансе и музыкальной карьере Кози Фанни Тутти исследовала концепцию "приемлемой" музыки и использования звука как средства выражения желания или дискомфорта. Венди Карлос исполнила отрывки из своего альбома Switched On Bach на сцене с синтезатором в сопровождении Симфонического оркестра Сент-Луиса; другое живое выступление состоялось с ансамблем Kurzweil Baroque Ensemble в рамках программы "Bach at the Beacon" в 1997 году. В июне 2018 года Сюзанна Чиани выпустила LIVE Quadraphonic, концертный альбом, задокументировавший ее первое сольное выступление на синтезаторе Buchla за 40 лет. Это был один из первых виниловых релизов в формате квадрофонии за последние 30 лет.

Musical melodies were first generated by the computer CSIRAC in Australia in 1950. There were newspaper reports from America and England (early and recently) that computers may have played music earlier, but thorough research has debunked these stories as there is no evidence to support the newspaper reports (some of which were obviously speculative). Research has shown that people speculated about computers playing music, possibly because computers would make noises, but there is no evidence that they actually did it. The world's first computer to play music was CSIRAC, which was designed and built by Trevor Pearcey and Maston Beard in the 1950s. Mathematician Geoff Hill programmed the CSIRAC to play popular musical melodies from the very early 1950s. In 1951 it publicly played the "Colonel Bogey March" of which no known recordings exist. However, CSIRAC played standard repertoire and was not used to extend musical thinking or composition practice which is current computer music practice. The first music to be performed in England was a performance of the British National Anthem that was programmed by Christopher Strachey on the Ferranti Mark I, late in 1951. Later that year, short extracts of three pieces were recorded there by a BBC outside broadcasting unit: the National Anthem, "Ba, Ba Black Sheep", and "In the Mood" and this is recognised as the earliest recording of a computer to play music. This recording can be heard at this Manchester University site. Researchers at the University of Canterbury, Christchurch declicked and restored this recording in 2016 and the results may be heard on SoundCloud. Cosey Fanni Tutti's performance art and musical career explored the concept of 'acceptable' music and she went on to explore the use of sound as a means of desire or discomfort. Wendy Carlos performed selections from her album Switched On Bach on stage with a synthesizer with the St. Louis Symphony Orchestra; another live performance was with Kurzweil Baroque Ensemble for "Bach at the Beacon" in 1997. In June 2018, Suzanne Ciani released LIVE Quadraphonic, a live album documenting her first solo performance on a Buchla synthesizer in 40 years. It was one of the first quadraphonic vinyl releases in over 30 years.

Японские инструменты

В 1950-х годах японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на международную музыкальную индустрию. Икутаро Какехаси, основавший Ace Tone в 1960 году, разработал собственную версию электронной перкуссии, которая уже была популярна на зарубежных электронных органах. На выставке NAMM Show 1964 года он представил её как R 1 Rhythm Ace – ручное ударное устройство, воспроизводящее электронные звуки барабанов при нажатии кнопок, подобно современным электронным ударным пэдам. В 1963 году Korg выпустила Donca Matic DA 20, электромеханическую барабанную машину. В 1966 году Korg выпустила электронную барабанную машину Donca Matic DC 11, за которой последовала Korg Mini Pops, разработанная как опция для электрического органа Yamaha Electone. Серии Korg Stageman и Mini Pops отличались звуками "естественной металлической перкуссии" и наличием регуляторов для барабанных "брейков и вставок", аналогично запатентованному Seeburg в 1964 году (см. Drum machine#История), который он выпустил как барабанную машину FR 1 Rhythm Ace в том же году. Первый проигрыватель с прямым приводом был изобретён Шуичи Обатой, инженером компании Matsushita (ныне Panasonic), базирующейся в Осаке, Япония. Он устранил использование ремней, заменив их мотором, напрямую вращающим диск, на котором располагается виниловая пластинка. В 1969 году Matsushita выпустила его как SP 10, первую модель в их влиятельной серии проигрывателей Technics.

Ямайская дуб-музыка

На Ямайке в 1960-х годах появилась форма популярной электронной музыки – даб, укорененная в культуре звуковых систем. Даб был разработан студийными инженерами, такими как Сильван Моррис, Кинг Табби, Эррол Томпсон, Ли "Скретч" Перри и Сайентист, которые создавали экспериментальную музыку под влиянием регги, используя электронные звуковые технологии в студиях звукозаписи и на вечеринках с использованием звуковых систем. Их эксперименты включали в себя формы композиции на основе магнитной ленты, сопоставимые с аспектами musique concrète, акцент на повторяющихся ритмических структурах (часто лишенных гармонических элементов), напоминающие минимализм, электронную манипуляцию пространством, звуковую электронную обработку предварительно записанных музыкальных материалов из средств массовой информации, диджеев, импровизирующих поверх предварительно записанной музыки, что сопоставимо с живой электронной музыкой, а также микширование и скрэтчинг виниловых пластинок. Несмотря на ограниченное электронное оборудование, доступное таким пионерам даба, как Кинг Табби и Ли "Скретч" Перри, их эксперименты в культуре ремиксов были новаторскими с музыкальной точки зрения. Кинг Табби, например, был владельцем звуковой системы и техником-электронщиком, чья небольшая студия в гетто Уотерхаус на западе Кингстона была ключевым местом создания даб-музыки.

Рост популярной электронной музыки

В конце 1960-х годов поп- и рок-музыканты, включая Beach Boys и Beatles, начали использовать электронные инструменты, такие как терменвокс и меллотрон, для дополнения и формирования своего звучания. Первыми группами, применившими синтезатор Moog, стали The Doors в альбоме Strange Days и The Monkees в альбоме Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. В своей книге «Электронная и экспериментальная музыка» Том Холмс отмечает запись The Beatles 1966 года «Tomorrow Never Knows» как песню, которая «открыла новую эру в использовании электронной музыки в роке и поп-музыке» благодаря включению группой ленточных петель и обработанных звуков с измененной скоростью и реверсом. Также в конце 1960-х годов музыкальные дуэты Silver Apples, Beaver and Krause, и экспериментальные рок-группы, такие как White Noise, the United States of America, Fifty Foot Hose и Gong, считаются пионерами в электронном роке и электронике за их работу по слиянию психоделического рока с осцилляторами и синтезаторами. Инструментальный трек «Popcorn» 1969 года, написанный Гершоном Кингсли для альбома Music To Moog By, стал всемирным хитом благодаря версии 1972 года в исполнении Hot Butter. Синтезатор Moog стал широко известен в 1968 году благодаря альбому Switched On Bach, бестселлеру, содержащему композиции Баха, аранжированные для синтезатора Moog американским композитором Венди Карлос. Альбом получил признание критиков и коммерческий успех, завоевав премию «Грэмми» 1970 года в категориях «Лучший классический альбом», «Лучшее классическое исполнение – инструментальный солист или солисты (с оркестром или без него)» и «Лучшая классическая запись». В 1969 году Дэвид Борден создал первый в мире ансамбль синтезаторов под названием Mother Mallard's Portable Masterpiece Company в Итаке, штат Нью-Йорк. К концу 1960-х годов синтезатор Moog занял ведущее место в звучании зарождающегося прогрессив-рока, став частью звучания таких групп, как Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer и Genesis. Инструментальный прогрессив-рок был особенно значим в континентальной Европе, позволяя группам Kraftwerk, Tangerine Dream, Cluster, Can, Neu! и Faust преодолевать языковой барьер. Их насыщенный синтезаторами «краутрок», наряду с работой Брайана Ино (в течение некоторого времени клавишника Roxy Music), оказал значительное влияние на последующий электронный рок. Ambient dub был разработан Кингом Табби и другими ямайскими звукорежиссерами, использующими вдохновленную диджеями эмбиентную электронику, включающую провалы, эхо, эквализацию и психоделические электронные эффекты. В нем использовались слоистые техники и элементы мировой музыки, глубокие басовые линии и гармоничные звуки. Также применялись такие приемы, как длинная эхозадержка. Среди других известных исполнителей в этом жанре – Dreadzone, Higher Intelligence Agency, The Orb, Ott, Loop Guru, Woob и Transglobal Underground. Дуб-музыка повлияла на электронные музыкальные техники, которые позже были переняты хип-хопом, когда ямайский иммигрант DJ Kool Herc в начале 1970-х годов представил ямайскую культуру звуковых систем и техники дуба в Америке. Одной из таких техник, ставшей популярной в хип-хоп культуре, было воспроизведение двух копий одной и той же пластинки на двух проигрывателях поочередно, продлевая любимый фрагмент танцоров. Проигрыватель в конечном итоге стал самым заметным электронным музыкальным инструментом, а иногда и самым виртуозным, в 1980-х и 1990-х годах. В середине 1970-х годов появились музыканты электронной авангардной музыки, такие как Жан-Мишель Жарр, Вангелис, Томита и Клаус Шульце, которые оказали значительное влияние на развитие музыки new age, например, Жарр с альбомом Oxygène. В период с 1977 по 1981 год Kraftwerk выпустили альбомы Trans Europe Express, The Man Machine и Computer World, которые повлияли на поджанры электронной музыки. В эту эпоху звучание рок-музыкантов, таких как Майк Олдфилд и The Alan Parsons Project (которым приписывают первую рок-песню с цифровым вокодером в 1975 году, The Raven), также аранжировалось и смешивалось с электронными эффектами и/или музыкой, что стало более заметным в середине 1980-х годов. Джефф Уэйн добился продолжительного успеха с электронной рок-музыкальной версией «Войны миров» 1978 года. Электронное звучание также использовалось в музыкальном сопровождении к фильмам. В 1970-х и 1980-х годах Венди Карлос написала музыку к фильмам «Заводной апельсин», «Сияние» и «Трон». В 1977 году Джин Пейдж записал диско-версию хитовой темы Джона Уильямса из фильма Стивена Спилберга «Близкие контакты третьей степени». Версия Пейджа достигла 30-й позиции в R&B-чарте. Музыка к фильму «Полуночный экспресс» 1978 года, написанная итальянским пионером синтезаторов Джорджио Мородером, получила премию «Оскар» за лучшую оригинальную музыку в 1979 году, как и музыка Вангелиса к фильму «Огненные колесницы» в 1981 году. После появления панк-рока возникла простая форма электронной рок-музыки, все чаще использующая новые цифровые технологии для замены других инструментов. Американский дуэт Suicide, появившийся из панк-сцены в Нью-Йорке, использовал драм-машины и синтезаторы в гибриде электроники и панка на своем одноименном альбоме 1977 года. Пионерские группы synth-pop, пользовавшиеся успехом на протяжении многих лет, включали Ultravox с треком «Hiroshima Mon Amour» 1977 года на альбоме Ha! Ha! Ha!, Yellow Magic Orchestra с одноименным альбомом (1978), The Buggles с их известным дебютным синглом 1979 года «Video Killed the Radio Star», Гари Ньюмана с его дебютным сольным альбомом The Pleasure Principle и синглом «Cars» в 1979 году, Orchestral Manoeuvres in the Dark с синглом «Electricity» 1979 года с их одноименного дебютного альбома, Depeche Mode с их первым синглом «Dreaming of Me», записанным в 1980 году и выпущенным на альбоме Speak & Spell в 1981 году, A Flock of Seagulls с синглом «Talking» 1981 года, New Order с «Ceremony» в 1981 году и The Human League с хитом «Don't You Want Me» 1981 года с их третьего альбома Dare. Определение MIDI и развитие цифрового аудио значительно упростили разработку чисто электронных звуков, и звукорежиссеры, продюсеры и композиторы часто исследовали возможности каждой новой модели электронного звукового оборудования, выпускаемой производителями. Synth-pop иногда использовал синтезаторы для замены всех остальных инструментов, но чаще в составах групп были один или несколько клавишников наряду с гитаристами, басистами и/или барабанщиками. Эти разработки привели к росту synth-pop, который, после того как его переняло движение New Romantic, позволил синтезаторам доминировать в поп- и рок-музыке начала 1980-х годов, пока этот стиль не начал терять популярность в середине и конце десятилетия, например, в песнях «Jump» группы Van Halen и «The Final Countdown» группы Europe, в которых заметно использовались синтезаторы.

In the late 1960s, pop and rock musicians, including the Beach Boys and the Beatles, began to use electronic instruments, like the theremin and Mellotron, to supplement and define their sound. The first bands to utilize the Moog synthesizer would be the Doors on Strange Days as well as the Monkees on Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. In his book Electronic and Experimental Music, Thom Holmes recognises the Beatles' 1966 recording "Tomorrow Never Knows" as the song that "ushered in a new era in the use of electronic music in rock and pop music" due to the band's incorporation of tape loops and reversed and speed manipulated tape sounds. Also in the late 1960s, the music duos Silver Apples, Beaver and Krause, and experimental rock bands like White Noise, the United States of America, Fifty Foot Hose, and Gong are regarded as pioneers in the electronic rock and electronica genres for their work in melding psychedelic rock with oscillators and synthesizers. The 1969 instrumental "Popcorn" written by Gershon Kingsley for Music To Moog By became a worldwide success due to the 1972 version made by Hot Butter. The Moog synthesizer was brought to the mainstream in 1968 by Switched On Bach, a bestselling album of Bach compositions arranged for Moog synthesizer by American composer Wendy Carlos. The album achieved critical and commercial success, winning the 1970 Grammy Awards for Best Classical Album, Best Classical Performance – Instrumental Soloist or Soloists (With or Without Orchestra), and Best Engineered Classical Recording. In 1969, David Borden formed the world's first synthesizer ensemble called the Mother Mallard's Portable Masterpiece Company in Ithaca, New York. By the end of the 1960s, the Moog synthesizer took a leading place in the sound of emerging progressive rock with bands including Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, and Genesis making them part of their sound. Instrumental prog rock was particularly significant in continental Europe, allowing bands like Kraftwerk, Tangerine Dream, Cluster, Can, Neu!, and Faust to circumvent the language barrier. Their synthesiser heavy "krautrock", along with the work of Brian Eno (for a time the keyboard player with Roxy Music), would be a major influence on subsequent electronic rock. Ambient dub was pioneered by King Tubby and other Jamaican sound artists, using DJ inspired ambient electronics, complete with drop outs, echo, equalization and psychedelic electronic effects. It featured layering techniques and incorporated elements of world music, deep basslines and harmonic sounds. Techniques such as a long echo delay were also used. Other notable artists within the genre include Dreadzone, Higher Intelligence Agency, The Orb, Ott, Loop Guru, Woob and Transglobal Underground. Dub music influenced electronic musical techniques later adopted by hip hop music when Jamaican immigrant DJ Kool Herc in the early 1970s introduced Jamaica's sound system culture and dub music techniques to America. One such technique that became popular in hip hop culture was playing two copies of the same record on two turntables in alternation, extending the b dancers' favorite section. The turntable eventually went on to become the most visible electronic musical instrument, and occasionally the most virtuosic, in the 1980s and 1990s. The mid 1970s saw the rise of electronic art music musicians such as Jean Michel Jarre, Vangelis, Tomita and Klaus Schulze who were significant influences on the development of new age music. or Jarre with Oxygène. Between 1977 and 1981, Kraftwerk released albums such as Trans Europe Express, The Man Machine or Computer World, which influenced subgenres of electronic music. In this era, the sound of rock musicians like Mike Oldfield and The Alan Parsons Project (who is credited the first rock song to feature a digital vocoder in 1975, The Raven) used to be arranged and blended with electronic effects and/or music as well, which became much more prominent in the mid 1980s. Jeff Wayne achieved a long lasting success with his 1978 electronic rock musical version of The War of the Worlds. Film scores also benefit from the electronic sound. During the 1970s and 1980s, Wendy Carlos composed the score for A Clockwork Orange, The Shining and Tron. In 1977, Gene Page recorded a disco version of the hit theme by John Williams from Steven Spielberg film Close Encounters of the Third Kind. Page's version peaked on the R&B chart at #30. The score of 1978 film Midnight Express composed by Italian synth pioneer Giorgio Moroder won the Academy Award for Best Original Score in 1979, as did it again in 1981 the score by Vangelis for Chariots of Fire. After the arrival of punk rock, a form of basic electronic rock emerged, increasingly using new digital technology to replace other instruments. The American duo Suicide, who arose from the punk scene in New York, utilized drum machines and synthesizers in a hybrid between electronics and punk on their eponymous 1977 album. Synth pop pioneering bands which enjoyed success for years included Ultravox with their 1977 track "Hiroshima Mon Amour" on Ha! Ha! Ha!, Yellow Magic Orchestra with their self titled album (1978), The Buggles with their prominent 1979 debut single Video Killed the Radio Star, Gary Numan with his solo debut album The Pleasure Principle and single Cars in 1979, Orchestral Manoeuvres in the Dark with their 1979 single Electricity featured on their eponymous debut album, Depeche Mode with their first single Dreaming of Me recorded in 1980 and released in 1981 album Speak & Spell, A Flock of Seagulls with their 1981 single Talking, New Order with Ceremony in 1981, and The Human League with their 1981 hit Don't You Want Me from their third album Dare. The definition of MIDI and the development of digital audio made the development of purely electronic sounds much easier, with audio engineers, producers and composers exploring frequently the possibilities of virtually every new model of electronic sound equipment launched by manufacturers. Synth pop sometimes used synthesizers to replace all other instruments, but it was more common that bands had one or more keyboardists in their line ups along with guitarists, bassists, and/or drummers. These developments led to the growth of synth pop, which after it was adopted by the New Romantic movement, allowed synthesizers to dominate the pop and rock music of the early 1980s until the style began to fall from popularity in the mid to end of the decade. by Van Halen and 1986 The Final Countdown by Europe, which feature synths prominently.

Клавиатурные синтезаторы

Выпущенный в 1970 году компанией Moog Music, Mini Moog был одним из первых широко доступных, портативных и относительно недорогих синтезаторов. Он стал одним из наиболее широко используемых синтезаторов того времени как в популярной, так и в электронной академической музыке. Патрик Глисон, выступая вживую с Херби Хэнкоком в начале 1970-х годов, стал пионером в использовании синтезаторов в условиях гастролей, где они подвергались нагрузкам, к которым ранние модели не были готовы. В 1974 году студия WDR в Кельне приобрела синтезатор EMS Synthi 100, который многие композиторы использовали для создания значимых электронных произведений, включая Fünf deutsche Tänze Рольфа Гельхаара (1975), Сириус Карлхайнца Штокхаузена (1975–1976) и Pulse Music III Джона МакГайра (1978). Благодаря миниатюризации электроники в 1970-х годах, к началу 1980-х синтезаторы с клавиатурой стали легче и доступнее, объединяя в одном компактном корпусе всю необходимую электронику для аудиосинтеза и саму клавиатуру в стиле фортепиано, в отличие от громоздкого оборудования и "кабельной паутины", использовавшихся в 1960-х и 1970-х годах. Эта тенденция сначала проявилась в аналоговых синтезаторах, а затем распространилась и на цифровые синтезаторы и сэмплеры (см. ниже).

Цифровые синтезаторы

В 1975 году японская компания Yamaha лицензировала алгоритмы частотной модуляции (FM-синтеза) у Джона Чоунинга, который экспериментировал с ними в Стэнфордском университете с 1971 года. Инженеры Yamaha начали адаптировать алгоритм Чоунинга для использования в цифровом синтезаторе, добавив усовершенствования, такие как метод "масштабирования клавиатуры", чтобы избежать искажений, обычно возникающих в аналоговых системах при частотной модуляции. В 1980 году Yamaha выпустила первый FM-цифровой синтезатор, Yamaha GS1, но по высокой цене. В 1983 году Yamaha представила первый автономный цифровой синтезатор DX7, который также использовал FM-синтез и стал одним из самых продаваемых синтезаторов в истории. Synclavier I, использующий FM-синтез, полученный по лицензии от Yamaha и продаваемый в основном университетам, оказал значительное влияние как на композиторов электронной музыки, так и на музыкальных продюсеров, включая Майка Торна, одного из первых пользователей в коммерческой сфере, благодаря своей универсальности, передовым технологиям и уникальному звучанию. Первым полифоническим цифровым сэмплером стал австралийский Fairlight CMI, впервые представленный в 1979 году. Эти ранние сэмплеры использовали волнотабличный синтез на основе сэмплов.

Рождение MIDI

В 1980 году группа музыкантов и продавцов музыкального оборудования собралась для разработки единого стандарта интерфейса, позволяющего новым инструментам обмениваться командами управления с другими инструментами и компьютерами. Этот стандарт получил название Musical Instrument Digital Interface (MIDI) и стал результатом сотрудничества ведущих производителей, таких как Sequential Circuits, Oberheim и Roland, а позднее – Yamaha, Korg и Kawai. В 1981 году Дейв Смит из Sequential Circuits представил статью об этом стандарте в Audio Engineering Society. Затем, в августе 1983 года, спецификация MIDI 1.0 была окончательно утверждена. Технология MIDI позволяет одним нажатием клавиши, движением колеса управления, педали или командой с микрокомпьютера удаленно и синхронно активировать любое устройство в студии, при этом каждое устройство реагирует в соответствии с условиями, заранее заданными композитором. Инструменты и программное обеспечение MIDI сделали мощное управление сложными инструментами доступным для многих студий и частных пользователей. Акустические звуки вновь стали использоваться в студиях благодаря сэмплированию и инструментам на основе ROM-сэмплов. Миллер Паккет разработал графическое программное обеспечение для обработки сигналов для платформы 4X под названием Max (в честь Макса Мэтьюса), а затем портировал его на Macintosh (с расширениями, разработанными Дэйвом Зикарелли для Opcode), обеспечив управление MIDI в реальном времени и сделав алгоритмическую композицию доступной для большинства композиторов, не имеющих глубоких знаний в области программирования.

Секвенсоры и барабанные машины

В начале 1980-х годов стали набирать популярность бас-синтезаторы, наиболее влиятельным из которых был Roland TB-303 – бас-синтезатор и секвенсер, выпущенный в конце 1981 года и впоследствии ставший неотъемлемой частью электронной танцевальной музыки, особенно acid house. Музыкальные секвенсеры начали использоваться примерно в середине XX века, а альбомы Томиты в середине 1970-х годов являются более поздним примером их применения. В 1978 году Yellow Magic Orchestra использовали компьютерные технологии в сочетании с синтезатором для создания популярной музыки, одним из первых применив микропроцессорный секвенсер Roland MC-8 Microcomposer. Барабанные машины, также известные как ритм-машины, начали использоваться примерно в конце 1950-х годов, а альбом Осаму Китадзимы Benzaiten (1974) в жанре прогрессивный рок является более поздним примером их использования, где ритм-машина применялась вместе с электронными барабанами и синтезатором.

Чиптуны

Характерный лоу-фай звук чип-музыки изначально был следствием технических ограничений звуковых чипов и звуковых карт первых компьютеров, однако со временем этот звук стал цениться сам по себе. К распространённым и недорогим звуковым чипам первых домашних компьютеров 1980-х годов относятся SID в Commodore 64 и серия General Instrument AY, а также их клоны (например, Yamaha YM2149), использовавшиеся в ZX Spectrum, Amstrad CPC, совместимых с MSX и моделях Atari ST, среди прочих.

Рост танцевальной музыки

Синт-поп продолжал развиваться в конце 1980-х годов, приобретая формат, всё более близкий к танцевальной музыке, включая творчество таких коллективов, как британские дуэты Pet Shop Boys, Erasure и The Communards, которые добились успеха на протяжении большей части 1990-х. Эта тенденция сохраняется и по сей день: в современных ночных клубах по всему миру регулярно звучит электронная танцевальная музыка (EDM). Сегодня у электронной танцевальной музыки есть собственные радиостанции, веб-сайты и издания, такие как Mixmag, полностью посвященные этому жанру. Несмотря на попытки индустрии создать отдельный бренд EDM, аббревиатура продолжает использоваться как общий термин для множества жанров, включая данс-поп, хаус, техно, электро и транс, а также их многочисленные поджанры. Более того, жанр завоевал коммерческую и культурную популярность в Соединенных Штатах и Северной Америке благодаря чрезвычайно популярному звучанию биг-рум хауса/EDM, которое интегрировалось в американскую поп-музыку, и росту масштабных коммерческих рейвов, таких как Electric Daisy Carnival, Tomorrowland и Ultra Music Festival.

Электронная

С другой стороны, широкая группа электронных музыкальных стилей, предназначенных скорее для прослушивания, чем для танцев, получила название "электроника", которое также обозначало музыкальную сцену в Великобритании в начале 1990-х годов. Этот термин использовался по отношению к волне групп, корни которых лежали в инди-роке, которые стали использовать электронные элементы (такие как синтезаторы, сэмплеры, драм-машины и компьютерные программы) и испытывать влияние ранней электронной композиции, краут-рока, синти-попа и танцевальной музыки. Записи обычно создаются на ноутбуках с помощью цифровых аудио рабочих станций (DAW). Эти инструменты предоставляют жизнеспособную и экономически выгодную альтернативу традиционным аппаратным студиям, и благодаря развитию микропроцессорных технологий теперь можно создавать музыку высокого качества, используя всего лишь один ноутбук. Эти достижения демократизировали процесс создания музыки, что привело к значительному увеличению количества электронной музыки, создаваемой в домашних условиях и доступной широкой публике через интернет. Программные инструменты и эффекты (так называемые "плагины") могут быть интегрированы в компьютерную студию с использованием платформы VST. Некоторые из этих инструментов являются более или менее точными репликами существующего оборудования (например, Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 или Korg M1).

Изгиб схемы

Сгибание цепей — это модификация работающих от батарей игрушек и синтезаторов для создания новых, непреднамеренных звуковых эффектов. Это направление было разработано Ридом Газалой в 1960-х годах, а название "circuit bending" (сгибание цепей) придумал он сам в 1992 году.

Модульная реабилитация синтезатора

После развития культуры изгибания цепей музыканты также начали создавать собственные модульные синтезаторы, что привело к возрождению интереса к разработкам начала 1960-х годов. Eurorack стала популярной системой.