Искусство Англии: Исторический обзор

Введение

Обзор искусства Англии

Английское искусство — это совокупность изобразительных искусств, созданных в Англии. В Англии обнаружено самое раннее и северное наскальное искусство ледникового периода в Европе. Доисторическое искусство Англии во многом соответствует искусству, созданному на территории современной Британии, однако раннесредневековое англосаксонское искусство ознаменовалось развитием отчетливо английского стиля, и английское искусство впоследствии сохраняло свой особый характер. Искусство, созданное в Англии после образования Королевства Великобритания в 1707 году, во многих отношениях может рассматриваться одновременно как искусство Соединенного Королевства. Средневековая английская живопись, преимущественно религиозная, обладала сильной национальной традицией и оказывала влияние на искусство в Европе. Английская Реформация, враждебно относившаяся к искусству, не только резко прервала эту традицию, но и привела к уничтожению почти всех настенных росписей. В настоящее время сохранились преимущественно иллюминированные рукописи. В искусстве английского Ренессанса наблюдается значительный интерес к портрету, а портретная миниатюра была более популярна в Англии, чем где-либо еще. Скульптура английского Ренессанса была в основном архитектурной и использовалась для создания монументальных гробниц. Интерес к английской пейзажной живописи начал развиваться к моменту принятия Акта об унии в 1707 году. Существенные определения английского искусства были предприняты, в частности, искусствоведом Николаусом Певснером (в его книге 1956 года «Английскость английского искусства»), искусствоведом Роем Стронгом (в его книге 2000 года «Дух Британии: исторический очерк искусства») и критиком Питером Акройдом (в его книге 2002 года «Альбион»).

Раннее искусство

Самое раннее английское искусство – также самое раннее и северное пещерное искусство в Европе – находится в Кресуэлл-Крэгс в Дербишире, его возраст оценивается от 13 000 до 15 000 лет. В 2003 году там было обнаружено более 80 гравюр и барельефов, изображающих оленей, бизонов, лошадей и, возможно, птиц или людей с головами птиц. Знаменитый, обширный ритуальный ландшафт Стоунхенджа датируется неолитическим периодом; примерно 2600 годом до н.э. Около 2150 года до н.э. народ культуры кувшинов научился изготавливать бронзу, используя олово и золото. Они достигли мастерства в металлургии, и их произведения искусства, помещенные в захоронения или жертвенные ямы, сохранились до наших дней. В железном веке с кельтской культурой пришел новый художественный стиль, распространившийся по Британским островам. Хотя изделия из металла, особенно золотые украшения, оставались важными, также использовались камень и, вероятно, дерево. Этот стиль продолжался в римский период, начавшийся в I веке до н.э., и пережил возрождение в Средние века. Приход римлян принес классический стиль, от которого сохранилось множество памятников, особенно погребальные памятники, статуи и бюсты. Они также принесли с собой изготовление стекла и мозаики. В IV веке появился новый элемент – в Британии было создано первое христианское искусство. Сохранились несколько мозаик с христианскими символами и изображениями. Англия может похвастаться замечательными доисторическими фигурными насыпями; известным примером является Уффингтонский белый конь в Оксфордшире, который "более 3000 лет бережно хранится как шедевр минималистского искусства".

Средневековое искусство

После римского правления англосаксонское искусство привело к включению германских традиций, что видно по металлоработе из Саттон-Ху. Англосаксонская скульптура была выдающейся для своего времени, по крайней мере, в небольших работах из слоновой кости или кости – почти все, что до нас дошло. Особенно в Нортумбрии, инсулярный стиль искусства, распространенный по Британским островам, создавал лучшие произведения в Европе, пока набеги и вторжения викингов не подавили это направление; примером является, несомненно, Книга Линдисфарна, созданная в Нортумбрии. Англосаксонское искусство развило весьма изысканный вариант современных континентальных стилей, особенно в металлоработе и иллюминированных рукописях, таких как Бенедиктионал святого Этельвольда. Ни одна из известных нам крупномасштабных англосаксонских картин и скульптур не сохранилась. К первой половине XI века английское искусство пользовалось щедрой поддержкой богатой англосаксонской элиты, которая превыше всего ценила изделия из драгоценных металлов. Однако нормандское завоевание 1066 года внезапно прервало этот расцвет, и произведения искусства были расплавлены или вывезены в Нормандию. Так называемый гобелен из Байё – большой, английский вышитый ковер, изображающий события, предшествовавшие нормандскому завоеванию, – датируется концом XI века. Через несколько десятилетий после нормандского завоевания, искусство миниатюры в Англии вновь стало одним из лучших в Европе; это проявилось в романских работах, таких как Библия Винчестера и Псалтирь Святого Албана, а затем в ранних готических, таких как Псалтирь Тикхилла. Самым известным английским иллюминатором этого периода был Матфей Париж (ок. 1200–1259). Некоторые из немногих сохранившихся образцов английской средневековой станковой живописи, такие как Вестминстерский ретабль и Диптих Уилтона, отличаются высочайшим качеством. С конца XIV до начала XVI века в Англии существовала значительная промышленность по производству рельефов из ноттингемского алебастра для алтарных образов среднего класса и небольших статуй, которые экспортировались по всей Северной Европе. Еще одним видом искусства, пришедшим через церковь, были витражи, которые также стали использоваться в светских целях.

After Roman rule, Anglo Saxon art brought the incorporation of Germanic traditions, as may be seen in the metalwork of Sutton Hoo. Anglo Saxon sculpture was outstanding for its time, at least in the small works in ivory or bone which are almost all that survive. Especially in Northumbria, the Insular art style shared across the British Isles produced the finest work being produced in Europe, until the Viking raids and invasions largely suppressed the movement; the Book of Lindisfarne is one example certainly produced in Northumbria. Anglo Saxon art developed a very sophisticated variation on contemporary Continental styles, seen especially in metalwork and illuminated manuscripts such as the Benedictional of St. Æthelwold. None of the large scale Anglo Saxon paintings and sculptures that we know existed have survived. By the first half of the 11th century, English art benefited from lavish patronage by a wealthy Anglo Saxon elite, who valued above all works in precious metals. but the Norman Conquest in 1066 brought a sudden halt to this art boom, and instead works were melted down or removed to Normandy. The so called Bayeux Tapestry the large, English made, embroidered cloth depicting events leading up to the Norman conquest dates to the late 11th century. Some decades after the Norman conquest, manuscript painting in England was soon again among the best of any in Europe; in Romanesque works such as the Winchester Bible and the St. Albans Psalter, and then in early Gothic ones like the Tickhill Psalter. The best known English illuminator of the period is Matthew Paris (c. 1200–1259). Some of the rare surviving examples of English medieval panel paintings, such as the Westminster Retable and Wilton Diptych, are of the highest quality. From the late 14th century to the early 16th century, England had a considerable industry in Nottingham alabaster reliefs for mid market altarpieces and small statues, which were exported across Northern Europe. Another art form introduced through the church was stained glass, which was also adopted for secular uses.

XVI и XVII века

Николас Хиллиард (ок. 1547 – 7 января 1619) – «первый гений английской живописи, родившийся в Англии» – положил начало сильной английской традиции в портретной миниатюре. Эту традицию продолжил ученик Хиллиарда Исаак Оливер (ок. 1565 – похоронен 2 октября 1617), чьи родители, французские гугеноты, бежали в Англию в детстве художника. Среди других известных английских художников этого периода: Натаниэль Бэкон (1585–1627); Джон Беттес Старший (активен ок. 1531–1570) и Джон Беттес Младший (умер в 1616); Джордж Гоуэр (ок. 1540–1596), Уильям Ларкин (начало 1580-х – 1619) и Роберт Пик Старший (ок. 1551–1619). Художники двора Тюдоров и их последователи вплоть до начала XVIII века включали в себя ряд влиятельных иностранных талантов: Ганса Гольбейна Младшего, Антониса ван Дейка, Питера Пауля Рубенса, Орацио Джентилески и его дочери Артемизии, сэра Питера Лели (получил английское подданство в 1662 году) и сэра Годфри Кнеллера (получил английское подданство к моменту его посвящения в рыцари в 1691 году). В XVII веке появилось множество выдающихся английских художников, писавших портреты в полный рост, наиболее известным из которых был Уильям Добсон (крещен в 1611 – похоронен в 1646); другие – Корнелиус Джонсон (крещен в 1593 – похоронен в 1661) и Роберт Уокер (1599–1658). Сэмюэл Купер (1609–1672) был талантливым миниатюристом в традиции Хиллиарда, как и его брат Александр Купер (1609–1660) и их дядя Джон Хоскинс (1589/1590–1664). Среди других известных портретистов этого периода: Томас Флатман (1635–1688), Ричард Гибсон (1615–1690), распутный Джон Гринхилл (ок. 1644–1676), Джон Райли (1646–1691) и Джон Майкл Райт (1617–1694). Фрэнсис Барлоу (ок. 1626–1704) известен как «отец британской спортивной живописи»; он был первым английским художником, писавшим дикую природу, заложив традицию, достигшую своего расцвета столетие спустя в работах Джорджа Стаббса (1724–1806). Английские женщины начали заниматься профессиональной живописью в XVII веке; примечательные примеры – Джоан Карлиль (ок. 1606–1679) и Мэри Бил (урождённая Крэдок; 1633–1699). В первой половине XVII века английская знать стала важными коллекционерами европейского искусства, во главе с королем Карлом I и Томасом Говардом, 21-м графом Арунделом. К концу XVII века Гранд-тур – путешествие по Европе, позволяющее познакомиться с культурным наследием классической античности и эпохи Возрождения – стало обязательным для богатых молодых англичан.

Nicholas Hilliard (c. 1547–7 January 1619) – "the first native born genius of English painting" – began a strong English tradition in the portrait miniature. The tradition was continued by Hilliard's pupil Isaac Oliver (c. 1565–bur. 2 October 1617), whose French Huguenot parents had escaped to England in the artist's childhood. Other notable English artists across the period include: Nathaniel Bacon (1585–1627); John Bettes the Elder (active c. 1531–1570) and John Bettes the Younger (died 1616); George Gower (c.1540–1596), William Larkin (early 1580s–1619), and Robert Peake the Elder (c. 1551–1619). The artists of the Tudor court and their successors until the early 18th century included a number of influential imported talents: Hans Holbein the Younger, Anthony van Dyck, Peter Paul Rubens, Orazio Gentileschi and his daughter Artemisia, Sir Peter Lely (a naturalised English subject from 1662), and Sir Godfrey Kneller (a naturalised English subject by the time of his 1691 knighthood). The 17th century saw a number of significant English painters of full size portraits, most notably William Dobson 1611 (bapt. 1611–bur. 1646); others include Cornelius Johnson (bapt. 1593–bur. 1661) and Robert Walker (1599–1658). Samuel Cooper (1609–1672) was an accomplished miniaturist in Hilliard's tradition, as was his brother Alexander Cooper (1609–1660), and their uncle, John Hoskins (1589/1590–1664). Other notable portraitists of the period include: Thomas Flatman (1635–1688), Richard Gibson (1615–1690), the dissolute John Greenhill (c. 1644–1676), John Riley (1646–1691), and John Michael Wright (1617–1694). Francis Barlow (c. 1626–1704) is known as "the father of British sporting painting"; he was England's first wildlife painter, beginning a tradition that reached a high point a century later, in the work of George Stubbs (1724–1806). English women began painting professionally in the 17th century; notable examples include Joan Carlile (c. 1606–79), and Mary Beale (née Cradock; 1633–1699). In the first half of the 17th century the English nobility became important collectors of European art, led by King Charles I and Thomas Howard, 21st Earl of Arundel. By the end of the 17th century, the Grand Tour – a trip of Europe giving exposure to the cultural legacy of classical antiquity and the Renaissance – was de rigueur for wealthy young Englishmen.

XVIII и XIX века

В 18 веке характерный стиль и традиции английской живописи продолжали сосредотачиваться преимущественно на портрете, однако интерес к пейзажу возрастал, и новый акцент был сделан на исторической живописи, считавшейся высшей в иерархии жанров, что ярко демонстрируют выдающиеся работы сэра Джеймса Торнхилла (1675/1676–1734). Исторический живописец Роберт Стретер (1621–1679) пользовался большим уважением при жизни. Уильям Хогарт (1697–1764) отразил зарождающийся темперамент английского среднего класса – английский по привычкам, складу характера и темпераменту, а также по происхождению. Его сатирические произведения, полные мрачного юмора, указывают современному обществу на уродства, слабости и пороки лондонской жизни. Влияние Хогарта прослеживается в самобытной английской сатирической традиции, продолженной Джеймсом Гиллреем (1756–1815) и Джорджем Крюикшенком (1792–1878). Одним из жанров, в котором работал Хогарт, был «разговорный портрет» (conversation piece), в котором также преуспели его современники: Джозеф Хаймор (1692–1780), Фрэнсис Хейман (1708–1776) и Артур Девис (1712–1787). Портреты в Англии, как и в Европе, были самым простым и прибыльным способом заработка для художника, а английская традиция продолжала демонстрировать расслабленную элегантность портретного стиля, восходящую к Ван Дейку. Ведущими портретистами были: Томас Гейнсборо (1727–1788); сэр Джошуа Рейнольдс (1723–1792), основатель Королевской академии художеств; Джордж Ромни (1734–1802); Лемуэль "Франсис" Эбботт (1760/61–1802); Ричард Весталл (1765–1836); сэр Томас Лоуренс (1769–1830); и Томас Филлипс (1770–1845). Заслуживают внимания также Джонатан Ричардсон (1667–1745) и его ученик (и невестка, бросивший вызов его авторитету) Томас Хадсон (1701–1779). Джозеф Райт из Дерби (1734–1797) был известен своими картинами при свечах; Джордж Стаббс (1724–1806) и позже Эдвин Генри Ландсир (1802–1873) – своими изображениями животных. К концу века английский парадный портрет пользовался большой популярностью за рубежом. Лондонский художник Уильям Блейк (1757–1827) создал разнообразное и провидческое творчество, не поддающееся однозначной классификации; критик Джонатан Джонс считает его «безусловно величайшим художником, которого когда-либо породила Британия». Среди друзей Блейка были неоклассицист Джон Флаксман (1755–1826) и Томас Стотард (1755–1834), с которым Блейк враждовал. В общественном сознании английская пейзажная живопись, начиная с XVIII века, типизирует английское искусство, вдохновленное в основном любовью к пасторали и отражающее развитие больших загородных усадеб, расположенных в идиллической сельской местности. Два английских романтика во многом способствовали повышению статуса пейзажной живописи во всем мире: Джон Констебл (1776–1837) и Дж. М. В. Тернер (1775–1851), которому приписывают возвышение пейзажной живописи до уровня, соперничающего с исторической живописью. Другие известные пейзажисты XVIII и XIX веков включают: Джордж Арнольд (1763–1841); Джон Линнелл (1792–1882), соперник Констебла при жизни; Джордж Морланд (1763–1804), развивавший традицию Фрэнсиса Барлоу в живописи животных и деревенских сцен; Сэмюэль Палмер (1805–1881); Пол Сэндби (1731–1809), признанный отцом английской акварели; и последующих акварелистов Джона Роберта Козенса (1752–1797), друга Тернера Томаса Гиртина (1775–1802) и Томаса Хифи (1775–1835). В начале XIX века появилась Норвичская школа художников, первое провинциальное художественное движение за пределами Лондона. Недолговечное из-за недостатка покровительства и внутренних разногласий, его видными членами были «отец-основатель» Джон Кром (1768–1821), Джон Селл Котман (1782–1842), Джеймс Старк (1794–1859) и Джозеф Станнард (1797–1830). Движение прерафаэлитов, основанное в 1840-х годах, доминировало в английском искусстве во второй половине XIX века. Его члены – Уильям Холман Хант (1827–1910), Данте Габриэль Россетти (1828–1882), Джон Эверетт Милле (1828–1896) и другие – сосредоточились на религиозных, литературных и жанровых работах, выполненных в красочной и до мельчайших деталей проработанной, почти фотографической манере. Форд Мэдокс Браун (1821–1893) разделял принципы прерафаэлитов. Ведущий английский искусствовед Джон Раскин (1819–1900) оказал огромное влияние во второй половине XIX века; с 1850-х годов он поддерживал прерафаэлитов, на которых повлияли его идеи. Уильям Моррис (1834–1896), основатель движения «Искусство и ремесла», подчеркивал ценность традиционных ремесленных навыков, которые, казалось, приходили в упадок в эпоху массовой индустриализации. Его проекты, как и работы художников-прерафаэлитов, с которыми он был связан, часто отсылали к средневековым мотивам. Английский художник-повествователь Уильям Пауэлл Фрит (1819–1909) был назван «величайшим британским живописцем социальных сцен со времен Хогарта», а художник и скульптор Джордж Фредерик Уоттс (1817–1904) прославился своими символическими работами. Патриотический дух английского военного искусства XIX века помог сформировать самосознание викторианской Англии. Известные английские военные художники включают: Джона Эдварда Чепмена 'Честера' Мэтьюса (1843–1927); леди Батлер (1846–1933); Фрэнка Дэдда (1851–1929); Эдварда Мэтью Хейла (1852–1924); Чарльза Эдвина Фриппа (1854–1906); Ричарда Кэтона Вудвилла-младшего (1856–1927); Гарри Пэйна (1858–1927); Джорджа Делвилла Роуландсона (1861–1930) и Эдгара Альфреда Холлоуэя (1870–1941). Томас Дэвидсон (1842–1919), специализировавшийся на исторических морских сценах, включил замечательные репродукции работ Арнольда, Весталла и Эбботта, связанных с Нельсоном, в свою картину «Гордость и слава Англии» (1894). К концу XIX века творчество Обри Бердсли (1872–1898) способствовало развитию модерна и, в частности, проявило интерес к изобразительному искусству Японии.

In the 18th century, English painting's distinct style and tradition continued to concentrate frequently on portraiture, but interest in landscapes increased, and a new focus was placed on history painting, which was regarded as the highest of the hierarchy of genres, and is exemplified in the extraordinary work of Sir James Thornhill (1675/1676–1734). History painter Robert Streater (1621–1679) was highly thought of in his time. William Hogarth (1697–1764) reflected the burgeoning English middle class temperament — English in habits, disposition, and temperament, as well as by birth. His satirical works, full of black humour, point out to contemporary society the deformities, weaknesses and vices of London life. Hogarth's influence can be found in the distinctively English satirical tradition continued by James Gillray (1756–1815), and George Cruikshank (1792–1878). One of the genres in which Hogarth worked was the conversation piece, a form in which certain of his contemporaries also excelled: Joseph Highmore (1692–1780), Francis Hayman (1708–1776), and Arthur Devis (1712–1787). Portraits were in England, as in Europe, the easiest and most profitable way for an artist to make a living, and the English tradition continued to show the relaxed elegance of the portrait style traceable to Van Dyck. The leading portraitists are: Thomas Gainsborough (1727–1788); Sir Joshua Reynolds (1723–1792), founder of the Royal Academy of Arts; George Romney (1734–1802); Lemuel "Francis" Abbott (1760/61–1802); Richard Westall (1765–1836); Sir Thomas Lawrence (1769–1830); and Thomas Phillips (1770–1845). Also of note are Jonathan Richardson (1667–1745) and his pupil (and defiant son in law) Thomas Hudson (1701–1779). Joseph Wright of Derby (1734–1797) was well known for his candlelight pictures; George Stubbs (1724–1806) and, later, Edwin Henry Landseer (1802–1873) for their animal paintings. By the end of the century, the English swagger portrait was much admired abroad. London's William Blake (1757–1827) produced a diverse and visionary body of work defying straightforward classification; critic Jonathan Jones regards him as "far and away the greatest artist Britain has ever produced". Blake's artist friends included neoclassicist John Flaxman (1755–1826), and Thomas Stothard (1755–1834) with whom Blake quarrelled. In the popular imagination English landscape painting from the 18th century onwards typifies English art, inspired largely from the love of the pastoral and mirroring as it does the development of larger country houses set in a pastoral rural landscape. Two English Romantics are largely responsible for raising the status of landscape painting worldwide: John Constable (1776–1837) and J. M. W. Turner (1775–1851), who is credited with elevating landscape painting to an eminence rivalling history painting. Other notable 18th and 19th century landscape painters include: George Arnald (1763–1841); John Linnell (1792–1882), a rival to Constable in his time; George Morland (1763–1804), who developed on Francis Barlow's tradition of animal and rustic painting; Samuel Palmer (1805–1881); Paul Sandby (1731–1809), who is recognised as the father of English watercolour painting; and subsequent watercolourists John Robert Cozens (1752–1797), Turner's friend Thomas Girtin (1775–1802), and Thomas Heaphy (1775–1835). The early 19th century saw the emergence of the Norwich school of painters, the first provincial art movement outside of London. Short lived owing to sparse patronage and internal dissent, its prominent members were "founding father" John Crome (1768–1821), John Sell Cotman (1782–1842), James Stark (1794–1859), and Joseph Stannard (1797–1830). The Pre Raphaelite Brotherhood movement, established in the 1840s, dominated English art in the second half of the 19th century. Its members — William Holman Hunt (1827–1910), Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1828–1896) and others — concentrated on religious, literary, and genre works executed in a colorful and minutely detailed, almost photographic style. Ford Madox Brown (1821–1893) shared the Pre Raphaelites' principles. Leading English art critic John Ruskin (1819–1900) was hugely influential in the latter half of the 19th century; from the 1850s he championed the Pre Raphaelites, who were influenced by his ideas. William Morris (1834–1896), founder of the Arts and Crafts Movement, emphasised the value of traditional craft skills which seemed to be in decline in the mass industrial age. His designs, like the work of the Pre Raphaelite painters with whom he was associated, referred frequently to medieval motifs. English narrative painter William Powell Frith (1819–1909) has been described as the "greatest British painter of the social scene since Hogarth", and painter and sculptor George Frederic Watts (1817–1904) became famous for his symbolist work. The gallant spirit of 19th century English military art helped shape Victorian England's self image. Notable English military artists include: John Edward Chapman 'Chester' Mathews (1843–1927); Lady Butler (1846–1933); Frank Dadd (1851–1929); Edward Matthew Hale (1852–1924); Charles Edwin Fripp (1854–1906); Richard Caton Woodville, Jr. (1856–1927); Harry Payne (1858–1927); George Delville Rowlandson (1861–1930); and Edgar Alfred Holloway (1870–1941). Thomas Davidson (1842–1919), who specialised in historical naval scenes, incorporated remarkable reproductions of Nelson related works by Arnald, Westall and Abbott in England's Pride and Glory (1894). To the end of the 19th century, the art of Aubrey Beardsley (1872–1898) contributed to the development of Art Nouveau, and suggested, among other things, an interest in the visual art of Japan.

20 век

В 1886 году импрессионизм нашел свое выражение в "Новом английском художественном клубе", среди известных членов которого были Уолтер Сикерт (1860–1942) и Филипп Вильсон Стир (1860–1942) – два английских художника, чья жизнь протекала параллельно и которые оказали значительное влияние в XX веке. Сикерт продолжил свою деятельность в постимпрессионистской группе "Камден-Таун", активной в 1911–1913 годах, и стал заметной фигурой в переходе к модернизму. Морские и пейзажные картины Стира сделали его ведущим импрессионистом, однако его более поздние работы демонстрируют более традиционный английский стиль, испытавший влияние Констебля и Тернера. Пол Нэш (1889–1946) сыграл ключевую роль в развитии модернизма в английском искусстве. Он был одним из наиболее значимых пейзажных художников первой половины XX века, а его работы, созданные во время Первой мировой войны, стали одними из самых узнаваемых образов этого конфликта. Нэш учился в Школе искусств Слэйда, где среди выдающегося поколения художников, обучавшихся под руководством влиятельного Генри Тонкса (1862–1937), были также Гарольд Гилман (1876–1919), Спенсер Гор (1878–1914), Дэвид Бомберг (1890–1957), Стэнли Спенсер (1891–1959), Марк Гертлер (1891–1939) и Роджер Хилтон (1911–1975). Самым противоречивым талантом английского модернизма был писатель и художник Уиндэм Льюис (1882–1957). Он был одним из основателей движения вортицизма в искусстве, и после того, как в 1920-х и начале 1930-х годов его литературные работы стали более известными, чем живопись, он вернулся к более сосредоточенной работе в области изобразительного искусства, а картины 1930-х и 1940-х годов составляют одни из его самых известных произведений. Уолтер Сикерт назвал Уиндэма Льюиса "величайшим портретистом этого и любого другого времени". Модернистскую скульптуру представляли английские художники Генри Мур (1898–1986), известный своими резными мраморными и крупномасштабными абстрактными бронзовыми скульптурами, и Барбара Хепворт (1903–1975), которая была ведущей фигурой в колонии художников, проживавших в Сент-Айвс, Корнуолл, во время Второй мировой войны. Ланкаширский художник Л. С. Лоури (1887–1976) прославился своими сценами из жизни в промышленных районах Северо-Западной Англии в середине XX века. Он разработал свой собственный, узнаваемый стиль живописи и наиболее известен своими городскими пейзажами, населенными человеческими фигурами, часто называемыми "человечками-спичками". Среди выдающихся английских художников середины XX века и последующего времени – Грэм Сазерленд (1903–1980), Карел Вейт (1908–1997), Раскин Спир (1911–1990), пионеры поп-арта Ричард Гамильтон (1922–2011), Питер Блейк (род. 1932) и Дэвид Хокни (род. 1937), а также представитель оп-арта Бриджит Райли (род. 1931). После развития постмодернизма английское искусство к концу XX века в определенной степени стало синонимом премии Тернера; эта премия, учрежденная в 1984 году и названная в честь Дж. М. У. Тернера с, казалось бы, благовидными намерениями, принесла английскому искусству репутацию, возможно, не самую благоприятную. Среди экспонатов премии были акула в формальдегиде и растрепанная кровать. Критик Мэтью Коллингс отмечает: "Искусство, удостоенное премии Тернера, строится на формуле, когда что-то сначала выглядит поразительно, а затем оказывается выражающим какую-то банальную идею, о которой кто-нибудь обязательно вам расскажет. Идеи никогда не бывают важными или даже идеями, скорее это наброски, как в рекламе. Никто их не развивает, потому что там просто нечего развивать". В то время как организаторы премии Тернера довольствовались слабыми концептуальными данью подлинным иконоборцам, таким как Дюшан и Манцони, они отвергали оригинальные таланты, такие как Берил Кук (1926–2008). Церемония награждения с 2000 года привлекает ежегодные демонстрации "стукистов" – группы, призывающей к возвращению к фигуративному искусству и эстетической подлинности. Иронично заметив, что "единственный художник, которому не грозит победа в премии Тернера, – это сам Тернер", стукисты в 2000 году организовали выставку "Настоящая премия Тернера 2000", пообещав (в отличие от оригинала) "никакой ерунды".

Impressionism found a focus in the New English Art Club, founded in 1886. Notable members included Walter Sickert (1860–1942) and Philip Wilson Steer (1860–1942), two English painters with coterminous lives who became influential in the 20th century. Sickert went on to the post impressionist Camden Town Group, active 1911–1913, and was prominent in the transition to Modernism. Steer's sea and landscape paintings made him a leading Impressionist, but later work displays a more traditional English style, influenced by both Constable and Turner. Paul Nash (1889–1946) played a key role in the development of Modernism in English art. He was among the most important landscape artists of the first half of the twentieth century, and the artworks he produced during World War I are among the most iconic images of the conflict. Nash attended the Slade School of Art, where the remarkable generation of artists who studied under the influential Henry Tonks (1862–1937) included, too, Harold Gilman (1876–1919), Spencer Gore (1878–1914), David Bomberg (1890–1957), Stanley Spencer (1891–1959), Mark Gertler (1891–1939), and Roger Hilton (1911–1975). Modernism's most controversial English talent was writer and painter Wyndham Lewis (1882–1957). He co founded the Vorticist movement in art, and after becoming better known for his writing than his painting in the 1920s and early 1930s he returned to more concentrated work on visual art, with paintings from the 1930s and 1940s constituting some of his best known work. Walter Sickert called Wyndham Lewis: "the greatest portraitist of this or any other time". Modernist sculpture was exemplified by English artists Henry Moore (1898–1986), well known for his carved marble and larger scale abstract cast bronze sculptures, and Barbara Hepworth (1903–1975), who was a leading figure in the colony of artists who resided in St Ives, Cornwall during World War II. Lancastrian L. S. Lowry (1887–1976) became famous for his scenes of life in the industrial districts of North West England in the mid 20th century. He developed a distinctive style of painting and is best known for his urban landscapes peopled with human figures often referred to as "matchstick men". Notable English artists of the mid 20th century and after include: Graham Sutherland (1903–1980); Carel Weight (1908–1997); Ruskin Spear (1911–1990); pop art pioneers Richard Hamilton (1922–2011), Peter Blake (b. 1932), and David Hockney (b. 1937); and op art exemplar Bridget Riley (b. 1931). Following the development of Postmodernism, English art became in some respect synonymous toward the end of the 20th century with the Turner Prize; the prize, established in 1984 and named with ostensibly credible intentions after J. M. W. Turner, earned for latterday English art a reputation arguably to its detriment. Prize exhibits have included a shark in formaldehyde and a dishevelled bed. Critic Matthew Collings observes that: "Turner Prize art is based on a formula where something looks startling at first and then turns out to be expressing some kind of banal idea, which somebody will be sure to tell you about. The ideas are never important or even really ideas, more notions, like the notions in advertising. Nobody pursues them anyway, because there's nothing there to pursue." While the Turner Prize establishment satisfied itself with weak conceptual homages to authentic iconoclasts like Duchamp and Manzoni, it spurned original talents such as Beryl Cook (1926–2008). The award ceremony has since 2000 attracted annual demonstrations by the "Stuckists", a group calling for a return to figurative art and aesthetic authenticity. Observing wryly that "the only artist who wouldn't be in danger of winning the Turner Prize is Turner", the Stuckists staged in 2000 a "Real Turner Prize 2000" exhibition, promising (by contrast) "no rubbish".

21 век

Скульптор Энтони Гормли (род. 1950) выразил сомнения в своей "полезности человеческой расе" спустя десять лет после получения премии Тернера, а его работы, включая Another Place (2005) и Event Horizon (2012), получили как признание критиков, так и широкую популярность. Псевдо-подрывное уличное искусство Бэнкси широко обсуждалось в средствах массовой информации. Яркое и получившее высокую оценку произведение монументального искусства, представленное в течение короткого периода в 2014 году, – Blood Swept Lands and Seas of Red, созданное в сотрудничестве художника Пола Камминса (род. 1977) и дизайнера театра Том Пайпера. Инсталляция в Лондонском Тауэре с июля по ноябрь 2014 года была посвящена столетию начала Первой мировой войны и состояла из 888 246 керамических красных маков, каждый из которых символизировал британского или колониального военнослужащего, погибшего в этой войне. Среди ведущих современных мастеров гравюры – Норман Аккройд и Ричард Спэр.