Маленькая концертная симфония Франка Мартина: Анализ и особенности

Введение

"Маленькая симфония концертанта", соч. 54, – оркестровое сочинение швейцарского композитора Франка Мартина, одно из его наиболее известных произведений. Мартин получил заказ на это произведение в 1944 году, однако работа над ним была приостановлена из-за работы над ораторией In Terra Pax. "Маленькая симфония концертанта" была завершена в следующем году и впервые исполнена в Цюрихе 27 мая 1946 года под руководством Пола Сашера, который также является посвятителем произведения. Заказ Сашера побудил Мартина выбрать необычный состав: арфу, клавесин, фортепиано и струнный оркестр, разделенный на две группы, хотя все свидетельства указывают на то, что окончательный выбор инструментов был сделан самим композитором. Используя все доступные обычные струнные инструменты, Мартин стремился использовать арфу, клавесин и фортепиано не как аккомпанирующие или инструменты «basso continuo» (как это часто бывает в их роли), а как солирующие инструменты, тем самым создавая отдаленное эхо Бранденбургского концерта № 5 И. С. Баха и оправдывая название произведения – симфония концертанта. Это произведение принесло Мартину международное признание. "Маленькая симфония концертанта" состоит из двух частей, разделенных кратчайшей паузой. Каждую часть можно разделить на две «половины», хотя взаимосвязь между этими частями значительно различается: первая включает медленное вступление, состоящее из сорока шести тактов, из которого последующее Allegro выводит весь свой мотивный материал; вторая начинается с Adagio, демонстрирующего три сольных инструмента (арфа, фортепиано, затем клавесин), прежде чем переходя в оживленный марш. Произведение выдержано в неоклассическом стиле, и подход Мартина отражает его восхищение Бахом. Стиль Мартина сочетает в себе элементы музыкальных стилей и традиций Франции (такие как использование гармонии для создания колорита и более свободная формальная организация) и Австро-Германии (такие как обычно полифонический стиль и плотный мотивизм). В произведении также демонстрируется использование Мартином додекафонии, однако совершенно иным способом, чем у композиторов Второй венской школы. В начале первой части заметен ряд из двенадцати тонов, однако Мартин обращается с ним так же, как и с любым другим тематическим или мотивным материалом: он появляется в различных транспозициях (всех двенадцати, если учитывать фрагментарные высказывания), но никогда не используется в инверсии, ретроградно или ретроградно-инверсионной форме и ни в коем случае не присутствует на протяжении всего произведения. Ряд также демонстрирует некоторые другие характерные черты додекафонической техники композитора, включая использование постоянных ритмических значений, отсутствие октавных транспозиций в ряду и частое использование ряда в качестве аккомпанирующего остинато. Однако позже в части Мартин демонстрирует свой собственный подход к технике, распространенный в музыке Арнольда Шёнберга, Антона Веберна и других, – «телескопирование» рядовых форм, то есть заключительная нота одного высказывания также является первой нотой следующего в другой транспозиции, хотя, в отличие от этих композиторов, Мартин использует только фрагменты каждой рядовой формы. Произведение было предназначено для так называемого «возрожденного клавесина» – больших инструментов начала XX века, построенных в фортепианной традиции такими мастерами, как Роберт Гобл и Плейель. Это одно из немногих произведений в жанре симфонии-концертанта, написанных в XX веке. Опасаясь, что необычная инструментовка "Маленькой симфонии концертанты" может ограничить количество исполнений, Мартин позже переработал произведение для обычного большого оркестра (без сольных инструментов) как "Симфонию концертанту".

Petite symphonie concertante, Op. 54, is an orchestral composition by the Swiss composer Frank Martin, one of his best known works. Martin received the commission for the work in 1944, though progress was delayed by work on the oratorio In Terra Pax. The Petite symphonie concertante was completed the following year and received its premiere in Zürich on May 27, 1946, under the direction of Paul Sacher, who is also the work's dedicatee. Sacher's commission prompted Martin to assume the unusual ensemble of harp, harpsichord, piano and string orchestra divided into two groups, though all accounts suggest the final choice of instruments was the composer's own. Using all of the common stringed instruments available, Martin desired to use the harp, harpsichord and piano not as accompanying, or 'basso continuo' instruments (as is often their role) but as solos, thus being a distant echo of J. S. Bach's Brandenburg Concerto No. 5, and justifying the work's title of symphonie concertante. The work gained Martin international recognition. The Petite symphonie concertante is in two movements, separated by the briefest of pauses. Each movement may then be divided into two 'halves', though the relationship between each part differs considerably between the two: the first comprises a slow introduction of forty six bars out of which the following Allegro derives all of its motivic material; the second begins with an Adagio which showcases the three solo instruments (harp, piano, then harpsichord) before breaking into a lively march. The work is Neoclassical in outlook, and his approach reflects Martin's adoration of Bach. Martin's style draws elements from both the musical styles and traditions of France (such as the use of harmony to create local colour and the freer formal organisation) and Austro Germany (such as the generally polyphonic style and the dense motivicism). The work also demonstrates Martin's use of the 12 tone technique, though in an entirely different way from the composers of the Second Viennese School. A 12 note row is apparent at the opening of the first movement, though Martin treats it as he does any other thematic or motivic material: it appears in various transpositions (all twelve, if fragmentary statements are included) but is never used in inversion, retrograde or retrograde inversion forms, and is by no means present throughout the work. The row also demonstrates some other characteristic features of the composer's 12 tone technique, including the use of constant rhythmic values, no octave transpositions within the series, and the row's use frequently as an accompanimental ostinato. Later in the movement however, Martin does demonstrate his own take on the technique, common in the music of Arnold Schoenberg, Anton Webern and others, of 'telescoping' his row forms, that is, the final note of one statement is also the first of the next at a different transposition, though unlike these composers, Martin only uses fragments of each row form. The piece was intended for the so called "revival harpsichord", the large early 20th century instruments built in the piano tradition by makers such as Robert Goble and Pleyel. It is one of the few pieces in the sinfonia concertante genre to be composed in the twentieth century. Fearing that the unusual instrumentation of the "Petite symphonie concertante" might limit performances, Martin later rescored the work for a conventional large orchestra (without solo instruments) as the "Symphonie concertante".