Джим Дайн: Жизнь и творчество американского художника

Введение

Американский художник (род. 1935) политик из Нью-Мексико

Джим Дайн (род. 16 июня 1935) – американский художник. В творчестве Дайна представлены живопись, рисунок, гравюра (в различных техниках, включая литографию, офорт, глубокую печать, гравюру на дереве, высокую печать и линогравюру), скульптура и фотография. Ранние работы художника включали ассамбляжи и хэппенинги, а в последние годы возрос объем его поэтических публикаций и выступлений с чтением стихов. Дайн был связан с различными художественными направлениями, такими как нео-дада (использование коллажа и найденных предметов), абстрактный экспрессионизм (экспрессивность его живописи) и поп-арт (прикрепление к холсту повседневных предметов, включая инструменты, веревки, одежду и даже раковину), однако он избегал четкой классификации. В основе его искусства, независимо от используемой техники, лежит глубокое автобиографическое осмысление, неустанное исследование и критика себя через ряд личных мотивов, таких как: сердце, халат, инструменты, античная скульптура и персонаж Пиноккио (наряду с изображениями флоры, черепов, птиц и фигуративных автопортретов). Подход Дайна всеобъемлющ: «Творчество Дайна развивается как поток сознания, опираясь на все аспекты его жизни – то, что он читает, предметы, которые он находит в сувенирных лавках по всему миру, и серьезное изучение искусства всех времен и народов, которое он считает полезным для своей практики». Дайн организовал более 300 персональных выставок, включая ретроспективы в Музее американского искусства Уитни, Нью-Йорк (1970), Музее современного искусства, Нью-Йорк (1978), Художественном центре Уокера, Миннеаполис (1984–1985), Садах и скульптурном парке Фредерика Мейджера, Гранд-Рапидс, Мичиган (2011) и Музее Фолкванга, Эссен (2015–2016). Его работы находятся в постоянных коллекциях Художественного института Чикаго, Музея Метрополитен, Нью-Йорк, Национального музея современного искусства, Центра Помпиду, Париж, Национальной галереи искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Музея Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, Галереи Тейт, Лондон, Токийского столичного художественного музея, Токио, и Художественной галереи Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут. Дайн удостоен ряда наград и отличий, включая избрание в Академию искусств и литературы в Нью-Йорке (1980), орден «За заслуги в области искусства и литературы» (Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres, 2003), медаль Британского музея (2015) после пожертвования музею 234 гравюр в 2014 году, членство в Академии Сан-Луки в Риме (2017) и орден Почетного легиона (Chevalier de l'Ordre de la Légion d'Honneur, 2018).

Jim Dine (born June 16, 1935) is an American artist. Dine's work includes painting, drawing, printmaking (in many forms including lithographs, etchings, gravure, intaglio, woodcuts, letterpress and linocuts), sculpture and photography; his early works encompassed assemblage and happenings, while in recent years his poetry output, both in publications and readings, has increased. Dine has been associated with many art movements including Neo Dada (use of collage and found objects), Abstract Expressionism (the gestural nature of his painting), and Pop Art (affixing everyday objects including tools, rope, articles of clothing and even a bathroom sink) to his canvases, yet he has avoided such classifications. At the core of his art, regardless of the medium of the specific work, lies an intense autobiographical reflection, a relentless exploration and criticism of self through a number of personal motifs including: the heart, the bathrobe, tools, antique sculpture, and the character of Pinocchio (among flora, skulls, birds and figurative self portraits). Dine's approach is all encompassing: "Dine's art has a stream of consciousness quality to its evolution, and is based on all aspects of his life—what he is reading, objects he comes upon in souvenir shops around the world, a serious study of art from every time and place that he understands as being useful to his own practice." Dine has had more than 300 solo exhibitions, including retrospectives at the Whitney Museum of American Art, New York (1970), the Museum of Modern Art, New York (1978), Walker Art Center, Minneapolis (1984–85), Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, Michigan (2011) and Museum Folkwang, Essen (2015–16). His work is in permanent collections including the Art Institute of Chicago; the Metropolitan Museum of Art, New York; the Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris; the National Gallery of Art, Washington, D. C.; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Tate Gallery, London; Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo; and Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut. Dine's distinctions include nomination to Academy of Arts and Letters in New York (1980), Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres (2003), the British Museum Medal (2015) following his donation of 234 prints to the museum in 2014, membership of the Accademia di San Luca in Rome (2017), and Chevalier de l'Ordre de la Légion d'Honneur (2018).

Образование

Первое формальное обучение Дайна состоялось в виде ночных курсов в Академии искусств Цинциннати, куда он поступил в 1952 году в возрасте 16 лет, одновременно посещая среднюю школу Уолнат-Хиллз. Это решение было обусловлено как его художественным призванием, так и отсутствием надлежащей подготовки в средней школе: «Я всегда знал, что я художник, и хотя я пытался приспособиться к жизни в школе в те годы, мне было трудно, потому что я хотел выразить себя творчески, а в школе, куда я ходил, не было для этого никаких возможностей». В 1954 году, продолжая посещать вечерние курсы, Дайн вдохновился копией книги Пола Дж. Сакса «Современные гравюры и рисунки» (1954), особенно немецкими экспрессионистскими гравюрами, воспроизведенными в ней, включая работы Эрнста Людвига Кирхнера (1880–1938), Эмиля Нольде (1867–1956) и Макса Бекмана (1884–1950) — «Они меня шокировали», — и начал создавать гравюры в подвале дома его материнских бабушки и дедушки, с которыми он тогда жил. После окончания средней школы Дайн поступил в Университет Цинциннати, но остался недоволен: «У них не было художественной школы, была школа дизайна. Я попробовал этим заниматься полгода. Это было нелепо [ ] Я просто хотел рисовать». По рекомендации друга, изучавшего театральное искусство в Университете штата Огайо в Афинах, Дайн поступил туда в 1955 году, где, как он вспоминает, был «поражен», не оснащением, а тем, что: «Я почувствовал идиллическую свободу в предгорьях Аппалачей, где я мог бы развиваться и стать художником». В том же году он основал Галерею Джадсона в церкви Джадсона в Гринвич-Виллидж вместе с Класом Олденбургом и Маркусом Ратлиффом, в конечном итоге познакомившись с Алланом Капроу и Бобом Уитманом: вместе они стали пионерами хеппенингов и перформансов, включая «Улыбающегося рабочего» Дайна 1959 года. Первая выставка Дайна состоялась в галерее Рубен, где он также представил сложный перформанс «Автокатастрофа» (1960). Еще одной важной ранней работой был «Дом» (1960) — инсталляция, включающая найденные предметы и уличный мусор, установленная в галерее Джадсона. Дайн продолжал включать в свои работы повседневные предметы (включая личные вещи), однако он последовательно дистанцировался от поп-арта: «Я не поп-художник. Я не принадлежу к этому движению, потому что я слишком субъективен. Поп-арт интересует внешнее. Меня интересует внутреннее. Когда я использую предметы, я вижу в них словарь чувств. [ ] Я стараюсь исследовать себя в своей работе в физических терминах — объяснить что-то, исходя из моей собственной восприимчивости».

Dine's first formal training took the form of night courses at the Art Academy of Cincinnati, in which he enrolled in 1952 at the age of 16, while attending Walnut Hills High School. It was a decision motivated both by his artistic calling and the lack of appropriate training at high school: "I always knew I was always an artist and even though I tried to conform to high school life in those years, I found it difficult because I wanted to express myself artistically, and the school I went to had no facilities for that." In 1954, while still attending evening courses, Dine was inspired by a copy of Paul J. Sachs' Modern Prints and Drawings (1954), particularly by the German Expressionist woodcuts it reproduced, including work by Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938), Emil Nolde (1867–1956) and Max Beckmann (1884–1950)—"I was shocked by them" — and began creating woodcuts in the basement of his maternal grandparents, with whom he was then living. After high school Dine enrolled at the University of Cincinnati but was unsatisfied: "They didn't have an art school, they had a design school. I tried that for half a year. It was ridiculous [ ] All I wanted to do was paint." At the recommendation of a friend majoring in theatre at Ohio University in Athens, Dine enrolled there in 1955, where he recalls being "blown away", not by the facilities but because: "I sensed a bucolic freedom in the foothills of the Appalachians where I could possibly develop and be an artist." In the same year he founded the Judson Gallery at the Judson Church in Greenwich Village with Claes Oldenburg and Marcus Ratliff, eventually meeting Allan Kaprow and Bob Whitman: together they became pioneers of happenings and performances, including Dine's The Smiling Workman of 1959. Dine's first exhibition was at the Reuben Gallery, where he also staged the elaborate performance Car Crash (1960), Another important early work was The House (1960), an environment incorporating found objects and street debris, installed at the Judson Gallery. Dine continued to include everyday items (including personal possessions) in his work, Dine has, however, consistently distanced himself from Pop Art: "I'm not a Pop artist. I'm not part of the movement because I'm too subjective. Pop is concerned with exteriors. I'm concerned with interiors. When I use objects, I see them as a vocabulary of feelings. [ ] What I try to do in my work is explore myself in physical terms—to explain something in terms of my own sensibilities."

Мотивы

С начала 1960-х годов Дайн совершенствовал ряд мотивов, посредством которых он исследовал свою личность в самых разных формах и медиа, а также в различных местах и студиях, где он работал, включая: Лондон (1968–71); Путнам, Вермонт (1971–85); Уолла-Валла, Вашингтон (с 1983 года); Париж (с 2001 года); и Геттинген (с 2007 года), в студии, расположенной рядом с помещениями издательства и типографии Steidl, на которой издано большинство его книг.

Купальники

Дайн впервые изобразил халаты в 1964 году, когда искал новую форму автопортрета, в эпоху, когда "просто делать автопортрет было не в моде"; таким образом, он разработал подход, избегающий изображения его лица. Позже Дине увидел изображение халата в рекламе в журнале New York Times Magazine. Со временем сердце стало для Дина "универсальным символом, на который можно было наносить краску" и "географической структурой, столь же удачной, как любая, которую можно найти в природе. Это своего рода ландшафт, в котором можно было взрастить что угодно, и, думаю, я это сделал". Формальная простота сердца позволила ему считать его исключительно своим, пустой формой для непрерывных экспериментов, в которую можно проецировать меняющееся "я". Статус сердца как универсального символа любви также отражает преданность Дайна творческому процессу: "Я был влюблен в то, что меня призвали создавать эти сердца – это искусство. В этом методе, в самом акте создания искусства, есть схожее чувство любви".

Пиноккио

Попытка вдохнуть жизнь в эту куклу – прекрасная история. Это история о том, как рождается искусство, – Джим Дайн. Увлечение Дайна персонажем Пиноккио, главным героем «Приключений Пиноккио» Карло Коллоди (1883), восходит к его детству, когда в возрасте шести лет он вместе с матерью посмотрел мультфильм Уолта Диснея «Пиноккио» (1940): «Он навсегда поселился в моем сердце!» Этот определяющий опыт углубился в 1964 году, когда Дайн обнаружил детальную фигурку Пиноккио, покупая инструменты: «Она была расписана вручную, с головой из папье-маше, красивой одеждой и шарнирными конечностями. Я принес ее домой и держал на полке в течение 25 лет. Я ничего с ней не делал, не знал, что с ней делать, но она всегда была рядом. При каждом переезде я брал ее с собой, ставил на книжную полку или убирал в ящик, доставая, по сути, чтобы поиграть с ней». Однако лишь в 1990-х годах Дайн начал изображать Пиноккио в своем творчестве, сначала в диптихе; следующие работы с Пиноккио были представлены на Венецианской биеннале 1997 года и на выставке в галерее Ричарда Грея в Чикаго. Книга «Пиноккио» (Steidl, 2006), объединяющая текст Коллоди и иллюстрации Дайна; две монументальные бронзовые скульптуры высотой 9 метров: «Walking to Borås» (2008) в Боросе, Швеция, и «Busan Pinocchio» (2013) в Пусане, Южная Корея; и «Пиноккио (Эмоциональный)» (2012) – двенадцатифутовая бронзовая скульптура в Художественном музее Цинциннати. В последние годы самоидентификация Дайна с Пиноккио сменилась отождествлением с Гепетто, талантливым резчиком по дереву, создавшим куклу.

Скульптура античности

Я испытываю глубокое почтение к миру древности. Я имею в виду греко-римское общество. Это всегда меня интересовало, и то, что было создано в ту эпоху, и литература – историческая литература – всё это вызывает у меня интерес. У меня есть потребность ощутить связь с прошлым по-своему. Как и в случае с Пиноккио, увлечение Дайна античной скульптурой началось в раннем возрасте: «Я всегда интересовался «антикой», потому что моя мать водила меня в художественный музей в Цинциннати, где было несколько прекрасных экспонатов». Таким образом, античное присутствует в его творчестве с самых ранних работ, например, в «Безымянном» (После Крылатой Победы) (1959), который сейчас находится в коллекции Чикагского института искусств, – скульптуре, вдохновлённой Крылатой Победой Самофракийской (ок. 200 г. до н.э.) и состоящей из раскрашенного плаща, повешенного на найденный каркас лампы и скреплённого проволокой. Дайн описывает её как «почти искусство аутсайдеров» и впервые представил её в галерее Рубена. Чаще всего он выражает интерес к античности через образ Венеры Милосской (ок. 100 г. до н.э.), небольшую гипсовую копию которой он купил в Париже. Изначально он включил эту копию в натюрморты 1970-х годов, «Но потом я отбил ей голову и сделал её своей». Дина также вдохновляется конкретными коллекциями скульптур, например, коллекцией Глиптотеки в Мюнхене, которую он посетил в 1984 году. Результатом стали 40 «Рисунков из Глиптотеки» (1987–88), созданных в качестве подготовки к серии литографий. Дайн вспоминает: «Директор музея разрешил мне приходить ночью, и тогда я мог медитировать над теми произведениями, которые рисовал, потому что я был один. Я почувствовал связь между эпохами истории и мной, и общение с теми анонимными мастерами, которые создавали эти вещи за столетия до меня. Это был способ соединить руки разных поколений, и я почувствовал, что не просто вырос как перекати-поле, а что у меня есть корни. Я принадлежу к традиции, и она дала мне ту историю, которая мне была нужна». Изначально представленная в 2008–09 годах в Вилле Гетти, Музее Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес, и перекликающаяся со Скульптурной группой «Сидящий поэт и сирены» (350–300 гг. до н.э.) (2) с несвязанными фрагментами локонов (304), хранящейся в коллекции Гетти, работа «Поющий поэт» («Цветущие простыни») была позднее обновлена Дайном как постоянная, специально созданная для этого места инсталляция, размещённая в павильоне имени Джима Дайна, прилегающем к Художественному музею Гёттингена.

"I have this reverence for the ancient world. I mean Greco Roman society. This always interested me and the product of it is interesting to me and the literature is interesting—the historic literature. I have this need to connect with the past in my way "—Jim Dine. As with Pinocchio, Dine's fascination with antique sculpture dates to early in his life: "I had always been interested as a child in 'the antique,' because my mother took me to the art museum in Cincinnati, and they had a few beautiful pieces." The antique has thus been present since his early work, for example in Untitled (After Winged Victory) (1959), now held in the collection of the Art Institute of Chicago, a sculpture inspired by the Winged Victory of Samothrace (ca. 200 B. C.) and composed of a painted robe hung on a found lamp frame and held together with wire, which Dine describes as "almost like outsider art" and he first showed at the Ruben Gallery. He most frequently expresses the antique through the figure of the Venus de Milo (ca. 100 B. C.), a small plaster cast of which he bought in Paris; he initially included the cast in 1970s still life paintings, "But then I knocked the head off it and made it mine." Dine is also inspired by specific sculpture collections, for example that of the Glyptothek in Munich, which he visited in 1984, resulting in the 40 "Glyptotek Drawings" [sic] of 1987–88, made in preparation for a series of lithographs. Of the experience Dine recalls: "The museum director let me come in at night and, therefore, it was a meditation on the pieces I was drawing because I was alone. I felt a link between the ages of history and me and a communication between these anonymous guys who had carved these things centuries before me. It was a way to join hands across the generations, and for me to feel that I did not just grow like a tumbleweed but that I came from somewhere. I belonged to a tradition and it gave me the history I needed." Originally shown in 2008–09 at the Getty Villa, J. Paul Getty Museum, Los Angeles, and echoing the 350–300 B. C. Sculptural Group of a Seated Poet and Sirens (2) with unjoined fragmentary curls (304) held in the Getty collection, Dine has since updated Poet Singing (The Flowering Sheets) as a permanent, site specific installation housed in the purpose built Jim Dine Pavilion, adjacent to the Kunsthaus Göttingen.

Инструменты

"Я никогда не переставал быть очарован этими предметами". – Джим Дайн. Дайн вспоминает молотки, пилы, дрели, отвертки и различные инструменты; позже Дайн работал в магазине Коэна по субботам. Так Дайн был одновременно посвящен и в практическое применение инструментов, и в их эстетические возможности: "Я восхищался красивой эмалью на керамических унитазах и раковинах. Я восхищался тем, как рядом друг с другом в рулонах лежали разноцветные провода, и тем, как они были сплетены. В отделе красок цветовые образцы казались мне совершенными, идеальными шкатулками с драгоценностями". Он вспоминает о чувственном воздействии "очень, очень красивой" девственно белой краски: "Я играл с ней, втыкая одну из его отверток и прорывая пленку, размазывая краску. Это было как белая тянучка. У нее был восхитительный запах льняного масла и скипидара". Как мотив, символизирующий превращение сырья в искусство, инструменты занимают уникальное место в практике Дайна как "искусственные продолжения его рук, позволяющие ему более систематически формировать и преобразовывать заданные условия и объекты", и как "первичные объекты", создающие связь с нашим человеческим прошлым и ручным трудом. По словам самого Дайна, инструмент – это в корне "метафора 'работы'". Необычный цикл гравюр с использованием инструментов – "История коммунизма" (2014), в котором Дайн наносил изображения инструментов поверх литографий, сделанных из камней, найденных в художественной академии в Берлине, и демонстрирующих четырехдесятилетнюю работу студентов из Германской Демократической Республики. Накладывая свой собственный визуальный язык инструментов, Дайн вступает в диалог с символическими инструментами коммунизма – серпом и молотом Советского Союза, а также молотком и циркулем в венке из ржи Германской Демократической Республики – и ставит под сомнение утверждение какой-либо однозначной "правды", показывая, что "история никогда не является последовательным повествованием – хотя ее могут представить таким с определенной целью – а скорее фрагментированным, многослойным и многогранным процессом".