Комическая опера: история и развитие жанра

Введение

Песенная драма легкого или комедийного характера – это музыкальный жанр.

Комическая опера, иногда называемая легкой оперой, – это спектаклю драматического рода легкого или комического содержания, обычно с счастливым финалом и часто включающим разговорные диалоги. Формы комической оперы впервые возникли в Италии в конце XVII века. К 1730-м годам, как альтернатива опере-сериа, появился новый оперный жанр – опера-буффа. Она быстро распространилась во Францию, где стала опереттой комик, а затем, в следующем веке, – французской опереттой, наиболее ярким представителем которой был Жак Оффенбах. Влияние итальянских и французских форм распространилось по другим частям Европы. Многие страны разработали собственные жанры комической оперы, сочетая итальянские и французские модели со своими музыкальными традициями. Примеры включают немецкий зингшпиль, венскую оперетту, испанскую сарсуэлу, русскую комическую оперу, английскую балладную оперу и савойскую оперу, североамериканскую оперетту и музыкальную комедию.

Итальянская опера буффа

В конце XVII века в Италии легкие музыкальные пьесы стали предлагаться как альтернатива более серьезной опере се́риа (итальянская опера XVII века, основанная на классической мифологии). «Il Trespolo tutore» (1679) Алессандро Страделлы был ранним предшественником оперы бу́ффа. В опере фарсический сюжет, а персонажи смешного опекуна Тресполо и горничной Деспины – прототипы героев, широко использовавшихся позднее в жанре оперы бу́ффа. Жанр начал процветать в Неаполе с «Il trionfo dell'onore» (1718) Алессандро Скарлатти. Первоначально написанные на неаполитанском диалекте, эти произведения стали «итальянизироваться» с операми Скарлатти, Перголези («La serva padrona», 1733), Галуппи («Il filosofo di campagna», 1754), Пиччини («La Cecchina», 1760), Паизиелло («Nina», 1789), Чимароза («Il matrimonio segreto», 1792), а затем с великими комическими операми Моцарта, а позже Россини и Доницетти. Поначалу комические оперы обычно представлялись как интерме́цци между действиями более серьезных произведений. Неаполитанская, а затем итальянская комедийная опера выросла в самостоятельный жанр и стала самой популярной формой сценического искусства в Италии примерно с 1750 по 1800 год. В 1749 году, спустя тринадцать лет после смерти Перголези, его «La serva padrona» захлестнула Италию и Францию, вызвав восхищение таких деятелей французского Просвещения, как Руссо. В 1760 году Никколо Пиччини написал музыку к «La Cecchina» на текст великого венецианского драматурга Карло Гольдони. Этот текст был основан на популярном английском романе Сэмюэля Ричардсона «Памела, или Добродетель вознаграждена» (1740). Много лет спустя Верди назвал «La Cecchina» «первой настоящей итальянской комической оперой», – то есть, в ней было всё: она написана на стандартном итальянском языке, а не на диалекте; это уже не просто интерме́ццо, а самостоятельное произведение; у неё реальный сюжет, который нравился публике; в ней есть драматическое разнообразие; и, с музыкальной точки зрения, сильные мелодии и даже выразительное оркестровое сопровождение, включая яркую увертюру, которую можно слушать как самостоятельное оркестровое произведение. Верди также был воодушевлен тем, что музыку написал южный итальянец, а текст – северянин, что соответствовало его панъитальянскому видению. Жанр получил дальнейшее развитие в первой половине XIX века благодаря Джоахино Россини в таких произведениях, как «Севильский цирюльник» (1816) и «La Cenerentola» (1817), и Гаэтано Доницетти в «L'elisir d'amore» (1832) и «Don Pasquale» (1843), но пришел в упадок в середине XIX века, несмотря на постановку «Фальстафа» Джузеппе Верди в 1893 году.

In late 17th century Italy, light hearted musical plays began to be offered as an alternative to weightier opera seria (17th century Italian opera based on classical mythology). Il Trespolo tutore (1679) by Alessandro Stradella was an early precursor of opera buffa. The opera has a farcical plot, and the characters of the ridiculous guardian Trespolo and the maid Despina are prototypes of characters widely used later in the opera buffa genre. The form began to flourish in Naples with Alessandro Scarlatti's Il trionfo dell'onore (1718). At first written in Neapolitan dialect, these works became "Italianized" with the operas of Scarlatti, Pergolesi (La serva padrona, 1733), Galuppi (Il filosofo di campagna, 1754), Piccinni (La Cecchina, 1760), Paisiello (Nina, 1789), Cimarosa (Il matrimonio segreto, 1792), and then the great comic operas of Mozart and, later, Rossini and Donizetti. At first, comic operas were generally presented as intermezzi between acts of more serious works. Neapolitan and then Italian comic opera grew into an independent form and became the most popular form of staged entertainment in Italy from about 1750 to 1800. In 1749, thirteen years after Pergolesi's death, his La serva padrona swept Italy and France, evoking the praise of such French Enlightenment figures as Rousseau. In 1760, Niccolò Piccinni wrote the music to La Cecchina to a text by the great Venetian playwright, Carlo Goldoni. That text was based on Samuel Richardson's popular English novel, Pamela, or Virtue Rewarded (1740). Many years later, Verdi called La Cecchina the "first true Italian comic opera" – that is to say, it had everything: it was in standard Italian and not in dialect; it was no longer simply an intermezzo, but rather an independent piece; it had a real story that people liked; it had dramatic variety; and, musically, it had strong melodies and even strong supporting orchestral parts, including a strong "stand alone" overture (i. e., you could even enjoy the overture as an independent orchestral piece). Verdi was also enthusiastic because the music was by a southern Italian and the text by a northerner, which appealed to Verdi's pan Italian vision. The genre was developed further in the first half of the 19th century by Gioachino Rossini in his works such as The Barber of Seville (1816) and La Cenerentola (1817) and by Gaetano Donizetti in L'elisir d'amore (1832) and Don Pasquale (1843), but declined in the mid 19th century, despite Giuseppe Verdi's Falstaff staged in 1893.

Французская оперу-комик и оперетта

Французские композиторы с энтузиазмом переняли итальянский образец и сделали его своим, назвав его оперой-комик. Среди первых приверженцев были итальянец Эгидио Дюни, Франсуа Андре Филидор, Пьер Александр Монсиньи, Андре Гретри, Франсуа Адриен Буальдье, Даниэль Франсуа Обер и Адольф Адам. Хотя изначально этот термин предназначался для менее серьезных произведений, «opéra comique» стал обозначать любую оперу, включающую в себя разговорные диалоги, в том числе такие произведения, как «Медея» Керубини и «Кармен» Бизе, которые ни в коем случае нельзя назвать «комическими». Флоримон Эрве считается изобретателем французской оперы-буфф, или оперетты. Работая по той же модели, Жак Оффенбах быстро превзошел его, написав более девяноста оперетт. Если в ранних французских комических операх сочетались сентиментальность и юмор, то произведения Оффенбаха были задуманы исключительно для развлечения. Несмотря на то, что они обычно хорошо проработаны и полны юмористической сатиры и пародий на грандиозную оперу, сюжеты и персонажи в его произведениях часто были взаимозаменяемы. Учитывая бешеный темп работы, Оффенбах иногда использовал один и тот же материал в нескольких операх. Еще одним французским композитором, обратившимся к этому жанру, был Шарль Лекок.

Немецкий сингшпиль и венская оперетта

Сингшпиль возник в Вене в XVIII веке и распространился по Австрии и Германии. Подобно французской опере-комик, сингшпиль представлял собой оперу с разговорными диалогами и, как правило, комедийным сюжетом, например, «Похищение из сераля» Моцарта (1782) и «Волшебная флейта» (1791). Более поздние сингшпили, такие как «Фиделио» Бетховена (1805) и «Вольный стрелок» Вебера (1821), сохранили эту форму, но обращались к более серьёзным темам. Венская оперетта XIX века формировалась как на основе сингшпиля, так и французской модели. Франца фон Суппе в основном помнят по его увертюрам. Иоганн Штраус II, «король вальсов», создал «Летучую мышь» (1874) и «Цыганского барона» (1885). Карл Миллёкер, долгое время дирижёр театра «Ан дер Вин», также сочинил некоторые из самых популярных венских оперетт конца XIX века, включая «Бедного студента» (1882), «Гаспароне» (1884) и «Бедного Джонатана» (1890). После начала XX века Франц Легар написал «Весёлую вдову» (1905); Оскар Штраус поставил «Эйн Вальцертраум» («Сон о вальсе», 1907) и «Шоколадного солдата» (1908); а Эммерих Кальман сочинил «Кардашскую принцессу» (1915).

Испанская сарсуэла

Зарсуэла, представленная в Испании в XVII веке, уходит корнями в популярный испанский традиционный музыкальный театр. Она чередует разговорные и музыкальные сцены, последние включают танцы, хоровые номера и юмористические сцены, обычно в форме дуэтов. Эти произведения относительно короткие, а цены на билеты часто были низкими, чтобы привлечь широкую публику. Существует две основные формы сарсуэлы: барочная сарсуэла (ок. 1630–1750) – самый ранний стиль, и романтическая сарсуэла (ок. 1850–1950), которая, в свою очередь, подразделяется на два поджанра: género grande и género chico. Педро Кальдерон де ла Барка первым использовал термин «зарсуэла» для своего произведения «Голф сирен» (El golfo de las sirenas, 1657). Вскоре Лопе де Вега написал произведение под названием «La selva sin amor, drama con orquesta» («Безлюдный лес, драма с оркестром»). Оркестр был скрыт от зрителей, актеры пели в гармонии, а музыкальная композиция должна была вызывать эмоциональный отклик. Некоторые из этих ранних произведений были утеряны, но «Los celos hacen estrellas» («Ревность превращает в звезды») Хуана Идальго и Хуана Велеса, премьера которой состоялась в 1672 году, сохранилась и дает представление о том, каким был жанр в XVII веке. В XVIII веке итальянский оперный стиль оказал влияние на сарсуэлу. Однако, начиная с правления короля Бурбонов Карла III, антиитальянские настроения усилились. Зарсуэла вернулась к своим корням в популярной испанской традиции в таких произведениях, как саинеты (или Entr'actes) Дона Рамона де ла Круса. Первой работой этого автора в этом жанре была «Las segadoras de Vallecas» («Жнецы из Вальекаса», 1768) с музыкой Родригеса де Ита. Одноактные сарсуэлы классифицировались как género chico («малый жанр» или «малая форма»), а сарсуэлы в трех и более актах – как género grande («большой жанр» или «большая форма»). Zarzuela grande пыталась удержаться на плаву в театре «Театро де ла Сарсуэла» в Мадриде, но без особого успеха и при низкой посещаемости. Несмотря на это, в 1873 году был открыт новый театр «Театро Аполо» для zarzuela grande, который разделил неудачи «Театро де ла Сарсуэла», пока не был вынужден изменить репертуар на género chico.

Zarzuela, introduced in Spain in the 17th century, is rooted in popular Spanish traditional musical theatre. It alternates between spoken and sung scenes, the latter incorporating dances, with chorus numbers and humorous scenes that are usually duets. These works are relatively short, and ticket prices were often low, to appeal to the general public. There are two main forms of zarzuela: Baroque zarzuela (c. 1630–1750), the earliest style, and Romantic zarzuela (c. 1850–1950), which can be further divided into the two subgenres of género grande and género chico. Pedro Calderón de la Barca was the first playwright to adopt the term zarzuela for his work entitled El golfo de las sirenas ("The Gulf of the Sirens", 1657). Lope de Vega soon wrote a work titled La selva sin amor, drama con orquesta ("The Loveless Jungle, A Drama with Orchestra"). The instruments orchestra was hidden from the audience, the actors sang in harmony, and the musical composition itself was intended to evoke an emotional response. Some of these early pieces were lost, but Los celos hacen estrellas ("Jealousies Turn Into Stars") by Juan Hidalgo and Juan Vélez, which premiered in 1672, survives and gives us some sense of what the genre was like in the 17th century. In the 18th century, the Italian operatic style influenced zarzuela. But beginning with the reign of Bourbon King Charles III, anti Italian sentiment increased. Zarzuela returned to its roots in popular Spanish tradition in works such as the sainetes (or Entr'actes) of Don Ramón de la Cruz. This author's first work in this genre was Las segadoras de Vallecas ("The Reapers of Vallecas", 1768), with music by Rodríguez de Hita. Single act zarzuelas were classified as género chico (the "little genre" or "little form") and zarzuelas of three or more acts were género grande (the "big genre" or "big form"). Zarzuela grande battled on at the Teatro de la Zarzuela de Madrid, but with little success and light attendance. In spite of this, in 1873 a new theater, the Teatro Apolo, was opened for zarzuela grande, which shared the failures of the Teatro de la Zarzuela, until it was forced to change its program to género chico.

Русская комедийная опера

Первой оперой, представленной в России в 1731 году, была комедийная опера (или "commedia per musica") «Каландро» итальянского композитора Джованни Альберто Ристори. За ней последовали комические оперы других итальянцев, таких как Галуппи, Паизиелло и Симароза, а также бельгийско-французского композитора Гретри. Первой русской комической оперой была «Анюта» (1772). Текст был написан Михаилом Поповым, с музыкой неизвестного композитора, состоящей из подборки популярных песен, указанных в либретто. Еще одна успешная комедийная опера – «Мельник, который был волшебником, обманщиком и сватовщиком», текст Александра Аблесимова (1779), на сюжет, напоминающий «Девина» Руссо, приписывается Михаилу Соколовскому. Иван Керзелли, Василий Пашкевич и Евстигней Фомин также написали ряд успешных комических опер в XVIII веке. В XIX веке русская комическая опера была развита Алексеем Верстовским, который сочинил более 30 оперных водевилей и 6 грандиозных опер (большинство из них с разговорным диалогом). Позже Модест Мусоргский работал над двумя комическими операми – «Ярмарка в Сорочинцах» и «Женитьба», которые он оставил незавершенными (они были завершены только в XX веке). Петр Чайковский написал комическую оперу «Черевички» (1885). Николай Римский-Корсаков сочинил «Майскую ночь» (1878–1879) и «Золотого петушка» (1906–1907). В XX веке лучшими примерами комической оперы русских композиторов были «Мавра» (1922) и «The Rake's Progress» (1951) Игоря Стравинского, «Любовь к трем апельсинам» (1919) и «Betrothal in a Monastery» (1940–1941, поставлена в 1946 году) Сергея Прокофьева и «Нос» Дмитрия Шостаковича (1927–1928, поставлена в 1930 году). Одновременно развивались жанры легкой музыки, оперетты, музыкальной комедии, а позже и рок-оперы, благодаря таким композиторам, как Исаак Дунаевский, Дмитрий Кабалевский, Дмитрий Шостакович (Opus 105: «Москва, Черемушки», оперетта в 3 актах, (1958)), Тихон Хренников, а позднее Геннадий Гладков, Алексей Рыбников и Александр Журбин. XXI век в русской комедийной опере начался с шумных премьер двух произведений, жанр которых можно было бы описать как «оперный фарс»: «Царь Демьян» – «Ужасное оперное представление». Произведение было создано коллективом из пяти авторов: Леонида Десятникова и Вячеслава Гайворонского из Санкт-Петербурга, Ираиды Юсуповой и Владимира Николаева из Москвы, а также творческого коллектива «Композитор», который является псевдонимом известного музыкального критика Петра Поспелова. Либретто написано Еленой Поленовой по мотивам народной драмы «Царь Максимилиан», премьера состоялась 20 июня 2001 года в Мариинском театре Санкт-Петербурга. Премия «Золотая маска, 2002» и «Золотой софит, 2002». «Дети Розенталя» – опера в двух действиях Леонида Десятникова с либретто Владимира Сорокина. Эта работа была заказана Большим театром и премьера состоялась 23 марта 2005 года. Постановка оперы сопровождалась громким скандалом, однако имела огромный успех.

The first opera presented in Russia, in 1731, was a comic opera (or "commedia per musica"), Calandro, by an Italian composer, Giovanni Alberto Ristori. It was followed by the comic operas of other Italians, like Galuppi, Paisiello and Cimarosa, and also Belgian/French composer Grétry. The first Russian comic opera was Anyuta (1772). The text was written by Mikhail Popov, with music by an unknown composer, consisting of a selection of popular songs specified in the libretto. Another successful comic opera, The miller who was a wizard, a cheat and a matchmaker, text by Alexander Ablesimov (1779), on a subject resembling Rousseau's Devin, is attributed to Mikhail Sokolovsky. Ivan Kerzelli, Vasily Pashkevich and Yevstigney Fomin also wrote a series of successful comic operas in the 18th century. In the 19th century, Russian comic opera was further developed by Alexey Verstovsky who composed more 30 opera vaudevilles and 6 grand operas (most of them with spoken dialogue). Later, Modest Mussorgsky worked on two comic operas, The Fair at Sorochyntsi and Zhenitba ("The Marriage"), which he left unfinished (they were completed only in the 20th century). Pyotr Tchaikovsky wrote a comic opera, Cherevichki (1885). Nikolai Rimsky Korsakov composed May Night 1878–1879 and The Golden Cockerel 1906–1907. In the 20th century, the best examples of comic opera by Russian composers were Igor Stravinsky's Mavra (1922) and The Rake's Progress (1951), Sergey Prokofiev's The Love for Three Oranges (1919) and Betrothal in a Monastery (1940–1941, staged 1946), and Dmitri Shostakovich's The Nose (1927–1928, staged 1930). Simultaneously, the genres of light music, operetta, musical comedy, and later, rock opera, were developed by such composers as Isaak Dunayevsky, Dmitri Kabalevsky, Dmitri Shostakovich (Opus 105: Moscow, Cheryomushki, operetta in 3 acts, (1958)), Tikhon Khrennikov, and later by Gennady Gladkov, Alexey Rybnikov and Alexander Zhurbin. The 21st century in Russian comic opera began with the noisy premieres of two works whose genre could be described as "opera farce": Tsar Demyan (Царь Демьян) – A frightful opera performance. A collective project of five authors wrote the work: Leonid Desyatnikov and Vyacheslav Gaivoronsky from St. Petersburg, Iraida Yusupova and Vladimir Nikolayev from Moscow, and the creative collective "Kompozitor", which is a pseudonym for the well known music critic Pyotr Pospelov. The libretto is by Elena Polenova, based on a folk drama, Tsar Maksimilyan, and the work premiered on June 20, 2001, at the Mariinski Theatre, St Petersburg. Prize "Gold Mask, 2002" and "Gold Soffit, 2002". The Children of Rosenthal (Дети Розенталя), an opera in two acts by Leonid Desyatnikov, with a libretto by Vladimir Sorokin. This work was commissioned by the Bolshoi theatre and premiered on March 23, 2005. The staging of the opera was accompanied by juicy scandal; however it was an enormous success.

Английская баллада и савойская опера

В Англии традиция легкой оперы восходит к баладной опере – обычно комической пьесе, включавшей песни на популярные мелодии. «Нищий» Джона Гэя был самой ранней и самой популярной из них. «The Duenna» Ричарда Бринсли Шеридана (1775) с музыкой Томаса Линли, была прямо названа «комической оперой». Ко второй половине XIX века лондонская музыкальная сцена была захвачена пантомимой и музыкальным бурлеском, а также непристойными, плохо переведенными континентальными опереттами, часто включавшими «балеты», вызывавшие большой интерес, и посещение театра стало неприятным для респектабельной публики, особенно женщин и детей. Начиная с 1855 года, мистер и миссис Томас Герман Рид и другие британцы осуждали разгульный характер музыкального театра и представляли короткие комические оперы, призванные быть более семейными и повысить интеллектуальный уровень музыкальных представлений. Джесси Бонд писала:

«Сцена находилась в упадке, елизаветинское величие и георгианская искусственность безвозвратно ушли в прошлое, а заносчивая трагедия и вульгарный фарс – это все, что было предложено зрителю, и театр стал местом дурной славы для добропорядочного британского домовладельца». Первые попытки преодолеть этот разрыв были предприняты труппой German Reed Entertainers. Тем не менее, постановка в 1867 году «Великой герцогини Герольштейн» Оффенбаха (через семь месяцев после французской премьеры) пробудила английский интерес к легким операм с более продуманными либретто и партитурами, и континентальные европейские оперетты оставались чрезвычайно популярными в Великобритании в 1860-х и 1870-х годах, включая «Колокола Корневиля», «Мадам Фаварт» и другие, до 1880-х годов, часто адаптированные Х. Б. Фарни и Робертом Рисом. Гилберту и Салливану было поручено написать новую комическую оперу «Волшебник», положив начало серии, известной как Савойские оперы (названной в честь театра Савой, который Карте позже построил для этих постановок), в которую вошли «Х.М.С. Пинафор», «Пираты Пензанса» и «Микадо», получившие популярность во всем мире. Оперная компания D’Oyly Carte продолжала ставить оперы Гилберта и Салливана почти непрерывно до своего закрытия в 1982 году. Стиль Гилберта и Салливана широко имитировался их современниками (например, в «Дороти»), а сами авторы создавали произведения в этом стиле с другими соавторами в 1890-х годах. Однако ни одно из них не получило устойчивой популярности, оставив Савойские оперы практически единственными представителями жанра, сохранившимися до наших дней. Лишь недавно некоторые из этих других английских легких опер начали изучаться исследователями и получать сценическое воплощение и записи.

Североамериканская оперетта и музыкальная комедия

В Соединенных Штатах Виктор Герберт был одним из первых, кто перенял семейный стиль легкой оперы, популяризированный Гилбертом и Салливаном, хотя его музыка также находилась под влиянием европейских композиторов оперетты. Его самые ранние произведения, начиная с «Принца Анании» в 1894 году, именовались «комическими операми», но более поздние работы описывались как «музыкальная экстраваганца», «музыкальная комедия», «музыкальная пьеса», «музыкальный фарс» и даже «опера комик». Двумя его наиболее успешными произведениями из более чем полудюжины хитов были «Babes in Toyland» (1903) и «Naughty Marietta» (1910). Среди других композиторов, работавших в подобном ключе, были Реджинальд де Ковен, Джон Филипп Суза, Зигмунд Ромберг и Рудольф Фримль. Современный американский мюзикл впитал элементы британской и американской легкой оперы, что проявилось в таких работах, как «Show Boat» и «West Side Story», которые затрагивали более серьезные темы и отличались тесной взаимосвязью между либретто, хореографией и текстами песен. В Канаде Оскар Фердинанд Тельгман и Джордж Фредерик Кэмерон сочиняли в стиле легкой оперы Гилберта и Салливана. «Лео, королевский кадет» был впервые поставлен 11 июля 1889 года в оперном театре Мартина в Кингстоне, Онтарио. Провести четкую границу между легкой оперой и другими современными формами сложно. Некоторые произведения называют опереттами или мюзиклами, например, «Кандид» и «Суини Тодд», в зависимости от того, исполняются ли они в оперных театрах или драматических. Кроме того, некоторые современные американские и британские мюзиклы используют оперную структуру, например, содержат повторяющиеся мотивы и могут даже быть поставлены без диалогов. Произведения с оркестровым сопровождением обычно называют «мюзиклами», а исполняемые на электронных инструментах – рок-операми.