Большой инструментальный ансамбль: Оркестр и его состав

Введение

Большой инструментальный ансамбль

Оркестр – большой инструментальный ансамбль, типичный для классической музыки, объединяющий инструменты из разных семейств. Обычно выделяют четыре основных группы инструментов:

Струнные инструменты, такие как скрипка, альт, виолончель и контрабас.

Деревянные духовые инструменты, такие как флейта, гобой, кларнет, фагот и иногда саксофон.

Медные духовые инструменты, такие как валторна, труба, тромбон, корнет, эуфониум и туба.

Ударные инструменты, такие как литавры, малый барабан, большой барабан, тарелки, треугольник, тамбурин, там-там и ударные инструменты с молоточками.

Другие инструменты, такие как фортепиано, клавесин и челеста, иногда могут входить в пятую клавишную группу или выступать в качестве сольных инструментов, как концертная арфа, а для исполнения некоторых современных произведений – электронные инструменты и гитары. В силу особенностей механики, фортепиано и челеста часто относят к ударным инструментам ("инструменты с определенной высотой звука"); арфу, клавесин и гитару – к струнным; а орган – к деревянным духовым. Арфа – единственный инструмент, который (достаточно) регулярно используется в современных оркестрах, особенно при исполнении музыки романтического периода. Фортепиано регулярно используется в эстрадных оркестрах, а клавесин – в барочных камерных оркестрах. Полный западный оркестр иногда называют симфоническим или филармоническим оркестром (от греческих слов phil – "любящий" и "гармония"). Количество музыкантов в конкретном исполнении может варьироваться от семидесяти до более ста, в зависимости от исполняемого произведения и размера концертного зала. Камерный оркестр (иногда называемый концертным оркестром) – это меньший ансамбль, состоящий из не более пятидесяти музыкантов. Оркестры, специализирующиеся на музыке эпохи барокко, например, Иоганна Себастьяна Баха и Георга Фридриха Генделя, или на классическом репертуаре, таком как произведения Гайдна и Моцарта, как правило, меньше, чем оркестры, исполняющие музыку романтического периода, например, симфонии Людвига ван Бетховена и Иоганнеса Брамса. Типичный оркестр увеличивался в размерах на протяжении XVIII и XIX веков, достигнув пика в больших оркестрах, состоящих из 120 музыкантов, которые требовались в произведениях Рихарда Вагнера и позднее Густава Малера. Оркестром обычно руководит дирижер, который управляет исполнением с помощью движений рук и рук, часто облегчая музыкантам видимость, используя короткую деревянную палочку, называемую дирижерской батой. Дирижер объединяет оркестр, задает темп и формирует звучание ансамбля. Дирижер также готовит оркестр, проводя репетиции перед публичным концертом, во время которых он дает музыкантам указания относительно интерпретации исполняемой музыки. Лидер первой скрипичной секции, обычно называемый концертмейстером, также играет важную роль в руководстве музыкантами. В эпоху барокко (1600–1750) оркестрами часто руководил концертмейстер и/или музыкант, исполнявший аккорды бассо континуо на клавесине или органе – традиция, которую продолжают некоторые ансамбли ранней музыки XX и XXI веков. Оркестры исполняют широкий спектр репертуара, включая симфонии, увертюры к операм и балетам, концерты для солирующих инструментов, а также оркестровые классы для опер, балетов и некоторых видов музыкального театра (например, оперетт Гилберта и Салливана). Любительские оркестры включают молодежные оркестры, состоящие из учеников начальной школы, средней школы или университета, и общественные оркестры; как правило, они состоят из музыкантов-любителей из определенного города или региона. Термин "оркестр" происходит от греческого ὀρχήστρα (orchestra), названия пространства перед сценой в древнегреческом театре, предназначенного для греческого хора.

Other instruments such as the piano, harpsichord, and celesta may sometimes appear in a fifth keyboard section or may stand alone as soloist instruments, as may the concert harp and, for performances of some modern compositions, electronic instruments, and guitars. Because of their hammer action, the piano and celesta are often included in the percussion instruments ("pitched percussion"); the harp, harpsichord, and guitar in the string section; and the pipe organ in the woodwinds. The harp is the only instrument which is (fairly) regularly included in modern orchestras, at least for romantic period music. The piano is regularly a part of pops orchestras, and the harpsichord is regularly included in baroque chamber orchestras. A full size Western orchestra may sometimes be called a or philharmonic orchestra (from Greek phil , "loving", and "harmony"). The number of musicians employed in a given performance may vary from seventy to over one hundred, depending on the work being played and the venue size. A (sometimes a concert orchestra) is a smaller ensemble of not more than about fifty musicians. Orchestras that specialize in the Baroque music of, for example, Johann Sebastian Bach and George Frideric Handel, or Classical repertoire, such as that of Haydn and Mozart, tend to be smaller than orchestras performing a Romantic music repertoire such as the symphonies of Ludwig van Beethoven and Johannes Brahms. The typical orchestra grew in size throughout the 18th and 19th centuries, reaching a peak with the large orchestras of as many as 120 players called for in the works of Richard Wagner and later Gustav Mahler. Orchestras are usually led by a conductor who directs the performance with movements of the hands and arms, often made easier for the musicians to see by using a short wooden rod known as a conductor's baton. The conductor unifies the orchestra, sets the tempo, and shapes the sound of the ensemble. The conductor also prepares the orchestra by leading rehearsals before the public concert, in which the conductor provides instructions to the musicians on their interpretation of the music being performed. The leader of the first violin section – commonly called the concertmaster – also plays an important role in leading the musicians. In the Baroque music era (1600–1750), orchestras were often led by the concertmaster, and/or by a chord playing musician performing the basso continuo parts on a harpsichord or pipe organ, a tradition that some 20th century and 21st century early music ensembles continue. Orchestras play a wide range of repertoire, including symphonies, opera and ballet overtures, concertos for solo instruments, and pit ensembles for operas, ballets, and some types of musical theatre (e. g., Gilbert and Sullivan operettas). Amateur orchestras include youth orchestras made up of students from an elementary school, a high school, or a university, and community orchestras; typically they are made up of amateur musicians from a particular city or region. The term orchestra derives from the Greek ὀρχήστρα (orchestra), the name for the area in front of a stage in ancient Greek theatre reserved for the Greek chorus.

Барокко и классическая эпоха

В эпоху барокко размер и состав оркестра не были стандартизированы. Существовали значительные различия в размере, инструментальном составе и манере исполнения – а следовательно, в оркестровых звуковых ландшафтах и палитрах – между различными европейскими регионами. Барочный оркестр варьировался от небольших оркестров (или ансамблей) с одним исполнителем на каждую партию до крупных оркестров с несколькими исполнителями на партию. Примерами небольших оркестров могут служить оркестры Баха, например, в Кётене, где в его распоряжении был ансамбль до 18 музыкантов. Крупномасштабными барочными оркестрами были, например, оркестр Корелли в Риме, который насчитывал от 35 до 80 музыкантов для повседневных выступлений и мог быть увеличен до 150 музыкантов для особых случаев. В классическую эпоху оркестр стал более стандартизированным, с небольшим или средним составом струнной секции и основным составом духовых инструментов, включающим пары гобоев, флейт, фаготов и валторн, иногда дополняемым ударными и парами кларнетов и труб.

Влияние Бетховена

Так называемое "стандартное расширение" состава духовых и медных инструментов в оркестре, возникшее в конце XVIII века и закрепившееся в первой половине XIX века, обычно связывают с составом, который использовал Бетховен вслед за Гайдном и Моцартом. В оркестровках Бетховена почти всегда присутствовали парные флейты, гобои, кларнеты, фаготы, валторны и трубы. Исключения составляют его Симфония № 4, Концерт для скрипки и Концерт для фортепиано № 4, в которых указана только одна флейта. Бетховен тщательно продумывал расширение этой особой тембровой "палитры" в Симфониях № 3, 5, 6 и 9 для достижения новаторского эффекта. Третья валторна в "Героической" симфонии появляется не только для обеспечения гармонической гибкости, но и для создания эффекта "хора" медных инструментов в трио. Пикколо, контрафагот и тромбоны усиливают триумфальный финал его Симфонии № 5. Пикколо и пара тромбонов помогают передать эффект бури и солнечного света в Шестой симфонии, также известной как "Пасторальная". В Девятой симфонии требуется вторая пара валторн по тем же причинам, что и в "Героической" (четыре валторны впоследствии стали стандартом); использование Бетховеном пикколо, контрафагота, тромбонов и не настроенных ударных инструментов – а также хора и вокалистов-солистов – в финале является его первым намеком на то, что тембральные границы симфонии могут быть расширены. В течение нескольких десятилетий после его смерти симфоническая инструментовка оставалась верна хорошо зарекомендовавшей себя модели Бетховена, за редкими исключениями.

Инструментальная технология

Изобретение поршня и поворотного клапана Генрихом Штёлцелем и Фридрихом Блюмелем, оба уроженцы Силезии, в 1815 году стало первым в ряду инноваций, оказавших влияние на оркестр, включая разработку современной системы механики для флейты Теобальдом Бёмом и нововведения Адольфа Сакса в области деревянных духовых инструментов, в особенности изобретение саксофона. Эти достижения побудили Гектора Берлиоза написать основополагающую книгу по инструментовке, которая стала первым систематическим трактатом об использовании инструментального звучания как выразительного элемента музыки.

Влияние Вагнера

Следующее крупное расширение симфонической практики связано с Байройтским оркестром Рихарда Вагнера, основанным для сопровождения его музыкальных драм. Сценические произведения Вагнера были написаны с беспрецедентным размахом и сложностью: в частности, для партитуры «Золота Рейна» требуется шесть арф. Таким образом, Вагнер предвидел всё более сложную роль дирижёра театрального оркестра, что он подробно описал в своей влиятельной работе «Об оперском дирижировании». Это привело к революции в оркестровой композиции и задало стиль оркестрового исполнения на следующие восемьдесят лет. Теории Вагнера вновь обратили внимание на важность темпа, динамики, смычковой техники струнных инструментов и роль солистов в оркестре.

Оркестр XX века

В начале XX века симфонические оркестры были больше, лучше финансировались и имели более высокий уровень подготовки, чем прежде; следовательно, композиторы получили возможность создавать более масштабные и амбициозные произведения. Особенно новаторскими были работы Густава Малера; в его поздних симфониях, таких как колоссальная Симфония № 8, Малер раздвигает пределы оркестрового состава, используя огромные исполнительские силы. К концу романтической эпохи оркестры могли воплощать самые грандиозные формы симфонического выражения, с обширными струнными группами, мощными духовыми и расширенным набором ударных инструментов. С началом эпохи звукозаписи стандарты исполнения достигли нового уровня, поскольку записанную симфонию можно было внимательно прослушать, и даже незначительные погрешности в интонации или ансамбле, которые могли остаться незамеченными при живом исполнении, становились слышны критикам. По мере развития технологий звукозаписи в XX и XXI веках, мелкие ошибки в записи в конечном итоге можно было "исправить" с помощью аудиомонтажа или перезаписи. Некоторые старые дирижеры и композиторы помнили время, когда просто "донести" музыку как можно лучше считалось нормой. В сочетании с расширением аудитории, ставшей возможной благодаря звукозаписи, это привело к повышенному вниманию к выдающимся дирижерам и высокому уровню исполнения оркестра.

Инструментовка

Типичный симфонический оркестр состоит из четырех групп связанных между собой музыкальных инструментов: деревянных духовых, медных духовых, ударных и струнных. Другие инструменты, такие как фортепиано, аккордеон и челеста, иногда могут быть сгруппированы в пятую секцию, например, секцию клавишных инструментов, или могут выступать самостоятельно, как и концертная арфа, а также электрические и электронные инструменты. Оркестр, в зависимости от размера, содержит почти все стандартные инструменты в каждой группе. За время своего существования состав оркестра расширялся, и часто считается, что он был стандартизирован в классический период под влиянием Людвига ван Бетховена. В XX и XXI веках новые репертуарные требования расширили состав оркестра, что привело к гибкому использованию инструментов классической модели и вновь разработанных электрических и электронных инструментов в различных комбинациях. В середине XX века в Германии и США предпринимались попытки ограничить состав симфонического оркестра исключительно группами одного инструмента. В такой конфигурации симфонический оркестр полностью состоял из хроматических аккордеонов свободной гармоники, которые были модифицированы для воспроизведения полного диапазона оркестровых звуков и тембров при исполнении ортодоксальной западной классической музыки. Термины «симфонический оркестр» и «филармонический оркестр» могут использоваться для обозначения различных коллективов из одной и той же местности, например, Лондонского симфонического оркестра и Лондонского филармонического оркестра. Следует отметить, что современное использование терминов «симфонический оркестр» и «филармонический оркестр» для обозначения двух оркестров в одном месте стирает любые прежние различия в значениях этих слов: эти два названия для одного типа оркестра идентичны. К ним относятся флюгельгорн и корнет. Саксофоны и классические гитары, например, встречаются в некоторых партитурах с XIX по XXI век. Хотя саксофон появляется лишь в качестве солирующего инструмента в некоторых произведениях, например, в оркестровке Мориса Равеля к «Картинкам с выставки» Модеста Мусоргского и в «Симфонических танцах» Сергея Рахманинова, он также включен в другие произведения, такие как «Болеро» Равеля, сюиты № 1 и 2 «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева, симфонии № 6 и № 9 Вогана Уильямса и «Пир Валтасара» Уильяма Уолтона, а также во многие другие работы в качестве члена оркестрового ансамбля. Эуфониум звучит в нескольких произведениях позднего романтизма и XX века, обычно исполняя партии, обозначенные как «тенор-туба», включая «Планеты» Густава Холста и «Эйн Хелденлебен» Рихарда Штрауса. Вагнеровская туба, модифицированный инструмент семейства валторн, появляется в цикле Рихарда Вагнера «Кольцо Нибелунга» и нескольких других произведениях Штрауса, Игоря Стравинского (как в «Весне священной»), Белы Бартока и других; она также играет заметную роль в Симфонии № 7 Ми-мажор Антона Брукнера. Корнеты звучат в балете Петра Ильича Чайковского «Лебединое озеро», «La Mer» Клода Дебюсси и нескольких оркестровых произведениях Гектора Берлиоза. Если эти инструменты исполняются музыкантами, «дублирующими» другой инструмент (например, тромбонист, переходящий на эуфониум, или фаготист, переключающийся на контрафагот для определенного фрагмента), оркестры обычно нанимают внештатных музыкантов для усиления своего постоянного состава. Оркестр XX века был гораздо более гибким, чем его предшественники. Также могут использоваться такие инструменты, как траутониум, а также другие не западные инструменты или инструменты, которые традиционно не используются в оркестрах, включая: бандонеон, аккордеон с свободным басом, губную гармошку, гусли, мандолу и водные ударные инструменты. С учетом этой истории оркестр можно проанализировать в пять эпох: эпоху барокко, классическую эпоху, эпоху раннего/среднего романтизма, эпоху позднего романтизма и объединенные современные/постмодернистские эпохи. Первая – оркестр эпохи барокко (например, И. С. Бах, Гендель, Вивальди), в котором обычно было меньше исполнителей, и в котором один или несколько инструментов, играющих аккорды, группа бассо континуо (например, клавесин или орга́н и различные басовые инструменты для исполнения басовой линии), играли важную роль; вторая – типичный оркестр классического периода (например, ранний Бетховен вместе с Моцартом и Гайдном), который использовал меньшую группу исполнителей, чем оркестр романтической музыки, и довольно стандартизированный состав.

The typical symphony orchestra consists of four groups of related musical instruments called the woodwinds, brass, percussion, and strings. Other instruments such as the piano, accordion, and celesta may sometimes be grouped into a fifth section such as a keyboard section or may stand alone, as may the concert harp and electric and electronic instruments. The orchestra, depending on the size, contains almost all of the standard instruments in each group. In the history of the orchestra, its instrumentation has been expanded over time, often agreed to have been standardized by the classical period and Ludwig van Beethoven's influence on the classical model. In the 20th and 21st century, new repertory demands expanded the instrumentation of the orchestra, resulting in a flexible use of the classical model instruments and newly developed electric and electronic instruments in various combinations. In the mid 20th century, several attempts were made in Germany and the United States to confine the instrumentation of the symphonic orchestra exclusively to groups of one instrument. In this configuration, the symphonic orchestra consisted entirely of free reed chromatic accordions which were modified to recreate the full range of orchestral sounds and timbres during the performance of orthodox Western classical music. The terms symphony orchestra and philharmonic orchestra may be used to distinguish different ensembles from the same locality, such as the London Symphony Orchestra and the London Philharmonic Orchestra. NoteTag|The present use of symphony orchestra and philharmonic orchestra to distinguish two orchestras in the same locale erases any prior difference the words' meanings may have had: Those two names for a type of orchestra are identical. These include the flugelhorn and cornet. Saxophones and classical guitars, for example, appear in some 19th through 21st century scores. While appearing only as featured solo instruments in some works, for example Maurice Ravel's orchestration of Modest Mussorgsky's Pictures at an Exhibition and Sergei Rachmaninoff's Symphonic Dances, the saxophone is included in other works, such as Ravel's Boléro, Sergei Prokofiev's Romeo and Juliet Suites 1 and 2, Vaughan Williams' Symphonies No. 6 and No. 9, and William Walton's Belshazzar's Feast, and many other works as a member of the orchestral ensemble. The euphonium is featured in a few late Romantic and 20th century works, usually playing parts marked "tenor tuba", including Gustav Holst's The Planets, and Richard Strauss's Ein Heldenleben. The Wagner tuba, a modified member of the horn family, appears in Richard Wagner's cycle Der Ring des Nibelungen and several other works by Strauss, Igor Stravinsky (as featured in The Rite of Spring), Béla Bartók, and others; it also has a notably prominent role in Anton Bruckner's Symphony No. 7 in E Major. Cornets appear in Pyotr Ilyich Tchaikovsky's ballet Swan Lake, Claude Debussy's La Mer, and several orchestral works by Hector Berlioz. Unless these instruments are played by members "doubling" on another instrument (for example, a trombone player changing to euphonium or a bassoon player switching to contrabassoon for a certain passage), orchestras typically hire freelance musicians to augment their regular ensemble. The 20th century orchestra was far more flexible than its predecessors. or trautonium, as well as other non Western instruments, or other instruments not traditionally used in orchestras including the: bandoneon, free bass accordion, harmonica, jews harp, mandola and water percussion. With this history in mind, the orchestra can be analysed in five eras: the Baroque era, the Classical era, early/mid Romantic music era, late Romantic era and combined Modern/Postmodern eras. The first is a Baroque orchestra (i. e., J. S. Bach, Handel, Vivaldi), which generally had a smaller number of performers, and in which one or more chord playing instruments, the basso continuo group (e. g., harpsichord or pipe organ and assorted bass instruments to perform the bassline), played an important role; the second is a typical classical period orchestra (e. g., early Beethoven along with Mozart and Haydn), which used a smaller group of performers than a Romantic music orchestra and a fairly standardized instrumentation; the third is typical of an early/mid Romantic era (e. g., Schubert, Berlioz, Schumann, Brahms); the fourth is a late Romantic/early 20th century orchestra (e. g., Wagner, Mahler, Stravinsky), to the common complement of a 2010 era modern orchestra (e. g., Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki).

Организация

Среди групп инструментов и внутри каждой группы инструментов существует общепринятая иерархия. Каждая инструментальная группа (или секция) имеет руководителя, который обычно отвечает за руководство группой и исполнение оркестровых соло. Скрипки делятся на две группы, первую скрипку и вторую скрипку, при этом вторые скрипки играют в более низких регистрах, чем первые скрипки, исполняя аккомпанемент или гармонизируя мелодию, исполняемую первыми скрипками. Руководитель первой скрипки называется концертмейстером (или «лидером» оркестра в Великобритании) и считается не только лидером струнной секции, но и вторым по команде во всем оркестре, уступая только дирижеру. Концертмейстер руководит предконцертной настройкой и занимается музыкальными аспектами управления оркестром, такими как определение смычковых приемов для скрипок или всей струнной секции. Концертмейстер обычно сидит слева от дирижера, ближе всего к аудитории. Также есть руководитель второй скрипки, руководитель альта, руководитель виолончели и руководитель контрабаса. Руководитель тромбонов считается лидером низких медных духовых инструментов, в то время как руководитель труб обычно считается лидером всей медной секции. Хотя гобой часто задает тон для настройки оркестра (в силу 300-летней традиции), обычно нет назначенного руководителя секции деревянных духовых инструментов (хотя в ансамблях деревянных духовых инструментов флейта часто считается предполагаемым лидером). Вместо этого каждый руководитель консультируется с другими как с равными в случае музыкальных разногласий. Большинство секций также имеют помощника руководителя (или совместного руководителя или заместителя руководителя), или, в случае первых скрипок, помощника концертмейстера, который часто играет партию tutti, а также заменяет руководителя в его отсутствие. Скрипач секции играет в унисон с остальной частью секции, за исключением случаев разделенных партий (divisi), когда верхние и нижние партии в музыке часто поручаются исполнителям, сидящим «с внешней» (ближе к аудитории) и «с внутренней» стороны соответственно. Если в струнной секции требуется сольная партия, руководитель секции неизменно исполняет ее. Руководитель секции (или руководитель) струнной секции также отвечает за определение смычковых приемов, часто основываясь на тех, которые установлены концертмейстером. В некоторых случаях руководитель струнной секции может использовать немного отличный смычковый прием от концертмейстера, чтобы учесть особенности игры на своем инструменте (например, в секции контрабасов). Руководители струнной секции также ведут вступления для своей секции, обычно поднимая смычок перед вступлением, чтобы обеспечить сыгранность секции. Исполнители духовых и медных инструментов, играющие tutti, обычно исполняют уникальную, но не сольную партию. Перкуссионисты секции исполняют партии, назначенные им главным перкуссионистом. В наше время музыкантами обычно руководит дирижер, хотя в ранних оркестрах его не было, и эту роль выполнял концертмейстер или клавесинист, игравший партию continuo. Некоторые современные оркестры также обходятся без дирижеров, особенно небольшие оркестры и те, которые специализируются на исторически точных (так называемых «стилизованных») исполнениях музыки барокко и более ранних периодов. Наиболее часто исполняемый репертуар для симфонического оркестра — это западная классическая музыка или опера. Однако оркестры иногда используются в популярной музыке (например, для сопровождения рок- или поп-группы на концерте), широко в музыке к фильмам и все чаще в музыке для видеоигр. Оркестры также используются в жанре симфонического металла. Термин «оркестр» также может применяться к джазовому ансамблю, например, при исполнении музыки больших составов.

Among the instrument groups and within each group of instruments, there is a generally accepted hierarchy. Every instrumental group (or section) has a principal who is generally responsible for leading the group and playing orchestral solos. The violins are divided into two groups, first violin and second violin, with the second violins playing in lower registers than the first violins, playing an accompaniment part, or harmonizing the melody played by the first violins. The principal first violin is called the concertmaster (or orchestra "leader" in the U. K.) and is not only considered the leader of the string section, but the second in command of the entire orchestra, behind only the conductor. The concertmaster leads the pre concert tuning and handles musical aspects of orchestra management, such as determining the bowings for the violins or the entire string section. The concertmaster usually sits to the conductor's left, closest to the audience. There is also a principal second violin, a principal viola, a principal cello, and a principal bass. The principal trombone is considered the leader of the low brass section, while the principal trumpet is generally considered the leader of the entire brass section. While the oboe often provides the tuning note for the orchestra (due to a 300 year old convention), there is generally no designated principal of the woodwind section (though in woodwind ensembles, the flute is often the presumptive leader.) Instead, each principal confers with the others as equals in the case of musical differences of opinion. Most sections also have an assistant principal (or co principal or associate principal), or in the case of the first violins, an assistant concertmaster, who often plays a tutti part in addition to replacing the principal in their absence. A section string player plays in unison with the rest of the section, except in the case of divided (divisi) parts, where upper and lower parts in the music are often assigned to "outside" (nearer the audience) and "inside" seated players. Where a solo part is called for in a string section, the section leader invariably plays that part. The section leader (or principal) of a string section is also responsible for determining the bowings, often based on the bowings set out by the concertmaster. In some cases, the principal of a string section may use a slightly different bowing than the concertmaster, to accommodate the requirements of playing their instrument (e. g., the double bass section). Principals of a string section will also lead entrances for their section, typically by lifting the bow before the entrance, to ensure the section plays together. Tutti wind and brass players generally play a unique but non solo part. Section percussionists play parts assigned to them by the principal percussionist. In modern times, the musicians are usually directed by a conductor, although early orchestras did not have one, giving this role to the concertmaster or the harpsichordist playing the continuo. Some modern orchestras also do without conductors, particularly smaller orchestras and those specializing in historically accurate (so called "period") performances of baroque and earlier music. The most frequently performed repertoire for a symphony orchestra is Western classical music or opera. However, orchestras are used sometimes in popular music (e. g., to accompany a rock or pop band in a concert), extensively in film music, and increasingly often in video game music. Orchestras are also used in the symphonic metal genre. The term "orchestra" can also be applied to a jazz ensemble, for example in the performance of big band music.

Выбор и назначение членов

В 2000-х годах все штатные члены профессионального оркестра обычно участвуют в прослушиваниях на должности в ансамбле. Исполнители обычно исполняют одно или несколько сольных произведений по выбору кандидата, например, часть концерта, сольное произведение Баха и разнообразные отрывки из оркестровой литературы, которые объявляются в анонсе прослушивания (чтобы кандидаты могли подготовиться). Эти отрывки, как правило, представляют собой наиболее технически сложные фрагменты и соло из оркестрового репертуара. Прослушивания в оркестр обычно проводятся перед комиссией, в которую входят дирижер, концертмейстер, ведущий исполнитель соответствующей группы и, возможно, другие ведущие солисты. Наиболее перспективных кандидатов из первого тура приглашают на второй или третий тур прослушивания, что позволяет дирижеру и комиссии сравнить лучших претендентов. Исполнителей могут попросить сыграть с листа оркестровую партитуру. Заключительным этапом отбора в некоторых оркестрах является испытательный срок, в течение которого исполнитель играет с оркестром одну-две недели, что позволяет дирижеру и ведущим музыкантам оценить, насколько эффективно он сможет работать в реальных условиях репетиций и концертов. Существует множество различных форм трудовых отношений. Наиболее престижными являются постоянные штатные должности в оркестре. Оркестры также нанимают музыкантов по контракту, срок действия которого может варьироваться от одного концерта до целого сезона и более. Музыкантов по контракту могут приглашать для участия в отдельных концертах, например, при исполнении масштабных оркестровых произведений позднего романтизма, или для замены штатного сотрудника, находящегося на больничном. Профессионального музыканта, приглашенного для выступления на одном концерте, иногда называют "заменяющим" (или "подменным"). Некоторые музыканты по контракту могут быть наняты для временной замены штатных сотрудников на период отпуска по уходу за ребенком или по инвалидности.

История гендерных различий в ансамблях

Исторически сложилось так, что крупные профессиональные оркестры состояли преимущественно или полностью из мужчин. Первыми женщинами, принятыми в профессиональные оркестры, были арфистки. Например, Венская филармония не принимала женщин в постоянный состав до 1997 года, что значительно позже, чем другие сопоставимые оркестры (оркестры, вошедшие в пятерку лучших в мире по версии Gramophone в 2008 году). Последним крупным оркестром, назначившим женщину на постоянную должность, была Берлинская филармония. В феврале 1996 года главный флейтист Венской филармонии Дитер Флюри заявил радиостанции Westdeutscher Rundfunk, что принятие женщин было бы "азартной игрой с эмоциональным единством (emotionelle Geschlossenheit), которым в настоящее время обладает этот коллектив". В апреле 1996 года пресс-секретарь оркестра написал, что "компенсация ожидаемых отпусков" по беременности и родам будет представлять проблему. В 1997 году Венская филармония "стала объектом протестов во время тура [по США]" со стороны Национальной организации женщин и Международного альянса женщин в музыке. Наконец, "после того, как оркестр подвергся все большему осмеянию даже в социально консервативной Австрии, его члены собрались [28 февраля 1997 года] на внеочередном заседании накануне отъезда и согласились принять Анну Лелкес в качестве арфистки". По состоянию на 2013 год в оркестре было шесть женщин; одна из них, скрипачка Альбена Данаилова, в 2008 году стала одним из концертмейстеров оркестра, первой женщиной на этой должности в истории оркестра. В 2012 году женщины составляли 6% состава оркестра. Президент VPO Клеменс Хеллсберг заявил, что VPO теперь использует полностью анонимные прослушивания. В 2013 году в статье журнала Mother Jones отмечалось, что, хотя "во многих престижных оркестрах значительное число членов – женщины (в скрипичной секции Нью-Йоркской филармонии женщин больше, чем мужчин), и несколько известных ансамблей, включая Национальный симфонический оркестр, Детройтский симфонический оркестр и Симфонический оркестр Миннесоты, возглавляют женщины-скрипачки", секции контрабасов, духовых и ударных инструментов в крупных оркестрах "по-прежнему преимущественно мужские". В статье BBC за 2014 год говорилось, что "введение "слепых" прослушиваний, когда потенциальный инструменталист выступает за ширмой, чтобы жюри не могло руководствоваться гендерными или расовыми предрассудками, привело к постепенному изменению гендерного баланса в традиционно мужских симфонических оркестрах".

Historically, major professional orchestras have been mostly or entirely composed of men. The first women members hired in professional orchestras have been harpists. The Vienna Philharmonic, for example, did not accept women to permanent membership until 1997, far later than comparable orchestras (the other orchestras ranked among the world's top five by Gramophone in 2008). The last major orchestra to appoint a woman to a permanent position was the Berlin Philharmonic. In February 1996, the Vienna Philharmonic's principal flute, Dieter Flury, told Westdeutscher Rundfunk that accepting women would be "gambling with the emotional unity (emotionelle Geschlossenheit) that this organism currently has". In April 1996, the orchestra's press secretary wrote that "compensating for the expected leaves of absence" of maternity leave would be a problem. In 1997, the Vienna Philharmonic was "facing protests during a [US] tour" by the National Organization for Women and the International Alliance for Women in Music. Finally, "after being held up to increasing ridicule even in socially conservative Austria, members of the orchestra gathered [on 28 February 1997] in an extraordinary meeting on the eve of their departure and agreed to admit a woman, Anna Lelkes, as harpist." As of 2013, the orchestra has six female members; one of them, violinist Albena Danailova, became one of the orchestra's concertmasters in 2008, the first woman to hold that position in that orchestra. In 2012, women made up 6% of the orchestra's membership. VPO president Clemens Hellsberg said the VPO now uses completely screened blind auditions. In 2013, an article in Mother Jones stated that while "[m]any prestigious orchestras have significant female membership — women outnumber men in the New York Philharmonic's violin section — and several renowned ensembles, including the National Symphony Orchestra, the Detroit Symphony, and the Minnesota Symphony, are led by women violinists", the double bass, brass, and percussion sections of major orchestras " are still predominantly male." A 2014 BBC article stated that the " introduction of 'blind' auditions, where a prospective instrumentalist performs behind a screen so that the judging panel can exercise no gender or racial prejudice, has seen the gender balance of traditionally male dominated symphony orchestras gradually shift."

Репертуар и выступления

Оркестры исполняют широкий спектр репертуара, от танцевальных сюит XVII века и дивертименто XVIII века до музыкальных партитур XX века и симфоний XXI века. Оркестры стали синонимом симфонии – масштабной музыкальной композиции в западной классической музыке, обычно состоящей из нескольких частей, контрастирующих по тональности и темпу. Симфонии записываются в партитуре, содержащей все инструментальные партии. Дирижер изучает партитуру перед репетициями, чтобы определить свою интерпретацию (например, темп, артикуляцию, фразировку и т. д.), а также использует её для следования за музыкой во время репетиций и концертов, руководя ансамблем. Оркестровые музыканты играют по партиям, содержащим только нотированный материал для их инструмента. Некоторые симфонии также включают вокальные партии (например, Девятая симфония Бетховена). Оркестры исполняют увертюры – термин, изначально применявшейся к инструментальному вступлению к опере. В начале эпохи романтизма композиторы, такие как Бетховен и Мендельсон, стали использовать этот термин для обозначения самостоятельных инструментальных программных произведений, предвосхитивших жанры, такие как симфоническая поэма, разработанная Францем Листом в ряде работ, начинавшихся как драматические увертюры. Они "первоначально, несомненно, предназначались для исполнения перед программой". В статье журнала The Strad говорится, что все оркестровые музыканты, даже в ведущих оркестрах, иногда фальсифицируют определенные пассажи, что в последние годы привело к снижению заработной платы нескольких известных дирижеров. Музыкальные администраторы, такие как Майкл Тилсон Томас и Эса-Пекка Салонен, утверждали, что новая музыка, новые способы её представления и возобновление связей с общественностью могут вдохнуть новую жизнь в симфонический оркестр. Американский критик Грег Сандоу подробно аргументировал, что оркестрам необходимо пересмотреть свой подход к музыке, исполнению, концертным впечатлениям, маркетингу, связям с общественностью, участию в жизни общества и презентации, чтобы соответствовать ожиданиям аудитории XXI века, погруженной в массовую культуру. Современные композиторы нередко используют нетрадиционные инструменты, включая различные синтезаторы, для достижения желаемого эффекта. Однако многие считают, что более традиционная оркестровая конфигурация обеспечивает лучшие возможности для выразительности и глубины звучания. Композиторы, такие как Джон Адамс, часто используют оркестры романтического состава, как в опере Адамса «Никсон в Китае»; Филипп Гласс и другие могут быть более свободными, но всё же придерживаются определенных границ состава. В частности, Гласс в последнее время обращается к традиционным оркестрам в таких произведениях, как Концерт для виолончели с оркестром и Скрипичный концерт № 2. Наряду с сокращением финансирования, некоторые американские оркестры уменьшили свой штат и количество музыкантов, участвующих в выступлениях. Сокращение числа исполнителей обычно затрагивает струнную секцию, поскольку количество музыкантов в ней традиционно было гибким (так как несколько музыкантов обычно играют по одной партии).

Orchestras play a wide range of repertoire ranging from 17th century dance suites, 18th century divertimentos to 20th century film scores and 21st century symphonies. Orchestras have become synonymous with the symphony, an extended musical composition in Western classical music that typically contains multiple movements which provide contrasting keys and tempos. Symphonies are notated in a musical score, which contains all the instrument parts. The conductor uses the score to study the symphony before rehearsals and decide on their interpretation (e. g., tempos, articulation, phrasing, etc. ), and to follow the music during rehearsals and concerts, while leading the ensemble. Orchestral musicians play from parts containing just the notated music for their instrument. A small number of symphonies also contain vocal parts (e. g., Beethoven's Ninth Symphony). Orchestras also perform overtures, a term originally applied to the instrumental introduction to an opera. During the early Romantic era, composers such as Beethoven and Mendelssohn began to use the term to refer to independent, self existing instrumental, programmatic works that presaged genres such as the symphonic poem, a form devised by Franz Liszt in several works that began as dramatic overtures. These were "at first undoubtedly intended to be played at the head of a programme". An article in The Strad states that all orchestral musicians, even those in the top orchestras, occasionally fake certain passages. which led several high profile conductors to take pay cuts in recent years. Music administrators such as Michael Tilson Thomas and Esa Pekka Salonen argued that new music, new means of presenting it, and a renewed relationship with the community could revitalize the symphony orchestra. The American critic Greg Sandow has argued in detail that orchestras must revise their approach to music, performance, the concert experience, marketing, public relations, community involvement, and presentation to bring them in line with the expectations of 21st century audiences immersed in popular culture. It is not uncommon for contemporary composers to use unconventional instruments, including various synthesizers, to achieve desired effects. Many, however, find more conventional orchestral configuration to provide better possibilities for color and depth. Composers like John Adams often employ Romantic size orchestras, as in Adams' opera Nixon in China; Philip Glass and others may be more free, yet still identify size boundaries. Glass in particular has recently turned to conventional orchestras in works like the Concerto for Cello and Orchestra and the Violin Concerto No. 2. Along with a decrease in funding, some U. S. orchestras have reduced their overall personnel, as well as the number of players appearing in performances. The reduced numbers in performance are usually confined to the string section, since the numbers here have traditionally been flexible (as multiple players typically play from the same part).

Роль проводника

Дирижирование — это искусство управления музыкальным исполнением, например, оркестровым или хоровым концертом. Основные обязанности дирижера — задавать темп, обеспечивать точные вступления различных участников ансамбля и, при необходимости, «оформлять» фразировку. Указания дирижера почти всегда дополняются или подкрепляются словесными указаниями или рекомендациями для музыкантов во время репетиций перед выступлением. Также в обязанности дирижера входит планирование концертного сезона, проведение прослушиваний и отбор участников, а также продвижение своего ансамбля в средствах массовой информации. Оркестры, хоры, духовые оркестры и другие крупные музыкальные коллективы, такие как биг-бенды, обычно находятся под руководством дирижера.

Оркестры без дирижера

В эпоху барокко (1600–1750) большинство оркестров возглавлялось одним из музыкантов, как правило, первой скрипкой, называемой концертмейстером. Концертмейстер задавал темп, ритмично поднимая смычок. Лидерство также могло обеспечиваться одним из инструменталистов, исполняющих аккорды в партии басо континуо, которая являлась основой большинства инструментальных ансамблей эпохи барокко. Обычно это был клавесинист, органист, лютнист или исполнитель на теорбе. Клавишный инструмент мог задавать темп движением головы, либо, отрывая одну руку от клавиатуры, для более сложной смены темпа. Лютнист или исполнитель на теорбе мог поднимать гриф инструмента вверх и вниз, указывая темп пьесы или задавая ритардандо в каденции или конце произведения. В некоторых произведениях, сочетавших хор и инструментальный ансамбль, иногда использовали двух руководителей: концертмейстера для управления инструменталистами и исполнителя, играющего аккорды, для управления хором. В период классической музыки (ок. 1720–1800) практика использования аккордных инструментов для исполнения басо континуо постепенно отходила в прошлое и полностью исчезла к 1800 году. Вместо этого ансамбли стали использовать дирижеров для управления темпом и стилем исполнения оркестра, в то время как концертмейстер играл дополнительную руководящую роль, особенно для струнных музыкантов, которые имитировали манеру игры и движение смычка концертмейстера, насколько это было возможно для различных струнных инструментов. В 1922 году идея оркестра без дирижера была возрождена в Советском Союзе после революции. Симфонический оркестр «Персимфанс» был создан без дирижера, поскольку основатели считали, что ансамбль должен быть построен по образцу идеального марксистского государства, где все люди равны. Поэтому его участники полагали, что нет необходимости подчиняться диктаторскому жесту дирижера; вместо этого ими руководил комитет, определявший темп и стиль исполнения. Несмотря на частичный успех в Советском Союзе, основная трудность концепции заключалась в изменении темпа во время исполнения, поскольку даже если комитет издавал постановление о месте изменения темпа, в ансамбле не было руководителя, который бы направлял это изменение. Оркестр просуществовал десять лет, прежде чем культурная политика Сталина распустила его, лишив финансирования. В западных странах некоторые ансамбли, такие как Камерный оркестр Орфея, базирующийся в Нью-Йорке, добились большего успеха с оркестрами без дирижера, хотя решения, вероятно, принимались с учетом некоего лидерства внутри ансамбля (например, главных исполнителей духовых и струнных инструментов, особенно концертмейстера). Другие вернулись к традиции, когда главный исполнитель, обычно скрипач, является художественным руководителем, проводящим репетиции и руководившим концертами. Примеры включают Австралийский камерный оркестр, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson и New Century Chamber Orchestra. Кроме того, в рамках движения за старинную музыку некоторые оркестры XX и XXI веков возродили барочную практику отсутствия дирижера на подиуме для барочных произведений, используя концертмейстера или исполнителя, играющего аккорды в партии басо континуо (например, клавесин или орган), для руководства ансамблем.

In the Baroque music era (1600–1750), most orchestras were led by one of the musicians, typically the principal first violin, called the concertmaster. The concertmaster would lead the tempo of pieces by lifting his or her bow in a rhythmic manner. Leadership might also be provided by one of the chord playing instrumentalists playing the basso continuo part which was the core of most Baroque instrumental ensemble pieces. Typically, this would be a harpsichord player, a pipe organist, or a lutist or theorbo player. A keyboard player could lead the ensemble with his or her head, or by taking one of the hands off the keyboard to lead a more difficult tempo change. A lutenist or theorbo player could lead by lifting the instrument neck up and down to indicate the tempo of a piece, or to lead a ritard during a cadence or ending. In some works which combined choirs and instrumental ensembles, two leaders were sometimes used: A concertmaster to lead the instrumentalists and a chord playing performer to lead the singers. During the Classical music period (c. 1720–1800), the practice of using chordal instruments to play basso continuo was gradually phased out, and it disappeared completely by 1800. Instead, ensembles began to use conductors to lead the orchestra's tempos and playing style, while the concertmaster played an additional leadership role for the musicians, especially the string players, who imitate the bowstroke and playing style of the concertmaster, to the degree that is feasible for the different stringed instruments. In 1922, the idea of a conductor less orchestra was revived in post revolutionary Soviet Union. The symphony orchestra Persimfans was formed without a conductor, because the founders believed that the ensemble should be modeled on the ideal Marxist state, in which all people are equal. As such, its members felt that there was no need to be led by the dictatorial baton of a conductor; instead they were led by a committee, which determined tempos and playing styles. Although it was a partial success within the Soviet Union, the principal difficulty with the concept was in changing tempo during performances, because even if the committee had issued a decree about where a tempo change should take place, there was no leader in the ensemble to guide this tempo change. The orchestra survived for ten years before Stalin's cultural politics disbanded it by taking away its funding. In Western nations, some ensembles, such as the Orpheus Chamber Orchestra, based in New York City, have had more success with conductorless orchestras, although decisions are likely to be deferred to some sense of leadership within the ensemble (for example, the principal wind and string players, notably the concertmaster). Others have returned to the tradition of a principal player, usually a violinist, being the artistic director and running rehearsal and leading concerts. Examples include the Australian Chamber Orchestra, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson and the New Century Chamber Orchestra. As well, as part of the early music movement, some 20th and 21st century orchestras have revived the Baroque practice of having no conductor on the podium for Baroque pieces, using the concertmaster or a chord playing basso continuo performer (e. g., harpsichord or organ) to lead the group.

За кулисами

В некоторых оркестровых произведениях указывается, что следует использовать трубу за сценой или размещать другие инструменты оркестра за сценой или позади сцены, чтобы создать призрачный, мистический эффект. Для обеспечения синхронности игры за сценой, иногда за кулисами назначается поддирижёр с хорошим обзором главного дирижёра. Примером может служить концовка части "Нептун" из сюиты "Планеты" Густава Холста. Главный дирижёр руководит большим оркестром, а поддирижёр передаёт темп и жесты главного дирижёра музыканту (или музыкантам), находящемуся за сценой. Одной из сложностей при использовании двух дирижёров является то, что поддирижёр может потерять синхронизацию с главным дирижёром или неверно передать (или неверно понять) жесты главного дирижёра, что может привести к игре инструментов за сценой не в такт. В конце XX и начале XXI века некоторые оркестры вместо двух дирижёров используют видеокамеру, направленную на главного дирижёра, и телевизор перед исполнителями за сценой.

Современная музыка

Техники полистилизма и политемпо в музыке привели нескольких композиторов XX и XXI веков к созданию произведений, в которых одновременно выступают несколько оркестров или ансамблей. Эти тенденции породили феномен полидирижирования, при котором отдельные вспомогательные дирижеры управляют каждой группой музыкантов. Как правило, главный дирижер координирует работу вспомогательных дирижеров, формируя тем самым общее исполнение. Примером является произведение Перси Грейнджера «Воины», в котором задействованы три дирижера: основной дирижер оркестра, второй дирижер, руководящий духовым ансамблем за сценой, и третий дирижер, отвечающий за ударные инструменты и арфу. Одним из примеров оркестровой музыки конца века является «Группы» Карлхайнца Штокхаузена для трех оркестров, размещенных вокруг зала. Это позволяло пространственно организовать "звуковые массы", подобно электроакустическому произведению. Премьера «Групп» состоялась в Кёльне в 1958 году под управлением Штокхаузена, Бруно Мадерны и Пьера Булеза. В 1996 году произведение исполняли Саймон Рэттл, Джон Керью и Даниэль Хардинг.