Искусство Франции: от наскальных рисунков до современности

Введение

Искусство Франции

Французское искусство включает в себя изобразительные и пластические искусства (включая французскую архитектуру, обработку дерева, текстиль и керамику), возникшие на территории Франции. Современная Франция была главным центром европейского искусства верхнего палеолита, оставив после себя множество мегалитических памятников, а в железном веке – многие из наиболее впечатляющих образцов раннего кельтского искусства. Галло-римский период оставил характерный провинциальный стиль скульптуры, а регион вокруг современной франко-германской границы лидировал в империи по массовому производству искусно украшенной древнеримской керамики, которая экспортировалась в Италию и другие страны в больших объемах. С меровингского искусства начинается история французских стилей как самостоятельного и влиятельного элемента в более широком развитии искусства христианской Европы. Романская и готическая архитектура процветала в средневековой Франции, при этом готическая архитектура зародилась в регионах Иль-де-Франс и Пикардия на севере Франции. В эпоху Возрождения Италия стала основным источником стилистических новшеств, пока Франция не достигла сопоставимого влияния в периоды рококо и неоклассицизма. На протяжении XIX века и до середины XX века Франция, и особенно Париж, считались центром мира искусства, где возникли такие направления, как импрессионизм, постимпрессионизм, кубизм, фовизм, а также объединения и сообщества иностранных художников, такие как Парижская школа.

Предыстория

В настоящее время самое раннее известное европейское искусство относится к периоду верхнего палеолита, датируемому от 40 000 до 10 000 лет назад, и во Франции сохранилось большое количество произведений доисторического искусства, созданных в культурах шательперронской, ориньякской, солютрейской, граветтской и магдаленской. Это искусство включает в себя пещерную живопись, такую как знаменитые изображения в Пеш-Мерль в Ло (Лангедок), датируемые 16 000 годом до н.э., Ласко, расположенное недалеко от деревни Монтиньяк в Дордони, датируемое периодом между 13 000 и 15 000 годом до н.э., или, возможно, даже 25 000 годом до н.э., пещеру Коскер, пещеру Шове, датируемую 29 000 годом до н.э., и пещеру Труа-Фрер; а также переносное искусство, такое как резьба по кости и изображения животных, а также статуэтки «великой богини», известные как «Венеры», например, «Венера из Брасемпуи», датируемая 21 000 годом до н.э. и найденная в Ландах, сейчас экспонируется в музее замка Сен-Жермен-ан-Лай, или Венера из Леспуга в Музее человека. Среди доисторических находок Франции также встречаются декоративные бусы, костяные иглы, резные изделия, а также кремневые и каменные наконечники стрел. Существует предположение, что только Homo sapiens способен к художественному самовыражению, однако недавняя находка – Маска Ла-Рош-Котар, мустьерский или неандертальский артефакт, обнаруженный в 2002 году в пещере недалеко от берегов реки Луары и датируемый примерно 33 000 годом до н.э. – позволяет предположить, что неандертальцы могли развить сложную и развитую художественную традицию. В период неолита (см. Неолитическая Европа) начинают появляться мегалитические (крупнокаменные) сооружения, такие как дольмены и менгиры в Карнаке, Сен-Сюльпис-де-Фалейренс и других местах Франции; считается, что это произошло в пятом тысячелетии до н.э., хотя некоторые исследователи предполагают мезолитическое происхождение. Во Франции насчитывается около 5000 мегалитических памятников, в основном в Бретани, где они наиболее сконцентрированы. В этом регионе сохранилось большое разнообразие этих памятников, таких как менгиры, дольмены, кромлехи и курганы. Курган Гавриниса в южной Бретани является выдающимся примером мегалитического искусства: его 14-метровый внутренний коридор почти полностью украшен орнаментальной резьбой. Большой разбитый менгир Эр-Гра, сохранившийся в четырех частях, первоначально был высотой более 20 метров, что делает его самым высоким когда-либо воздвигнутым менгиром. Во Франции также обнаружено множество расписных камней, отполированных каменных топоров и менгиров с надписями, относящихся к этому периоду. Район Гран-Прессиньи был известен своими ценными кремневыми лезвиями, которые широко экспортировались в период неолита. На территории Франции, начиная с неолита и заканчивая бронзовым веком, встречаются различные археологические культуры, включая культуру Россена (ок. 4500–4000 гг. до н.э.), культуру кубков (ок. 2800–1900 гг. до н.э.), культуру курганов (ок. 1600–1200 гг. до н.э.), культуру погребений с урнами (ок. 1300–800 гг. до н.э.) и, в переходный период к железному веку, культуру гальштатскую (ок. 1200–500 гг. до н.э.). Более подробную информацию о доисторических памятниках Западной Франции можно найти в статье «Доистория Бретани».

Currently, the earliest known European art is from the Upper Palaeolithic period of between 40,000 and 10,000 years ago and France has a large selection of extant pre historic art from the Châtelperronian, Aurignacian, Solutrean, Gravettian, and Magdalenian cultures. This art includes cave paintings, such as the famous paintings at Pech Merle in the Lot in Languedoc which date back to 16,000 BC, Lascaux, located near the village of Montignac, in the Dordogne, dating back to between 13,000 and 15,000 BC, or perhaps, as far back as 25,000 BC, the Cosquer Cave, the Chauvet Cave dating back to 29,000 BC, and the Trois Frères cave; and portable art, such as animal carvings and great goddess statuettes called Venus figurines, such as the "Venus of Brassempouy" of 21,000 BC, discovered in the Landes, now in the museum at the Château de Saint Germain en Laye or the Venus of Lespugue at the Musée de l'Homme. Ornamental beads, bone pins, carvings, as well as flint and stone arrowheads also are among the prehistoric objects from the area of France. Speculations exist that only Homo sapiens are capable of artistic expression, however, a recent find, the Mask of la Roche Cotard—a Mousterian or Neanderthal artifact, found in 2002 in a cave near the banks of the Loire River, dating back to about 33,000 B. C.—now suggests that Neanderthal humans may have developed a sophisticated and complex artistic tradition. In the Neolithic period (see Neolithic Europe), megalithic (large stone) monuments, such as the dolmens and menhirs at Carnac, Saint Sulpice de Faleyrens and elsewhere in France begin to appear; this appearance is thought to start in the fifth millennium BC, although some authors speculate about Mesolithic roots. In France there are some 5,000 megalithics monuments, mainly in Brittany, where there is the largest concentration of these monuments. In this area there is wide variety of these monuments that have been well preserved, like menhirs, dolmen, cromlechs and cairns. The Cairn of Gavrinis in southern Brittany is an outstanding example of megalithic art : its 14 meters inner corridor is nearly completely adorned with ornamental carvings. The great broken menhir of Er Grah, now in four pieces was more than 20 meters high originally, making it the largest menhir ever erected. France has also numerous painted stones, polished stone axes, and inscribed menhirs from this period. The Grand Pressigny area was known for its precious silex blades and they were extensively exported during the Neolithic. In France from the Neolithic to the Bronze Age, one finds a variety of archaeological cultures, including the Rössen culture of c. 4500–4000 BC, Beaker culture of c. 2800–1900 BC, Tumulus culture of c. 1600–1200 BC, Urnfield culture of c. 1300–800 BC, and, in a transition to the Iron Age, Hallstatt culture of c. 1200–500 BC. For more on Prehistoric sites in Western France, see Prehistory of Brittany.

Кельтский и римский периоды

Из протокельтских культур Урнфилда и Халштатта развилось континентальное кельтское искусство железного века, тесно связанное с культурой Латеня, которая процветала в конце железного века с 450 г. до н.э. до римского завоевания в первом веке до н.э. Это искусство опиралось на местные, классические и, возможно, средиземноморские, восточные источники. Кельты Галлии известны по многочисленным гробницам и курганам, найденным по всей Франции. Кельтское искусство отличается высокой декоративностью, избегает прямых линий и редко использует симметрию, не стремясь к подражанию природе или идеалу красоты, характерному для классической традиции, но, по-видимому, часто включает сложную символику. Это искусство включает в себя множество стилей и часто заимствует, тонко модифицируя, элементы из других культур, примером чего является характерное переплетение, пришедшее во Францию лишь в шестом веке, хотя и ранее использовавшееся германскими художниками. Кельтская гробница в Виксе, в современной Бургундии, обнаружила самый большой бронзовый кратер античности, который, вероятно, был импортирован кельтской аристократией из Греции. Регион Галлии (Gallia) находился под властью Римской империи с первого века до н.э. до пятого века н.э. Южная Франция, особенно Прованс и Лангедок, славится своими многочисленными хорошо сохранившимися галло-римскими памятниками. Лугдунум, современный Лион, во времена Римской империи был крупнейшим городом за пределами Италии и дал миру двух римских императоров. В городе до сих пор сохранились римские руины, включая театр. К монументальным сооружениям этого периода относятся амфитеатр в Оранже (Воклюз), "Maison Carrée" в Ниме – один из наиболее хорошо сохранившихся римских храмов в Европе, город Вьенн близ Лиона с исключительно хорошо сохранившимся храмом (храм Августа и Ливии), цирком и другими руинами, акведук Пон-дю-Гар, также находящийся в прекрасном состоянии, римские города Гланум и Вейсон-ла-Ромен, две нетронутые галло-римские арены в Ниме и Арле, римские бани и арена в Париже.

From the Proto Celtic Urnfield and Hallstatt cultures, a continental Iron Age Celtic art developed; mainly associated with La Tène culture, which flourished during the late Iron Age from 450 BC to the Roman conquest in the first century BC. This art drew on native, classical and perhaps, the Mediterranean, oriental sources. The Celts of Gaul are known through numerous tombs and burial mounds found throughout France. Celtic art is very ornamental, avoiding straight lines and only occasionally using symmetry, without the imitation of nature nor ideal of beauty central to the classical tradition, but apparently, often involves complex symbolism. This artwork includes a variety of styles and often incorporates subtly modified elements from other cultures, an example being the characteristic over and under interlacing which arrived in France only in the sixth century, although it was already used by Germanic artists. The Celtic Vix grave in present day Burgundy revealed the largest bronze crater of the Antiquity, that was probably imported by Celtic aristocrats from Greece. The region of Gaul (Gallia) came under the rule of the Roman Empire from the first century BC to the fifth century AD. Southern France, and especially Provence and Languedoc, is known for its many intact Gallo Roman monuments. Lugdunum, modern Lyon, was at the time of the Roman Empire the largest city outside Italy and gave birth to two Roman Emperors. The city still boasts some Roman remains including a Theater. Monumental works from this period include the amphitheater in Orange, Vaucluse, the "Maison Carrée" at Nîmes which is one of the best preserved Roman temples in Europe, the city of Vienne near Lyon, which features an exceptionally well preserved temple (the temple of Augustus and Livia), a circus as well as other remains, the Pont du Gard aqueduct which is also in an exceptional state of preservation, the Roman cities of Glanum and Vaison la Romaine, two intact Gallo Roman arenas in Nîmes and Arles, and the Roman baths, and the arena of Paris.

Меровингианское искусство

Меровингианское искусство — это искусство и архитектура династии франков, существовавшей с V по VIII век на территории современной Франции и Германии. Приход династии Меровингов в Галлии в V веке привёл к значительным изменениям в искусстве. В архитектуре исчезла тяга к созданию прочных и гармоничных зданий. Скульптура деградировала до простого способа украшения саркофагов, алтарей и церковной утвари. Однако развитие золотых дел и книжной миниатюры способствовало возрождению кельтского декора, который, вместе с христианскими и другими элементами, составляет основу меровингианского искусства. Объединение Франкского королевства при Хлодвиге I (465–511) и его преемниках обусловило потребность в строительстве церквей. Планы для них, вероятно, заимствовались из римских базилик. К сожалению, эти деревянные постройки не сохранились из-за пожаров, вызванных либо случайностью, либо набегами норманнов.

Каролингское искусство

Каролингское искусство – это приблизительный 120-летний период с 750 по 900 год, во время правления Карла Мартелла, Пиппина Короткого, Карла Великого и его непосредственных наследников, широко известный как Каролингское Возрождение. Каролингская эпоха – это первый период средневекового художественного направления, известного как прероманское искусство. Впервые северные европейские короли стали покровительствовать классическим средиземноморским римским формам искусства, сочетая классические формы с германскими, создавая совершенно новые инновации в рисовании фигурок и закладывая основу для развития романского искусства и, в конечном итоге, готического искусства на Западе. До наших дней сохранились иллюминированные рукописи, изделия из металла, мелкая скульптура, мозаики и фрески того периода. Каролинги также предприняли масштабные архитектурные проекты во многих церквях Франции, включая церкви в Меце, Лионе, Вьенне, Ле-Мане, Реймсе, Бове, Вердене, Сен-Жермен в Оксере, Сен-Пьере в Флавиньи и Сен-Дени, а также центральную часть города Шартр. Аббатство Сент-Рикье (Сомма), завершенное в 788 году, стало важным достижением в монашеской архитектуре. Другим значительным сооружением (в основном утраченным сегодня) была "Вилла Теодульфа" в Герминьи-де-Пре. С окончанием каролингского правления около 900 года художественное производство остановилось почти на три поколения. После распада Каролингской империи Франция распалась на ряд враждующих провинций, лишенных организованной поддержки искусства. Французское искусство X и XI веков создавалось местными монастырями для распространения грамотности и набожности, однако примитивные стили, которые были созданы, не отличались таким высоким мастерством, как техники раннего каролингского периода. Различные региональные стили развивались на основе случайной доступности каролингских рукописей в качестве образцов для копирования и наличия странствующих художников. Монастырь Сен-Бертен стал важным центром под руководством своего аббата Одберта (986–1007), который создал новый стиль, основанный на англосаксонских и каролингских формах. Соседнее аббатство Сен-Вааст (Па-де-Кале) также создало ряд важных произведений. В юго-западной Франции около 1000 года было создано несколько рукописей в монастыре Сен-Марсьяля в Лиможе, а также в Альби, Фигеаке и Сен-Севере-де-Рустане в Гаскони. В Париже уникальный стиль сформировался в аббатстве Сен-Жермен-де-Пре. В Нормандии новый стиль возник в 975 году. К концу X века, с движением за реформу Клюни и возрождением стремления к идее Империи, художественное производство возобновилось.

Carolingian art is the approximate 120 year period from 750 to 900—during the reign of Charles Martel, Pippin the Younger, Charlemagne, and his immediate heirs—popularly known as the Carolingian Renaissance. The Carolingian era is the first period of the Medieval art movement known as Pre Romanesque. For the first time, Northern European kings patronized classical Mediterranean Roman art forms, blending classical forms with Germanic ones, creating entirely new innovations in figurine line drawing, and setting the stage for the rise of Romanesque art and, eventually, Gothic art in the West. Illuminated manuscripts, metalwork, small scale sculpture, mosaics, and frescos survive from the period. The Carolingians also undertook major architectural building campaigns at numerous churches in France. These include, those of Metz, Lyon, Vienne, Le Mans, Reims, Beauvais, Verdun, Saint Germain in Auxerre, Saint Pierre in Flavigny, and Saint Denis, as well as the town center of Chartres. The Centula Abbey of Saint Riquier (Somme), completed in 788, was a major achievement in monastic architecture. Another important building (mostly lost today) was "Theodulf's Villa" in Germigny des Prés. With the end of Carolingian rule around 900, artistic production halted for almost three generations. After the demise of the Carolingian Empire, France split into a number of feuding provinces, lacking any organized patronage. French art of the tenth and eleventh centuries was produced by local monasteries to promote literacy and piety, however, the primitive styles produced were not so highly skilled as the techniques of the earlier Carolingian period. Multiple regional styles developed based on the chance availability of Carolingian manuscripts as models to copy, and the availability of itinerant artists. The monastery of Saint Bertin became an important center under its abbot Odbert (986–1007), who created a new style based on Anglo Saxon and Carolingian forms. The nearby abbey of St. Vaast (Pas de Calais) also created a number of important works. In southwestern France a number of manuscripts were produced c. 1000, at the monastery of Saint Martial in Limoges, as well as at Albi, Figeac, and Saint Sever de Rustan in Gascony. In Paris a unique style developed at the abbey of Saint Germain des Prés. In Normandy a new style arose in 975. By the later tenth century with the Cluny reform movement and a revived spirit for the concept of Empire, art production resumed.

Романское искусство

Романское искусство относится к искусству Западной Европы в период ста пятидесяти лет, примерно с 1000 года н.э. до появления готического стиля, который возник в середине XII века во Франции. «Романское искусство» характеризовалось возрождением интереса к римским строительным техникам. Например, капители XII века в монастыре Сен-Гилем-ле-Дезер принимают мотив листьев аканта и декоративное использование просверленных отверстий, которые часто встречались на римских памятниках. Другие важные романские постройки во Франции включают аббатство Сен-Бенуа-сюр-Луар в Луаре, церкви Сен-Фуа в Конке (Аверон), Сен-Мартина в Туре, Сен-Филибера в Турню (Сона и Луара), Сен-Реми в Реймсе и Сен-Сернена в Тулузе. Особенно масштабная строительная кампания была проведена в Нормандии в церквях Берне, Мон-Сен-Мишель, соборе Кутанс и Байё. Большая часть романской скульптуры была интегрирована в церковную архитектуру не только в эстетических, но и в структурных целях. Мелкомасштабная скульптура в до-романский период находилась под влиянием византийской и раннехристианской скульптуры. Другие элементы были заимствованы из различных местных стилей стран Ближнего Востока. Мотивы черпались из искусства «варваров», такие как гротескные фигуры, звери и геометрические узоры, которые стали важными дополнениями, особенно в регионах к северу от Альп. Среди значительных скульптурных работ этого периода – резьба из слоновой кости в монастыре Санкт-Галлен. Монументальная скульптура редко создавалась отдельно от архитектуры в до-романский период. Впервые после падения Римской империи монументальная скульптура стала значимой формой искусства. Церковные фасады, дверные проемы и капители увеличивались и расширялись по размеру и значимости, как, например, тимпан «Страшного суда» в Болё-сюр-Дордонь и «Стоящий пророк» в Муассаке. Монументальные двери, крестильные купели и подсвечники, часто украшенные сценами из Библии, отливались из бронзы, что свидетельствует о мастерстве металлообработчиков того времени. Фрески украшали своды и стены церквей. Богатые ткани и драгоценные предметы из золота и серебра, такие как чаши и реликвиарии, производились во все возрастающих количествах для удовлетворения потребностей литургии и культа святых. В XII веке крупномасштабная каменная скульптура распространилась по всей Европе. Во французских романских церквях Прованса, Бургундии и Аквитании скульптуры украшали фасады, а статуи встраивались в капители.

Romanesque art refers to the art of Western Europe during a period of one hundred and fifty years, from approximately 1000 AD to the rise of the Gothic style, which arose in the middle of the twelfth century in France. "Romanesque Art" was marked by a renewed interest in Roman construction techniques. For example, the twelfth century capitals on the cloister of Saint Guilhem le Désert, adopt an acanthus leaf motif and the decorative use of drill holes, which were commonly found on Roman monuments. Other important Romanesque buildings in France include the abbey of Saint Benoît sur Loire in Loiret, the churches of Saint Foy in Conques of Aveyron, Saint Martin in Tours, Saint Philibert in Tournus of Saône et Loire, Saint Remi in Reims, and Saint Sernin in Toulouse. In particular, Normandy experienced a large building campaign in the churches of Bernay, Mont Saint Michel, Coutances Cathedral, and Bayeux. Most Romanesque sculpture was integrated into church architecture, not only for aesthetic, but also for structural purposes. Small scale sculpture during the pre Romanesque period was influenced by Byzantine and Early Christian sculpture. Other elements were adopted from various local styles of Middle Eastern countries. Motifs were derived from the arts of the "barbarian," such as grotesque figures, beasts, and geometric patterns, which were all important additions, particularly in the regions north of the Alps. Among the important sculptural works of the period are the ivory carvings at the monastery of Saint Gall. Monumental sculpture was rarely practised separately from architecture in the Pre Romanesque period. For the first time after the fall of the Roman empire, monumental sculpture emerged as a significant art form. Covered church façades, doorways, and capitals all increased and expanded in size and importance, as in the Last Judgment Tympanum, Beaulieu sur Dordogne, and the Standing Prophet at Moissac. Monumental doors, baptismal fonts, and candle holders, frequently decorated with scenes from biblical history, were cast in bronze, attesting to the skills of the contemporary metalworkers. Frescoes were applied to the vaults and walls of churches. Rich textiles and precious objects in gold and silver, such as chalices and reliquaries, were produced in increasing numbers to meet the needs of the liturgy, and to serve the cult of the saints. In the twelfth century, large scale stone sculpture spread throughout Europe. In the French Romanesque churches of Provence, Burgundy, and Aquitaine, sculptures adorned the façades and statues were incorporated into the capitals.

Ранний современный период

В конце пятнадцатого века французское вторжение в Италию и близость бургундского двора с его фламандскими связями привели французов в контакт с товарами, живописью и творческим духом Северного и Итальянского Возрождения. Первоначальные художественные изменения во Франции в тот период были выполнены итальянскими и фламандскими художниками, такими как Жан Клуэ и его сын Франсуа Клуэ, а также итальянцами Россо Фиорентино, Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате, представлявшими так называемую первую школу Фонтенбло с 1531 года. Леонардо да Винчи также был приглашен во Францию Франсуа I, но помимо картин, которые он привез с собой, он создал немного произведений для французского короля. Искусство периода правления Франсуа I и Генриха IV часто находилось под сильным влиянием поздних итальянских живописных и скульптурных разработок, обычно называемых маньеризмом, который связан с поздними работами Микеланджело, а также Пармиджанино и других. Для него характерны вытянутые и изящные фигуры, опирающиеся на визуальную риторику, включая сложное использование аллегории и мифологии. Пожалуй, величайшим достижением Французского Возрождения стало строительство замков Луары. Больше не рассматриваемые как крепости, эти дворцы-удовольствия использовали богатство рек и земель региона Луары и демонстрируют замечательное архитектурное мастерство. Среди важных французских архитекторов, принявших стиль Ренессанса, – Пьер Леско, перестроивший часть Луврского дворца для короля, Филибер Делорм, Жан Буллан и Жак I Андруэ дю Серсо. Скульптура получила значительное развитие во Франции в эпоху Возрождения и сохранилась лучше, чем живопись. Хотя Франческо Лаурана работал во Франции недолго в конце XV века, итальянский стиль стал преобладающим во Франции только в начале XVI века, после начала Итальянских войн. В скульптуре важную роль сыграло прибытие семьи Джусто, последовавшей за Людовиком XII во Францию в 1504 году. Позже, еще одним крупным итальянским скульптором, работавшим при дворе, был Бенвенуто Челлини, который работал на Франсуа I с 1540 года и принес во Францию стиль маньеризма (один из примеров – Нимфа из Фонтенбло). Крупнейшими французскими скульпторами того времени являются Мишель Коломб, ответственный за гробницу Франциска II, герцога Бретонского в Нанте, которому посчастливилось работать вместе с братьями Джусто. Наряду с Коломбом, Жан Гужон и Жермен Пилон считаются лучшими французскими скульпторами того периода, работавшими в сложном маньеристическом стиле. Другой важной фигурой того времени был Пьер Бонтемп. Шампанский регион вокруг Труа, а также долина Луары и Нормандия были важными региональными центрами скульптуры. В герцогствах Лотарингии и Бар появилась региональная, но очень талантливая фигура – Лижие Рикье.

In the late fifteenth century, the French invasion of Italy and the proximity of the vibrant Burgundy court, with its Flemish connections, brought the French into contact with the goods, paintings, and the creative spirit of the Northern and Italian Renaissance. Initial artistic changes at that time in France were executed by Italian and Flemish artists, such as Jean Clouet and his son François Clouet, along with the Italians, Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio, and Niccolò dell'Abbate of what is often called the first School of Fontainebleau from 1531. Leonardo da Vinci also was invited to France by François I, but other than the paintings which he brought with him, he produced little for the French king. The art of the period from François I through Henri IV often is heavily inspired by late Italian pictorial and sculptural developments commonly referred to as Mannerism, which is associated with the later works of Michelangelo as well as Parmigianino, among others. It is characterized by figures which are elongated and graceful that rely upon visual rhetoric, including the elaborate use of allegory and mythology. Perhaps the greatest accomplishment of the French Renaissance was the construction of the Châteaux of the Loire Valley. No longer conceived of as fortresses, such pleasure palaces took advantage of the richness of the rivers and lands of the Loire region and they show remarkable architectural skill. Some important French architects who adopted the Renaissance style are Pierre Lescot, who rebuilt a part of the Louvre palace for the king, Philibert Delorme, Jean Bullant and Jacques I Androuet du Cerceau. Sculpture had a great development in France during the Renaissance and has been better preserved than painting. Though Francesco Laurana worked in France for a shorte period of time in the late 15th century, it is only in the beginning of the 16th century that the Italian style became prevalent in France, after the Italian Wars started. In sculpture, the arrival of the Giusto family, who followed Louis XII in France in 1504 was instrumental. Later, another major Italian sculptor who was employed at the court was Benvenuto Cellini, who worked for François Ier from 1540, and imported the Mannerist style to France (one example being the Nymph of Fontainebleau). Major French sculptors or the time are Michel Colombe, responsible for the Tomb of Francis II, Duke of Brittany in Nantes, who had the opportunity to work along the Giusto brothers. Along with Colombe, Jean Goujon and Germain Pilon are considered the best French sculptors of the period, working in an elaborate Mannerist style. Another important figure of the time is Pierre Bontemps. The Champagne region around Troyes but also the Loire valley and Normandy were important regional centres for sculpture. In the Duchy of Lorraine and Bar, a regional but very talented figure appeared in the person of Ligier Richier.

Барокко и классицизм

Седьмой век ознаменовал золотой век французского искусства во всех областях. В начале XVII века тенденции позднего маньеризма и раннего барокко продолжали процветать при дворе Марии Медичи и Людовика XIII. Искусство этого периода испытывало влияние как северной Европы, в частности голландской и фламандской школ, так и римских художников контрреформации. Французские художники часто спорили о сравнительных достоинствах Питера Пауля Рубенса с его фламандским барокко, пышными линиями и красками, и Никола Пуссена с его рациональным контролем, пропорциями и римским классицистским стилем барокко. Другим приверженцем классицизма, работавшим в Риме, был Клод Гелле, известный как Ле Лоррен, определивший форму классического пейзажа. Многие молодые французские живописцы в начале века отправлялись в Рим для обучения и вскоре восприняли влияние Караваджо, как Валентин де Булонь и Симон Воуэ. Последнему приписывают привнесение барокко во Францию, и по возвращении в Париж в 1627 году он был назначен первым живописцем короля. Однако французская живопись вскоре отошла от экстравагантности и натурализма итальянского барокко, и художники, такие как Эсташ Ле Сёр и Лоран де Ла Ир, следуя примеру Пуссена, разработали классицистское направление, известное как парижский аттицизм, вдохновленное античностью и сосредоточенное на пропорциях, гармонии и важности рисунка. Даже Воуэ, после возвращения из Италии, изменил свой стиль, сделав его более сдержанным, но все же очень декоративным и элегантным. В то же время сохранялась сильная школа караваджистского барокко, представленная в этот период удивительными, освещенными свечами картинами Жоржа де Ла Тура. Бедные и нуждающиеся изображались в манере, близкой к голландской, на картинах трех братьев Ле Нэн. В картинах Филиппа де Шампаня встречаются как пропагандистские портреты кардинала Ришелье, министра Людовика XIII, так и более созерцательные портреты представителей католической секты янсенистов. В архитектуре архитекторы, такие как Соломон де Бросс, Франсуа Мансар и Жак Лемерсье, помогли определить французскую форму барокко, разработав формулу городского отеля партикуляр, которая оказала влияние на всю Европу и значительно отличалась от итальянского аналога – палаццо. Многие аристократические замки были перестроены в новом классическом стиле барокко, наиболее известными из них являются Мэзон и Шеврени, характеризующиеся высокими крышами "à la française" и формой, сохранившей средневековую модель замка, украшенную заметными башнями. С середины до конца XVII века французское искусство чаще называют «классицизмом», что подразумевает соблюдение определенных правил пропорции и сдержанности, несвойственных барокко, как оно практиковалось в большей части остальной Европы в тот же период. При Людовике XIV барокко в итальянском понимании не соответствовало французскому вкусу, например, знаменитое предложение Бернини о перестройке Лувра было отклонено Людовиком XIV. С помощью пропаганды, войн и масштабных архитектурных проектов Людовик XIV начал обширную программу, призванную прославить Францию и его имя. Версальский дворец, изначально небольшой охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в великолепный дворец для праздников и приемов под руководством архитекторов Луи Ле Во (который также построил замок Во-ле-Виконт) и Жюля Ардуэна Мансара (который построил церковь Инвалидов в Париже), художника и дизайнера Шарля Ле Брюна и ландшафтного архитектора Андре Ле Нотра, который усовершенствовал рациональную форму французского сада, распространившегося из Версаля по всей Европе. В области скульптуры правление Людовика XIV также стало важным моментом благодаря покровительству короля художникам, таким как Пьер Пюже, Франсуа Жирардон и Антуан Койзевокс. В Риме Пьер Легрос, работавший в более барочной манере, был одним из самых влиятельных скульпторов конца века.

The seventeenth century marked a golden age for French art in all fields. In the early part of the seventeenth century, late mannerist and early Baroque tendencies continued to flourish in the court of Marie de Medici and Louis XIII. Art from this period shows influences from both the north of Europe, namely the Dutch and Flemish schools, and from Roman painters of the Counter Reformation. Artists in France frequently debated the contrasting merits of Peter Paul Rubens with his Flemish baroque, voluptuous lines and colors to Nicolas Poussin with his rational control, proportion, Roman classicist baroque style. Another proponent of classicism working in Rome was Claude Gellée, known as Le Lorrain, who defined the form of classical landscape. Many young French painters of the beginning of the century went to Rome to train themselves and soon assimilated Caravaggio's influence like Valentin de Boulogne and Simon Vouet. The later is credited with bringing the baroque in France and at his return in Paris in 1627 he was named first painter of the king. But French painting soon departed from the extravagance and naturalism of the Italian baroque and painters like Eustache Le Sueur and Laurent de La Hyre, following Poussin example developed a classicist way known as Parisian Atticism, inspired by Antiquity, and focusing on proportion, harmony and the importance of drawing. Even Vouet, after his return from Italy, changed his manner to a more measured but still highly decorative and elegant style. But at the same time there was still a strong Caravaggisti Baroque school represented in the period by the amazing candle lit paintings of Georges de La Tour. The wretched and the poor were featured in a quasi Dutch manner in the paintings by the three Le Nain brothers. In the paintings of Philippe de Champaigne there are both propagandistic portraits of Louis XIII' s minister Cardinal Richelieu and other more contemplative portraits of people in the Catholic Jansenist sect. In architecture, architects like Salomon de Brosse, François Mansart and Jacques Lemercier helped define the French form of the baroque, developing the formula of the urban hôtel particulier that was to influence all of Europe and strongly departed from the Italian equivalent, the palazzo. Many aristocratic castles were rebuilt in the new classic baroque style, some of the most famous being Maisons and Cheverny, characterized by high roofs "à la française" and a form that retained the medieval model of the castle adorned with prominent towers. From the mid to late seventeenth century, French art is more often referred to by the term "Classicism" which implies an adherence to certain rules of proportion and sobriety uncharacteristic of the Baroque, as it was practiced in most of the rest of Europe during the same period. Under Louis XIV, the Baroque as it was practiced in Italy, was not in French taste, for instance, as Bernini's famous proposal for redesigning the Louvre was rejected by Louis XIV. Through propaganda, wars, and great architectural works, Louis XIV launched a vast program designed for the glorification of France and his name. The Palace of Versailles, initially a tiny hunting lodge built by his father, was transformed by Louis XIV into a marvelous palace for fêtes and parties, under the direction of architects Louis Le Vau (who had also built the château de Vaux le Vicomte) and Jules Hardouin Mansart (who built the church of the Invalides in Paris), painter and designer Charles Le Brun, and the landscape architect André Le Nôtre who perfected the rational form of the French garden that from Versailles spread in all of Europe. For sculpture Louis XIV's reign also proved an important moment thanks to the King's protection of artists like Pierre Puget, François Girardon and Antoine Coysevox. In Rome, Pierre Legros, working in a more baroque manner, was one of the most influential sculptors of the end of the century.

Рококо и неоклассицизм

Рококо и неоклассицизм – термины, используемые для описания изобразительных и пластических искусств, а также архитектуры в Европе с начала XVIII века до конца XVIII века. Во Франции смерть Людовика XIV в 1715 году привела к периоду свободы, обычно называемому Регентством. Версаль был покинут с 1715 по 1722 год, молодой король Людовик XV и правительство во главе с герцогом Орлеанским проживали в Париже. Там в декоративном искусстве возник новый стиль, известный как рокайль: асимметрия и динамизм барокко были сохранены, но обновлены в стиле, менее риторичном и с менее помпезными эффектами, с более глубоким исследованием искусственности и использованием мотивов, вдохновленных природой. Этот способ украшения комнат и мебели также нашел отражение в живописи. Живопись рокайль обратилась к более легким сюжетам, таким как «галантные празднества» (fêtes galantes), театральные декорации, приятные мифологические повествования и женская обнаженная натура. В большинстве случаев морализаторские аспекты мифов или исторических картин опускались, и акцент делался на декоративном и приятном аспекте изображенных сцен. Живопись этого периода отличалась большим вниманием к цвету, чем к рисунку, с отчетливыми мазками кисти и яркими сценами. К важным французским художникам этого периода относятся Антуан Ватто, считающийся изобретателем «галантного празднества», Николя Ланкре и Франсуа Буше, известный своими нежными пасторальными и галантными сценами. Портретная живопись пастелью стала особенно популярной в Европе, и Франция была главным центром для пастелистов, с такими выдающимися мастерами, как Морис Кентин де Ла Тур, Жан Батист Перронно и швейцарец Жан Этьен Лиотар. Стиль декора Людовика XV, хотя и проявился еще в конце предыдущего правления, стал светлее, с пастельными цветами, деревянными панелями, меньшими комнатами, меньшим количеством позолоты и броката; преобладали раковины, гирлянды и случайные китайские мотивы. Мануфактуры в Шантильи, Винсенне, а затем и Севре производили лучший фарфор того времени. Высококвалифицированные ébénistes (мебельщики), в основном базировавшиеся в Париже, создавали сложные предметы мебели из ценных пород дерева и бронзовых украшений, которые высоко ценились и копировались по всей Европе. Самыми известными из них были Жан Франсуа Обен, создавший рабочий стол короля Людовика XV в Версале, Бернар II ван Рисамбург и Жан Анри Ризенер. Высококвалифицированные художники, называемые ciseleur-doreurs (резчики и позолотчики), специализировались на бронзовых украшениях для мебели и других предметов декоративно-прикладного искусства, наиболее известными из которых были Пьер Гутьер и Пьер Филипп Томьер. Талантливые серебряники, такие как Тома Жермен и его сын Франсуа Тома Жермен, создавали сложные серебряные сервизы, которые высоко ценились при европейских дворах. Комнаты в замках и особняках были более уютными, чем во времена правления Людовика XIV, и украшались босериями в стиле рокайль (резными деревянными панелями, покрывающими стены комнаты), созданными архитекторами, такими как Жермен Бофран и Жиль Мари Оппенорд, или орнаманистами (дизайнерами декоративных предметов), такими как Жюст Орель Мейссонье. Самыми выдающимися архитекторами первой половины века были, помимо Бофрана, Роберт де Котт и Анж Жак Габриэль, которые спроектировали общественные площади, такие как площадь Согласия в Париже и площадь Биржи в Бордо, в стиле, сознательно вдохновленном эпохой Людовика XIV. В первой половине века Франция заменила Италию как художественный центр и главное художественное влияние в Европе, и многие французские художники работали при других дворах по всему континенту. Во второй половине XVIII века Франция продолжала доминировать в Европе, особенно в области искусства и науки, и владение французским языком ожидалось от членов европейских дворов. Французская академическая система продолжала готовить художников, но некоторые, такие как Жан Оноре Фрагонар и Жан Батист Симеон Шарден, исследовали новые и все более импрессионистские стили живописи с густыми мазками. Хотя иерархия жанров продолжала официально соблюдаться, жанровая живопись, пейзаж, портрет и натюрморт были чрезвычайно популярны. Шарден и Жан Батист Удри были признаны за свои натюрморты, хотя это официально считалось самым низким из всех жанров в иерархии живописных тем. В этот период также прослеживается предромантический аспект. Изображения руин, созданные Юбером Робером, вдохновленные итальянскими каприччо, типичны в этом отношении, как и изображения штормов и лунных марин, написанные Клодом Жозефом Верне. Также изменился рациональный и геометрический французский сад Андре Ленотра, уступив место английскому саду, который подчеркивал искусственно дикую и иррациональную природу. В некоторых из этих садов также можно было найти любопытные руины храмов, называемые «бесполезными сооружениями» (follies). Во второй половине XVIII века во Франции произошел поворот к неоклассицизму, то есть к сознательному использованию греческих и римских форм и иконографии. Это движение было поддержано интеллектуалами, такими как Дидро, в реакцию на искусственность и декоративность стиля рокайль. В живописи величайшим представителем этого стиля является Жак Луи Давид, который, подражая профилям греческих ваз, подчеркивал использование профиля. Его сюжеты часто касались классической истории, такой как смерть Сократа и Брута. Достоинство и сюжеты его картин были во многом вдохновлены работами Николя Пуссена XVII века. Пуссен и Давид, в свою очередь, оказали большое влияние на Жана Огюста Доминика Энгра. Другими важными неоклассическими художниками этого периода были Жан Батист Грез, Жозеф Мари Вьен и, в портретном жанре, Элизабет Луиза Виже-Лебрен. Неоклассицизм проник и в декоративное искусство и архитектуру. Архитекторы, такие как Леду и Буйе, разработали радикальный стиль неоклассической архитектуры, основанный на простых и чистых геометрических формах с поиском симметрии и гармонии, создавая новаторские проекты, такие как комплекс соляных копей в Арк-э-Сенен, разработанный Леду, модель идеальной фабрики, основанная на рациональных концепциях мыслителей эпохи Просвещения.

Rococo and Neoclassicism are terms used to describe the visual and plastic arts and architecture in Europe from the early eighteenth century to the end of the eighteenth century. In France, the death of Louis XIV in 1715 lead to a period of freedom commonly called the Régence. Versailles was abandoned from 1715 to 1722, the young king Louis XV and the government led by the duke of Orléans residing in Paris. There a new style emerged in the decorative arts, known as rocaille : the asymmetry and dynamism of the baroque was kept but renewed in a style that is less rhetoric and with less pompous effects, a deeper research of artificiality and use of motifs inspired by nature. This manner used to decorate rooms and furniture also existed in painting. Rocaillle painting turned toward lighters subjects, like the "fêtes galantes", theater settings, pleasant mythological narratives and the female nude. Most of the times the moralising sides of myths or history paintings are omitted and the accent is put on the decorative and pleasant aspect of the scenes depicted. Paintings from the period show an emphasis more on color than drawing, with apparent brush strokes and very colorful scenes. Important French painters from this period include Antoine Watteau, considered the inventor of the fête galante, Nicolas Lancret and François Boucher, known for his gentle pastoral and galant scenes. Pastel portrait painting became particularly fashionable in Europe at the time and France was the major center of activity for pastellists, with the prominent figures of Maurice Quentin de La Tour, Jean Baptiste Perronneau and the Swiss Jean Étienne Liotard. The Louis XV style of decoration, although already apparent at the end of the last reign, was lighter with pastel colors, wood panels, smaller rooms, less gilding, and fewer brocades; shells, garlands, and occasional Chinese subjects predominated. The Chantilly, Vincennes and then Sèvres manufactures produced some of the finest porcelain of the time. The highly skilled ébénistes, cabinet makers mostly based in Paris, created elaborate pieces of furniture with precious wood and bronze ornaments that were to be highly praised and imitated in all of Europe. The most famous are Jean François Oeben, who created the work desk of king Louis XV in Versailles, Bernard II van Risamburgh and Jean Henri Riesener. Highly skilled artists, called the ciseleur doreurs, specialized in bronze ornaments for furniture and other pieces of decorative arts the most famous being Pierre Gouthière and Pierre Philippe Thomire. Talented silversmiths like Thomas Germain and his son François Thomas Germain created elaborate silverware services that were highly praised by the various royalties of Europe. Rooms in châteaux and hôtels particuliers were more intimate than during the reign of Louis XIV and were decorated with rocaille style boiseries (carved wood panels covering the walls of a room) conceived by architects like Germain Boffrand and Gilles Marie Oppenord or ornemanistes (designers of decorative objects) like Juste Aurèle Meissonnier. The most prominent architects of the first half of the century were, apart Boffrand, Robert de Cotte and Ange Jacques Gabriel, who designed public squares like the place de la Concorde in Paris and the place de la Bourse in Bordeaux in a style consciously inspired by that of the era of Louis XIV. During the first half of the century, France replaced Italy as the artistic centre and main artistic influence in Europe and many French artists worked in other courts across the continent. The latter half of the eighteenth century continued to see French preeminence in Europe, particularly through the arts and sciences, and the speaking the French language was expected for members of the European courts. The French academic system continued to produce artists, but some, such as Jean Honoré Fragonard and Jean Baptiste Siméon Chardin, explored new and increasingly impressionist styles of painting with thick brushwork. Although the hierarchy of genres continued to be respected officially, genre painting, landscape, portrait, and still life were extremely fashionable. Chardin and Jean Baptiste Oudry were hailed for their still lives although this was officially considered the lowest of all genres in the hierarchy of painting subjects. One also finds in this period a Pre romanticist aspect. Hubert Robert's images of ruins, inspired by Italian capriccio paintings, are typical in this respect as well as the image of storms and moonlight marines by Claude Joseph Vernet. So too the change from the rational and geometrical French garden of André Le Nôtre to the English garden, which emphasized artificially wild and irrational nature. One also finds in some of these gardens—curious ruins of temples—called "follies". The last half of the eighteenth century saw a turn to Neoclassicism in France, that is to say a conscious use of Greek and Roman forms and iconography. This movement was promoted by intellectuals like Diderot, in reaction to the artificiality and the decorative essence of the rocaille style. In painting, the greatest representative of this style is Jacques Louis David, who, mirroring the profiles of Greek vases, emphasized the use of the profile. His subject matter often involved classical history such as the death of Socrates and Brutus. The dignity and subject matter of his paintings were greatly inspired by the works of Nicolas Poussin from the seventeenth century. Poussin and David were in turn major influences on Jean Auguste Dominique Ingres. Other important neoclassical painters of the period are Jean Baptiste Greuze, Joseph Marie Vien and, in the portrait genre, Élisabeth Louise Vigée Le Brun. Neoclassicism also penetrated decorative arts and architecture. Architects like Ledoux and Boullée developed a radical style of neoclassical architecture based on simple and pure geometrical forms with a research of simetry and harmony, elaborating visionary projects like the complex of the Saltworks of Arc et Senans by Ledoux, a model of an ideal factory developed from the rational concepts of the Enlightment thinkers.

19 век

Французская революция и наполеоновские войны принесли значительные изменения в искусство Франции. Программа возвеличивания и создания мифов, сопровождавшая императора Наполеона I, тесно переплеталась с картинами Давида, Гро и Герена. Жан-Огюст Доминик Ингрес оставался главной фигурой неоклассицизма вплоть до 1850-х годов и был выдающимся педагогом, отдавая предпочтение рисунку перед цветом. Тем временем ориентализм, египетские мотивы, трагический антигерой, дикий пейзаж, исторический роман, сцены из Средневековья и Ренессанса – все эти элементы романтизма – создали яркую эпоху, не поддающуюся простой классификации. Самым значительным романтическим художником этого периода был Эжен Делакруа, пользовавшийся успехом у публики и являвшийся главным оппонентом Ингреса. До него Теодор Жерико проложил путь к романтизму своей монументальной картиной «Плот «Медузы», представленной на Салоне 1819 года. Камиль Коро стремился отойти от условной и идеализированной формы пейзажной живописи, находившейся под влиянием классицизма, чтобы стать более реалистичным и чутко улавливать атмосферные изменения. Романтические тенденции сохранялись на протяжении всего столетия, а семена реализма и идеализированного пейзажа были посеяны в романтизме. Творчество Густава Курбе и художников Барбизонской школы является их логическим развитием, как и символизм конца XIX века, представленный такими мастерами, как Густав Моро, профессор Анри Матисса и Жоржа Руо, а также Одилон Редон. Академическая живопись, развивавшаяся в Школе изящных искусств, пользовалась наибольшим успехом у публики и государства: высококвалифицированные художники, такие как Жан-Леон Жером, Уильям Бугеро и Александр Кабанель, создавали исторические полотна, вдохновленные античностью, следуя по стопам Ингреса и неоклассиков. Несмотря на критику со стороны молодых художников и критиков авангарда за их консерватизм, наиболее талантливые академики обновили исторический жанр, черпая вдохновение из различных культур и техник, таких как Восток и новые возможности композиции, открывшиеся благодаря изобретению фотографии.

The French Revolution and the Napoleonic wars brought great changes to the arts in France. The program of exaltation and myth making attendant to the Emperor Napoleon I of France was closely coordinated in the paintings of David, Gros and Guérin. Jean Auguste Dominique Ingres was the main figure of neoclassicism until the 1850s and a prominent teacher, giving priority to drawing over color. Meanwhile, Orientalism, Egyptian motifs, the tragic anti hero, the wild landscape, the historical novel, and scenes from the Middle Ages and the Renaissance—all these elements of Romanticism—created a vibrant period that defies easy classification. The most important romantic painter of the period was Eugène Delacroix, who had a successful public career and was the main opponent of Ingres. Before him, Théodore Géricault opened the path to romanticism with his monumental Raft of the Medusa exposed at the 1819 Salon. Camille Corot tried to escape the conventional and idealized form of landscape painting influenced by classicism to be more realist and sensible to atmospheric variations at the same time. Romantic tendencies continued throughout the century, both idealized landscape painting and Realism have their seeds in Romanticism. The work of Gustave Courbet and the Barbizon school are logical developments from it, as is the late nineteenth century Symbolism of such painters as Gustave Moreau, the professor of Henri Matisse and Georges Rouault, as well as Odilon Redon. Academic painting developed at the Ecole des Beaux Arts was the most successful with the public and the State : highly trained painters like Jean Léon Gérôme, William Bouguereau and Alexandre Cabanel painted historical scenes inspired by the antique, following the footsteps of Ingres and the neoclassics. Though criticized for their conventionalism by the young avant garde painters and critics, the most talented of the Academic painters renewed the historical genre, drawing inspiration from multiple cultures and techniques, like the Orient and the new framings made possible by the invention of photography

Для многих критиков Эдуард Мане запечатлел дух XIX века и современности (подобно тому, как Шарль Бодлер делал это в поэзии). Его переосмысление испанской живописи золотого века, готовность демонстрировать незакрашенный холст, исследование откровенной наготы и радикальная манера письма стали первыми шагами к импрессионизму. Импрессионизм развил идеи Барбизонской школы, окончательно отвергнув вычурность стиля, смешивание красок и использование черного цвета в пользу мимолетных световых эффектов, запечатленных на пленэре в меняющемся освещении (частично вдохновленных картинами Дж. М. В. Тернера и Эжена Будена). Это привело к появлению Клода Моне с его соборами и стогами сена, Пьера Огюста Ренуара с его ранними праздниками на открытом воздухе и более поздним, легким стилем румяных обнаженных фигур, Эдгара Дега с его танцовщицами и купальщицами. Среди других важных импрессионистов были Альфред Сислей, Камиль Писсарро и Густав Кайеботт. После преодоления этого рубежа следующие тридцать лет стали эпохой удивительных экспериментов. Винсент Ван Гог, родившийся в Нидерландах, но живший во Франции, открыл дорогу экспрессионизму. Жорж Сёра, вдохновленный теорией цвета, разработал пуантилистскую технику, которая определила эксперимент импрессионистов и была продолжена Полем Синьяком. Поль Сезанн, художник для художников, предпринял геометрическое исследование мира, которое осталось незамеченным многими его современниками. Поль Гоген, банкир по профессии, нашел символизм в Бретани вместе с Эмилем Бернаром, а затем экзотику и примитивизм во Французской Полинезии. Эти художники вошли в историю как постимпрессионисты. Движение «Наби», возникшее в 1890-х годах и объединившее таких художников, как Поль Серюзье, Пьер Боннар, Эдуар Вуйяр и Морис Дени, находилось под влиянием примера Гогена в Бретани: они исследовали декоративное искусство на плоских поверхностях, используя графический подход японской гравюры. Они проповедовали, что произведение искусства является конечным результатом и визуальным выражением синтеза природы художником в личных эстетических метафорах и символах. Анри Руссо, самоучка и начинающий почтальон, стал образцом для наивной революции.

For many critics Édouard Manet wrote of the nineteenth century and the modern period (much as Charles Baudelaire does in poetry). His rediscovery of Spanish painting from the golden age, his willingness to show the unpainted canvas, his exploration of the forthright nude, and his radical brush strokes are the first steps toward Impressionism. Impressionism would take the Barbizon school one step farther, rejecting once and for all a belabored style and the use of mixed colors and black, for fragile transitive effects of light as captured outdoors in changing light (partly inspired by the paintings of J. M. W. Turner and Eugène Boudin). It led to Claude Monet with his cathedrals and haystacks, Pierre Auguste Renoir with both his early outdoor festivals and his later feathery style of ruddy nudes, Edgar Degas with his dancers and bathers. Other important impressionists were Alfred Sisley, Camille Pissarro and Gustave Caillebotte. After that threshold was crossed, the next thirty years became a litany of amazing experiments. Vincent van Gogh, Dutch born, but living in France, opened the road to expressionism. Georges Seurat, influenced by color theory, devised a pointillist technique that governed the Impressionist experiment and was followed by Paul Signac. Paul Cézanne, a painter's painter, attempted a geometrical exploration of the world, that left many of his peers indifferent. Paul Gauguin, a banker, found symbolism in Brittany along Émile Bernard and then exoticism and primitivism in French Polynesia. These painters were referred to as Post Impressionists. Les Nabis, a movement of the 1890s, regrouping painters such as Paul Sérusier, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard and Maurice Denis, was influenced by Gauguin's example in Brittany: they explored a decorative art in flat plains with the graphic approach of a Japanese print. They preached that a work of art is the end product and the visual expression of an artist's synthesis of nature in personal aesthetic metaphors and symbols. Henri Rousseau, the self taught dabbling postmaster, became the model for the naïve revolution.

20 век

В первые годы двадцатого века доминировали эксперименты с цветом и содержанием, которые породили импрессионизм и постимпрессионизм. Влияние оказали также произведения искусства Дальнего Востока. Примерно в то же время, группа "Les Fauves" (Анри Матисс, Андре Деран, Морис де Вламинк, Альберт Марке, Рауль Дюфи, Отон Фриес, Шарль Камоэн, Анри Мангэн) взметнулась буйством красок, подобно немецкому экспрессионизму. Открытие Пабло Пикассо, испанца, жившего в Париже, африканских племенных масок привело его к созданию "Авиньонских девиц" 1907 года. Независимо друг от друга, Пикассо и Жорж Брак вернулись к и усовершенствовали способ Сезанна рационального осмысления объектов на плоской поверхности, их эксперименты в кубизме также привели к интеграции в их работы всех аспектов и предметов повседневной жизни – коллажей из газет, музыкальных инструментов, сигарет, вина и других объектов. Кубизм во всех своих проявлениях доминировал в живописи Европы и Америки в течение следующих десяти лет. (Более подробное обсуждение см. в статье о кубизме.) Первая мировая война не остановила динамичное развитие искусства во Франции. В 1916 году группа недовольных встретилась в цюрихском баре "Кабаре Вольтер" и совершила самый радикальный жест – создала антиискусство дадаизма. Параллельно, Франсис Пикабия и Марсель Дюшан исследовали схожие идеи. На художественной выставке в Нью-Йорке в 1917 году Дюшан представил белый фарфоровый писсуар ("Фонтан") с подписью Р. Мютта как произведение искусства, став основоположником реди-мейда. Когда дадаизм достиг Парижа, он был с энтузиазмом воспринят группой молодых художников и писателей, очарованных трудами Зигмунда Фрейда, особенно его концепцией бессознательного. Провокационный дух дадаизма был связан с исследованием бессознательного посредством автоматического письма, случайных операций и, в некоторых случаях, измененных состояний сознания. Сюрреалисты быстро обратились к живописи и скульптуре. Эффект неожиданных элементов, использование фроттажа, коллажа и декалькомании, изображение таинственных пейзажей и призрачных образов стали ключевыми приемами на протяжении 1930-х годов. Сразу после войны французская художественная сцена разделилась примерно на два направления. Одни продолжали художественные эксперименты, начатые до войны, особенно в сюрреализме, другие перешли к новому абстрактному экспрессионизму и живописи действия из Нью-Йорка, адаптируя их к французской манере с помощью ташизма или L'art informel. Параллельно с этими тенденциями, Жан Дюбуфет доминировал в первые послевоенные годы, исследуя детские рисунки, граффити и карикатуры в различных техниках.

The early years of the twentieth century were dominated by experiments in colour and content that Impressionism and Post Impressionism had unleashed. The products of the far east also brought new influences. At roughly the same time, Les Fauves (Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet, Raoul Dufy, Othon Friesz, Charles Camoin, Henri Manguin) exploded into color, much like German Expressionism. The discovery of African tribal masks by Pablo Picasso, a Spaniard living in Paris, lead him to create his Les Demoiselles d'Avignon of 1907. Working independently, Picasso and Georges Braque returned to and refined Cézanne's way of rationally comprehension of objects in a flat medium, their experiments in cubism also would lead them to integrate all aspects and objects of day to day life, collage of newspapers, musical instruments, cigarettes, wine, and other objects into their works. Cubism in all its phases would dominate paintings of Europe and America for the next ten years. (See the article on Cubism for a complete discussion.) World War I did not stop the dynamic creation of art in France. In 1916 a group of discontents met in a bar in Zurich, the Cabaret Voltaire, and created the most radical gesture possible, the anti art of Dada. At the same time, Francis Picabia and Marcel Duchamp were exploring similar notions. At a 1917 art show in New York, Duchamp presented a white porcelain urinal (Fountain) signed R. Mutt as work of art, becoming the father of the readymade. When Dada reached Paris, it was avidly embraced by a group of young artists and writers who were fascinated with the writings of Sigmund Freud, particularly by his notion of the unconscious mind. The provocative spirit of Dada became linked to the exploration of the unconscious mind through the use of automatic writing, chance operations, and, in some cases, altered states. The surrealists quickly turned to painting and sculpture. The shock of unexpected elements, the use of Frottage, collage, and decalcomania, the rendering of mysterious landscapes and dreamed images were to become the key techniques through the rest of the 1930s. Immediately after this war the French art scene diverged roughly in two directions. There were those who continued in the artistic experiments from before the war, especially surrealism, and others who adopted the new Abstract Expressionism and action painting from New York, executing them in a French manner using Tachism or L'art informel. Parallel to both of these tendencies, Jean Dubuffet dominated the early post war years while exploring childlike drawings, graffiti, and cartoons in a variety of media.