Ограниченная анимация: Техники и история развития

Введение

Техника анимации

Ограниченная анимация — это процесс в рамках общей техники традиционной анимации, который повторно использует кадры с анимацией персонажей.

Ранняя история

Использование методов сокращения бюджета и экономии времени в анимации уходит корнями в самые первые коммерческие анимационные фильмы, включая циклические анимации, зеркальные изображения и симметричные рисунки, неподвижные персонажи и другие трудосберегающие приемы. В целом, развитие шло от ранних постановок, где каждый кадр рисовался вручную, независимо от предыдущего, к более ограниченной анимации, которая использовала одни и те же рисунки различными способами. Винсор Маккей, аниматор, вкладывавший в свои работы беспрецедентный уровень детализации, хвастался, что в его фильме 1914 года «Герти динозавр» все было в движении, включая камни и травинки на заднем плане. В отличие от этого, в его фильме 1918 года «Гибель «Лузитании»» он перешел к использованию целлов поверх статичных фонов, при этом сохранив уровень детализации, сопоставимый с «Герти». Мультфильм «Дышки из Довера» (The Dover Boys) 1942 года, снятый Чаком Джонсом для серии «Merrie Melodies», является одним из первых мультфильмов Warner Bros., в котором широко применяются некоторые приемы, впоследствии получившие название «ограниченная анимация», в частности, использование персонажей, которые либо стоят неподвижно, либо двигаются настолько быстро, что их движение кажется размытым. Эта техника анимации получила название «смазанный кадр».

Американское телевидение

Hanna Barbera Productions использовала ограниченную анимацию на протяжении всего своего существования. Когда основатели компании, Уильям Ханна и Джозеф Барбера, покинули студию MGM в 1957 году, они выбрали принципиально иной подход к анимации, нежели тот, что использовали для своих полнометражных короткометражных фильмов. Поскольку телевизионные экраны в то время были значительно меньше, чем киноэкраны, ограниченная анимация, с акцентом на крупные планы персонажей и юмор, основанный на диалогах, лучше соответствовала более камерной атмосфере домашнего просмотра. В то время большинство полнометражных фильмов (наряду с анимационными короткометражками, включая работы Ханны и Барберы над «Томом и Джерри») переходили на широкоэкранный формат CinemaScope, что затрудняло создание ощущения близости; компания Уолта Диснея, хотя и продолжала использовать полную анимацию, также применяла крупные планы персонажей и юмор, основанный на индивидуальности, в своих ранних фильмах. Когда Дисней выпустил «Леди и Бродяга» в CinemaScope, этот формат затруднил воспроизведение прежнего стиля – проблемы, с которой Ханна Барбера не столкнулась, используя более компактные и квадратные телевизионные экраны. Финансовые преимущества ограниченной анимации привели к тому, что телевизионные анимационные компании активно использовали этот метод в эпоху телевидения. Jay Ward Productions прибегали к ограниченной анимации по тем же причинам, компенсируя это острой сатирой на тему Холодной войны и стилем бесстрастной комедии, который стал визитной карточкой студии. Одним из частых пользователей ограниченной анимации была Filmation, субботний конкурент HB (создатели «He-Man и Владыки Вселенной» и «BraveStarr»), которая придавала своим работам узнаваемый облик. Билл Мелендес использовал форму ограниченной анимации для адаптации франшизы «Peanuts» для телевидения, а затем и для кино; помимо соображений стоимости и времени (особенно для его первого специального выпуска «Рождество Чарли Брауна», на создание 30 минут анимации которого было выделено всего 76 000 долларов и четыре месяца), Мелендес также отметил, что создатель «Peanuts» Чарльз М. Шульц разработал персонажей в плоском стиле, который хорошо подходил для ограниченной анимации. Недолговечная Cambria Studios выпустила три сериала (включая «Clutch Cargo»), используя один из самых дешевых подходов к анимации: известный как Syncro Vox, он заключался в наложении пленки с движущимися губами актера озвучивания на неподвижный кадр персонажа. Сама Disney прибегала к некоторым приемам ограниченной анимации, чтобы сократить бюджет в 1960-х годах, особенно с использованием ксерографии в «101 далматинец», что привело к созданию рисунков с более толстыми и грубыми контурами, чем те, что ранее использовались в фильмах Disney. К 1970-м годам использование ограниченной анимации в субботних утренних мультфильмах стало обычным явлением. Уолтер Уильямс, создатель «Шоу мистера Билла», заметил, что мультфильмы 1970-х годов были настолько статичными, что он ожидал, что руки художника в любой момент появятся на экране и начнут физически перемещать рисунки. Это вдохновило его на создание персонажа «Мистер Руки» в «Шоу мистера Билла», который буквально этим и занимался.

Hanna Barbera Productions used limited animation throughout its existence. When the company's namesakes, William Hanna and Joseph Barbera, separated from the MGM studio in 1957, they opted to take a drastically different approach to animation than they had for their fully animated short films; as television screens were much smaller than theater screens at the time, limited animation, with its emphasis on character close ups and dialogue based humor, was a better fit for the more intimate home viewer experience. At the time, most feature films (along with animated shorts, including Hanna and Barbera's own work on Tom and Jerry) were transitioning to the widescreen CinemaScope process, which made it more difficult to replicate intimacy; The Walt Disney Company, though they continued to use full animation, had also used character close ups and personality driven humor in their early films. When Disney produced Lady and the Tramp in CinemaScope, the process made it difficult to replicate that style, a problem that Hanna Barbera did not have with smaller, more square television screens. The financial benefits of limited animation led to television animation companies relying on the process extensively in the television era. Jay Ward Productions relied on limited animation for those reasons, compensating with its heavy Cold War satire and a style of deadpan comedy that would become a trademark of the studio's style. One of the frequent users of limited animation was HB's Saturday morning rival Filmation (makers of He Man and the Masters of the Universe and BraveStarr) which gave their work a distinct look. Bill Melendez used a form of limited animation to adapt the Peanuts franchise to television and later film; in addition to the cost and time concerns (especially for his first special A Charlie Brown Christmas, which was given only a $76,000 budget and four months to produce 30 minutes of animation), Meléndez also noted that Peanuts creator Charles M. Schulz had designed the characters with a flat style well suited for limited animation. The short lived Cambria Studios turned out three serials (including Clutch Cargo) using one of the most inexpensive approaches to animation possible: known as Syncro Vox, it involved superimposing film of the voice actor's moving lips over a still frame of the character. Disney themselves resorted to some limited animation tricks in an effort to cut its budget during the 1960s, particularly with its usage of xerography in One Hundred and One Dalmatians, which resulted in artwork with heavier, rougher outlines than had previously been seen in Disney films up to that point. By the 1970s, the usage of limited animation in Saturday morning cartoons had become common. Walter Williams, creator of The Mr. Bill Show, noted that cartoons in the 1970s were so static, he expected the artist's hands to enter the screen at any moment and physically start moving the drawings around. This inspired him to create the "Mr. Hands" character in The Mr. Bill Show, who literally did just that.

Японское телевидение

Ограниченная анимация оказалась особенно популярной в Японии, в результате чего японское слово «аниме», обозначающее анимацию, вошло в английский язык как заимствование для обозначения характерного стиля японской анимации, который там и сформировался. Аниме характеризуется сценами с движущимися ртами и редкими морганиями, длинными планами детализированных фонов, низкой частотой кадров (особенно в ранних работах), редким использованием 2D-плавности и размытия в динамичных сценах, а также повторным использованием рисунков и стилистическими приемами, заимствованными из японских комиксов (манга). Оно также отличается более низкой стоимостью производства и стилизованным содержанием по сравнению с реалистичной анимацией. Как и в США, телевидение стало ключевым фактором роста аниме в Японии. Экономическое восстановление страны после Второй мировой войны привело к процветанию и увеличению числа японских домохозяйств с телевизорами, а развитие аниме позволило Японии конкурировать в области анимации, где она ранее значительно отставала от Запада.