Луиза Буржуа: Жизнь и творчество французско-американского скульптора.

Введение

Французско-американская художница (1911–2010)

Луиза Жозефина Буржуа (lwiz buʁʒwa; 25 декабря 1911 – 31 мая 2010) была французско-американской художницей. Хотя она наиболее известна своими масштабными скульптурами и инсталляциями, Буржуа также была плодовитой живописцем и мастером графики. На протяжении своей долгой карьеры она исследовала широкий спектр тем, включая домашний быт и семью, сексуальность и тело, а также смерть и бессознательное. Эти темы были связаны с событиями её детства, которые она рассматривала как терапевтический процесс. Несмотря на то, что Буржуа выставлялась вместе с абстрактными экспрессионистами, а её творчество имеет много общего с сюрреализмом и феминистским искусством, она формально не принадлежала ни к одному конкретному художественному направлению.

Средние годы

Для Буржуа начало 1940-х годов представляло собой трудности перехода в новую страну и борьбу за признание в художественном мире Нью-Йорка. Ее работы этого периода создавались из металлолома и выброшенной древесины, которые она использовала для вырезания вертикальных деревянных скульптур. Неровности и дефекты дерева затем маскировались краской, после чего гвоздями намеренно создавались отверстия и царапины, призванные передать определенные эмоции. «Спящая фигура» – один из таких примеров, изображающий измученного войной человека, неспособного противостоять реальности из-за своей уязвимости. На протяжении всей жизни Буржуа обращалась к своему непростому прошлому, находя вдохновение и временное облегчение в воспоминаниях о детстве и пережитых страданиях от отца. Постепенно она обретала уверенность в себе как художница, хотя ее средние годы остаются малоизученными, возможно, из-за недостатка внимания со стороны арт-сообщества, несмотря на первую персональную выставку в 1945 году. В 1951 году умер ее отец, и она стала гражданкой Америки. В 1945 году работы Буржуа были представлены на выставке четырнадцати художниц в галерее Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века» под названием «Женщины». В составе Американской группы абстрактных художников Буржуа перешла от дерева и вертикальных конструкций к мрамору, гипсу и бронзе, исследуя темы страха, уязвимости и потери контроля. Этот переход стал поворотным моментом. Она описывала свое творчество как серию или последовательность, тесно связанную с событиями и обстоятельствами, а свои ранние работы – как страх падения, который впоследствии трансформировался в искусство падения и, наконец, в искусство удержания равновесия. Ее личные конфликты давали ей силы для аутентичного выражения своего опыта и борьбы через уникальную художественную форму. В 1958 году Буржуа и ее муж переехали в таунхаус на Вест-20-й улице в Челси, Манхэттен, где она жила и работала до конца жизни. Она утверждала: «Мое творчество затрагивает проблемы, не зависящие от пола», – писала она. – «Например, ревность не имеет гендерной принадлежности». Несмотря на это, в 1976 году работа «Femme Maison» была помещена на обложку книги Люси Липпард «Из центра: феминистские эссе об искусстве женщин» и стала иконой феминистского художественного движения. Однако давний друг и ассистент Буржуа, Джерри Горовой, отмечал, что сама Буржуа считала свое творчество «вне гендерных рамок». Буржуа поддерживала связи с активистами и вступила в группу борьбы с цензурой – феминистский коллектив, выступающий против цензуры, основанный художницей Анитой Стикль. В 1970-х годах группа защищала использование сексуальных образов в искусстве. Стикль утверждала: «Если эрегированный пенис недостаточно приличен для музеев, то он не должен считаться приличным и для женщин». В 1978 году Администрация государственных услуг заказала Буржуа создание «Facets of the Sun» – ее первой публичной скульптуры. В период с 1984 по 1986 год Буржуа создала серию скульптур под общим названием «Nature Study», продолжая свою жизненную миссию по оспариванию патриархальных норм и традиционных представлений о женственности в искусстве. В поздние годы своего творчества Буржуа продолжала экспериментировать с нетрадиционными материалами, такими как набитая ткань, для своих скульптур, тем самым бросая вызов общепринятому предпочтению прочных материалов, таких как бронза или камень. В 1989 году Буржуа создала офорт «Mud Lane», изображающий дом, который она содержала в Стэплтоне, на острове Стейтен-Айленд, рассматривая его скорее как скульптурную среду, чем как жилое пространство. В 1989 году у Буржуа состоялась еще одна ретроспективная выставка на Documenta 9 в Касселе, Германия. В 2000 году ее работы были отобраны для экспозиции на открытии Tate Modern в Лондоне. В 2010 году, в последний год своей жизни, Буржуа использовала свое искусство для защиты равенства лесбиянок, геев, бисексуалов и трансгендеров (ЛГБТ). Она создала композицию «I Do», изображающую два цветка, растущих из одного стебля, в поддержку некоммерческой организации Freedom to Marry. Буржуа говорила: «Каждый должен иметь право на брак. Посвятить себя любви к кому-то навсегда – это прекрасно». Буржуа активно поддерживала ЛГБТ-движение, создав работы для организации AIDS-активистов ACT UP в 1993 году.

For Bourgeois, the early 1940s represented the difficulties of a transition to a new country and the struggle to enter the exhibition world of New York City. Her work during this time was constructed from junkyard scraps and driftwood which she used to carve upright wood sculptures. The impurities of the wood were then camouflaged with paint, after which nails were employed to invent holes and scratches in the endeavor to portray some emotion. The Sleeping Figure is one such example which depicts a war figure that is unable to face the real world due to vulnerability. Throughout her life, Bourgeois's work was created from revisiting her own troubled past as she found inspiration and temporary catharsis from her childhood years and the abuse she suffered from her father. Slowly she developed more artistic confidence, although her middle years are more opaque, which might be due to the fact that she received very little attention from the art world despite having her first solo show in 1945. In 1951, her father died and she became an American citizen. In 1945, Bourgeois was featured in an exhibition of fourteen women artists at Peggy Guggenheim's Art of This Century, titled The Women. As part of the American Abstract Artists Group, Bourgeois made the transition from wood and upright structures to marble, plaster, and bronze as she investigated concerns like fear, vulnerability, and loss of control. This transition was a turning point. She referred to her art as a series or sequence closely related to days and circumstances, describing her early work as the fear of falling which later transformed into the art of falling and the final evolution as the art of hanging in there. Her conflicts in real life empowered her to authenticate her experiences and struggles through a unique art form. In 1958, Bourgeois and her husband moved into a terraced house at West 20th Street, in Chelsea, Manhattan, where she lived and worked for the rest of her life. She stated, "My work deals with problems that are pre gender", she wrote. "For example, jealousy is not male or female." Despite this assertion, in 1976 Femme Maison was featured on the cover of Lucy Lippard's book From the Center: Feminist Essays on Women's Art and became an icon of the feminist art movement. However, Bourgeois' long time friend and assistant, Jerry Gorovoy, has stated that Bourgeois considered her own work "pre gender". Bourgeois aligned herself with activists and became a member of the Fight Censorship Group, a feminist anti censorship collective founded by fellow artist Anita Steckel. In the 1970s, the group defended the use of sexual imagery in artwork. Steckel argued, "If the erect penis is not wholesome enough to go into museums, it should not be considered wholesome enough to go into women." In 1978 Bourgeois was commissioned by the General Services Administration to create Facets of the Sun, her first public sculpture. Between the years of 1984 and 1986, Bourgeois created a series of sculptures all under the title Nature Study which continued her lifetime commitment of challenging patriarchal standards and traditional methods of femininity in art. In the later stages of her career, Bourgeois continued her exploration of the use of less traditional materials, such as stuffed fabric, for her sculptures, thus challenging the accepted elevation of hard wearing materials such as bronze or stone. In 1989, Bourgeois made a drypoint etching, Mud Lane, of the home she maintained in Stapleton, Staten Island, which she treated as a sculptural environment rather than a living space. Bourgeois had another retrospective in 1989 at Documenta 9 in Kassel, Germany. In 2000 her works were selected to be shown at the opening of the Tate Modern in London. In 2010, the last year of her life, Bourgeois used her art to speak up for lesbian, gay, bisexual and transgender (LGBT) equality. She created the piece I Do, depicting two flowers growing from one stem, to benefit the nonprofit organization Freedom to Marry. Bourgeois has said "Everyone should have the right to marry. To make a commitment to love someone forever is a beautiful thing." Bourgeois had a history of activism on behalf of LGBT equality, having created artwork for the AIDS activist organization ACT UP in 1993.

Смерть

Буржуа скончалась от сердечной недостаточности 31 мая 2010 года в медицинском центре Бет-Исраэль на Манхэттене. В статье в газете "Нью-Йорк таймс" отмечалось, что её творчество отличалось повторяющимися темами, сосредоточенными вокруг человеческого тела и его потребности в заботе и защите в тревожном мире.

Женская семья

Femme Maison (1946–47) – серия картин, в которой Буржуа исследует взаимосвязь между женщиной и домом. В этих работах головы женщин заменены домами, что изолирует их тела от внешнего мира и заключает их сознание в домашнем пространстве. Эта тема перекликается с дегуманизацией, характерной для современного искусства.

Уничтожение отца

"Разрушение отца" (1974) - биографическое и психологическое исследование доминирования власти отца и его потомства. Это инсталляция в мягкой комнате, похожей на матку. Изготовленная из гипса, латекса, дерева, ткани и красного света, "Уничтожение отца" была первой картиной, в которой она использовала мягкие материалы в больших масштабах. Входя в инсталляцию, зритель оказывается в следствии преступления. В стилизованной столовой (с двойным воздействием спальни) абстрактные глобы, подобные детям властного отца, восстали, убили и съели его. Блоккоут рассказывает пленной аудитории, как он велик, все замечательные вещи, которые он сделал, все плохие люди, которых он сегодня уничтожил. Но это продолжается день за днем. В воздухе царит трагедия. Он слишком часто говорил свое. Он невыносимо доминирует, хотя, вероятно, сам этого не осознает. Мы с братом стали стыдиться друг друга, и однажды мы решили: "Время пришло!" Мы схватили его, положили на стол и наши ножи вскрыли его. Мы разобрали его и расчленили, отрезали его пенис. И он стал едой. Мы его съели. Он был ликвидирован так же, как он ликвидировал детей.

Клетки

В свои восьмидесятые годы Буржуа создала две серии замкнутых инсталляционных работ, которые она называла «Клетками». Многие из них – это небольшие ограждения, в которые зрителю предлагается заглянуть внутрь, чтобы увидеть композиции из символических предметов; другие – небольшие комнаты, в которые зрителю предлагается войти. В этих работах Буржуа использует более ранние скульптурные формы, найденные предметы, а также личные вещи, имевшие для художницы сильный эмоциональный смысл. Клетки заключают в себе психологические и интеллектуальные состояния, прежде всего чувства страха и боли. Буржуа говорила, что Клетки представляют собой «различные виды боли: физическую, эмоциональную и психологическую, ментальную и интеллектуальную. Каждая Клетка посвящена страху. Страх – это боль. Каждая Клетка посвящена удовольствию подглядывания, волнению от взгляда и осознанию, что на тебя смотрят».

Мама

В конце 1990-х годов Буржуа начала использовать паука как центральный образ в своем творчестве. «Маман», высотой более девяти метров, – это скульптура из стали и мрамора, с которой впоследствии было отлито шесть бронзовых копий. Впервые скульптура была представлена в рамках заказа Буржуа для серии Unilever в Турбинном зале Tate Modern в 2000 году, а недавно ее установили в Национальном конференц-центре Катара в Дохе. Самая большая скульптура паука Буржуа под названием «Маман» имеет высоту более 30 футов (9 метров) и была установлена во многих местах по всему миру. Это самая большая скульптура паука, когда-либо созданная Буржуа. Более того, «Маман» отсылает к силе ее матери, используя метафоры прядения, ткачества, заботы и защиты. «Паук – это ода моей матери. Она была моей лучшей подругой. Как паук, моя мать была ткачихой. Моя семья занималась реставрацией гобеленов, и моя мать руководила мастерской. Как и пауки, моя мать была очень сообразительна. Пауки – дружелюбные существа, которые поедают комаров. Мы знаем, что комары распространяют болезни и поэтому нежелательны. Таким образом, пауки полезны и защищают, как и моя мать». Луиза Буржуа. Сайт посвящен творческому процессу художницы и помещает гравюры и иллюстрированные книги Буржуа в контекст ее общего творчества, включая связанные работы в других техниках, затрагивающие те же темы и образы.

Темы и критики

Одна из тем творчества Буржуа – детская травма и подавленные эмоции. После того как мать Луизы заболела гриппом, её отец начал заводить романы с другими женщинами, особенно заметным был роман с Сэди, репетитором Луизы по английскому языку. Он приводил любовниц домой и изменял на глазах у всей семьи. Материнство – ещё одна сквозная тема в творчестве Буржуа. Именно мать поощряла Буржуа к рисованию и вовлекла её в бизнес по изготовлению гобеленов. Буржуа считала свою мать интеллектуальной и методичной; постоянно повторяющийся мотив паука в её работах часто символизирует мать. Образ паука, плетущего и ткащего паутину, является прямой отсылкой к гобеленному бизнесу её родителей и может также рассматриваться как метафора матери, занимавшейся ремонтом вещей. Буржуа придерживалась феминистского подхода в своем творчестве, схожего с подходом таких художниц, как Агнес Мартин и Ева Гессе, – её работы были меньше обусловлены политическими мотивами и скорее основывались на личном опыте гендера и сексуальности, естественно затрагивая женские вопросы. Работы Буржуа отличаются органичностью, биологичностью и ощущением воспроизводства; они привлекают внимание к самому произведению искусства.

Не оставляй меня

Это сотрудничество продолжалось два года с британской художницей Трейси Эмин. Работа была выставлена в Лондоне спустя несколько месяцев после смерти Буржуа в 2010 году. В основе произведения – мужские и женские образы. Несмотря на кажущуюся сексуальность, на них изображена крошечная женская фигура, воздающая дань уважения гигантской мужской фигуре, подобной божеству. Буржуа создала акварели, а Трейси Эмин выполнила рисунок поверх них. Эмин потребовалось два года, чтобы определить свой вклад в совместную работу. Когда она поняла, что нужно делать, она завершила все рисунки за один день и уверена, что каждый из них получился безупречным. "Я потеряла тебя" – это о потере детей, о потере жизни. Буржуа пришлось похоронить своего сына как матери. Для нее ощущение покинутости связано не только с утратой матери, но и с утратой сына. Несмотря на разницу в возрасте между художницами и различия в их творчестве, сотрудничество сложилось легко и гармонично.

Известные выставки и проекты, связанные с конкретными местами (выбор)

Работы Буржуа продолжают экспонироваться в музеях и общественных пространствах в форме специальных инсталляций по всему миру. Например, Массачусетский музей современного искусства (MASS MoCA) в Норт-Адамсе уже почти десять лет представляет коллекцию произведений художника из мрамора и других материалов. Крупномасштабная скульптура «Маман», приобретенная Институтом культуры Итау в 1996 году и переданная в Музей современного искусства Сан-Паулу (Бразилия), совершила многогородской тур по таким учреждениям и общественным местам, как Институт Инхотим в штате Минас-Жерайс, Фонд Ибере Камарго в Порту-Алегри, а затем в Музей Оскара Нимейера в Куритибе. В 2020 году работы Буржуа были представлены на крупной групповой выставке в Художественном музее Переса в Майами, штат Флорида. Выставка «Мое тело – мои правила» представляла собой исследование разнообразных художественных практик 23 художниц XXI века. Среди них были Кароли Шниманн, Синди Шерман, Лорна Симпсон, Ана Мендиета, Вангуэчи Муту, Микалин Томас и Франческа Вудман.