Аллан Капроу: Художник перформанса и новатор хаппенингов
Allan Kaprow
Аллан Капроу (1927-2006) – американский художник, пионер перформанса и инсталляции. Создатель "Хэппенингов" и "Активностей", повлиял на Fluxus и современное искусство.
Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.
Содержание
Введение
Американский художник-перформансист, художник-инсталлятор, живописец (1927–2006)
American performance artist, installation artist, painter (1927–2006)
Аллан Капроу (23 августа 1927 года – 5 апреля 2006 года) – американский художник-перформансист, художник-инсталлятор, живописец и создатель ассамбляжей. Он способствовал развитию "Окружающей среды" и "Хэппенингов" в конце 1950-х и 1960-х годов, а также разработке их теории. Его хэппенинги – около 200 – эволюционировали на протяжении многих лет. В конечном итоге Капроу переключился на то, что он назвал "Активностями" – камерные произведения для одного или нескольких участников, посвященные изучению обычной человеческой деятельности в контексте повседневной жизни. Флюксус, перформанс и инсталляционное искусство, в свою очередь, испытали влияние его работ.
Allan Kaprow (August 23, 1927 – April 5, 2006) was an American performance artist, installation artist, painter, and assemblagist He helped to develop the "Environment" and "Happening" in the late 1950s and 1960s, as well as their theory. His Happenings — some 200 of them — evolved over the years. Eventually Kaprow shifted his practice into what he called "Activities", intimately scaled pieces for one or several players, devoted to the study of normal human activity in a way congruent to ordinary life. Fluxus, performance art, and installation art were, in turn, influenced by his work.
Исследования
Из-за хронической болезни Капроу был вынужден переехать из Нью-Йорка в Тусон, штат Аризона. Он начал своё обучение в Тусоне, где посещал школу-интернат. Позже он поступил в Высшую школу музыки и искусства в Нью-Йорке, где его сокурсниками были художники Вольф Кан, Рэйчел Розенталь и будущая нью-йоркская галеристка Вирджиния Забриски. Будучи студентом Нью-Йоркского университета, Капроу испытал влияние книги Джона Дьюи «Искусство как опыт». Он изучал искусство и философию в аспирантуре. Получил степень магистра по истории искусств в Колумбийском университете. Он начал обучение в Школе изящных искусств имени Ганса Хофмана в 1947 году. Именно там он начал работать в стиле живописи действия, что оказало значительное влияние на его перформансы «Happenings» в последующие годы. Он продолжил изучать композицию у Джона Кейджа на его курсах в Новой школе социальных исследований, живопись у Ганса Хофмана и историю искусства у Майера Шапиро. Капроу начал свою карьеру как художник, а затем стал соучредителем галерей Ханса и Рубена в Нью-Йорке и директором галереи Джадсона. Под влиянием Джона Кейджа он стал всё меньше внимания уделять результату живописи и всё больше – самому процессу.
Because of a chronic illness Kaprow was forced to move from New York to Tucson, Arizona. He began his early education in Tucson where he attended boarding school. Later he would attend the High School of Music and Art in New York where his fellow students were the artists Wolf Kahn, Rachel Rosenthal and the future New York gallerist Virginia Zabriskie. As an undergraduate at New York University, Kaprow was influenced by John Dewey's book Art as Experience. He studied in the arts and philosophy as a graduate student. He received his MA degree from Columbia University in art history. He started in the Hans Hofmann School of Fine Arts in 1947. It was here that he started with a style of action painting, which greatly influenced his Happenings pieces in years to come. He went on to study composition with John Cage in his class at the New School for Social Research, painting with Hans Hofmann, and art history with Meyer Schapiro. Kaprow started his studio career as a painter, and later co founded the Hansa and Reuben Galleries in New York and became the director of the Judson Gallery. With John Cage's influence, he became less and less focused on the product of painting, and instead on the action.
Преподавание
Капроу начал преподавать в Университете Рутгерса в 1953 году. Там он способствовал формированию одной из ветвей группы Fluxus вместе с профессорами Робертом Уоттсом, Джеффри Хендрикс и Роем Лихтенштейном, художниками Джорджем Брехтом и Джорджем Сегалом, а также студентами Лукасом Самарасом и Робертом Уитманом. На протяжении долгой преподавательской карьеры он преподавал в Рутгерсе до 1961 года, в Институте Пратта с 1960 по 1961 год, в Государственном университете Нью-Йорка в Стоуни-Бруке с 1961 по 1966 год и в Калифорнийском институте искусств с 1966 по 1974 год, после чего стал штатным преподавателем Калифорнийского университета в Сан-Диего, где преподавал с 1974 по 1993 год.
Kaprow began teaching at Rutgers University in 1953. While there, he helped to create what will eventually become one branch of the Fluxus group, along with professors Robert Watts, Geoffrey Hendricks and Roy Lichtenstein, artists George Brecht and George Segal, and undergraduates Lucas Samaras and Robert Whitman. Through a long teaching career, he taught at Rutgers until 1961, Pratt Institute from 1960 to 1961, the State University of New York at Stony Brook from 1961 to 1966, and the California Institute of the Arts from 1966 to 1974, before serving as a full time faculty member at the University of California, San Diego, where he taught from 1974 to 1993.
События
В 1958 году Капроу опубликовал эссе «Наследие Джексона Поллока». В нем он заявляет о необходимости «конкретного искусства», созданного из повседневных материалов, таких как «краска, стулья, еда, электрические и неоновые огни, дым, вода, старые носки, собака, фильмы». В этом тексте он впервые использует термин «хаппенинг», утверждая, что мастерство и долговечность должны быть забыты, а в искусстве следует использовать скоропортящиеся материалы. Хаппенинги изначально представляли собой тщательно срежиссированные события, в которых зрители и исполнители следовали указаниям, чтобы ощутить искусство. Другой пример хаппенинга, созданного им, заключался в том, чтобы привести людей в комнату, заполненную большим количеством кубиков льда, к которым им следовало прикоснуться, заставляя их таять и завершая цикл. Наиболее известные хаппенинги Капроу начались примерно в 1961–1962 годах, когда он выводил студентов или друзей в определенное место для выполнения небольшого действия. Он получил значительное внимание в сентябре 1962 года за свой перформанс «Слова» в галерее Смолин. Однако ритуальная природа его хаппенингов наиболее ярко проявляется в «Ешь» (1964), который проходил в пещере с неровным полом, пересеченным лужами и ручьями. Как описал канадский драматург Гэри Боттинг: «Посетители вошли через старую дверь, прошли по темному, узкому коридору и поднялись по ступенькам к платформе, освещенной обычной лампочкой. Девушки предлагали каждому посетителю красное и белое вино. С потолка свисали яблоки и грозди бананов, а девушка жарила банановые оладьи на горячей плите. В маленькой пещере, в которую можно было попасть только по лестнице, исполнитель резал, солил и раздавал вареный картофель. В бревенчатой хижине подавали хлеб и варенье. Хлеб был засунут между бревнами. Посетители могли есть и пить в течение часа. Диалога, кроме того, что использовался во взаимодействии посетителей с исполнителями, не было». Боттинг отметил, что «Ешь» воздействует на все чувства, и к этому добавлялось ритмичное, повторяющееся тиканье метрономов, настроенных в темпе человеческого сердцебиения, имитирующее ритуальные барабанные звуки. Кроме того, «посетители» были вовлечены физически (от них требовалось ходить, есть, пить и т. д.), ментально (поскольку требовалось следовать инструкциям), эмоционально (темнотой и странностью внутреннего убранства пещеры) и мистически (за «тайной» того, что находится за стенами хижины или во внутренней пещере). Вкратце, Капроу разработал методы, чтобы вызвать творческую реакцию у аудитории, побуждая зрителей устанавливать собственные связи между идеями и событиями. По его собственным словам: «И сама работа, действие, вид участия были так же далеки от всего художественного, как и место». Он редко записывал свои хаппенинги, что делало их уникальными. На Международной конференции по дизайну в Аспене в 1971 году Капроу руководил хаппенингом под названием «Догонялки» на лыжном подъемнике Аспен Хайлендс, который был посвящен одной из тем конференции: «технологическая революция». Используя пять видеокамер и мониторов, он записывал людей, едущих на лыжном подъемнике, и снова, когда они смотрели на себя, едущих на лыжном подъемнике, на мониторах. Работа Капроу стремится объединить искусство и жизнь. В хаппенингах стирается грань между жизнью, искусством, художником и аудиторией. Хаппенинг позволяет художнику экспериментировать с движениями тела, записанными звуками, письменными и устными текстами и даже запахами. Одним из его ранних хаппенингов был «События на нью-йоркской сцене», написанный в 1961 году, когда эта форма только развивалась. Капроу называет их нетрадиционными театральными постановками, даже если они отвергаются «поклонниками» театра из-за их происхождения в изобразительном искусстве. Эти хаппенинги используют одноразовые элементы, такие как картон или банки, что делает его искусство более доступным для изменений. Как только эти элементы приходят в негодность, он может собрать больше одноразовых материалов и создать еще один импровизационный шедевр. Он отмечает, что их представления в лофтах, магазинах и подвалах расширяют понятие театра, разрушая барьер между зрителем и пьесой и «демонстрируя органическую связь между искусством и его окружением». Были воссозданы его работы, такие как «Переполнение», дань оригинальному хаппенингу «ЖИДКОСТИ» 1967 года. В 1973 году Аллан Капроу выступил вместе с Яннисом Кунеллисом, Вольфом Востеллом, Робертом Филлиу и Марио Мерцем в Берлине на ADA Aktionen der Avantgarde. В 2014 году театральная компания This Is Not A Theatre Company воссоздала два хаппенинга Аллана Капроу в Нью-Йорке в рамках выставки «Аллен Капроу. Другие пути» в Fundacio Antoni Tapies в Барселоне: «Чистка зубов» («проводилась в частном порядке с друзьями») и «Поза» («Несение стульев по городу. Сидение здесь и там. Фотографирование. Пиксели оставлены на месте. Продолжение»). Он много публиковался и был профессором-эмеритом кафедры изобразительных искусств Калифорнийского университета в Сан-Диего. Капроу также известен идеей «анти-искусства», представленной в его эссе «Искусство, которое не может быть искусством» и «Образование антихудожника». Многие известные художники, например, Клас Олденбург, называют его своим источником вдохновения.
In 1958, Kaprow published the essay "The Legacy of Jackson Pollock". In it he demands a "concrete art" made of everyday materials such as "paint, chairs, food, electric and neon lights, smoke, water, old socks, a dog, movies." In this particular text, he uses the term "happening" for the first time stating that craftsmanship and permanence should be forgotten and perishable materials should be used in art. The "Happenings" first started as tightly scripted events, in which the audience and performers followed cues to experience the art. Another example of a Happening he created involved bringing people into a room containing a large abundance of ice cubes, which they had to touch, causing them to melt and bringing the piece full circle. Kaprow's most famous happenings began around 1961 to 1962, when he would take students or friends out to a specific site to perform a small action. He gained significant attention in September 1962 for his Words performance at the Smolin Gallery. However, the ritualistic nature of his happenings is nowhere better illustrated than in Eat (1964), which took place in a cave with irregular floors criss crossed with puddles and streams. As Canadian playwright Gary Botting described it, "The 'visitors' entered through an old door, and walked down a dark, narrow corridor and up steps to a platform illuminated by an ordinary light bulb. Girls offered red and white wine to each visitor. Apples and bunches of bananas dangled from the ceiling and a girl fried banana fritters on a hotplate. In a small cave, entered only by climbing a ladder, a performer cut, salted and distributed boiled potatoes. In a log hut, bread and jam were served. Bread was stuffed between the logs. The visitors could eat and drink at random for an hour. There was no dialogue other than that used in the interaction of the visitors with the performers." Botting noted that Eat appealed to all the senses and superadded to that was the rhythmic, repeated ticking of metronomes set at the pace of a human heartbeat, simulating ritualistic drumming. Furthermore, "The 'visitors' were involved physically (by being required to walk, eat, drink, etc. ), mentally (by being required to follow directions), emotionally (by the darkness and strangeness of the interior of the cave), and mystically (by the 'mystery' of what is beyond the walls of the hut or in the inner cave." In short, Kaprow developed techniques to prompt a creative response from the audience, encouraging audience members to make their own connections between ideas and events. In his own words, "And the work itself, the action, the kind of participation, was as remote from anything artistic as the site was." He rarely recorded his Happenings which made them a one time occurrence. At the 1971 International Design Conference at Aspen, Kaprow directed a happening called "Tag" on the Aspen Highlands ski lift which focused on one of the conference themes: "the technological revolution". Using five video cameras and monitors, he recorded people riding the ski lift and again as they watched themselves riding the ski lift on the monitors. Kaprow's work attempts to integrate art and life. Through Happenings, the separation between life, art, artist, and audience becomes blurred. The "Happening" allows the artist to experiment with body motion, recorded sounds, written and spoken texts, and even smells. One of his earliest "Happenings" was the "Happenings in the New York Scene," written in 1961 as the form was developing. Kaprow calls them unconventional theater pieces, even if they are rejected by "devotees" of theater because of their visual arts origins. These "Happenings" use disposable elements like cardboard or cans making it cheaper on Kaprow to be able to change up his art piece every time. The minute those elements break down, he can get more disposable materials together and produce another improvisational master piece. He points out that their presentations in lofts, stores, and basements widens the concept of theater by destroying the barrier between audience and play and "demonstrating the organic connection between art and its environment." There have been recreations of his pieces, such as "Overflow", a tribute to the original 1967 "FLUIDS" Happening. In 1973 Allan Kaprow performed with Jannis Kounellis, Wolf Vostell, Robert Filliou, and Mario Merz in Berlin at the ADA Aktionen der Avantgarde. In 2014 This Is Not A Theatre Company restaged two of Allan Kaprow's Happenings in New York City as part of the exhibit "Allen Kaprow. Other Ways" at the Fundacio Antoni Tapies in Barcelona: Toothbrushing Piece ("performed privately with friends"), and Pose ("Carrying chairs through the city. Sitting down here and there. Photographed. Pix left on the spot. Going on"). He published extensively and was Professor Emeritus in the Visual Arts Department of the University of California, San Diego. Kaprow is also known for the idea of "un art", found in his essays "Art Which Can't Be Art" and "The Education of the Un Artist." Many well known artists, for example, Claes Oldenburg, cite him as an influence on their work.
Опубликованные работы
Assemblage, Environments and Happenings (1966) представил работы близких по духу художников посредством фотографий и критических эссе и является основополагающим текстом в области перформанса. Сборник "Очерки о стирании границ между искусством и жизнью" (1993), включающий статьи, написанные на протяжении четырех десятилетий, сделал теории Капроу о современной художественной практике доступными для нового поколения художников и критиков.
Assemblage, Environments and Happenings (1966) presented the work of like minded artists through both photographs and critical essays, and is a standard text in the field of performance art. Kaprow's Essays on the Blurring of Art and Life (1993), a collection of pieces written over four decades, has made his theories about the practice of art in the present day available to a new generation of artists and critics.
Признание
В 2013 году Дейл Эйзингер из Complex поместил "Ярд" (1961) на шестое место в своем списке величайших работ в жанре перформанса, написав: "Его первые хеппенинги вовлекали публику в ошеломляющие, зачастую игривые взаимодействия. "Ярд", пожалуй, наиболее значимая из этих ранних работ".
In 2013, Dale Eisinger of Complex ranked Yard (1961) sixth in his list of the greatest performance art works, writing, "His first happenings engaged the audience in overwhelming, often playful ways. Yard is perhaps the most significant of these early works".