Афроамериканский танец: история и развитие

Введение

Тип танца

Афроамериканский танец – это форма танца, созданная африканцами в диаспоре, в особенности в Соединенных Штатах. Он развивался в различных местах внутри афроамериканских общин в США, а не в студиях, школах или танцевальных коллективах. Эти танцы обычно основаны на народной и социальной танцевальной практике, хотя сценический танец часто дополняет их. Высоко ценя импровизацию, эти танцы характеризуются непрерывными изменениями и развитием. Существует ряд известных афроамериканских современных танцевальных компаний, вдохновляющихся афроамериканским культурным танцем, среди них – Whitey's Lindy Hoppers, Американский танцевальный театр Элвина Эйли, Танцевальный театр Гарлема и компания Кэтрин Данэм. Голливуд и Бродвей также предоставили афроамериканским артистам возможность представить свои работы, а публике – поддержать их. Афроамериканский танец пережил множество периодов новаторства, особенно в XX веке. Гарлемский Ренессанс был особенно важным временем для этого вида искусства и оказал значительное влияние на современный танец. Танцы, созданные в странах Карибского бассейна, повлияли на танцы в Северной Америке и способствовали распространению антиколониальных и антирасистских идей посредством представлений.

Развитие во времена рабства

Большой Чесапик, охватывающий Вирджинию, Мэриленд и большую часть Северной Каролины, был самым ранним и, возможно, самым влиятельным местом культурного обмена между африканцами и европейцами, породившим "афроамериканский" танец. Учитывая их культурные различия, особенно в музыке и танце, они, вероятно, научились танцевать вместе, создавая совершенно новые танцы, которые опирались на их традиции, не копируя их точно. По всей Америке рабы смешивали племенные ритмы, унаследованные от Африки, с бальными ритмами, принятыми в США, чтобы создать самобытную афроамериканскую форму танца. Племенные ритмы часто происходили из Восточной и Западной Африки, а также испытывали влияние Тринидада. Танцевальные формы, основанные на принципе «вопрос-ответ», популярные среди современных афроамериканских танцоров, восходят к этим регионам. Небольшое количество сохранившихся изображений свидетельствует о том, что первоначальные африканские движения, характеризующиеся сгибанием в талии и бедрах, со временем уступили место более прямой, вертикальной манере, напоминающей европейские танцы. Однако было высказано предположение, что это изменение не было заимствованием европейского стиля, а скорее отражало африканскую практику ношения тяжелых грузов на голове, что требует прямого, вертикального позвоночника. Например, кек-вок возник на плантациях как завуалированная насмешка над формальными, чопорными танцами, которые практиковали белые рабовладельцы. В статье Брук Болдуин, опубликованной в 1981 году, делается вывод, что кек-вок был задуман как "пародия на конкурирующую культуру, которую представляли собой якобы "превосходящие" белые. Рабовладельцы могли преуменьшить его значение в своих умах, считая его простым представлением, предназначенным для их собственного развлечения". Черные рабы часто танцевали после дня сбора хлопка.

Район залива

Район залива Сан-Франциско также внес значительный вклад в искусство хип-хопа, как в музыкальном, так и в танцевальном плане. По мере того как хип-хоп набирал популярность в Нью-Йорке, на Западном побережье также процветало фанк-движение, и эти два направления оказали взаимное влияние на стиль друг друга. KMEL – это радиостанция в Сан-Франциско, пользовавшаяся большой популярностью в разных районах залива, и она транслировала музыку, выходящую за рамки мейнстрима. Станция была одной из первых, кто начал ставить хип-хоп, и помогла ему распространиться и завоевать популярность в большом городе. Хип-хоп танцы стали настолько важной частью жизни этих сообществ, что в разных районах сформировались свои уникальные стили и техники, и по манере танца можно было определить, откуда родом человек.

Протесты и активизм

Афроамериканский танец часто используется как средство борьбы с колониализмом и расовым превосходством. Эти выступления можно рассматривать как комментарий к обществу – как современному, так и прошлому. Зачастую танец используется для преодоления стереотипов, расширения прав и возможностей танцоров, освобождения от западных и евроцентричных стандартов красоты, а также для проработки поколенческой расовой травмы. Определение "Афроамериканский культурный танец" было предложено Фрэнком Р. Россом, автором и исследователем Национальной танцевальной ассоциации, который корректно заменил устаревшее, стереотипное определение "вернакулярный" (изначальный или естественный) афроамериканского танца на его точное определение как "культурный" (санкционированное Национальной танцевальной ассоциацией и Международным танцевальным советом). К популярным афроамериканским танцам современности относятся Детройтский бальный танец и социальные танцы – Чикаго Степпин и Волкинг, Д.С. Балтимор, Хэнд-данс, калипсо и санкционированный NAACP Великий марш – Национальный чернокожий свадебный и танцевальный фестиваль воссоединения. Популярные афроамериканские танцевальные организации: Gentlemen of Ballroom of Cleveland, Master Dancers of Akron, OH, Dance Fusion, World Class Detroit, Majestic Gents – Chicago Smooth & Easy D.C. Tri-State – Love to dance – Sugarfoot of Baltimore, MD. Новая американская форма танцевального искусства – афроамериканский культурный танец и музыка – была включена в учебную программу танцевального образования школ Нью-Йорка. Жакки Малоун описывает взаимоотношения между танцорами, выступавшими с музыкальными группами в начале XX века, и то, как танцоры сотрудничали с музыкантами для создания новых ритмов. Многое написано о связи между импровизацией в джазе и импровизацией в джазовом танце – обе формы связаны акцентом на импровизацию и творческое добавление элементов в композицию в процессе ее создания, хореографию и композицию на месте, в социальной обстановке, – в отличие от четкого разделения между "творением" и "исполнением", как это принято в европейском балете и оперной традиции. Считается, что африканский танец – это способ для человека установить связь с землей, рассказать свою историю и о своих трудностях посредством танца. Он также позволяет ощутить вибрации танца под ногами, танцевать так, как подсказывает сердце, используя доступное пространство для свободного самовыражения. Важно также говорить о взаимосвязи между диджеями, MC, b-boys и b-girls, а также художниками граффити в культуре хип-хопа. Джон Ф. Швед и Мортон Маркс обсуждали развитие джаза и джазового танца в Америке, начиная с европейских постановочных танцев и танцевальных сюит, в связи с развитием музыкального мастерства. Перл Примус (1919–1994), родившаяся в Тринидаде, использовала африканские и карибские танцы для создания сильных драматических постановок, отличающихся высокими прыжками. Она часто основывала свои танцы на произведениях чернокожих писателей и на проблемах расовой дискриминации, таких как "Негр говорит о реках" Лэнгстона Хьюза (1944) и "Странные плоды" Льюиса Аллана (1945). Ее танцевальная компания превратилась в Институт танцевального языка Перл Примус. Элвин Эйли (1931–1989) учился у Лестера Хортона, Беллы Левицки, а затем у Марты Грэм. Он несколько лет работал как в концертном, так и в театральном танце. В 1958 году Эйли и группа молодых афроамериканских танцоров выступили в качестве Американского танцевального театра Элвина Эйли в Нью-Йорке. Он черпал вдохновение в своих "воспоминаниях о крови", в блюзе, духовных песнях и госпеле. Его самая известная и получившая признание критиков работа – "Откровения" (1960). Элео Помаре (1937–2008) родился в Колумбии, но в детстве переехал в Нью-Йорк и позже основал танцевальную компанию Элео Помаре. Вместе с Кэрол Джонсон, Родом Роджерсом, Гасом Соломоном и Перл Рейнольдс он стал соучредителем Ассоциации черных хореографов, которая стала предшественницей Модерн Организации для развития танца (MODE). Его работа оказала глубокое влияние на многих танцоров и хореографов, в том числе на коренных австралийцев. Кэрол Джонсон (родилась в 1940 году) танцевала в компании Помаре, внесла вклад в определение "Черного танца" и оставила значительное наследие в Австралии в виде Танцевального колледжа NAISDA и Танцевального театра Bangarra.

African American dance is often used as a way to combat colonialism and white supremacy. These performances can be seen as a commentary on society at present, or in the past. Oftentimes, dance is used in a way to combat stereotypes, empower the dancers by breaking free of western and Eurocentric beauty standards, and help them work through generational racial trauma. "African American Cultural Dance" was a description coined by National Dance Association author and researcher Frank R. Ross, who correctly replaced the old stereotyped "vernacular" (native or natural) definition of African American dance with its correct definition as "cultural" (sanctioned by the National Dance Association and International Dance Council). Some of the popular African American dances of today are the Detroit Ballroom and Social – Chicago Steppin & Walking, D. C. Baltimore, Hand Dance, Calypso & The NAACP Sanctioned Grand March – National Black Wedding & Reunion Dance. Popular black dance organizations are perfectly paired Gentlemen of Ballroom of Cleveland Master Dancers of Akron, OH. Dance Fusion, World Class Detroit, Majestic Gents – Chicago Smooth & Easy D. C. Tri – State – Love to dance – Sugarfoot of Baltimore, MD. The new American dance art form of African American cultural dance and music was accepted into the New York City Schools dance education curriculum. Jacqui Malone describes the relationships between tap dancers who traveled with bands in the early 20th century, describing the way tap dancers worked with the musicians to create new rhythms. Much has been written about the relationship between improvisation in jazz and improvisation in jazz dance – the two are linked by their emphasis on improvisation and creative additions to compositions while they are in process – choreography and composition on the spot, in a social context – rather than a strict division between "creation" and "performance", as in the European middle class ballet and operatic tradition. African Dance is supposed to be about a person getting connected to the ground and telling their story and struggles using dance. It also allows people to feel the vibrations of their dance beneath their feet, allowing them to dance how they please, utilizing the space that they have so they can express themselves freely. It is equally important to talk about the relationship between DJs MCs, b boys and b girls and graffiti artists in hip hop culture, and John F. Szwed and Morton Marks have discussed the development of jazz and jazz dance in America from European set dances and dance suites in relation to the development of musical artisanship. Pearl Primus (1919–1994), born in Trinidad, drew on African and Caribbean dances to create strong dramatic works characterized by large leaps. She often based her dances on the work of black writers and on racial issues, such as Langston Hughes's 1944 The Negro Speaks of Rivers, and Lewis Allan's 1945 Strange Fruit (1945). Her dance company developed into the Pearl Primus Dance Language Institute. Alvin Ailey (1931–1989) studied under Lester Horton, Bella Lewitzky, and later Martha Graham. He spent several years working in both concert and theater dance. In 1958, Ailey and a group of young African American dancers performed as the Alvin Ailey American Dance Theater in New York. He drew upon his "blood memories" of Texas, the blues, spirituals and gospel as inspiration. His most popular and critically acclaimed work is Revelations (1960). Eleo Pomare (1937–2008) was born in Colombia, but moved to New York as a child, and later founded the Eleo Pomare Dance Company. With Carole Johnson, Rod Rodgers, Gus Solomon and Pearl Reynolds, he co founded the Association of Black Choreographers, which was the predecessor to the Modern Organization for Dance Evolvement, or MODE. His work had a profound impact on many dancers and choreographers, including Indigenous Australians. Carole Johnson (born 1940) danced with Pomare's company, contributed to the definition of "Black Dance", and leaves a huge legacy in Australia in the form of the NAISDA Dance College and Bangarra Dance Theatre.