Марина Абрамович: Граница тела и духа в перформансе.

Введение

Марина Абрамович (,; род. 30 ноября 1946 года) — сербская художница, работающая в жанрах концептуального и перформансного искусства. Её творчество исследует боди-арт, искусство выносливости, взаимоотношения между исполнителем и зрителем, пределы человеческого тела и возможности разума. Работая более четырех десятилетий, Абрамович называет себя «матерью перформанса». Она стала пионером в создании нового понимания идентичности, вовлекая зрителей в процесс, и фокусируясь на «столкновении с болью, кровью и физическими пределами тела». В 2007 году она основала Институт Марины Абрамович (MAI) — некоммерческий фонд, поддерживающий перформансное искусство.

Ранняя жизнь, образование и преподавание

Абрамович родилась в Белграде, Сербия, тогда входившем в состав Югославии, 30 ноября 1946 года. В одном из интервью Абрамович описала свою семью как "красную буржуазию". Оба её родителя, Даница Росич и Войин Абрамович, родились в Черногории во время Второй мировой войны. После войны родители Абрамович были награждены орденом Народных Героев и получили должности в послевоенном югославском правительстве. Её бабушка была глубоко религиозной, и Абрамович "проводила детство в церкви, следуя ритуалам бабушки – утренние свечи, визиты священника по разным случаям". Жизнь в родительском доме Абрамович под строгим надзором матери была сложной. В детстве мать избивала Абрамович за "показуху". В интервью, опубликованном в 2013 году, Абрамович сказала: "У моих родителей был ужасный брак". Описывая случай, когда отец разбил 12 бокалов шампанского и ушел из дома, она сказала: "Это был самый ужасный момент моего детства". В 1976 году, после замужества с Нешей Париповичем (в период с 1970 по 1976 год), Абрамович отправилась в Амстердам для исполнения перформанса, а затем решила переехать туда на постоянное место жительства. С 1990 по 1995 год Абрамович была приглашенным профессором в Академии изящных искусств в Париже и в Берлинском университете искусств. С 1992 по 1996 год она также преподавала в качестве приглашенного профессора в Hochschule für bildende Künste Hamburg, а с 1997 по 2004 год была профессором перформансивного искусства в Hochschule für bildende Künste Braunschweig.

Ритм 10, 1973

В своем первом выступлении в Эдинбурге в 1973 году Абрамович исследовала элементы ритуала и жестов. Используя двадцать ножей и два магнитофона, художница играла в русскую игру, где ритмичные удары ножом наносятся между растопыренными пальцами руки. Каждый раз, когда она порезалась, она брала новый нож из ряда из двадцати, которые она подготовила, и записывала процесс. После двадцати порезов она воспроизвела запись, послушала звуки и попыталась повторить те же движения, стремясь воспроизвести ошибки, объединяя прошлое и настоящее. Она стремилась исследовать физические и ментальные пределы тела – боль и звуки от ударов ножом; двойные звуки, возникающие из истории и повторения. С этой работой Абрамович начала задумываться о состоянии сознания исполнителя. "Как только ты входишь в состояние перформанса, ты можешь заставить свое тело делать то, что в обычной жизни абсолютно невозможно."

Ритм 5, 1974

В этом перформансе Абрамович стремилась вновь пробудить энергию крайней физической боли, используя большую звезду, пропитанную нефтью, которую художница подожгла в начале действия. Стоя снаружи звезды, Абрамович подстригла ногти на руках, ногти на ногах и волосы. Закончив с каждым, она бросала срезанное в пламя, создавая каждый раз вспышку света. Сжигание коммунистической пятиконечной звезды или пентаграммы символизировало физическое и ментальное очищение, а также отсылало к политическому прошлому художницы. В финальном акте очищения Абрамович прыгнула через пламя в центр большой пентаграммы. Поначалу, из-за света и дыма от огня, зрители не сразу поняли, что художница потеряла сознание из-за недостатка кислорода внутри звезды. Однако, когда пламя подступило очень близко к её телу, а она оставалась неподвижной, врач и другие вмешались и извлекли её из звезды. Позже Абрамович прокомментировала этот опыт: "Я была очень зла, потому что поняла, что существует физический предел. Когда теряешь сознание, ты не можешь присутствовать, ты не можешь выступать".

Ритм 2, 1974

Вдохновленная потерей сознания во время "Ритма 5", Абрамович разработала двухчастный "Ритм 2", чтобы включить состояние потери сознания в перформанс. Она представила работу в Галерее современного искусства в Загребе в 1974 году. В первой части, длившейся 50 минут, она приняла лекарство, которое, по ее словам, "дают пациентам, страдающим кататонией, чтобы вызвать у них изменение положения тела". Лекарство вызвало сильные мышечные сокращения, и она полностью потеряла контроль над своим телом, оставаясь при этом в сознании. После десятиминутного перерыва она приняла второе лекарство, которое "дают пациентам с шизофренией и агрессивными расстройствами поведения для успокоения". Перформанс завершился через пять часов, когда действие лекарства прекратилось.

Ритм 4, 1974

"Ритм 4" был исполнен в Galleria Diagramma в Милане. В этой работе Абрамович стояла на коленях одна и обнаженная в комнате с мощным промышленным вентилятором. Она медленно приближалась к вентилятору, пытаясь вдохнуть как можно больше воздуха, чтобы довести свои легкие до предела. Вскоре после этого она потеряла сознание. Предыдущий опыт Абрамович в "Ритме 5", когда зрители вмешивались в перформанс, заставил ее разработать конкретный план, чтобы ее потеря сознания не прервала представление до его завершения. Перед началом перформанса Абрамович попросила оператора фокусироваться исключительно на ее лице, игнорируя вентилятор. Это было сделано для того, чтобы зрители не заметили ее бессознательного состояния и, следовательно, не стали вмешиваться. Иронично, но после нескольких минут бессознательности Абрамович оператор отказался продолжать съемку и вызвал помощь. В своих работах Абрамович утверждает свою идентичность через восприятие других, но, что более важно, меняя роли участников, она раскрывает и демонстрирует идентичность и природу человечества в целом. Таким образом, индивидуальный опыт трансформируется в коллективный и создает мощное послание. Это стало началом десятилетия влиятельной совместной работы. Каждый исполнитель интересовался традициями своего культурного наследия и индивидуальным стремлением к ритуалу. В результате они решили сформировать коллективное существо под названием "Другой" и говорить о себе как о частях "двуглавого тела". Они одевались и вели себя как близнецы, создавая отношения полного доверия. По мере того как они определяли эту призрачную идентичность, их индивидуальные личности становились менее доступными. В анализе призрачных художественных идентичностей Чарльз Грин отметил, что это позволило глубже понять художника как исполнителя, поскольку это открыло способ "сделать художественное "я" доступным для самоанализа". Работа Абрамович и Улая испытывала физические пределы тела и исследовала мужские и женские принципы, психическую энергию, трансцендентальную медитацию и невербальную коммуникацию. В "Отношении в пространстве" (1976) они неоднократно сталкивались друг с другом в течение часа, смешивая мужскую и женскую энергию в третий компонент, названный "это я". Для создания "Вдох/Выдох" художники разработали перформанс, в котором соединили свои рты и вдыхали выдыхаемый друг другом воздух, пока не использовали весь доступный кислород. Через девятнадцать минут после начала перформанса они отделились друг от друга, легкие были наполнены углекислым газом. Эта личная работа исследовала идею способности человека поглощать жизнь другого человека, обмениваясь и уничтожая ее. В "Imponderabilia" (1977, повторно исполнено в 2010 году) два исполнителя противоположного пола, оба полностью обнаженные, стоят в узком дверном проеме. Публика должна протискиваться между ними, чтобы пройти, и при этом выбирать, к кому из них повернуться лицом. С 1981 по 1987 год дуэт исполнил "Nightsea Crossing" в двадцати двух перформансах. Они сидели молча друг напротив друга на стульях по семь часов в день. Она сказала, что этот переход ей приснился, и он предоставил, по ее мнению, подходящий, романтический финал для отношений, полных мистицизма, энергии и влечения. Позже она описала этот процесс: "Нам нужна была определенная форма завершения, после этого огромного расстояния, когда мы шли навстречу друг другу. Это очень по-человечески. Это в каком-то смысле более драматично, больше похоже на финал фильма, потому что в конце концов ты действительно один, что бы ты ни делал". Абрамович испытала глубокую эмоциональную реакцию, когда Улай прибыл на ее перформанс, протянув руку к нему через стол между ними; видеозапись этого события стала вирусной. В ноябре 2015 года Улай подал в суд на Абрамович, утверждая, что она выплатила ему недостаточные роялти в соответствии с условиями контракта 1999 года, касающегося продаж их совместных работ, а год спустя, в сентябре 2016 года, Абрамович была обязана выплатить Улаю 250 000 евро. В своем решении суд в Амстердаме установил, что Улай имеет право на 20% чистых роялти от продаж их работ, как указано в первоначальном контракте 1999 года, и обязал Абрамович выплатить роялти за прошедший период в размере более 250 000 евро, а также более 23 000 евро в качестве судебных издержек. Кроме того, ей было предписано обеспечить полную аккредитацию совместным работам, указанным как "Ulay/Abramović" в период с 1976 по 1980 год, и "Abramović/Ulay" для работ с 1981 по 1988 год.

Rhythm 4 was performed at the Galleria Diagramma in Milan. In this piece, Abramović kneeled alone and naked in a room with a high power industrial fan. She approached the fan slowly, attempting to breathe in as much air as possible to push the limits of her lungs. Soon after she lost consciousness. Abramović's previous experience in Rhythm 5, when the audience interfered in the performance, led to her devising specific plans so that her loss of consciousness would not interrupt the performance before it was complete. Before the beginning of her performance, Abramović asked the cameraman to focus only on her face, disregarding the fan. This was so the audience would be oblivious to her unconscious state, and therefore unlikely to interfere. Ironically, after several minutes of Abramović's unconsciousness, the cameraman refused to continue and sent for help. In her works, Abramović affirms her identity through the perspective of others, however, more importantly by changing the roles of each player, the identity and nature of humanity at large is unraveled and showcased. By doing so, the individual experience morphs into a collective one and creates a powerful message. This was the beginning of a decade of influential collaborative work. Each performer was interested in the traditions of their cultural heritage and the individual's desire for ritual. Consequently, they decided to form a collective being called "The Other", and spoke of themselves as parts of a "two headed body". They dressed and behaved like twins and created a relationship of complete trust. As they defined this phantom identity, their individual identities became less accessible. In an analysis of phantom artistic identities, Charles Green has noted that this allowed a deeper understanding of the artist as performer, since it revealed a way of "having the artistic self made available for self scrutiny". The work of Abramović and Ulay tested the physical limits of the body and explored male and female principles, psychic energy, transcendental meditation, and nonverbal communication. In Relation in Space (1976) they ran into each other repeatedly for an hour – mixing male and female energy into the third component called "that self". To create Breathing In/Breathing Out the two artists devised a piece in which they connected their mouths and took in each other's exhaled breaths until they had used up all of the available oxygen. Nineteen minutes after the beginning of the performance they pulled away from each other, their lungs having filled with carbon dioxide. This personal piece explored the idea of an individual's ability to absorb the life of another person, exchanging and destroying it. In Imponderabilia (1977, reenacted in 2010) two performers of opposite sexes, both completely nude, stand in a narrow doorway. The public must squeeze between them in order to pass, and in doing so choose which one of them to face. Between 1981 and 1987, the pair performed Nightsea Crossing in twenty two performances. They sat silently across from each other in chairs for seven hours a day. She has said that she conceived this walk in a dream, and it provided what she thought was an appropriate, romantic ending to a relationship full of mysticism, energy, and attraction. She later described the process: "We needed a certain form of ending, after this huge distance walking towards each other. It is very human. It is in a way more dramatic, more like a film ending Because in the end, you are really alone, whatever you do." Abramović had a deeply emotional reaction to Ulay when he arrived at her performance, reaching out to him across the table between them; the video of the event went viral. In November 2015, Ulay took Abramović to court, claiming she had paid him insufficient royalties according to the terms of a 1999 contract covering sales of their joint works and a year later, in September 2016, Abramović was ordered to pay Ulay €250,000. In its ruling, the court in Amsterdam found that Ulay was entitled to royalties of 20% net on the sales of their works, as specified in the original 1999 contract, and ordered Abramović to backdate royalties of more than €250,000, as well as more than €23,000 in legal costs. Additionally, she was ordered to provide full accreditation to joint works listed as by "Ulay/Abramović" covering the period from 1976 to 1980, and "Abramović/Ulay" for those from 1981 to 1988.

Очистка зеркала, 1995 год

"Очистка зеркала" состояла из пяти мониторов, на которых демонстрировались кадры, где Абрамович отмывает грязный человеческий скелет у себя на коленях. Она энергично чистит различные части скелета мыльной водой. Каждый монитор посвящен отдельной части скелета: голове, тазу, ребрам, рукам и ногам. Каждое видео сопровождается собственным звуком, создавая наложение. По мере того, как скелет становится чище, Абрамович покрывается серой грязью, которой был покрыт скелет. Это трехчасовое перформанс насыщено метафорами тибетских обрядов, готовящих учеников к принятию собственной смертности. Произведение состоит из трилогии. "Очистка зеркала №1" была исполнена в Музее современного искусства и длилась три часа. "Очистка зеркала №2" длилась 90 минут и была исполнена в Оксфордском университете. "Очистка зеркала №3" была исполнена в музее Питт-Риверс в течение пяти часов.

"Спирит Кукинг", 1996 год

Абрамович работала с Якобом Самуэлем над созданием кулинарной книги с "рецептами афродизиаков" под названием Spirit Cooking в 1996 году. Эти "рецепты" задумывались как "наводящие на размышления инструкции для действий или мыслей". Например, один из рецептов требует "13 000 граммов ревности", а другой предписывает "смешать свежее грудное молоко со свежей спермой". Работа была вдохновлена распространенным поверьем, что призраки питаются нематериальными вещами, такими как свет, звук и эмоции. В 1997 году Абрамович создала мультимедийную инсталляцию "Приготовление духов". Изначально она была представлена в Zerynthia Associazione per l'Arte Contemporanea в Риме, Италия, и включала в себя белые стены галереи, на которых свиной кровью были написаны "загадочно жестокие инструкции к рецептам". По словам Алексы Готтардт, эта работа – "комментарий о зависимости человечества от ритуалов, которые помогают организовать и легитимизировать нашу жизнь и обуздать наши тела". Абрамович также опубликовала кулинарную книгу Spirit Cooking, содержащую комически-мистические инструкции по саморазвитию, которые скорее являются поэзией. Позднее Spirit Cooking превратилось в форму развлечения в виде ужина, который Абрамович иногда устраивает для коллекционеров, спонсоров и друзей.

Художник присутствует: март-май 2010

С 14 марта по 31 мая 2010 года в Музее современного искусства прошла крупная ретроспективная выставка и реконструкция перформансов Абрамович, ставшая крупнейшей экспозицией перформансного искусства в истории MoMA, куратором которой был Клаус Бисенбах. Бисенбах также предложил название перформансу, отсылающее к тому факту, что на протяжении всего действия "художник находился непосредственно в галерее или музее". В период проведения выставки Абрамович исполнила перформанс "Художник присутствует" – статичное, безмолвное произведение продолжительностью 736 часов и 30 минут, в котором она неподвижно сидела в атриуме музея, а зрителям предлагалось по очереди садиться напротив нее. Улай неожиданно появился на открытии выставки. Абрамович сидела в прямоугольнике, очерченном скотчем на полу атриума второго этажа MoMA; на нее и на стул напротив были направлены театральные софиты. Посетителям, стоявшим в очереди, предлагалось поочередно садиться напротив художницы, поддерживая с ней зрительный контакт. Уже через несколько дней после открытия выставки атриум заполонили посетители, некоторые из которых приходили перед самым открытием, чтобы занять более выгодное место в очереди и посидеть с Абрамович. Большинство посетителей оставались с художницей не более пяти минут, а некоторые – целый день. Очередь не привлекала внимания охраны музея до последнего дня выставки, когда один из посетителей начал рвать в очереди, а другой – раздеваться. Напряжение среди ожидающих могло быть вызвано осознанием того, что каждая минута, проведенная с Абрамович, уменьшала время, доступное для тех, кто стоял дальше в очереди. В связи с физической сложностью многочасового сидения, любители искусства предполагали, что Абрамович могла использовать взрослый подгузник, чтобы избежать необходимости вставать. Другие обращали внимание на ее движения между сеансами с посетителями, считая их важным элементом анализа, поскольку единственными изменениями в поведении художницы были слезы в ответ на плачущего посетителя и момент физического контакта с Улаем, одним из первых гостей выставки. Абрамович сидела напротив 1545 человек, включая Клауса Бисенбаха, Джеймса Франко, Лу Рида, Алана Рикмана, Джемиму Кирк, Дженнифер Карпентер и Бьорк; посетителям просили не прикасаться к художнице и не разговаривать с ней. К концу выставки сотни людей выстраивались в очередь снаружи музея, чтобы занять место на следующий день. Абрамович завершила перформанс, соскользнув со стула и поднявшись под восторженные аплодисменты толпы, насчитывающей более десяти человек. В Facebook была создана группа поддержки "сидящих" под названием "Sitting with Marina", а также блог "Marina Abramović made me cry". Итальянский фотограф Марко Анелли сделал портреты каждого, кто сидел напротив Абрамович, которые были опубликованы на Flickr, собраны в книгу и представлены на выставке в галерее Danziger в Нью-Йорке. Абрамович заявила, что эта выставка полностью изменила ее жизнь – "каждый возможный элемент, каждое физическое ощущение". После того, как Леди Гага посетила выставку и рассказала о ней, Абрамович обрела новую аудиторию: "Так что дети от 12 до 14 и до 18 лет, публика, которая обычно не ходит в музеи, не интересуется перформансом или даже не знает, что это такое, стали приходить из-за Леди Гаги. Они посмотрели шоу и начали возвращаться. И так я обрела совершенно новую аудиторию". В сентябре 2011 года Pippin Barr выпустила видеоигру, основанную на перформансе Абрамович. В 2013 году Дейл Эйзингер из Complex включил "The Artist Is Present" (наряду с "Rhythm 0") в свой список величайших произведений перформансного искусства, поставив его на девятое место. Этот перформанс вдохновил австралийскую писательницу Хизер Роуз на написание романа "Музей современной любви", который она представила американской публике в Музее современного искусства в 2018 году.

From March 14 to May 31, 2010, the Museum of Modern Art held a major retrospective and performance recreation of Abramović's work, the biggest exhibition of performance art in MoMA's history, curated by Klaus Biesenbach. Biesenbach also provided the title for the performance, which referred to the fact that during the entire performance "the artist would be right there in the gallery or the museum." During the run of the exhibition, Abramović performed The Artist Is Present, a 736 hour and 30 minute static, silent piece, in which she sat immobile in the museum's atrium while spectators were invited to take turns sitting opposite her. Ulay made a surprise appearance at the opening night of the show. Abramović sat in a rectangle drawn with tape in the floor of the second floor atrium of the MoMA; theater lights shone on her sitting in a chair and a chair opposite her. Visitors waiting in line were invited to sit individually across from the artist while she maintained eye contact with them. Visitors began crowding the atrium within days of the show opening, some gathering before the exhibit opened each morning to rush for a more preferable place in the line to sit with Abramović. Most visitors sat with the artist for five minutes or less, a few sat with her for an entire day. The line attracted no attention from museum security until the last day of the exhibition, when a visitor vomited in line and another began to disrobe. Tensions among visitors in line could have arisen from an understanding that for every minute each person in line spent with Abramović, there would be that many fewer minutes in the day for those further back in line to spend with the artist. Due to the strenuous nature of sitting for hours at a time, art enthusiasts have speculated as to whether Abramović wore an adult diaper to eliminate the need to move to urinate. Others have highlighted the movements she made in between sitters as a focus of analysis, as the only variations in the artist between sitters were when she would cry if a sitter cried and her moment of physical contact with Ulay, one of the earliest visitors to the exhibition. Abramović sat across from 1,545 sitters, including Klaus Biesenbach, James Franco, Lou Reed, Alan Rickman, Jemima Kirke, Jennifer Carpenter, and Björk; sitters were asked not to touch or speak to the artist. By the end of the exhibit, hundreds of visitors were lining up outside the museum overnight to secure a spot in line the next morning. Abramović concluded the performance by slipping from the chair where she was seated and rising to a cheering crowd more than ten people deep. A support group for the "sitters", "Sitting with Marina", was established on Facebook, as was the blog "Marina Abramović made me cry". The Italian photographer Marco Anelli took portraits of every person who sat opposite Abramović, which were published on Flickr, compiled in a book and featured in an exhibition at the Danziger Gallery in New York. Abramović said the show changed her life "completely – every possible element, every physical emotion". After Lady Gaga saw the show and publicized it, Abramović found a new audience: "So the kids from 12 and 14 years old to about 18, the public who normally don't go to the museum, who don't give a shit about performance art or don't even know what it is, started coming because of Lady Gaga. And they saw the show and then they started coming back. And that's how I get a whole new audience." In September 2011, a video game version of Abramović's performance was released by Pippin Barr. In 2013, Dale Eisinger of Complex ranked The Artist Is Present ninth (along with Rhythm 0) in his list of the greatest performance art works. Her performance inspired Australian novelist Heather Rose to write The Museum of Modern Love and she subsequently launched the US edition of the book at the Museum of Modern Art in 2018.

Другое

В 2009 году Абрамович была представлена в документальном фильме Чиары Клементе «Наш город мечтает» и одноименной книге. Пять художников, среди которых Свун, Гада Амер, Кики Смит и Нэнси Сперо, «каждый из них испытывает страсть к созданию работ, неразрывно связанной с их преданностью Нью-Йорку», – сообщает издательство. Абрамович также является героиней независимого документального фильма «Марина Абрамович: Художник присутствует», основанного на ее жизни и перформансе на ретроспективной выставке «Художник присутствует» в Музее современного искусства в 2010 году. Фильм был показан на канале HBO в США и удостоен премии Пибоди в 2012 году. В январе 2011 года Абрамович появилась на обложке сербского ELLE, фотограф – Душан Рельжин. В научно-фантастическом романе Кима Стэнли Робинсона «2312» упоминается стиль перформансов, известный как «абрамовики». Мировая премьера инсталляции Абрамович состоялась в Торонто, в парке Тринити-Беллвудс, в рамках фестиваля Luminato в июне 2013 года. Абрамович также является соавтором вместе с Робертом Уилсоном театральной постановки «Жизнь и смерть Марины Абрамович», североамериканская премьера которой прошла в декабре в Армории Парк-авеню. В 2007 году Абрамович основала Институт Марины Абрамович (MAI) – некоммерческий фонд поддержки перформанс-искусства, разместившийся в помещении площадью 33 000 квадратных футов в Хадсоне, штат Нью-Йорк. Она также основала институт перформанса в Сан-Франциско. В июне 2014 года она представила новую работу под названием «512 часов» в лондонской галерее Serpentine Gallery. В галерее Шона Келли проходила выставка «Генератор» (6 декабря 2014 года), где участники, с завязанными глазами и в шумоподавляющих наушниках, исследовали состояние небытия. В честь своего 70-летия, 30 ноября 2016 года, Абрамович устроила вечеринку «Марина 70» в музее Гуггенхайма (через одиннадцать лет после предыдущего мероприятия там). Первая часть вечера, озаглавленная «Тишина», длилась 70 минут и завершилась ударом в гонг, исполненным художницей. Затем последовала более традиционная вторая часть – «Развлечение», во время которой Абрамович вышла на сцену с речью, после чего посмотрела выступление английской певицы и визуального артиста ANOHNI, исполнившей песню «My Way» в большом черном капюшоне. В марте 2015 года Абрамович выступила с TED-докладом под названием «Искусство, основанное на доверии, уязвимости и связи». В 2019 году IFC представила мокьюментари Documentary Now!, пародировавшее работы Абрамович и документальный фильм «Марина Абрамович: Художник присутствует». В эпизоде «В ожидании художника» Кейт Бланшетт сыграла Изабеллу Барту (Абрамович), а Фред Армисен – Димо (Улая). Ее первая крупная выставка в Великобритании, первоначально запланированная на 26 сентября 2020 года в Королевской академии искусств, была перенесена на осень 2021 года из-за пандемии COVID-19. По словам Академии, выставка «объединит работы, охватывающие ее 50-летнюю карьеру, а также новые произведения, созданные специально для этих галерей. По мере приближения к середине 70-х годов, новая работа Абрамович отражает изменения в теле художницы и исследует ее восприятие перехода между жизнью и смертью». В 2021 году она открыла памятник «Кристаллическая стена плача» на месте Бабьего Яра – мемориала жертвам Холокоста в Украине. В 2022 году она осудила российское вторжение в Украину. В 2023 году она стала первой женщиной за 255 лет, приглашенной для проведения персональной выставки в главных галереях Королевской академии.

In 2009, Abramović was featured in Chiara Clemente's documentary Our City Dreams and a book of the same name. The five featured artists – also including Swoon, Ghada Amer, Kiki Smith, and Nancy Spero – "each possess a passion for making work that is inseparable from their devotion to New York", according to the publisher. Abramović is also the subject of an independent documentary film entitled Marina Abramović: The Artist Is Present, which is based on her life and performance at her retrospective "The Artist Is Present" at the Museum of Modern Art in 2010. The film was broadcast in the United States on HBO and won a Peabody Award in 2012. In January 2011, Abramović was on the cover of Serbian ELLE, photographed by Dušan Reljin. Kim Stanley Robinson's science fiction novel 2312 mentions a style of performance art pieces known as "abramovics". A world premiere installation by Abramović was featured at Toronto's Trinity Bellwoods Park as part of the Luminato Festival in June 2013. Abramović is also co creator, along with Robert Wilson of the theatrical production The Life and Death of Marina Abramović, which had its North American premiere at the festival, and at the Park Avenue Armory in December. In 2007 Abramović created the Marina Abramović Institute (MAI), a nonprofit foundation for performance art, in a 33,000 square foot space in Hudson, New York. She also founded a performance institute in San Francisco. In June 2014 she presented a new piece at London's Serpentine Gallery called 512 Hours. In the Sean Kelly Gallery hosted Generator, (December 6, 2014) participants are blindfolded and wear noise canceling headphones in an exploration of nothingness. In celebration of her 70th birthday on November 30, 2016, Abramović took over the Guggenheim museum (eleven years after her previous happening there) for her birthday party entitled "Marina 70". Part one of the evening, titled "Silence," lasted 70 minutes, ending with the crash of a gong struck by the artist. Then came the more conventional part two: "Entertainment", during which Abramović took to the stage to make a speech before watching English singer and visual artist ANOHNI perform the song "My Way" while wearing a large black hood. In March 2015, Abramović presented a TED talk titled, "An art made of trust, vulnerability and connection". In 2019, IFC's mockumentary show Documentary Now! parodied Abramović's work and the documentary film Marina Abramović: The Artist Is Present. The episode, titled "Waiting for the Artist", starred Cate Blanchett as Isabella Barta (Abramović) and Fred Armisen as Dimo (Ulay). Originally set to open September 26, 2020, her first major exhibition in the UK at the Royal Academy of Arts has been rescheduled for autumn 2021 due to the COVID 19 pandemic. According to the Academy, the exhibition will "bring together works spanning her 50 year career, along with new works conceived especially for these galleries. As Abramović approaches her mid 70s, her new work reflects on changes to the artist's body, and explores her perception of the transition between life and death." In 2021, she inaugurated a monument, Crystal wall of crying, at the site of a Holocaust massacre in Ukraine of Babi Yar memorials. In 2022, she condemned the Russian invasion of Ukraine. In 2023, she was the first woman in 255 years to be invited to give a solo show in the main galleries of the Royal Academy.

Фильмы

Абрамович сняла сегмент "Балканская эротическая эпопея" в фильме-сборнике "Ограниченная зона", состоящем из эротических фильмов, снятых в 2006 году. В 2008 году она сняла сегмент "Опасные игры" для другого фильма-сборника "Истории о правах человека". Она также сыграла в пятиминутном короткометражном фильме "Энтони и Джонсонс: Разрежь мир".

Институт Марины Абрамович

Институт Марины Абрамович (MAI) — это организация, занимающаяся перформансным искусством, с акцентом на перформансы, длительные произведения и использование «метода Абрамович». На начальных этапах планировалось создание многофункционального музейного пространства в городе Хадсон, штат Нью-Йорк. Абрамович приобрела участок земли для института в 2007 году. Здание, расположенное в Хадсоне, штат Нью-Йорк, было построено в 1933 году и использовалось как театр и общественный теннисный центр. Ремонт здания должен был быть выполнен по проекту Рема Колхаса и Шохей Шигемацу из OMA. Финансирование начальной фазы проектирования было получено в рамках кампании на Kickstarter. В кампании приняли участие более 4000 спонсоров, включая Леди Гагу и Jay Z. В октябре 2017 года проект строительства был отменен из-за высокой прогнозируемой стоимости.

Институт продолжает свою деятельность как мобильная организация. На сегодняшний день MAI сотрудничает со многими учреждениями и художниками по всему миру, посещая Бразилию, Грецию и Турцию.

Сотрудничество

В молодости она была исполнительницей в одном из перформансов Германа Нич, которые были частью венского акционизма. Абрамович поддерживает дружбу с актером Джеймсом Франко, который взял у нее интервью для The Wall Street Journal в 2009 году. Франко посетил ее во время перформанса The Artist Is Present в 2010 году, а в 2012 году они вместе посетили Met Gala. В июле 2013 года Абрамович работала с Леди Гагой над третьим альбомом поп-певицы Artpop. Работа Гаги с Абрамович, а также художниками Джеффом Куном и Робертом Уилсоном, была представлена на мероприятии под названием "ArtRave" 10 ноября. Кроме того, они оба сотрудничали в проектах, поддерживающих Институт Марины Абрамович, включая участие Гаги в видеоролике, посвященном "Методу Абрамович", и непрерывное чтение научно-фантастического романа Станислава Лема "Солярис". Также в том же месяце Jay Z представил произведение, вдохновленное Абрамович, в галерее Pace в Нью-Йорке. Он исполнял свою песню "Picasso Baby", вдохновленную искусством, в течение шести часов подряд. Во время выступления Абрамович и несколько представителей мира искусства были приглашены танцевать с ним лицом к лицу. Отснятый материал позже был использован для создания музыкального видео. Она разрешила Jay Z адаптировать "The Artist Is Present" при условии, что он сделает пожертвование ее институту. Абрамович заявила, что Jay Z не выполнил свою часть соглашения, назвав выступление "сделкой в одну сторону". Однако два года спустя, в 2015 году, Абрамович публично принесла извинения, заявив, что ее никогда не информировали о значительном пожертвовании Jay Z.

Противоречия

Абрамович вызвала споры в августе 2016 года, когда были опубликованы отрывки из раннего черновика ее мемуаров, в которых, основываясь на заметках о ее первой встрече с аборигенами Австралии в 1979 году, она сравнила их с динозаврами и заметила, что "у них большие торсы (один из негативных результатов их столкновения с западной цивилизацией – диета с высоким содержанием сахара, вызывающая вздутие) и ноги, похожие на палки". Она ответила на эти споры в Facebook, написав: "Я испытываю глубочайшее уважение к народу аборигенов, которому я обязана всем". Среди писем Подесты было сообщение от Абрамович брату Подесты, касающееся приглашения на ритуал "духовной кухни", который теоретики заговора, такие как Алекс Джонс, истолковали как приглашение на сатанинский ритуал и представили как доказательство связей кандидата от Демократической партии Хиллари Клинтон с оккультизмом. В 2013 году в сессии вопросов и ответов на Reddit, отвечая на вопрос об оккультизме в современном искусстве, она сказала: "Все зависит от контекста, в котором вы делаете то, что делаете. Если вы практикуете оккультную магию в контексте искусства или в галерее, то это искусство. Если вы делаете это в другом контексте, в духовных кругах, в частном доме или в телешоу, то это не искусство. Намерение, контекст создания и место, где это создано, определяют, является ли это искусством или нет". 10 апреля 2020 года Microsoft выпустила рекламный ролик HoloLens 2 с участием Абрамович. Однако из-за обвинений со стороны правых теоретиков заговора в ее связях с сатанизмом, Microsoft в итоге сняла рекламу. Абрамович ответила на критику, призвав прекратить ее преследование, утверждая, что ее перформансы – это просто искусство, которым она занимается на протяжении всей своей 50-летней жизни.

Личная жизнь

Абрамович утверждает, что не чувствует себя "ни сербкой, ни черногоркой", а человеком из бывшей Югославии. "Когда меня спрашивают, откуда я, - говорит она, - я никогда не называю Сербию. Я всегда говорю, что родом из страны, которой больше не существует". Скульптор Никола Пешич говорит, что Абрамович на протяжении всей жизни интересуется эзотерикой и спиритизмом.