Итальянская опера: история и развитие

Введение

Опера в Италии или на итальянском языке

Итальянская опера — это оперное искусство Италии и опера, написанная на итальянском языке. Опера зародилась в Италии примерно в 1600 году, и итальянская опера продолжает играть ведущую роль в истории этого вида искусства по сей день. Многие известные оперы на итальянском языке были написаны иностранными композиторами, включая Генделя, Глюка и Моцарта. Произведения итальянских композиторов XIX и начала XX веков, таких как Россини, Беллини, Доницетти, Верди и Пуччини, входят в число самых знаменитых опер, когда-либо созданных, и сегодня ставятся в оперных театрах по всему миру.

Происхождение

"Дафне" Джакопо Пери – самая ранняя композиция, которую можно считать оперой в современном понимании этого термина. Однако произведения Пери возникли не на пустом месте в области драматического пения. Необходимым условием для создания собственно оперы была практика монодии. Монодия – это сольное пение, воплощающее драматически задуманную мелодию, призванную выражать эмоциональное содержание текста, и сопровождаемое относительно простой последовательностью аккордов, а не другими полифоническими партиями. Итальянские композиторы начали сочинять в этом стиле в конце XVI века, и она частично выросла из давней традиции исполнения полифонических мадригалов одним певцом под инструментальное сопровождение остальных партий, а также из растущей популярности более простых, гомофонических вокальных жанров, таких как фроттола и вилланелла. В этих двух последних жанрах наблюдалась тенденция к более гомофоничной текстуре, где верхняя партия отличалась сложной, активной мелодией, а нижние (обычно это были трехголосные композиции, в отличие от четырех- и болееголосных мадригалов) представляли собой менее активную гармоническую поддержку. От этого до полноценной монодии оставался лишь небольшой шаг. Все эти произведения, как правило, использовали гуманистическую поэзию, стремившуюся подражать Петрарке и его последователям эпохи Треченто – еще один элемент стремления эпохи к возрождению принципов, связанных с искаженным представлением об античности. Сольные мадригалы, фроттолы, вилланеллы и произведения, близкие к ним, играли заметную роль в интермедиях или интермеццо – театральных представлениях с музыкой, финансируемых в последние семьдесят лет XVI века богатыми и все более светскими дворами итальянских городов-государств. Эти представления обычно устраивались в честь важных государственных событий: свадеб, военных побед и тому подобного, и чередовались с действиями пьес. Как и в более поздней опере, в интермедиях присутствовало вышеупомянутое сольное пение, а также мадригалы, исполняемые в их обычной многоголосной фактуре, и танцы в сопровождении инструменталистов. Они отличались роскошным оформлением и оказали значительное влияние на сценографию второй половины XVI века. Интермедии, как правило, не рассказывали историю как таковую, хотя иногда и делали это, но почти всегда фокусировались на каком-то конкретном аспекте человеческих эмоций или переживаний, выраженном через мифологическую аллегорию. Постановка в 1600 году оперы Пери «Эвридика» в рамках празднования свадьбы Медичи, ставшая продолжением самых зрелищных и всемирно известных интермедий предыдущего столетия, вероятно, стала важным этапом в развитии нового жанра, включив его в русло роскошных придворных развлечений. Другим популярным придворным развлечением в то время была «мадригальная комедия», позднее также названная музыковедами, знакомыми с более поздним жанром, «мадригальной оперой». Она состояла из серии мадригалов, объединенных для создания драматического повествования, но не инсценированных. Существовали также две поставленные музыкальные «пасторали» – «Иль Сатиро» и «La Disperazione di Fileno», обе созданные в 1590 году и написанные Эмилио де Кавальери. Хотя эти утраченные произведения, по-видимому, включали только арии, без речитативов, именно о них, вероятно, упоминал Пери в предисловии к опубликованному изданию своей «Эвридики», когда писал: «Синьор Эмилио дель Кавальери, прежде чем кто-либо другой, кого я знаю, дал нам возможность услышать нашу музыку на сцене». Другие пасторальные пьесы уже давно включали некоторые музыкальные номера; одна из самых ранних, написанная Полициано в 1480 году, содержала по крайней мере три сольные песни и один хор.

Dafne by Jacopo Peri was the earliest composition considered opera, as understood today. Peri's works, however, did not arise out of a creative vacuum in the area of sung drama. An underlying prerequisite for the creation of opera proper was the practice of monody. Monody is the solo singing/setting of a dramatically conceived melody, designed to express the emotional content of the text it carries, which is accompanied by a relatively simple sequence of chords rather than other polyphonic parts. Italian composers began composing in this style late in the 16th century, and it grew in part from the long standing practice of performing polyphonic madrigals with one singer accompanied by an instrumental rendition of the other parts, as well as the rising popularity of more popular, more homophonic vocal genres such as the frottola and the villanella. In these latter two genres, the increasing tendency was toward a more homophonic texture, with the top part featuring an elaborate, active melody, and the lower ones (usually these were three part compositions, as opposed to the four or more part madrigal) a less active supporting structure. From this, it was only a small step to fully fledged monody. All such works tended to set humanist poetry of a type that attempted to imitate Petrarch and his Trecento followers, another element of the period's tendency toward a desire for restoration of principles it associated with a mixed up notion of antiquity. The solo madrigal, frottola, villanella and their kin featured prominently in the intermedio or intermezzo, theatrical spectacles with music that were funded in the last seventy years of the 16th century by the opulent and increasingly secular courts of Italy's city states. Such spectacles were usually staged to commemorate significant state events: weddings, military victories, and the like, and alternated in performance with the acts of plays. Like the later opera, an intermedio featured the aforementioned solo singing, but also madrigals performed in their typical multi voice texture, and dancing accompanied by the present instrumentalists. They were lavishly staged, and led the scenography of the second half of the 16th century. The intermedi tended not to tell a story as such, although they occasionally did, but nearly always focused on some particular element of human emotion or experience, expressed through mythological allegory. The staging in 1600 of Peri's opera Euridice as part of the celebrations for a Medici wedding, the occasions for the most spectacular and internationally famous intermedi of the previous century, was probably a crucial development for the new form, putting it in the mainstream of lavish courtly entertainment. Another popular court entertainment at this time was the "madrigal comedy", later also called "madrigal opera" by musicologists familiar with the later genre. This consisted of a series of madrigals strung together to suggest a dramatic narrative, but not staged. There were also two staged musical "pastoral"s, Il Satiro and La Disperazione di Fileno, both produced in 1590 and written by Emilio de' Cavalieri. Although these lost works seem only to have included arias, with no recitative, they were apparently what Peri was referring to, in his preface to the published edition of his Euridice, when he wrote: "Signor Emilio del Cavalieri, before any other of whom I know, enabled us to hear our kind of music upon the stage". Other pastoral plays had long included some musical numbers; one of the earliest, it (1480) by Poliziano had at least three solo songs and one chorus.

Флоренция и Мантуя

Музыка Дафны сейчас утрачена, за исключением 455-строчного стихотворного либретто. Первая опера, музыка к которой сохранилась, была исполнена в 1600 году на свадьбе Генриха IV и Марии Медичи во Дворце Питти во Флоренции. Опера «Евридика» с либретто Ринуччини, положенная на музыку Пери и Джулио Каччини, рассказывала историю Орфея и Евридики. Стиль пения, предпочитаемый Пери и Каччини, представлял собой возвышенную форму естественной речи – драматический речитатив, подкреплённый инструментальной струнной музыкой. Речитатив, таким образом, предшествовал развитию арий, хотя вскоре вошло в обычай включать отдельные песни и инструментальные интермедии в моменты молчания голосов. И «Дафна», и «Евридика» также включали хоры, комментировавшие действие в конце каждого акта в манере древнегреческой трагедии. Тема Орфея, полубога музыки, закономерно пользовалась популярностью и привлекла Клаудио Монтеверди (1567–1643), который написал свою первую оперу, L'Orfeo («Сказка об Орфее»), в 1607 году для двора Мантуи. Монтеверди настаивал на прочной связи между словами и музыкой. При исполнении «Орфея» в Мантуе оркестр из 38 инструментов, многочисленные хоры и речитативы были использованы для создания живой драмы. Это была гораздо более масштабная постановка, чем предыдущие – более роскошная, более разнообразная в речитативах, более экзотическая в оформлении – с более мощными музыкальными кульминациями, раскрывающими весь потенциал виртуозности певцов. Опера достигла первой ступени зрелости благодаря Монтеверди. «Орфео» также является самой ранней сохранившейся оперой, которая до сих пор регулярно исполняется.

Опера в Риме

В течение нескольких десятилетий опера распространилась по всей Италии. В Риме она нашла сторонника в лице прелата и либреттиста Джулио Роспильози (впоследствии папы Климента IX). Покровителями Роспильози были Барберини. Среди композиторов, работавших в этот период, были Луиджи Росси, Микеланджело Росси, Марко Мараццоли, Доменико и Вирджилио Маццокки, Стефано Ланди. Начиная с 1630-х годов, тематика произведений значительно изменилась: предпочтение отдавалось поэмам о рыцарстве, как правило, Людовико Ариосто и Торквато Тассо, или сюжетам, взятым из агиографии и христианской комедии дель арте, вместо произведений пастырской традиции и Аркадии. С увеличением числа персонажей римские оперы стали более драматичными и обрели множество сюжетных поворотов. Вместе с этим появился новый способ оформления речитатива, лучше приспособленный к разнообразным ситуациям, возникавшим благодаря насыщенному сюжету, и более близкий к разговорной речи, изобилующий вставными конструкциями в противовес паратактическому стилю, характерному для первых флорентийских работ.

Реформы Глюка и Моцарт

Опера-сериа имела свои недостатки и подвергалась критике; тяга к украшательству со стороны великолепно обученных певцов и использование зрелищности в качестве замены драматической чистоты и цельности вызывали нападки. Эссе Франческо Алгаротти «О опере» (1755) послужило вдохновением для реформ Кристофа Виллибальда Глюка. Он выступал за то, чтобы опера-сериа вернулась к основам, и чтобы все элементы – музыка (инструментальная и вокальная), балет и сценическое оформление – были подчинены высшему замыслу драмы. Несколько композиторов того времени, включая Никколо Джоммелли и Томмазо Трайетту, пытались воплотить эти идеалы в жизнь. В 1765 году Мельхиор Гримм опубликовал «Поэтический лиризм» – влиятельную статью для «Энциклопедии» о лирических и оперных либретто. Однако первым, кто действительно добился успеха и оставил неизгладимый след в истории оперы, был Глюк. Глюк стремился к «прекрасной простоте». Это иллюстрируется в его первой «реформаторской» опере «Орфей и Эвридика», где вокальные партии, лишенные виртуозности, характерной для произведений, скажем, Генделя, поддерживаются простыми гармониями и заметно более насыщенным, чем обычно, оркестровым звучанием. Реформы Глюка оказали влияние на всю оперную историю. Вебер, Моцарт и Вагнер, в частности, испытали влияние его идей. Моцарт, во многом преемник Глюка, объединил превосходное чувство драмы, гармонии, мелодии и контрапункта, чтобы создать серию комедий, в частности «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Так поступают все женщины» (в сотрудничестве с Лоренцо Да Понте), которые и сегодня остаются одними из самых любимых, популярных и известных опер. Но вклад Моцарта в опера-сериа был неоднозначным; к его времени она приходила в упадок, и, несмотря на такие прекрасные произведения, как «Идоменей» и «Милосердие Тита», ему не удалось возродить этот вид искусства.

Романтический период

Романтическая опера, делавшая упор на воображение и эмоции, начала появляться в начале XIX века и, благодаря своим ариям и музыке, придала большую выразительность тем крайним эмоциям, которые были характерны для театра той эпохи. Кроме того, считается, что прекрасная музыка часто прощала явные недостатки в проработке персонажей и развитии сюжета. Джоахино Россини (1792–1868) положил начало периоду романтизма. Его первым успехом стала "опера буффа" (комическая опера) La cambiale di matrimonio (1810). Его репутация сохранилась и по сей день благодаря "Севильскому цирюльнику" (1816) и "Золушке" (La Cenerentola, 1817). Но он также писал и серьёзные оперы, такие как "Танкреди" (1813) и "Семирамида" (1823). Преемниками Россини в итальянском бельканто были Винченцо Беллини (1801–1835), Гаэтано Доницетти (1797–1848) и Джузеппе Верди (1813–1901). Именно Верди коренным образом изменил природу оперного творчества на протяжении своей долгой карьеры. Его первая крупная успешная опера, "Набукко" (1842), завоевала публику благодаря своей энергичной музыке и мощным хоровым сценам. Одна из хоровых частей, "Va, pensiero", была воспринята как символ борьбы за итальянскую независимость и объединение Италии. После "Набукко" Верди основывал свои оперы на патриотических темах и многих стандартных романтических источниках: Фридрих Шиллер ("Джованна д’Арко", 1845; "Разбойники", I masnadieri, 1847; "Луиза Миллер", 1849); лорд Байрон ("Два Фоскари", I due Foscari, 1844; "Корсар", Il corsaro, 1848); и Виктор Гюго ("Эрнани", 1844; "Риголетто", 1851). Верди экспериментировал с музыкальными и драматическими формами, стремясь открыть возможности, доступные лишь опере. В 1887 году он создал "Отелло", который полностью вытеснил одноименную оперу Россини и был признан критиками вершиной итальянской романтической оперы, сочетающей в себе традиционные элементы: сольные арии, дуэты и хоры, полностью интегрированные в мелодическое и драматическое развитие. Последняя опера Верди, "Фальстафф" (1893), полностью отошла от устоявшихся форм и нашла музыку, следующую быстрому, простому тексту, а благодаря уважению к ритму обычной речи, открыла путь к новой оперной эпохе, где речь играет первостепенную роль. Опера стала синтезом искусств, музыкальной драмой, полной великолепного вокала, костюмов, оркестровой музыки и зрелищности, порой обходясь без убедительного сюжета. От своего зарождения в эпоху барокко до расцвета романтизма, опера служила средством переосмысления сказок и мифов, пересказа истории и стимулирования воображения. Её сила привела к появлению более напряжённой эпохи в опере – веризма, представленного "Сельской честью" (Cavalleria rusticana) Пьетро Масканьи и "Паяцами" (Pagliacci) Руджеро Леонкавалло.

Romantic opera, which placed emphasis on the imagination and the emotions began to appear in the early 19th century, and because of its arias and music, gave more dimension to the extreme emotions which typified the theater of that era. In addition, it is said that fine music often excused glaring faults in character drawing and plot lines. Gioachino Rossini (1792–1868) initiated the Romantic period. His first success was an "opera buffa" (comic opera), La cambiale di matrimonio (1810). His reputation still survives today through his Barber of Seville (1816), and La Cenerentola (1817). But he also wrote serious opera, Tancredi (1813) and Semiramide (1823). Rossini's successors in the Italian bel canto were Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) and Giuseppe Verdi (1813–1901). It was Verdi who transformed the whole nature of operatic writing during the course of his long career. His first great successful opera, Nabucco (1842), caught the public fancy because of the driving vigour of its music and its great choruses. "Va, pensiero", one of the chorus renditions, was interpreted and gave advantageous meaning to the struggle for Italian independence and to unify Italy. After Nabucco, Verdi based his operas on patriotic themes and many of the standard romantic sources: Friedrich Schiller (Giovanna d'Arco, 1845; I masnadieri, 1847; Luisa Miller, 1849); Lord Byron (I due Foscari, 1844; Il corsaro, 1848); and Victor Hugo (Ernani, 1844; Rigoletto, 1851). Verdi was experimenting with musical and dramatic forms, attempting to discover things which only opera could do. In 1887, he created Otello which completely replaced Rossini's opera of the same name, and which is described by critics as the finest of Italian romantic operas with the traditional components: the solo arias, the duets and the choruses fully integrated into the melodic and dramatic flow. Verdi's last opera, Falstaff (1893), broke free of conventional form altogether and finds music which follows quick flowing simple words and because of its respect for the pattern of ordinary speech, it created a threshold for a new operatic era in which speech patterns are paramount. Opera had become a marriage of the arts, a musical drama, full of glorious song, costume, orchestral music and pageantry; sometimes, without the aid of a plausible story. From its conception during the baroque period to the maturity of the romantic period, it was the medium through which tales and myths were revisited, history was retold and imagination was stimulated. The strength of it fell into a more violent era for opera: verismo, with Cavalleria rusticana by Pietro Mascagni and Pagliacci by Ruggero Leoncavallo.