Введение
Монохромная живопись сыграла значительную роль в современном и актуальном западном визуальном искусстве, возникнув в начале XX века в европейских авангардах. Художники исследовали нерепрезентативный потенциал единого цвета, изучая изменения тона, разнообразие текстуры и формальные нюансы как средство эмоционального выражения, визуальное исследование присущих живописи свойств, а также отправную точку для концептуальных работ. От геометрической абстракции в различных техниках до нерепрезентативной живописи жеста, монохромные работы продолжают оказывать важное влияние на современное искусство. Французское государство признало её национальным достоянием. Хотя Бийо не был первым, кто создал полностью чёрное произведение искусства: например, Роберт Фладд опубликовал изображение Тьмы в своей книге 1617 года о происхождении и структуре космоса; а Берталь опубликовал свою чёрную «Vue de La Hogue (эффект ночи)» в 1843 году. На последующих выставках искусства «Непоследовательных» (также в 1880-х годах) писатель Альфонс Алле предложил другие монохромные картины, такие как «Первое причастие анемичных молодых девушек в снегу» (белая) или «Сбор томатов кардиналами в апоплексии на берегу Красного моря» (красная). Алле опубликовал свой «Album primo avrilesque» в 1897 году – монографию с семью монохромными работами. Однако эта деятельность больше напоминает дадаизм XX века или неодадаизм, и особенно работы группы Fluxus 1960-х годов, чем монохромную живопись XX века со времён Малевича. Жан Мецингер, после скандального успеха, вызванного кубистской экспозицией на Салоне независимых в 1911 году, в интервью Сириллу Бергеру, опубликованном в «Paris Journal» 29 мая 1911 года, заявил:
Monochromatic painting has played a significant role in modern and contemporary Western visual art, originating with the early 20th century European avant gardes. Artists have explored the non representational potential of a single color, investigating shifts in value, diversity of texture, and formal nuances as a means of emotional expression, visual investigation into the inherent properties of painting, as well as a starting point for conceptual works. Ranging from geometric abstraction in a variety of mediums to non representational gestural painting, monochromatic works continue to be an important influence in contemporary art. It has been classified as a National Treasure by the French state. Although Bilhaud was not the first to create an all black artwork: for example, Robert Fludd published an image of Darkness in his 1617 book on the origin and structure of the cosmos; and Bertall published his black Vue de La Hogue (effet de nuit) in 1843. In the subsequent exhibitions of the Incoherent arts (also in the 1880s) the writer Alphonse Allais proposed other monochrome paintings, such as Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ("First communion of anaemic young girls in the snow", white), or Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ("Tomato harvesting by apoplectic cardinals on the shore of the Red Sea", red). Allais published his Album primo avrilesque in 1897, a monograph with seven monochrome artworks. However, this kind of activity bears more similarity to 20th century Dada, or Neo Dada, and particularly the works of the Fluxus group of the 1960s, than to 20th century monochrome painting since Malevich. Jean Metzinger, following the Succès de scandale created from the Cubist showing at the 1911 Salon des Indépendants, in an interview with Cyril Berger published in Paris Journal 29 May 1911, stated:
We cubists have only done our duty by creating a new rhythm for the benefit of humanity. Others will come after us who will do the same. What will they find? That is the tremendous secret of the future. Who knows if someday, a great painter, looking with scorn on the often brutal game of supposed colorists and taking the seven colors back to the primordial white unity that encompasses them all, will not exhibit completely white canvases, with nothing, absolutely nothing on them. (Jean Metzinger, 29 May 1911)
Metzinger's (then) audacious prediction that artists would take abstraction to its logical conclusion by vacating representational subject matter entirely and returning to what Metzinger calls the "primordial white unity", a "completely white canvas" would be realized two years later. The writer of a satirical manifesto entitled Manifeste de l'école amorphiste, published in Les Hommes du Jour (3 May 1913), may have had Metzinger's vision in mind when the author justified amorphism's blank canvases by claiming 'light is enough for us'. With perspective, writes art historian Jeffery S. Weiss, "Vers Amorphisme may be gibberish, but it was also enough of a foundational language to anticipate the extreme reductivist implications of non objectivity". In a broad and general sense, one finds European roots of minimalism in the geometric abstractions of painters associated with the Bauhaus, in the works of Kazimir Malevich, Piet Mondrian and other artists associated with the De Stijl movement, and the Russian Constructivist movement, and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. Minimal art is also inspired in part by the paintings of Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, and the works of artists as diverse as Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi, and others. Minimalism was also a reaction against the painterly subjectivity of Abstract Expressionism that had been dominant in the New York School during the 1940s and 1950s. The wide range of possibilities (including impossibility) of interpretation of monochrome paintings is arguably why the monochrome is so engaging to so many artists, critics, and writers. Although the monochrome has never become dominant and few artists have committed themselves exclusively to it, it has never gone away. It reappears as though a spectre haunting high modernism, or as a symbol of it, appearing during times of aesthetic and sociopolitical upheavals.
«Мы, кубисты, лишь выполнили свой долг, создав новый ритм на благо человечества. За нами придут другие, которые сделают то же самое. Что они найдут? Это огромная тайна будущего. Кто знает, может быть, однажды великий художник, с презрением глядя на часто грубую игру так называемых колористов и возвращая семь цветов к первозданному белому единству, которое охватывает их все, выставит полностью белые холсты, с ничем, абсолютно ничем на них». (Жан Мецингер, 29 мая 1911)
Monochromatic painting has played a significant role in modern and contemporary Western visual art, originating with the early 20th century European avant gardes. Artists have explored the non representational potential of a single color, investigating shifts in value, diversity of texture, and formal nuances as a means of emotional expression, visual investigation into the inherent properties of painting, as well as a starting point for conceptual works. Ranging from geometric abstraction in a variety of mediums to non representational gestural painting, monochromatic works continue to be an important influence in contemporary art. It has been classified as a National Treasure by the French state. Although Bilhaud was not the first to create an all black artwork: for example, Robert Fludd published an image of Darkness in his 1617 book on the origin and structure of the cosmos; and Bertall published his black Vue de La Hogue (effet de nuit) in 1843. In the subsequent exhibitions of the Incoherent arts (also in the 1880s) the writer Alphonse Allais proposed other monochrome paintings, such as Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ("First communion of anaemic young girls in the snow", white), or Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ("Tomato harvesting by apoplectic cardinals on the shore of the Red Sea", red). Allais published his Album primo avrilesque in 1897, a monograph with seven monochrome artworks. However, this kind of activity bears more similarity to 20th century Dada, or Neo Dada, and particularly the works of the Fluxus group of the 1960s, than to 20th century monochrome painting since Malevich. Jean Metzinger, following the Succès de scandale created from the Cubist showing at the 1911 Salon des Indépendants, in an interview with Cyril Berger published in Paris Journal 29 May 1911, stated:
We cubists have only done our duty by creating a new rhythm for the benefit of humanity. Others will come after us who will do the same. What will they find? That is the tremendous secret of the future. Who knows if someday, a great painter, looking with scorn on the often brutal game of supposed colorists and taking the seven colors back to the primordial white unity that encompasses them all, will not exhibit completely white canvases, with nothing, absolutely nothing on them. (Jean Metzinger, 29 May 1911)
Metzinger's (then) audacious prediction that artists would take abstraction to its logical conclusion by vacating representational subject matter entirely and returning to what Metzinger calls the "primordial white unity", a "completely white canvas" would be realized two years later. The writer of a satirical manifesto entitled Manifeste de l'école amorphiste, published in Les Hommes du Jour (3 May 1913), may have had Metzinger's vision in mind when the author justified amorphism's blank canvases by claiming 'light is enough for us'. With perspective, writes art historian Jeffery S. Weiss, "Vers Amorphisme may be gibberish, but it was also enough of a foundational language to anticipate the extreme reductivist implications of non objectivity". In a broad and general sense, one finds European roots of minimalism in the geometric abstractions of painters associated with the Bauhaus, in the works of Kazimir Malevich, Piet Mondrian and other artists associated with the De Stijl movement, and the Russian Constructivist movement, and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. Minimal art is also inspired in part by the paintings of Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, and the works of artists as diverse as Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi, and others. Minimalism was also a reaction against the painterly subjectivity of Abstract Expressionism that had been dominant in the New York School during the 1940s and 1950s. The wide range of possibilities (including impossibility) of interpretation of monochrome paintings is arguably why the monochrome is so engaging to so many artists, critics, and writers. Although the monochrome has never become dominant and few artists have committed themselves exclusively to it, it has never gone away. It reappears as though a spectre haunting high modernism, or as a symbol of it, appearing during times of aesthetic and sociopolitical upheavals.
(Тогдашнее) смелое предсказание Мецингера о том, что художники доведут абстракцию до логического завершения, полностью освободившись от репрезентативного сюжета и вернувшись к тому, что Мецингер называет «первозданным белым единством», – «полностью белому холсту» – сбылось два года спустя. Автор сатирического манифеста под названием «Manifeste de l'école amorphiste», опубликованного в «Les Hommes du Jour» (3 мая 1913 года), возможно, имел в виду видение Мецингера, когда оправдывал пустые холсты аморфизма, утверждая, что «света достаточно». С точки зрения историка искусства Джеффри С. Вайса, «Vers Amorphisme может быть бессмыслицей, но это также был достаточно фундаментальный язык, чтобы предвидеть крайние редукционистские последствия необъективности». В широком и общем смысле европейские корни минимализма можно найти в геометрических абстракциях художников, связанных с Баухаусом, в работах Казимира Малевича, Пита Мондриана и других художников, связанных с движением «Де Стиль», и русским конструктивистским движением, а также в работах румынского скульптора Константина Бранкузи. Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетта Ньюмана, Ада Райнхардта, Йозефа Альберса и работами художников, столь разных, как Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, Джорджо Моранди и другие. Минимализм также был реакцией на живописную субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в нью-йоркской школе в 1940-х и 1950-х годах. Широкий спектр возможностей (включая невозможность) интерпретации монохромных картин, вероятно, является причиной того, что монохром так привлекателен для многих художников, критиков и писателей. Хотя монохром так и не стал доминирующим, и немногие художники посвятили себя исключительно ему, он никогда не исчезал. Он появляется как призрак, преследующий высокий модернизм, или как его символ, возникая во времена эстетических и социально-политических потрясений.
Monochromatic painting has played a significant role in modern and contemporary Western visual art, originating with the early 20th century European avant gardes. Artists have explored the non representational potential of a single color, investigating shifts in value, diversity of texture, and formal nuances as a means of emotional expression, visual investigation into the inherent properties of painting, as well as a starting point for conceptual works. Ranging from geometric abstraction in a variety of mediums to non representational gestural painting, monochromatic works continue to be an important influence in contemporary art. It has been classified as a National Treasure by the French state. Although Bilhaud was not the first to create an all black artwork: for example, Robert Fludd published an image of Darkness in his 1617 book on the origin and structure of the cosmos; and Bertall published his black Vue de La Hogue (effet de nuit) in 1843. In the subsequent exhibitions of the Incoherent arts (also in the 1880s) the writer Alphonse Allais proposed other monochrome paintings, such as Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ("First communion of anaemic young girls in the snow", white), or Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ("Tomato harvesting by apoplectic cardinals on the shore of the Red Sea", red). Allais published his Album primo avrilesque in 1897, a monograph with seven monochrome artworks. However, this kind of activity bears more similarity to 20th century Dada, or Neo Dada, and particularly the works of the Fluxus group of the 1960s, than to 20th century monochrome painting since Malevich. Jean Metzinger, following the Succès de scandale created from the Cubist showing at the 1911 Salon des Indépendants, in an interview with Cyril Berger published in Paris Journal 29 May 1911, stated:
We cubists have only done our duty by creating a new rhythm for the benefit of humanity. Others will come after us who will do the same. What will they find? That is the tremendous secret of the future. Who knows if someday, a great painter, looking with scorn on the often brutal game of supposed colorists and taking the seven colors back to the primordial white unity that encompasses them all, will not exhibit completely white canvases, with nothing, absolutely nothing on them. (Jean Metzinger, 29 May 1911)
Metzinger's (then) audacious prediction that artists would take abstraction to its logical conclusion by vacating representational subject matter entirely and returning to what Metzinger calls the "primordial white unity", a "completely white canvas" would be realized two years later. The writer of a satirical manifesto entitled Manifeste de l'école amorphiste, published in Les Hommes du Jour (3 May 1913), may have had Metzinger's vision in mind when the author justified amorphism's blank canvases by claiming 'light is enough for us'. With perspective, writes art historian Jeffery S. Weiss, "Vers Amorphisme may be gibberish, but it was also enough of a foundational language to anticipate the extreme reductivist implications of non objectivity". In a broad and general sense, one finds European roots of minimalism in the geometric abstractions of painters associated with the Bauhaus, in the works of Kazimir Malevich, Piet Mondrian and other artists associated with the De Stijl movement, and the Russian Constructivist movement, and in the work of the Romanian sculptor Constantin Brâncuși. Minimal art is also inspired in part by the paintings of Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, and the works of artists as diverse as Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi, and others. Minimalism was also a reaction against the painterly subjectivity of Abstract Expressionism that had been dominant in the New York School during the 1940s and 1950s. The wide range of possibilities (including impossibility) of interpretation of monochrome paintings is arguably why the monochrome is so engaging to so many artists, critics, and writers. Although the monochrome has never become dominant and few artists have committed themselves exclusively to it, it has never gone away. It reappears as though a spectre haunting high modernism, or as a symbol of it, appearing during times of aesthetic and sociopolitical upheavals.
Супрематизм и конструктивизм
Монохромная живопись в том виде, в каком её обычно понимают сегодня, возникла в Москве с «Супрематической композицией: Белое на белом» 1918 года, созданной художником-супрематистом Казимиром Малевичем. Эта работа была вариацией или продолжением его произведения 1915 года «Чёрный квадрат на белом поле», которое само по себе является чрезвычайно важной работой для геометрической абстракции XX века. В 1921 году художник-конструктивист Александр Родченко представил публике «Чистый красный цвет», «Чистый синий цвет» и «Чистый жёлтый цвет» – три картины, объединённые вместе, каждая из которых представляла собой монохромное изображение одного из трёх основных цветов. Он намеревался, чтобы эта работа символизировала «смерть живописи». В то время как Родченко рассматривал свой монохром как деконструкцию общепринятых представлений о живописи, Малевич видел в своей работе концентрацию на них, своего рода медитацию над сущностью искусства («чистое чувство»). Эти два подхода очень рано в истории монохромной живописи обозначили её почти парадоксальную динамику: монохром можно интерпретировать как плоскую поверхность (материальную сущность или «картину как объект»), представляющую лишь саму себя и, следовательно, знаменующую конец эволюции иллюзионизма в живописи (то есть, подход Родченко); или как изображение многомерного (бесконечного) пространства, воплощение иллюзионистической живописи, представляющее новую эволюцию – новое начало – в истории западной живописи (подход Малевича). Кроме того, многие отмечают, что по самой картине, без обращения к высказываниям художника, бывает трудно понять его намерения.
Абстрактные экспрессионисты
Мильтон Резник провёл долгую карьеру как художник-абстрактный экспрессионист. Изначально, в 1940-х годах, он исследовал тогдашний стиль «живописи действия» (Action Painting). Его более поздние работы, с 1950-х по 1970-е годы, часто характеризуют как абстрактный импрессионизм – во многом потому, что он создавал свои композиции, состоящие из множества повторяющихся мазков кисти близких тональных оттенков, в манере Клода Моне в знаменитой серии «Кувшинки». В течение последних двух с половиной десятилетий своей живописной карьеры картины Резника стали монохромными, хотя и с густыми, нанесёнными слоями мазками. Ад Райнхардт был художником-абстрактным экспрессионистом, известным тем, что на протяжении значительного времени (примерно с 1952 года до своей смерти в 1967 году) создавал почти «чистые» монохромы – в красном или синем цвете, и, наконец, наиболее (не)прославился своими чёрными картинами. Подобно работам Джонса, упомянутым ниже, чёрные картины Райнхардта содержали едва заметные намёки на геометрические формы, но чёткие очертания становятся видны лишь при длительном созерцании работы. Это способствует возникновению у зрителя состояния созерцательной медитации и создаёт неуверенность в восприятии; как выразился Фрэнк Стелла в своей знаменитой цитате, можно усомниться, является ли «то, что вы видите», действительно тем, что вы видите. Ричард Пузетт Дарт создал несколько различных серий картин за свою долгую карьеру как художника-абстрактного экспрессиониста, его монохромная серия под названием «Присутствия» (Presences), охватывающая конец 1950-х – начало 1990-х годов, была одной из самых сильных.
Цветовое поле
Начиная с 1950-х и 1960-х годов, ряд художников-абстрактных экспрессионистов / представителей живописи цветовых полей (в частности: Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Роберт Матервелл, Адольф Готтлиб, Теодорос Стамос, Сэм Фрэнсис, Людвиг Сандер, Клайфорд Стилл, Жюль Олицкий и другие) исследовали мотивы, казалось бы, тяготеющие к монохромности, используя широкие, плоские цветовые плоскости в масштабных работах, которые оказали значительное влияние на новые направления, такие как пост-живописная абстракция, лирическая абстракция и минимализм. Одна из почти монохромных картин Барнетта Ньюмана вызвала негодование и широкое осуждение (и дискуссии) в Канаде, когда Национальная галерея приобрела его работу 1967 года "Голос огня" за 1,8 миллиона долларов в 1980-х годах. Другая, очень лаконичная (хотя и не монохромная в строгом смысле) геометрическая абстракция Барнетта Ньюмана была повреждена ножом разъяренным посетителем в 1980-х годах в Музее Стеделик в Амстердаме.
Лирическая абстракция
Художники-лирические абстракционисты, такие как Рональд Дэвис, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Баннард, Дэн Кристенсен, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Ральф Хамфри, Дэвид Бадд, Дэвид Р. Прентис, Дэвид Диао, Дэвид Новрос, Джейк Бертот и другие, также исследовали и создавали серии холстов особой формы и прямоугольных, которые тяготели к монохромности – с вариациями, особенно в 1960-е и 1970-е годы.
Штучные холсты
С 1960-х годов такие разные художники, как Фрэнк Стелла, Эллсворт Келли, Рональд Дэвис, Дэвид Новрос, Пол Могенсен, Патрисия Йохансон и другие, создавали монохромные картины на холстах различной формы. Хотя некоторые из их монохромных работ имели отношение к минимализму, ни один из этих художников не был минималистом.
Нео-Дада
Роберт Раушенберг: "Полотно никогда не бывает пустым". В начале 1950-х годов он стал известен белыми, затем черными, а впоследствии красными монохромными полотнами. В серии "Белые картины" (1951) Раушенберг наносил обычную бытовую краску валиками, чтобы создать гладкие "пустые" поверхности. Белые панели экспонировались отдельно или в модульных группах. В "Черных картинах" (1951–1953) под слоем краски была создана текстура за счет коллажа из газетной бумаги, иногда образующей структуру, напоминающую сетку. "Красные картины" (1953–1954) включают еще больше материалов, таких как дерево и ткань, под плотным слоем краски, и, кажется, предвосхищают развитие Раушенбергом метода ассамбляжа в его "Комбинированных картинах", а также его заявленное намерение действовать в "промежутке" между "Искусством" и "Жизнью". Белые холсты стали ассоциироваться с произведением 4'33" композитора Джона Кейджа, состоящим из трех частей тишины, и были вдохновлены, по крайней мере частично, изучением Кейджем дзен-буддизма. В обоих произведениях внимание привлекается к элементам слушания/просмотра, находящимся вне контроля художника: например, к звукам концертной среды или игре теней и частиц пыли, накапливающихся на "пустых" поверхностях холста ("взлетные полосы" – Кейдж). В связанной работе, "Стертый рисунок де Кунинга" (1953), Раушенберг стер рисунок абстрактного экспрессиониста Виллема де Кунинга. Удивительно, но де Кунинг сочувствовал замыслам Раушенберга и косвенно одобрил этот эксперимент, предоставив молодому художнику один из своих собственных, очень плотно проработанных рисунков, который Раушенберг стирал в течение двух месяцев, используя множество ластиков, и (не полностью) стер его. Джаспер Джонс был другом Раушенберга, и обоих часто причисляли к неодадаистам, что отражает их отказ от эстетики абстрактного экспрессионизма, доминировавшей в 1950-х годах. Джонс создал ряд работ, таких как "Белый флаг", "Зеленая мишень" и "Танго", в которых изображение едва угадывается, напоминая "Белый квадрат на белом поле" Малевича по технике исполнения. Эти работы часто демонстрируют больше следов кисти, чем обычно свойственно монохромной живописи. Многие другие работы также приближаются к монохрому, как, например, меланхоличные "серые" работы начала 1960-х годов, но с добавлением реальных объектов ("ассамбляж") или текста.
Минималисты
Эллсворт Келли провел много времени в Париже и Нью-Йорке. Не являясь строгим минималистом, он создал ряд монохромных картин на формованных холстах и одноцветных прямоугольных панелях. Его абстракции были «выведены» из природы. Его интерес к природе настолько велик, что он создал серию литографий растений в впечатляющем и искренне реалистичном стиле. Монотонные, белые на белом картины Мино Ардженто были вариациями на тему сетчатых прямоугольников, но оживлены различиями в ритме и концепции. Одна композиция включала в себя сероватые сетки и вертикальные прямоугольники в нескольких более непрозрачных оттенках белого, сгруппированные в центре. Агнес Мартин, чьи работы 1950-х и 1960-х годов – это безмятежные медитации о «совершенстве», а следовательно, и «красоте», – обычно представляют собой белые, почти белые или бледно-серые холсты со слабыми следами карандаша, проведенными линиями или сетками по окрашенной поверхности. Роберт Райман в работах, таких как Ledger (1982), намеренно привлекает внимание к несущим конструкциям, раме и подписи художника как к важным элементам работ, которые обычно белые или почти белые и имеют квадратный формат. Абстрактно-экспрессионистская манера письма используется как формальный материал в этих минималистических конструкциях. Райман демонстрирует виртуозное владение вариациями на сознательно ограниченную тему. Брайс Марден в своих ранних зрелых работах исследовал редуктивную стратегию, которая казалась схожей с работами Джаспера Джонса и Эллсворта Келли того же периода, но была более формалистской: картины, такие как Return 1, состоят из тонких серых полей, написанных энкаустикой (восковой техникой) с узкой полосой вдоль нижней части холста, где Марден оставил явные следы процесса (то есть капли и брызги краски). В конце 1980-х годов Брайс Марден, придерживавшийся духовного/эмоционального взгляда на абстракцию, начал создавать более многоцветные и каллиграфические абстрактные картины. Фрэнк Стелла перефразировал знаменитое утверждение композитора Игоря Стравинского о том, что «музыка бессильна выразить что-либо, кроме себя», когда сказал: «Вы видите то, что видите», – замечание, которое он позже уточнил, сказав, что его ранние картины в определенной степени находились под влиянием творчества Сэмюэля Беккета (см. выше). В своей работе он стремился свести к минимуму любые намеки на «духовный» или даже «эмоциональный» отклик со стороны зрителя, и это особенно заметно в его работах с тонкими полосами, начатых в конце 1950-х годов, где полосы очерчены неокрашенным холстом. Позже Стелла отказался не только от монохромности, но и в конечном итоге от геометрической живописи. Джон МакКракен типичен для минимализма тем, что его «объекты» не поддаются однозначной классификации как «живопись» или «скульптура». Он известен с 1965 года своими «плитами, колоннами, досками – нейтральными формами», его тщательно обработанные, отполированные монохромные объекты часто просто прислонены к стенам галереи, что некоторые критики описывают как непринужденную «западную береговую опору». Хотя он использует техники, характерные для производства досок для серфинга, его работы выполнены лично и скрупулезно вручную, в отличие от работ Джона М. Миллера и других более поздних художников, которые обычно производятся на фабрике по спецификациям художника. Аллан Макколлум в середине 1970-х годов пришел к выводу, что социальные силы, придающие картинам смысл, можно лучше понять, если саму «картину» можно свести к обобщенной форме – картине, которую можно прочитать как «знак» для картины, которая может функционировать как «заполнитель» или своего рода «реквизит». В 1970-х и начале 1980-х годов он писал то, что он называл «Заменителями», а затем начал отливать их из гипса, включая раму. Эти сотни объектов, похожих на обрамленные, матовые поля окрашенной черноты, работали как нейтральные «обобщенные знаки», которые могли бы побудить зрителя задуматься о социальных ожиданиях, которые создали «идею» картины, а не о самой картине. Сводя картины к простым знакам самих себя, Макколлум превратил галерею и музейную обстановку в своего рода театр, подчеркивая драму представления, выставки, покупки и продажи, обмена, фотографирования, оценки, критики, выбора и написания о работах; объекты живописи в центре внимания были намеренно лишены значения, чтобы привлечь внимание к дополнительным средствам и социальным практикам, которые в конечном итоге придают ценность работе. Парадоксально, со временем эти нейтральные объекты приобрели ценность сами по себе, как символы антропологического взгляда на искусство. Энн Тритт была американской художницей середины 20-го века, ее связывают как с минимализмом, так и с художниками Color Field, такими как Моррис Луис и Кеннет Ноланд. В основном известная как скульптор-минималист и колорист, раскрашивающая свои скульптуры, на протяжении своей карьеры Тритт создала несколько серий монохромных картин. Она создала то, что считается ее наиболее важной работой в начале 1960-х годов, предвосхитив во многих отношениях работы минималистов, таких как Дональд Джадд и Эллсворт Келли. Она отличалась от минималистов в некоторых важных аспектах. Например, она назвала многие свои работы в честь мест и событий, которые были для нее важны, – практика, предполагающая повествование, которое выходит за рамки скульптуры, но в то же время как-то ею сдерживается. Скульптуры, благодаря которым она стала значимой для развития минимализма, были намеренно простыми и окрашенными конструкциями, часто большими по размеру. Подставка под ее скульптурой приподнимала их над землей настолько, что они казались парящими на тонкой линии тени. Граница между скульптурой и землей, между гравитацией и вертикальностью, была сделана иллюзорной. Эта формальная двойственность отражается в ее утверждении, что сам цвет содержит психологическую вибрацию, которая, будучи очищенной, как это происходит в произведении искусства, изолирует событие, к которому он относится, как вещь, а не как чувство. Событие становится произведением искусства, визуальным ощущением, передаваемым цветом.
Европа
Лусио Фонтана начал в 1949 году серию, известную как «Пространственное понятие» или «разрезы», состоящую из отверстий или надрезов на поверхности монохромных полотен, создавая символ того, что он назвал «искусством для космической эры» (Concetto spaziale (50 B.1), 1950, MNAM, Париж).
Монохромные работы: Голубая эпоха
Ив Клейн: хотя Клейн писал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этих работ в 1950 году, его первой публичной демонстрацией стала публикация книги художника "Ив: Картины" в ноябре 1954 года. Книга, пародирующая традиционный каталог, представляла собой серию интенсивных монохромных работ, связанных с различными городами, в которых он жил в предыдущие годы. "Ив: Картины" предвосхитили его первые две выставки масляных картин: в Club des Solitaires, Париж, в октябре 1955 года, и "Ив: Монохромные предложения" в галерее Колетт Алленди в феврале 1956 года. Эти выставки, демонстрировавшие оранжевые, желтые, красные, розовые и синие монохромы, глубоко разочаровали Клейна, поскольку зрители переходили от одной картины к другой, воспринимая их как своего рода мозаику. По реакции публики он понял, что его разнообразные одноцветные полотна воспринимаются как новый вид яркого, абстрактного декора интерьера. Следующая выставка, "Proposte Monochrome, Epoca Blu" ("Монохромные предложения; Эпоха синего") в галерее Аполлинара в Милане (январь 1957 года), представляла 11 идентичных синих полотен, выполненных с использованием ультрамаринового пигмента, суспендированного в синтетической смоле Родопас. Открытый при помощи Эдуарда Адама, парижского торговца красками, этот способ позволял сохранить яркость пигмента, который тускнел при смешивании с льняным маслом. Клейн позже запатентовал этот рецепт, чтобы сохранить "подлинность чистой идеи". Этот цвет, напоминающий лазурит, использовавшийся для изображения одежд Мадонны на средневековых картинах, стал известен как "Международный синий Клейна" (IKB). Полотна были прикреплены к столбам, расположенным в 20 см от стен, чтобы усилить пространственную неоднозначность. Выставка имела как критический, так и коммерческий успех и была показана в Париже, Дюссельдорфе и Лондоне. Парижская выставка в галерее Ирис Клерт в мае 1957 года стала знаковым перформансом: в честь открытия были выпущены 1001 синих воздушных шара, а также разосланы синие открытки с марками IKB, которые Клейн подкупил почтовую службу, чтобы те были приняты как действительные. Одновременно в галерее Колетт Алленди была представлена выставка ванн с синим пигментом и огненных картин. Герхард Рихтер – художник, наиболее известный своими технически совершенными фотореалистическими картинами, которые часто затмевают его абстрактные и монохромные работы. Как его абстрактные, так и фигуративные работы, кажется, затрагивают схожие эмоциональные темы, своего рода ироничный пессимизм, который сделал его работы очень популярными в конце 1980-х годов. Его серые картины создаются путем нанесения "экспрессивных" жестов мокрой краской. Оливье Моссе также провел значительное время в Нью-Йорке и Париже. В Париже в 1960-х годах он был членом группы BMPT вместе с Даниэлем Буреном, Мишелем Пармантье и Ниле Торони. Группа поднимала вопросы об авторстве и оригинальности, подразумевая, что они часто выполняли работы друг друга, и что сам арт-объект был важнее его автора. Позже, в конце 1970-х годов, в Нью-Йорке Моссе начал серию монохромных картин, в период расцвета неоэкспрессионизма. Он стал одним из основателей нью-йоркской группы радикальной живописи, где "радикальный" относилось как к подразумеваемой радикальной социальной позиции, так и к возвращению к радикальному "корню" живописи. Это подчеркивание социальной значимости абстракции, и даже монохромности, не было столь выражено со времен Малевича и Родченко. Художники неогео 1980-х годов, такие как Питер Халли, утверждающие социально значимую и критическую роль геометрической абстракции, называют Моссе своим источником вдохновения.
The next exhibition, Proposte Monochrome, Epoca Blu (Proposition Monochrome; Blue Epoch) at the Gallery Apollinaire, Milan, (January 1957), featured 11 identical blue canvases, using ultramarine pigment suspended in a synthetic resin Rhodopas. Discovered with the help of Edouard Adam, a Parisian paint dealer, the effect was to retain the brilliance of the pigment which tended to become dull when suspended in linseed oil. Klein later patented this recipe to maintain the "authenticity of the pure idea". This colour, reminiscent of the lapis lazuli used to paint the Madonna's robes in medieval paintings, was to become famous as "International Klein Blue" (IKB). The paintings were attached to poles placed 20 cm away from the walls to increase their spatial ambiguities. The show was a critical and commercial success, traveling to Paris, Düsseldorf and London. The Parisian exhibition, at the Iris Clert Gallery, May 1957, became a seminal happening; As well as 1001 blue balloons being released to mark the opening, blue postcards were sent out using IKB stamps that Klein had bribed the postal service to accept as legitimate. An exhibition of tubs of blue pigment and fire paintings was held concurrently at Gallery Collette Allendy. Gerhard Richter is an artist who is probably best known for his technically stunning photo realist paintings, which overshadow his abstract and monochrome works. Both his abstract and representational works seem to cover similar emotional terrain, a kind of ironic pessimism which made his work very fashionable in the late 1980s. His grey paintings, are made by drawing "expressive" gestures in wet paint. Olivier Mosset also has spent considerable time in New York and Paris. In Paris in the 1960s he was a member of the BMPT group, along with Daniel Buren, Michel Parmentier, and Niele Toroni. The group brought forth questions about the notions of authorship and originality, implying that they often did each other's works, and that the art object was more important than its authorship. Later, in New York in the late 1970s, Mosset undertook a long series of monochrome paintings, during the heyday of Neo expressionism. He became a founding member of the New York Radical Painting group, radical referring both to an implied radical social stance, as well as a returning to the radical "root" of painting. This re assertion of social relevance for abstraction, and even the monochrome, hadn't been emphasized to such a degree since Malevich and Rodchenko. 1980s neo geo artists such as Peter Halley who assert a socially relevant, critical role for geometric abstraction, cite Mosset as an influence.
Азия
Дансаэкхва (корейский: 단색화) — это направление южнокорейской "монохромной живописи", возникшее в середине 1970-х годов. Художники, работающие в стиле дансаэкхва, часто выставлялись совместно, однако не входили в состав официального художественного движения. К числу художников, связанных с этим направлением, относятся: Чо Ён Ик, Чон Чан Суп, Чон Сан Хва, Ха Чон Хён, Ким Чан Ёль, Ли Дон Юб, Ли Уфан, Пак Со Бо и Юн Хён Кын.
Другие
Салли Хейзлет Драммонд (род. 1924, США) выставляла свои монохромные картины в конце 1950-х годов в Нью-Йорке в галерее Танагер, одной из первых кооперативных галерей на Десятой улице. По состоянию на 2007 год она продолжает рисовать монохромные картины. Алан Эбнотер – американский художник, исследующий наследие монохромной живописи, ограничивающий себя одним цветом – зеленым. Флоренс Миллер Пирс была членом группы трансцендентальной живописи TAOS в 1930-х годах и в настоящее время проживает в Альбукерке, Нью-Мексико. Ее квадратные монохромы, выполненные из полупрозрачной смолы, залитой на зеркальный плексиглас, кажутся светящимися изнутри. Блажей Баляж с его "двойным монохромом". Цвет против опилок монет, хлама, почвы или мака. Картина "Поле маковых семян" / "Makovе pole" 2001/02. Марсия Хафиф выставляла монохромные картины более 50 лет в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и Европе. Она создавала монохромные работы маслом, эмалью, яичной темперай, акварелью, глазурью, акрилом и тушью. Ее работы были включены в биеннале 2014 года в Музее Хаммера, где художница представила 24 монохромных картины, каждая из которых оттенялась черным.
Монохромная живопись в популярной культуре
В бродвейской пьесе "Искусство", удостоенной премии "Тони" в 1998 году, белая монохромная картина использовалась в качестве реквизита, чтобы спровоцировать спор об эстетике, который и составлял основу сюжета. В фильме "Три брата", получившем премию "Сезар" в 1995 году, фигурировала белая монохромная картина вымышленного художника Уайтмена, вдохновленная шедевром К. Малевича "Белый на белом".