Живопись цветовых полей: Абстрактное искусство 1940-х – 1960-х годов.

Введение

Художественное направление
стиль абстрактной живописи

Цветовая живопись – это стиль абстрактной живописи, возникший в Нью-Йорке в 1940-х и 1950-х годах. Он был вдохновлён европейским модернизмом и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом, при этом многие его выдающиеся ранние приверженцы были среди пионеров абстрактного экспрессионизма. Цветовая живопись характеризуется прежде всего большими областями плотного, однородного цвета, нанесёнными на холст широкими мазками или пропитанными им, создающими участки непрерывной поверхности и плоскую плоскость изображения. Это направление уделяет меньше внимания жестам, мазкам кисти и динамике, отдавая предпочтение общей согласованности формы и процесса. В цветовой живописи «цвет освобождается от объективного контекста и становится самоценным предметом». В конце 1950-х и 1960-х годах художники, работающие в стиле цветовой живописи, появились в различных регионах Соединённого Королевства, Канады, Австралии и Соединённых Штатов, особенно в Нью-Йорке, Вашингтоне (округ Колумбия) и других местах, используя такие формы, как полосы, мишени, простые геометрические узоры, а также отсылки к пейзажам и природе.

Обзор

Цветовая живопись связана с пост-живописной абстракцией, супрематизмом, абстрактным экспрессионизмом, живописью с четкими контурами и лирической абстракцией. Изначально этот термин относился к определенному типу абстрактного экспрессионизма, особенно к работам Марка Ротко, Клайффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Матервелла, Адольфа Готтлиба и ряду серий картин Джоан Миро. Художественный критик Клемент Гринберг рассматривал цветовую живопись как родственную, но отличную от живописи действия. Важным отличием, выделявшим цветовую живопись из абстрактного экспрессионизма, была техника нанесения краски. Применение краски – это фундаментальный, основополагающий метод живописи, и художники цветового поля совершили революцию в способах ее эффективного использования. Цветовая живопись стремилась освободить искусство от излишней риторики. Художники, такие как Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Клайффорд Стилл, Адольф Готлиб, Моррис Луис, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Фридель Дзубас, Фрэнк Стелла и другие, часто использовали значительно уменьшенные форматы, упрощая рисунок до повторяющихся и упорядоченных систем, базовых отсылок к природе и тонкого, психологически насыщенного использования цвета. В целом, эти художники отказались от явных узнаваемых образов в пользу абстракции. Некоторые художники цитировали отсылки к искусству прошлого или настоящего, но в целом цветовая живопись представляет абстракцию как самоцель. Стремясь к этому направлению в современном искусстве, эти художники стремились представить каждую картину как единое, цельное, монолитное изображение, часто в сериях связанных между собой работ. В отличие от эмоциональной энергии, жестикуляции, поверхностных мазков и техники нанесения краски абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, цветовая живопись изначально казалась холодной и сдержанной. Художники цветового поля стирают индивидуальные мазки, отдавая предпочтение большим, плоским областям цвета, окрашенным и пропитанным краской, которые считаются сущностью визуальной абстракции наряду с фактической формой холста, которую Фрэнк Стелла, в частности, достигал необычными способами, сочетая изогнутые и прямые края. Однако цветовая живопись оказалась одновременно чувственной и глубоко выразительной, хотя и иным способом, чем жестикуляционный абстрактный экспрессионизм. Отрицая связь с абстрактным экспрессионизмом или любым другим художественным течением, Марк Ротко четко высказался о своих картинах в 1956 году:
"Я не абстракционист. Меня не интересуют отношения цвета, формы или чего-либо еще. Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, обреченности и так далее — и тот факт, что многие люди расплачиваются слезами, когда сталкиваются с моими картинами, показывает, что я передаю эти основные человеческие эмоции. Люди, которые плачут перед моими картинами, переживают тот же религиозный опыт, что и я, когда их писал. И если, как вы говорите, вас трогает только их цветовое взаимодействие, то вы упускаете суть!"

Color field painting is related to post painterly abstraction, suprematism, abstract expressionism, hard edge painting and lyrical abstraction. It initially referred to a particular type of abstract expressionism, especially the work of Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb and several series of paintings by Joan Miró. Art critic Clement Greenberg perceived color field painting as related to but different from action painting. An important distinction that made color field painting different from abstract expression was the paint handling. The most basic fundamental defining technique of painting is application of paint and the color field painters revolutionized the way paint could be effectively applied. Color field painting sought to rid art of superfluous rhetoric. Artists like Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas, and Frank Stella, and others often used greatly reduced formats, with drawing essentially simplified to repetitive and regulated systems, basic references to nature, and a highly articulated and psychological use of color. In general these artists eliminated overt recognizable imagery in favor of abstraction. Certain artists quoted references to past or present art, but in general color field painting presents abstraction as an end in itself. In pursuing this direction of modern art, these artists wanted to present each painting as one unified, cohesive, monolithic image often within series' of related types. In distinction to the emotional energy and gestural surface marks and paint handling of abstract expressionists such as Jackson Pollock and Willem de Kooning, color field painting initially appeared to be cool and austere. Color field painters efface the individual mark in favor of large, flat, stained and soaked areas of color, considered to be the essential nature of visual abstraction along with the actual shape of the canvas, which Frank Stella in particular achieved in unusual ways with combinations of curved and straight edges. However, color field painting has proven to be both sensual and deeply expressive albeit in a different way from gestural abstract expressionism. Denying connection to abstract expressionism or any other Art Movement Mark Rothko spoke clearly about his paintings in 1956:
I am not an abstractionist I am not interested in the relationship of color or form or anything else. I'm interested only in expressing basic human emotions — tragedy, ecstasy, doom and so on — and the fact that a lot of people break down and cry when confronted with my pictures show that I communicate those basic human emotions. The people who weep before my pictures are having the same religious experience I had when I painted them. And if you, as you say, are moved only by their color relationships, then you miss the point!

Краска в распылении

Немногие художники использовали технику распыления для создания больших цветовых плоскостей и полей на своих холстах в 1960-х и 1970-х годах. Среди живописцев, эффективно использовавших распыление, был Жюль Олицкий, пионер в этой технике, который покрывал свои большие полотна слоями различных цветов, часто плавно меняя тон и насыщенность. Важным новшеством стало использование Дэном Кристенсеном распыления для создания ярких цветовых петель и лент, нанесенных четкими, каллиграфическими мазками на его крупноформатные картины. Уильям Петтет, Ричард Саба и Альберт Штадлер применяли эту технику для создания масштабных многоцветных цветовых полей, а Кеннет Шоуэлл распылял краску на скомканные холсты, создавая иллюзию абстрактных интерьеров с натюрмортами. Большинство художников, работавших в этой технике, были наиболее активны в конце 1960-х и 1970-х годах.

Полосы

Полосы были одним из самых популярных способов использования цвета многими художниками-колористами в самых разных форматах. Барнетт Ньюман, Моррис Луис, Джек Буш, Джин Дэвис, Кеннет Ноланд и Дэвид Симпсон создали важные серии полосатых картин. Хотя Барнетт Ньюман не называл их полосами, а «молниями», его полосы были преимущественно вертикальными, различной ширины и использовались умеренно. В работах Симпсона и Ноланда полосы в основном горизонтальные, в то время как Джин Дэвис писал вертикальные полосатые картины, а Моррис Луис – преимущественно вертикальные, иногда называемые «столбами». Джек Буш создавал как горизонтальные, так и вертикальные полосатые картины, а также угловые композиции.

Краска Магна

Магна, специальная художественная краска на основе акрила, была разработана Леонардом Бокуром и Сэмом Голденом в 1947 году и переформулирована в 1960 году специально для Морриса Луиса и других художников, работавших в технике стейна в рамках направления «цветное поле». В краске Magna пигменты измельчаются в акриловой смоле с использованием растворителей на спиртовой основе. В отличие от современных акриловых красок на водной основе, Magna смешивается с уайт-спиритом или терпентином и быстро высыхает, образуя матовую или глянцевую поверхность. Её широко использовали Моррис Луис, Фридель Дзубас, а также художник поп-арта Рой Лихтенштейн. Цвета Magna более яркие и насыщенные, чем обычные акриловые краски на водной основе. Луис успешно использовал Magna в своей серии «Полосы», где цвета использовались неразбавленными и наносились непосредственно из банки, без предварительного смешивания.

Наследие: влияние и под влиянием

Художественное наследие живописи XX века представляет собой длинную и переплетенную линию влияний и сложных взаимосвязей. Использование больших открытых полей выразительного цвета, нанесенных щедрыми живописными мазками, в сочетании со свободным рисунком (неопределенные линейные пятна и/или фигуративный контур) впервые можно увидеть в работах Анри Матисса и Жоана Миро в начале XX века. Матисс и Миро, а также Пабло Пикассо, Пол Клее, Василий Кандинский и Пит Мондриан оказали непосредственное влияние на абстрактных экспрессионистов, художников цветового поля пост-живописного абстракционизма и лирических абстракционистов. Американцы конца XIX века, такие как Август Винсент Такк и Альберт Пинкхэм Райдер, наряду с ранними американскими модернистами, такими как Джорджия О’Кифф, Марсден Хартли, Стюарт Дэвис, Артур Доув и пейзажи Мильтона Эйвери, также предоставили важные прецеденты и повлияли на абстрактных экспрессионистов, художников цветового поля и лирических абстракционистов. Джейн Ливингстон говорит о выставке Матисса в январе 1966 года, которую Дибенкорн увидел в Лос-Анджелесе, о картинах Матисса «Французское окно в Коллиуре» и «Вид на Нотр-Дам»: «Трудно не приписать огромный вес этому опыту для направления, которое приняла его работа с этого времени. Две картины, которые он там увидел, отзываются почти на каждом холсте Оушен-парка. «Вид на Нотр-Дам» и «Французское окно в Коллиуре», обе написанные в 1914 году, были представлены в США впервые. Миро был одним из самых влиятельных художников XX века. Он был пионером техники окрашивания, создавая размытые, многоцветные облачные фоны в разбавленной масляной краске на протяжении 1920-х и 1930-х годов, поверх которых добавлял свою каллиграфию, символы и богатый лексикон слов и образов. Аршиль Горки открыто восхищался работами Миро и писал картины в стиле Миро, прежде чем в начале 1940-х годов обрести собственную оригинальность. В 1960-х годах Миро писал большие (в масштабе абстрактного экспрессионизма) сияющие поля энергично нанесенной краски в синем, белом и других монохромных цветовых полях, с размытыми черными сферами и каллиграфическими каменными формами, плавающими хаотично. Эти работы напоминали картины цветового поля молодого поколения. Биограф Жак Дюпен говорил о работах Миро начала 1960-х годов: «Эти полотна обнаруживают сходство – Миро ни в коем случае не пытается это отрицать – с исследованиями нового поколения художников. Многие из них, например, Джексон Поллок, признали свой долг перед Миро. Миро, в свою очередь, проявляет живой интерес к их работам и никогда не упускает возможности ободрить и поддержать их. Он также не считает недостойным использовать их открытия в некоторых случаях. Следуя примеру других европейских модернистов, таких как Миро, движение цветового поля охватывает несколько десятилетий – с середины XX века до начала XXI века. Живопись цветового поля фактически включает в себя три отдельных, но связанных поколения художников. Обычно используемые термины для обозначения этих трех связанных групп – абстрактный экспрессионизм, пост-живописный абстракционизм и лирическая абстракция. Некоторые художники работали во все три эпохи, создавая произведения, относящиеся ко всем трем стилям. Пионеры цветового поля, такие как Джексон Поллок, Марк Ротко, Клайффорд Стил, Барнетт Ньюман, Джон Феррен, Адольф Готлиб и Роберт Матервелл, в первую очередь считаются абстрактными экспрессионистами. Художники, такие как Хелен Франкенталер, Сэм Фрэнсис, Ричард Дибенкорн, Жюль Олицки и Кеннет Ноланд, принадлежали к немного более молодому поколению или, в случае Морриса Луиса, эстетически разделяли точку зрения этого поколения; они начинали как абстрактные экспрессионисты, но быстро перешли к пост-живописному абстракционизму. В то время как молодые художники, такие как Фрэнк Стелла, Рональд Дэвис, Ларри Зокс, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Баннард, Ронни Лэндфилд, Дэн Кристенсен, начинали с пост-живописного абстракционизма и в конечном итоге двигались к новому типу экспрессионизма, известному как лирическая абстракция. Многие из упомянутых художников, а также многие другие, практиковали все три подхода на разных этапах своей карьеры. На более поздних этапах живописи цветового поля, как отражение духа времени конца 1960-х годов (когда все стало более свободным) и тревоги эпохи (со всеми ее неопределенностями) слились с гештальтом пост-живописного абстракционизма, породив лирическую абстракцию, которая сочетала в себе точность цветового поля с маслянистостью абстрактных экспрессионистов. В тот же период, в конце 1960-х и начале 1970-х годов, в Европе Герхард Рихтер, Анзельм Кифер и другие художники также начали создавать работы с интенсивной экспрессией, сочетая абстракцию с образами, включая пейзажные мотивы и фигуративные элементы, которые к концу 1970-х годов стали известны как неоэкспрессионизм.

The painterly legacy of 20th century painting is a long and intertwined mainstream of influences and complex interrelationships. The use of large opened fields of expressive color applied in generous painterly portions, accompanied by loose drawing (vague linear spots and/or figurative outline) can first be seen in the early 20th century works of both Henri Matisse and Joan Miró. Matisse and Miró, as well as Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky, and Piet Mondrian directly influenced the abstract expressionists, the color field painters of post painterly abstraction and the lyrical abstractionists. Late 19th century Americans like Augustus Vincent Tack and Albert Pinkham Ryder, along with early American Modernists like Georgia O'Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, and Milton Avery's landscapes also provided important precedents and were influences on the abstract expressionists, the color field painters, and the lyrical abstractionists. Matisse paintings French Window at Collioure, and View of Notre Dame Jane Livingston says about the January 1966 Matisse exhibition that Diebenkorn saw in Los Angeles:
<blockquote>It is difficult not to ascribe enormous weight to this experience for the direction his work took from that time on. Two pictures he saw there reverberate in almost every Ocean Park canvas. View of Notre Dame and French Window at Collioure, both painted in 1914, were on view for the first time in the US. Miró was one of the most influential artists of the 20th century. He pioneered the technique of staining; creating blurry, multi colored cloudy backgrounds in thinned oil paint throughout the 1920s and 1930s; on top of which he added his calligraphy, characters and abundant lexicon of words, and imagery. Arshile Gorky openly admired Miró's work and painted Miró like paintings, before finally discovering his own originality in the early 1940s. During the 1960s Miró painted large (abstract expressionist scale) radiant fields of vigorously brushed paint in blue, in white, and other monochromatic fields of colors; with blurry black orbs and calligraphic stone like shapes, floating at random. These works resembled the color field paintings of the younger generation. Biographer Jacques Dupin said this about Miró's work of the early 1960s:
These canvases disclose affinities – Miró does not in the least attempt to deny this – with the researches of a new generation of painters. Many of these, Jackson Pollock for one, have acknowledged their debt to Miró. Miró in turn displays lively interest in their work and never misses an opportunity to encourage and support them. Nor does he consider it beneath his dignity to use their discoveries on some occasions. Taking its example from other European modernists like Miró, the color field movement encompasses several decades from the mid 20th century through the early 21st century. Color field painting actually encompasses three separate but related generations of painters. Commonly used terms to refer to the three separate but related groups are abstract expressionism, post painterly abstraction, and lyrical abstraction. Some of the artists made works in all three eras, that relate to all of the three styles. Color field pioneers such as Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb, and Robert Motherwell are primarily thought of as abstract expressionists. Artists like Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski, and Kenneth Noland were of a slightly younger generation, or in the case of Morris Louis aesthetically aligned with that generation's point of view; that started out as abstract expressionists but quickly moved to post painterly abstraction. While younger artists like Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, began with post painterly abstraction and eventually moved forward towards a new type of expressionism, referred to as lyrical abstraction. Many of the artists mentioned, as well as many others, have practiced all three modes at one phase of their careers or another. During the later phases of color field painting; as reflections of the zeitgeist of the late 1960s (in which everything began to hang loose) and the angst of the age (with all of the uncertainties of the time) merged with the gestalt of post painterly abstraction, producing lyrical abstraction which combined precision of the color field idiom with the malerische of the abstract expressionists. During the same period of the late 1960s, and early 1970s in Europe, Gerhard Richter, Anselm Kiefer and several other painters also began producing works of intense expression, merging abstraction with images, incorporating landscape imagery, and figuration that by the late 1970s was referred to as Neo expressionism.