Искусство Древнего Рима и его территорий

Введение

Искусство Древнего Рима и территорий, которыми он управлял, включает в себя архитектуру, живопись, скульптуру и мозаичное искусство. Предметы роскоши из металла, гравировка драгоценных камней, резьба по слоновой кости и стекло иногда рассматриваются как второстепенные формы римского искусства, хотя в то время их таковыми не считали. Римляне, возможно, считали скульптуру наивысшей формой искусства, но живопись также высоко ценилась. Сохранилось очень большое количество скульптур, начиная примерно с I века до н.э., хотя более ранних образцов сохранилось очень мало. Живописи же осталось крайне мало, и, вероятно, ни одна из сохранившихся работ не была бы признана современником как произведение высочайшего качества. Древнеримская керамика не была предметом роскоши, однако массовое производство "изысканной керамики" терра-сигиллата украшалось рельефами, отражавшими последние тенденции, и обеспечивало значительную часть общества стильными предметами по доступной цене. Римские монеты являлись важным инструментом пропаганды и сохранились в огромном количестве.

Введение

В то время как традиционное представление о древних римских художниках заключается в том, что они часто заимствовали и копировали греческие образцы (большая часть греческих скульптур, известных сегодня, представляет собой римские мраморные копии), более поздние исследования показали, что римское искусство – это высокотворческая пастишь, в значительной степени опирающаяся на греческие модели, но также включающая этрусское, местное италийское и даже египетское визуальное наследие. Стилистический эклектизм и практическое применение – отличительные черты многих римских произведений искусства. Плиний, самый важный историк Древнего Рима в отношении искусства, отметил, что почти все формы искусства – скульптура, пейзаж, портретная живопись, даже жанровая живопись – достигли расцвета в греческие времена, а в некоторых случаях и превосходили римские. Хотя от греческой настенной живописи и портретной живописи сохранилось немного, это подтверждается греческой скульптурой и вазописью. В изысканности дизайна и исполнения римские художники, вероятно, не превзошли эти формы. Он рисовал парикмахерские и лавки сапожников, ослов, овощи и тому подобное, и поэтому его стали называть «художником вульгарных предметов»; однако эти работы в целом восхитительны и продавались по более высоким ценам, чем величайшие картины многих других художников. Прилагательное «вульгарный» здесь используется в своем первоначальном значении, которое означает «обыденный». Греческие предшественники римского искусства были легендарны. В середине V века до н.э. самыми известными греческими художниками были Полигнот, прославившийся своими настенными росписями, и Аполлодор, создатель светотени. Развитие реалистической техники приписывают Зевксису и Паррасию, которые, согласно древнегреческой легенде, однажды соревновались в демонстрации своего мастерства, оставив самые ранние описания в истории живописи обмана зрения (trompe l'œil). В скульптуре выдающимися были Скопас, Пракситель, Фидий и Лисипп. Похоже, что римские художники имели множество образцов древнегреческого искусства для копирования, поскольку торговля искусством процветала по всей империи, и значительная часть греческого художественного наследия проникла в римское искусство через книги и обучение. Известно, что древнегреческие трактаты об искусстве существовали во времена римлян, хотя сейчас они утеряны. Многие римские художники происходили из греческих колоний и провинций. Многие художественные формы и методы, используемые римлянами – высокий и низкий рельеф, отдельно стоящая скульптура, бронзовое литье, вазопись, мозаика, камеи, монетное дело, ювелирное искусство и металлообработка, погребальная скульптура, перспективный рисунок, карикатура, жанровая и портретная живопись, пейзажная живопись, архитектурная скульптура и живопись обмана зрения – все были разработаны или усовершенствованы древнегреческими художниками. Исключением является римский бюст, который не включал плечи. Традиционный бюст с головой и плечами, возможно, был этрусской или раннеримской формой. Практически каждая художественная техника и метод, использованные художниками Возрождения спустя 1900 лет, была продемонстрирована древнегреческими художниками, за исключением масляных красок и математически точной перспективы. В то время как греческих художников высоко почитали в обществе, большинство римских художников оставались анонимными и считались ремесленниками. В отличие от Древней Греции, в Риме не сохранилось записей о великих мастерах римского искусства и практически нет подписанных работ. В то время как греки почитали эстетические качества великого искусства и много писали об художественной теории, римское искусство было более декоративным и отражало статус и богатство, и, по-видимому, не являлось предметом исследований ученых или философов. Отчасти потому, что римские города были в основном намного больше греческих городов-государств по численности населения и, как правило, менее провинциальными, искусство в Древнем Риме приобрело более широкий и иногда более утилитарный характер. Римская культура ассимилировала многие культуры и в основном проявляла терпимость к обычаям завоеванных народов. Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь), римское искусство включило восточные влияния, чтобы создать византийский стиль поздней империи. Когда Рим был разграблен в V веке, ремесленники переехали и нашли работу в восточной столице. Церковь Святой Софии в Константинополе заняла около 10 000 рабочих и ремесленников, что стало последним всплеском римского искусства при императоре Юстиниане (527–565 гг. н.э.), который также приказал создать знаменитые мозаики базилики Сан-Витале в городе Равенна.

While the traditional view of the ancient Roman artists is that they often borrowed from, and copied Greek precedents (much of the Greek sculptures known today are in the form of Roman marble copies), more of recent analysis has indicated that Roman art is a highly creative pastiche relying heavily on Greek models but also encompassing Etruscan, native Italic, and even Egyptian visual culture. Stylistic eclecticism and practical application are the hallmarks of much Roman art. Pliny, Ancient Rome's most important historian concerning the arts, recorded that nearly all the forms of art – sculpture, landscape, portrait painting, even genre painting – were advanced in Greek times, and in some cases, more advanced than in Rome. Though very little remains of Greek wall art and portraiture, certainly Greek sculpture and vase painting bears this out. These forms were not likely surpassed by Roman artists in fineness of design or execution. As another example of the lost "Golden Age", he singled out Peiraikos, "whose artistry is surpassed by only a very few He painted barbershops and shoemakers' stalls, donkeys, vegetables, and such, and for that reason came to be called the 'painter of vulgar subjects'; yet these works are altogether delightful, and they were sold at higher prices than the greatest paintings of many other artists." The adjective "vulgar" is used here in its original definition, which means "common". The Greek antecedents of Roman art were legendary. In the mid 5th century BC, the most famous Greek artists were Polygnotos, noted for his wall murals, and Apollodoros, the originator of chiaroscuro. The development of realistic technique is credited to Zeuxis and Parrhasius, who according to ancient Greek legend, are said to have once competed in a bravura display of their talents, history's earliest descriptions of trompe l'œil painting. In sculpture, Skopas, Praxiteles, Phidias, and Lysippos were the foremost sculptors. It appears that Roman artists had much Ancient Greek art to copy from, as trade in art was brisk throughout the empire, and much of the Greek artistic heritage found its way into Roman art through books and teaching. Ancient Greek treatises on the arts are known to have existed in Roman times, though are now lost. Many Roman artists came from Greek colonies and provinces. Many of the art forms and methods used by the Romans – such as high and low relief, free standing sculpture, bronze casting, vase art, mosaic, cameo, coin art, fine jewelry and metalwork, funerary sculpture, perspective drawing, caricature, genre and portrait painting, landscape painting, architectural sculpture, and trompe l'œil painting – all were developed or refined by Ancient Greek artists. One exception is the Roman bust, which did not include the shoulders. The traditional head and shoulders bust may have been an Etruscan or early Roman form. Virtually every artistic technique and method used by Renaissance artists 1,900 years later had been demonstrated by Ancient Greek artists, with the notable exceptions of oil colors and mathematically accurate perspective. Where Greek artists were highly revered in their society, most Roman artists were anonymous and considered tradesmen. There is no recording, as in Ancient Greece, of the great masters of Roman art, and practically no signed works. Where Greeks worshipped the aesthetic qualities of great art, and wrote extensively on artistic theory, Roman art was more decorative and indicative of status and wealth, and apparently not the subject of scholars or philosophers. Partly because Roman cities were mostly far larger than the Greek city states in population, and generally less provincial, art in Ancient Rome took on a wider, and sometimes more utilitarian, purpose. Roman culture assimilated many cultures and was for the most part tolerant of the ways of conquered peoples. When Constantine moved the capital of the empire to Byzantium (renamed Constantinople), Roman art incorporated Eastern influences to produce the Byzantine style of the late empire. When Rome was sacked in the 5th century, artisans moved to and found work in the Eastern capital. The Church of Hagia Sophia in Constantinople employed nearly 10,000 workmen and artisans, in a final burst of Roman art under Emperor Justinian (527–565 CE), who also ordered the creation of the famous mosaics of Basilica of San Vitale in the city of Ravenna.

Живопись

Из огромного наследия римской живописи до нас дошло лишь несколько фрагментарных памятников, причём многие задокументированные типы не сохранились вовсе или дошли только с конца периода. Наиболее известным и значительным из них являются настенные росписи из Помпей, Геркуланума и других близлежащих поселений, демонстрирующие, как жители богатого приморского курорта украшали свои дома в столетие, предшествовавшее катастрофическому извержению Везувия в 79 году нашей эры. Последовательность стилей, датированных и проанализированных современными искусствоведами, начиная с Августа Мау, показывает постепенное усложнение. Росписи того же периода были обнаружены также в руинах роскошных домов римской аристократии в самом Риме. Значительная часть дворца Нерона в Риме, Домус Ауреа, построенного в 60-х годах нашей эры, сохранилась в виде гротов, чьи росписи вдохновили гротескный стиль живописи, популярный в эпоху Ренессанса. До нас дошли также фрески из домов, идентифицированных с императором Августом и его женой Ливией, датируемые началом I века нашей эры. Каса делла Фарнезина – ещё один важный памятник ранней Империи, сохранивший множество росписей. За пределами Италии обнаружено множество фрагментов расписных стен по всей Империи, но лишь немногие из них представляют собой цельные композиции. В западных провинциях Империи большинство фрагментов датируются периодом после 200 года нашей эры. Из римского Египта известно большое количество так называемых фаюмских саркофажных портретов – бюстовых изображений на дереве, прикреплявшихся к мумиям романизированным средним классом. Несмотря на ярко выраженный местный колорит, они, вероятно, в целом отражают римский стиль в портретной живописи, которая в иных случаях полностью утрачена. Начиная с III века нашей эры и до примерно 400 года, сохранилось большое количество росписей из римских катакомб, далеко не все из которых носят христианский характер, демонстрируя позднее продолжение традиции домашнего декора в адаптированном – вероятно, не слишком сильно адаптированном – виде для использования в погребальных камерах, в среде, вероятно, менее обеспеченной, чем самые роскошные дома в Помпеях. Не дошло до нас ничего от греческих картин, импортированных в Рим в IV и V веках, или от живописи на дереве, выполненной в Италии в этот период, а также от провинциальной и декоративной живописи. Большая часть этой настенной живописи была выполнена по технике а секко (сухой), но существовали и фрески, выполненные в римское время. Свидетельства, полученные из мозаик и нескольких надписей, позволяют предположить, что некоторые римские росписи были адаптациями или копиями более ранних греческих произведений.

Of the vast body of Roman painting we now have only a very few pockets of survivals, with many documented types not surviving at all, or doing so only from the very end of the period. The best known and most important pocket is the wall paintings from Pompeii, Herculaneum and other sites nearby, which show how residents of a wealthy seaside resort decorated their walls in the century or so before the fatal eruption of Mount Vesuvius in AD 79. A succession of dated styles have been defined and analysed by modern art historians beginning with August Mau, showing increasing elaboration. Wall paintings of the same period have also been found from the remains of prominent aristocratic homes in Rome itself. Much of Nero's palace in Rome, the Domus Aurea, built in the 60s AD, survived as grottos; their paintings inspired the grotesque style of painting popular during the Renaissance. We also have murals from houses identified with the emperor Augustus and his wife Livia, dating to beginning of the first century AD. The Casa della Farnesina is another prominent survival of the early Empire that gave up many paintings. Outside of Italy, many fragments of painted walls have been found throughout the Empire, but few complete pieces. In the Western provinces of the Empire most fragments date from after the year 200 AD. From Roman Egypt there are a large number of what are known as Fayum mummy portraits, bust portraits on wood added to the outside of mummies by a Romanized middle class; despite their very distinct local character they are probably broadly representative of Roman style in painted portraits, which are otherwise entirely lost. Starting in the 3rd century AD and finishing by about 400 we have a large body of paintings from the Catacombs of Rome, by no means all Christian, showing the later continuation of the domestic decorative tradition in a version adapted probably not greatly adapted for use in burial chambers, in what was probably a rather humbler social milieu than the largest houses in Pompeii. Nothing remains of the Greek paintings imported to Rome during the 4th and 5th centuries, or of the painting on wood done in Italy during that period. and of provincial and decorative paintings. Most of this wall painting was done using the a secco (dry) method, but some fresco paintings also existed in Roman times. There is evidence from mosaics and a few inscriptions that some Roman paintings were adaptations or copies of earlier Greek works.

Пейзаж и виды

Основным новшеством римской живописи по сравнению с греческим искусством было развитие пейзажей, в частности, использование приемов перспективы, хотя истинная математическая перспектива была разработана спустя 1500 лет. Поверхностные текстуры, светотень и колорит хорошо проработаны, но масштаб и пространственная глубина все еще не передавались точно. Некоторые пейзажи представляли собой чистые сцены природы, особенно сады с цветами и деревьями, в то время как другие – архитектурные виды с изображением городских зданий. Встречаются также пейзажи с эпизодами из мифологии, наиболее известными являются сцены из «Одиссеи». С культурной точки зрения, искусство Древнего Востока знало пейзажную живопись лишь как фон для гражданских или военных повествовательных сцен. Эта теория, выдвинутая Францем Викхоффом, является дискуссионной. Свидетельства знакомства греков с изображением пейзажа можно найти в «Критиасе» Платона (107b–108b): если рассмотреть портреты богов и людей, выполненные художниками, и оценить, насколько успешно им удается имитировать свои модели по мнению зрителей, то станет очевидно, что в отношении земли, гор, рек, лесов и всего неба с движущимися в нем объектами мы довольны даже небольшим сходством.

Натюрморт

Римские натюрморты часто изображают предметы, размещенные в иллюзионистских нишах или на полках, и включают в себя разнообразные бытовые предметы, такие как фрукты, живых и мертвых животных, морепродукты и раковины. Искусно выполненные изображения стеклянных банок, наполненных водой, послужили образцами для аналогичных сюжетов, часто встречающихся в живописи эпохи Возрождения и барокко.

Портреты

Плиний жаловался на упадок римского портретного искусства: «Искусство портретной живописи, которое передавало через века точные изображения людей, полностью исчезло. Лень погубила искусства». В Греции и Риме настенная живопись не считалась высоким искусством. Наиболее престижной формой искусства, наряду со скульптурой, была панельная живопись, то есть живопись темперой или энкаустикой на деревянных панелях. К сожалению, поскольку дерево – материал недолговечный, сохранилось лишь немногочисленные примеры таких картин, а именно Северанское тондо, датируемое приблизительно 200 годом н.э., весьма обычный официальный портрет из какого-то провинциального административного учреждения, и хорошо известные портреты из Файюма, все из римского Египта, и, вероятно, не отличавшиеся самым высоким качеством для своего времени. Эти портреты прикреплялись к погребальным мумиям на уровне лица, и почти все они теперь отсоединены. Обычно на них изображен один человек – голова или голова и верхняя часть груди, изображенные в фас. Фон всегда однотонный, иногда с декоративными элементами. С точки зрения художественных традиций, эти изображения явно восходят к греко-римским, а не к египетским. Они поразительно реалистичны, хотя и варьируются по художественному качеству, и могут свидетельствовать о существовании аналогичного искусства, широко распространенного в других местах, но не сохранившегося до наших дней. Сохранились также немногочисленные портреты, написанные на стекле, и медали поздней империи, а также монеты с портретами, некоторые из которых также отличаются высокой реалистичностью.

Золотое стекло

Золотое стекло, или золотое сэндвич-стекло, — это техника закрепления слоя золотой фольги с узором между двумя сплавленными слоями стекла, разработанная в эллинистическом стекле и возрожденная в III веке нашей эры. Существует очень мало крупных образцов, включая замечательную серию портретов III века с добавлением краски, но подавляющее большинство из сохранившихся около 500 экземпляров — это круглые медальоны, представляющие собой отрезанные донья винных кубков или бокалов, использовавшихся для маркировки и украшения могил в римских катакомбах путем вдавливания их в раствор. Они преимущественно датируются IV и V веками. Большинство из них христианские, хотя есть также множество языческих и несколько иудейских примеров. Вероятно, их изначально дарили в качестве подарков на свадьбу или праздничные мероприятия, такие как Новый год. Их иконография была тщательно изучена, хотя художественно они относительно просты. Их сюжеты схожи с росписями в катакомбах, но с иным балансом, включающим больше портретов. Со временем увеличилось количество изображений святых. Та же техника начала применяться для изготовления золотых тессеров для мозаик в Риме в середине I века, и к V веку они стали стандартным фоном для религиозных мозаик. Ранние образцы «среди наиболее ярких портретов, дошедших до нас из раннехристианской эпохи. Они смотрят на нас с необычайной суровостью и меланхолией», и представляют собой лучшие сохранившиеся свидетельства того, чего мог достичь высококачественный римский портрет в живописи. Медальон Геннадия в Метрополитен-музее в Нью-Йорке — прекрасный пример александрийского портрета на синем стекле, выполненного в более сложной технике и натуралистическом стиле, чем большинство поздних римских образцов, включая нанесение краски на золото для создания светотени, и с греческой надписью, демонстрирующей особенности местного диалекта. Возможно, его подарили или заказали в честь победы в музыкальном состязании. Один из самых известных медальонов в александрийском стиле с надписью на египетском греческом языке позже был вставлен в раннесредневековую crux gemmata в Брешии по ошибочному мнению, что на нем изображена благочестивая императрица и королева-гот Галла Плацидия и ее дети; на самом деле узел на платье центральной фигуры может указывать на последователя Исиды. Это один из группы из 14 предметов, датируемых III веком нашей эры, представляющих собой индивидуальные светские портреты высокого качества. Надпись на медальоне написана на александрийском диалекте греческого языка и, следовательно, скорее всего, изображает семью из римского Египта. Медальон также сравнивают с другими произведениями современного римско-египетского искусства, такими как фаюмские портреты на мумиях. Поздние образцы из катакомб демонстрируют примитивный уровень портретного мастерства, с чертами лица, прическами и одеждой, следующими стереотипным стилям.

Gold glass, or gold sandwich glass, was a technique for fixing a layer of gold leaf with a design between two fused layers of glass, developed in Hellenistic glass and revived in the 3rd century AD. There are a very few large designs, including a very fine group of portraits from the 3rd century with added paint, but the great majority of the around 500 survivals are roundels that are the cut off bottoms of wine cups or glasses used to mark and decorate graves in the Catacombs of Rome by pressing them into the mortar. They predominantly date from the 4th and 5th centuries. Most are Christian, though there are many pagan and a few Jewish examples. It is likely that they were originally given as gifts on marriage, or festive occasions such as New Year. Their iconography has been much studied, although artistically they are relatively unsophisticated. Their subjects are similar to the catacomb paintings, but with a difference balance including more portraiture. As time went on there was an increase in the depiction of saints. The same technique began to be used for gold tesserae for mosaics in the mid 1st century in Rome, and by the 5th century these had become the standard background for religious mosaics. The earlier group are "among the most vivid portraits to survive from Early Christian times. They stare out at us with an extraordinary stern and melancholy intensity", and represent the best surviving indications of what high quality Roman portraiture could achieve in paint. The Gennadios medallion in the Metropolitan Museum of Art in New York, is a fine example of an Alexandrian portrait on blue glass, using a rather more complex technique and naturalistic style than most Late Roman examples, including painting onto the gold to create shading, and with the Greek inscription showing local dialect features. He had perhaps been given or commissioned the piece to celebrate victory in a musical competition. One of the most famous Alexandrian style portrait medallions, with an inscription in Egyptian Greek, was later mounted in an Early Medieval crux gemmata in Brescia, in the mistaken belief that it showed the pious empress and Gothic queen Galla Placida and her children; in fact the knot in the central figure's dress may mark a devotee of Isis. This is one of a group of 14 pieces dating to the 3rd century AD, all individualized secular portraits of high quality. The inscription on the medallion is written in the Alexandrian dialect of Greek and hence most likely depicts a family from Roman Egypt. The medallion has also been compared to other works of contemporaneous Roman Egyptian artwork, such as the Fayum mummy portraits. The later glasses from the catacombs have a level of portraiture that is rudimentary, with features, hairstyles and clothes all following stereotypical styles.

Скульптура

Раннее римское искусство испытывало влияние искусства Греции и соседних этрусков, сами сильно подвергшихся влиянию своих греческих торговых партнеров. Этрусской специализацией были гробничные изваяния в натуральную величину из терракоты, обычно лежащие на крышке саркофага, опирающейся на один локоть в позе трапезника того времени. По мере расширения Римской Республики и завоевания греческих территорий, сначала в Южной Италии, а затем всего эллинистического мира, за исключением дальнего парфянского Востока, официальная и патрицианская скульптура в значительной степени стала продолжением эллинистического стиля, из которого трудно выделить собственно римские элементы, особенно учитывая, что многие греческие скульптуры сохранились лишь в римских копиях. К II веку до н.э. «большинство скульпторов, работавших в Риме», были греками, часто обращенными в рабство в результате завоеваний, таких как захват Коринфа (146 г. до н.э.), и скульпторы продолжали быть преимущественно греками, часто рабами, чьи имена редко упоминаются. Огромное количество греческих статуй ввозилось в Рим как добыча, результат вымогательства или торговли, а храмы часто украшались повторно использованными греческими произведениями. Самобытный итальянский стиль проявляется в гробничных памятниках процветающих римлян среднего класса, которые часто включали портретные бюсты, и портретное искусство, пожалуй, является главной сильной стороной римской скульптуры. Не сохранилось никаких свидетельств традиции масок предков, которые носили на похоронных процессиях знатных семей и выставляли в домах, но многие сохранившиеся бюсты, вероятно, изображают предков, возможно, из больших семейных гробниц, таких как гробница Сципионов или более поздние мавзолеи за пределами города. Знаменитая бронзовая голова, предположительно принадлежащая Луцию Юнию Бруту, датируется по-разному, но считается редким образцом италийского стиля времен Республики, выполненным в предпочтительной технике бронзы. Аналогичные суровые и волевые головы встречаются на монетах консулов, а в имперский период монеты и бюсты, рассылаемые по всей империи для установки в базиликах провинциальных городов, были основной формой имперской пропаганды; даже в Лондинии была почти колоссальная статуя Нерона, хотя и значительно меньше, чем 30-метровый Колосс Нерона в Риме, который ныне утерян. На гробнице Эврисака Пекаря, успешного вольноотпущенника (ок. 50–20 гг. до н.э.), есть фриз, являющийся необычно крупным примером «плебейского» стиля. Императорские портреты первоначально были эллинизированы и высоко идеализированы, как в камее Блакаса и других портретах Августа. Римляне обычно не стремились конкурировать со свободными греческими произведениями, изображающими героические подвиги из истории или мифологии, но с самого начала создавали исторические рельефы, кульминацией которых стали великие римские триумфальные колонны с непрерывными повествовательными рельефами, опоясывающими их, среди которых колонны, посвященные Траяну (113 г. н.э.) и Марку Аврелию (к 193 г.), сохранившиеся в Риме, где Ara Pacis («Алтарь Мира», 13 г. до н.э.) представляет собой официальный греко-римский стиль в его наиболее классической и изысканной форме, а скульптуры из Сперлонги – в его наиболее барочном. Некоторые поздние римские общественные скульптуры приобрели массивный, упрощенный стиль, который иногда предвосхищает советский социалистический реализм. Среди других крупных примеров – более ранние повторно использованные рельефы на Арке Константина и основание колонны Антонина Пия (161 г.), рельефы Кампаны были более дешевыми керамическими версиями мраморных рельефов, а вкус к рельефам, начиная с имперского периода, распространился на саркофаги. Все формы роскошной малой скульптуры продолжали пользоваться покровительством, и качество могло быть чрезвычайно высоким, как в серебряной чаше Уоррена, стеклянной чаше Ликурга и больших камеях, таких как Gemma Augustea, камея Гонзаги и «Великая камея Франции». Для гораздо более широких слоев населения в большом количестве и часто с высоким качеством производились рельефные украшения глиняных сосудов и небольшие фигурки. После прохождения через «барочный» этап в конце II века, в III веке римское искусство в значительной степени отказалось от, или просто стало неспособным создавать скульптуру в классической традиции, причины этого изменения до сих пор широко обсуждаются. Даже самые важные имперские памятники теперь изображали коренастые фигуры с большими глазами в суровом фронтальном стиле, в простых композициях, подчеркивающих силу в ущерб изяществу. Этот контраст наглядно иллюстрируется на Арке Константина 315 года в Риме, которая сочетает в себе части в новом стиле с круглыми медальонами в более раннем, полном греко-римском стиле, взятыми из других мест, и скульптуры Четырех тетрархов (ок. 305 г.) из новой столицы Константинополя, ныне находящиеся в Венеции. Эрнст Кицинжер обнаружил в обоих памятниках одни и те же «коренастые пропорции, угловатые движения, упорядочение частей посредством симметрии и повторения и передачу черт лица и складок драпировки посредством надрезов, а не моделировки. Характерной чертой стиля, где бы он ни появлялся, является выраженная твердость, тяжесть и угловатость – словом, почти полное отрицание классической традиции». Эта революция в стиле непосредственно предшествовала периоду, когда христианство было принято римским государством и большинством населения, что привело к прекращению создания крупных религиозных скульптур, а большие статуи теперь использовались только для императоров, как в известных фрагментах колоссальной акролитической статуи Константина и Колосса из Барлетты IV или V века. Однако богатые христиане продолжали заказывать рельефы для саркофагов, как в саркофаге Юния Басса, а малую скульптуру, особенно из слоновой кости, продолжали создавать христиане, опираясь на стиль консульских диптихов. Традиционная римская скульптура делится на пять категорий: портретная скульптура, исторические рельефы, погребальные рельефы, саркофаги и копии древнегреческих произведений. Вопреки убеждению ранних археологов, многие из этих скульптур были крупными полихромными терракотовыми изображениями, такими как Аполлон из Вейи (Вилла Джулия, Рим), но красочная поверхность многих из них со временем выцвела.

Early Roman art was influenced by the art of Greece and that of the neighbouring Etruscans, themselves greatly influenced by their Greek trading partners. An Etruscan speciality was near life size tomb effigies in terracotta, usually lying on top of a sarcophagus lid propped up on one elbow in the pose of a diner in that period. As the expanding Roman Republic began to conquer Greek territory, at first in Southern Italy and then the entire Hellenistic world except for the Parthian far east, official and patrician sculpture became largely an extension of the Hellenistic style, from which specifically Roman elements are hard to disentangle, especially as so much Greek sculpture survives only in copies of the Roman period. By the 2nd century BC, "most of the sculptors working in Rome" were Greek, often enslaved in conquests such as that of Corinth (146 BC), and sculptors continued to be mostly Greeks, often slaves, whose names are very rarely recorded. Vast numbers of Greek statues were imported to Rome, whether as booty or the result of extortion or commerce, and temples were often decorated with re used Greek works. A native Italian style can be seen in the tomb monuments of prosperous middle class Romans, which very often featured portrait busts, and portraiture is arguably the main strength of Roman sculpture. There are no survivals from the tradition of masks of ancestors that were worn in processions at the funerals of the great families and otherwise displayed in the home, but many of the busts that survive must represent ancestral figures, perhaps from the large family tombs like the Tomb of the Scipios or the later mausolea outside the city. The famous bronze head supposedly of Lucius Junius Brutus is very variously dated, but taken as a very rare survival of Italic style under the Republic, in the preferred medium of bronze. Similarly stern and forceful heads are seen in the coins of the consuls, and in the Imperial period coins as well as busts sent around the Empire to be placed in the basilicas of provincial cities were the main visual form of imperial propaganda; even Londinium had a near colossal statue of Nero, though far smaller than the 30 metre high Colossus of Nero in Rome, now lost. The Tomb of Eurysaces the Baker, a successful freedman (c. 50 20 BC) has a frieze that is an unusually large example of the "plebeian" style. Imperial portraiture was initially Hellenized and highly idealized, as in the Blacas Cameo and other portraits of Augustus. The Romans did not generally attempt to compete with free standing Greek works of heroic exploits from history or mythology, but from early on produced historical works in relief, culminating in the great Roman triumphal columns with continuous narrative reliefs winding around them, of which those commemorating Trajan (113 AD) and Marcus Aurelius (by 193) survive in Rome, where the Ara Pacis ("Altar of Peace", 13 BC) represents the official Greco Roman style at its most classical and refined, and the Sperlonga sculptures it at its most baroque. Some late Roman public sculptures developed a massive, simplified style that sometimes anticipates Soviet socialist realism. Among other major examples are the earlier re used reliefs on the Arch of Constantine and the base of the Column of Antoninus Pius (161), Campana reliefs were cheaper pottery versions of marble reliefs and the taste for relief was from the imperial period expanded to the sarcophagus. All forms of luxury small sculpture continued to be patronized, and quality could be extremely high, as in the silver Warren Cup, glass Lycurgus Cup, and large cameos like the Gemma Augustea, Gonzaga Cameo and the "Great Cameo of France". For a much wider section of the population, moulded relief decoration of pottery vessels and small figurines were produced in great quantity and often considerable quality. After moving through a late 2nd century "baroque" phase, in the 3rd century, Roman art largely abandoned, or simply became unable to produce, sculpture in the classical tradition, a change whose causes remain much discussed. Even the most important imperial monuments now showed stumpy, large eyed figures in a harsh frontal style, in simple compositions emphasizing power at the expense of grace. The contrast is famously illustrated in the Arch of Constantine of 315 in Rome, which combines sections in the new style with roundels in the earlier full Greco Roman style taken from elsewhere, and the Four Tetrarchs (c. 305) from the new capital of Constantinople, now in Venice. Ernst Kitzinger found in both monuments the same "stubby proportions, angular movements, an ordering of parts through symmetry and repetition and a rendering of features and drapery folds through incisions rather than modelling The hallmark of the style wherever it appears consists of an emphatic hardness, heaviness and angularity – in short, an almost complete rejection of the classical tradition". This revolution in style shortly preceded the period in which Christianity was adopted by the Roman state and the great majority of the people, leading to the end of large religious sculpture, with large statues now only used for emperors, as in the famous fragments of a colossal acrolithic statue of Constantine, and the 4th or 5th century Colossus of Barletta. However rich Christians continued to commission reliefs for sarcophagi, as in the Sarcophagus of Junius Bassus, and very small sculpture, especially in ivory, was continued by Christians, building on the style of the consular diptych. Traditional Roman sculpture is divided into five categories: portraiture, historical relief, funerary reliefs, sarcophagi, and copies of ancient Greek works. Contrary to the belief of early archaeologists, many of these sculptures were large polychrome terra cotta images, such as the Apollo of Veii (Villa Givlia, Rome), but the painted surface of many of them has worn away with time.

Рассказные рельефы

В то время как греческие скульпторы традиционно изображали военные подвиги посредством мифологической аллегории, римляне использовали более документальный стиль. Римские рельефы батальных сцен, такие как те, что на колонне Траяна, создавались для прославления римской мощи, но также предоставляют непосредственное представление о военных костюмах и вооружении. Колонна Траяна повествует о различных Дакийских войнах, которые Траян вел на территории современной Румынии. Это выдающийся образец римского исторического рельефа и одно из величайших художественных сокровищ древнего мира. Это беспрецедентное достижение, протяженностью более 650 футов спиралью, представляет не только реалистично изображенных людей (более 2500 фигур), но и пейзажи, животных, корабли и другие элементы в непрерывной визуальной истории – фактически, древний прообраз документального фильма. Колонна избежала разрушения, когда была использована в качестве основания для христианской скульптуры. В христианскую эпоху после 300 года нашей эры продолжалось украшение дверных панелей и саркофагов, но монументальная скульптура исчезла и не являлась важным элементом в ранних церквях. Римское искусство не использовало роспись ваз, как это делали древние греки, но сосуды из древнеримской керамики часто были стильно украшены рельефным декором. Производители миллионов небольших масляных ламп, по-видимому, полагались на привлекательный дизайн, чтобы обойти конкурентов, и на них в миниатюре можно найти практически все сюжеты римского искусства, за исключением пейзажа и портрета.

Стекло

Роскошные виды искусства включали в себя изысканное римское стекло, выполненное в широком диапазоне техник, многие из более простых видов которого, вероятно, были доступны значительной части римского населения. Это, безусловно, не касалось самых экстравагантных видов стекла, таких как чаши-клетки или диатреты, среди которых чаша Ликурга в Британском музее является почти единственным сохранившимся образцовым примером стекла, меняющего цвет при прохождении сквозь него света. Августовская ваза Портленд – шедевр римского стекла в технике камеи, имитирующий стиль больших гравированных драгоценных камней (Камея Блакаса, Джемма Августа, Большая камея Франции) и других резных изделий из твердых пород камня, которые также были весьма популярны в то время.

Мозаика

Римская мозаика оставалась второстепенным видом искусства, хотя зачастую и очень больших размеров, вплоть до конца периода, когда в конце IV века христиане стали использовать её для создания масштабных религиозных изображений на стенах своих новых больших церквей. В раннем римском искусстве мозаика применялась преимущественно для полов, изогнутых потолков, а также внутренних и наружных стен, подвергавшихся воздействию влаги. Знаменитая копия эллинистической картины, представленная в Александровской мозаике в Неаполе, изначально украшала пол в Помпеях; это произведение значительно превосходит по качеству большинство римских мозаик, хотя сохранились и очень изящные панели, часто с изображением натюрмортов, выполненные из мелких или микромозаичных тессер. Римляне различали обычный *opus tessellatum* с тессерами размером более 4 мм, укладывавшийся непосредственно на объекте, и более тонкий *opus vermiculatum* для небольших панелей, который, предположительно, изготавливался в мастерской и доставлялся на объект в готовом виде. Последний представлял собой эллинистический жанр, распространенный в Италии примерно с 100 г. до н.э. по 100 г. н.э. Большинство подписанных мозаик носят греческие имена, что указывает на то, что художники в основном были греками, хотя, вероятно, часто являлись рабами, прошедшими обучение в мастерских. Мозаика Нила в Палестрине, созданная в конце II века до н.э., является крупным примером популярного жанра нилотических пейзажей, а Мозаика гладиаторов в Риме, датируемая IV веком, изображает несколько крупных фигур в схватке. Мозаики с изображением Орфея, часто очень большие, были еще одним любимым мотивом для вилл, с изображением различных свирепых животных, усмиряемых музыкой Орфея. В период перехода к византийскому искусству сцены охоты стали постепенно вытеснять изображения крупных животных.

Металлические изделия

Металлообработка была высокоразвита и, очевидно, являлась неотъемлемой частью домов богатых, которые обедали с серебряной посуды, часто пили из стекла и имели сложные литые детали на мебели, ювелирных изделиях и небольших статуэтках. Многочисленные важные клады, обнаруженные за последние 200 лет, преимущественно на окраинах поздней Римской империи, дали нам гораздо более ясное представление о римном серебре. Сокровище Милденхолла и клад Хоксна были найдены в Восточной Англии. Сохранилось немного образцов роскошной римской мебели, но они демонстрируют изысканный и элегантный дизайн и мастерство исполнения.

Монеты и медали

Немногие римские монеты достигают художественных высот лучших греческих монет, но они сохранились в огромном количестве, и их иконография и надписи являются важнейшим источником для изучения римской истории, развития имперской иконографии, а также содержат множество прекрасных образцов портретного искусства. Они распространились среди сельского населения всей Империи и за её пределами, и варвары на окраинах Империи чеканили собственные копии. В Империи медальоны из драгоценных металлов стали изготавливаться небольшими тиражами в качестве имперских даров, которые были схожи с монетами, но большего размера и обычно более изысканной работы. Изначально изображения на монетах следовали греческим образцам, с изображением богов и символов, но в предсмертных конвульсиях Республики первыми на монетах появились Помпей, а затем Юлий Цезарь, и портреты императора или членов его семьи стали стандартом для имперской чеканки. Надписи использовались в пропагандистских целях, а в Поздней Империи армия стала наряду с императором одним из получателей благ.

Архитектура

Именно в области архитектуры римское искусство совершило свои величайшие инновации. Поскольку Римская империя простиралась на огромной территории и включала множество городов, римские инженеры разработали методы масштабного градостроительства, в том числе с использованием бетона. Монументальные сооружения, такие как Пантеон и Колизей, не могли быть возведены с применением прежних материалов и технологий. Хотя бетон был изобретен тысячу лет ранее на Ближнем Востоке, римляне расширили сферу его применения от фортификационных сооружений до своих самых впечатляющих зданий и памятников, используя прочность и экономичность этого материала. Бетонный каркас покрывался слоем штукатурки, кирпича, камня или мраморной облицовки, а для создания ослепительного эффекта власти и богатства часто добавлялись декоративные полихромные и позолоченные скульптуры. В республиканскую эпоху римская архитектура сочетала греческие и этрусские элементы, породив такие новшества, как круглый храм и арочная конструкция. С ростом римской мощи в ранней империи первые императоры инициировали масштабную снос трущоб для строительства величественных дворцов на Палатинском холме и в прилегающих районах, что потребовало прогресса в инженерных методах и крупномасштабном проектировании. Римские здания возводились в коммерческих, политических и социальных центрах, известных как форумы, первым из которых был форум Юлия Цезаря, а позднее были добавлены другие, наиболее известным из которых был Форум Романум. Крупнейшая арена в римском мире, Колизей, была завершена около 80 года н.э. на дальнем конце этого форума. Она вмещала более 50 000 зрителей, имела выдвижные тканевые навесы для защиты от солнца и могла принимать зрелищные мероприятия, включая масштабные гладиаторские бои и имитации морских сражений. Этот шедевр римской архитектуры воплощает в себе эффективность римской инженерии и включает в себя все три архитектурных ордера – дорический, ионический и коринфский. Не менее важным, а для большинства римских граждан, возможно, и более важным, был пятиэтажный инсула, или жилой квартал, римский аналог многоквартирного дома, в котором проживали десятки тысяч римлян. Именно во времена правления Траяна (98–117 гг. н.э.) и Адриана (117–138 гг. н.э.) Римская империя достигла своего максимального размера, а сам Рим – пика своего художественного величия, достигнутого благодаря масштабным строительным программам, включавшим возведение памятников, мест для собраний, садов, акведуков, бань, дворцов, павильонов, саркофагов и храмов. Римское использование арки, бетона и купола позволило возводить сводчатые потолки и создавать эти общественные пространства и комплексы, включая дворцы, общественные бани и базилики «Золотого века» империи. Выдающимися примерами купольного строительства являются Пантеон, бани Диоклетиана и бани Каракаллы. Пантеон (посвященный всем планетарным богам) – наиболее хорошо сохранившийся храм древности с неповрежденным потолком, в центре которого находится открытое «око». Высота потолка точно равна внутреннему радиусу здания, образуя полусферическое пространство. Эти величественные сооружения впоследствии послужили источником вдохновения для архитекторов итальянского Возрождения, таких как Брунеллески. К эпохе Константина (306–337 гг. н.э.) в Риме были реализованы последние крупные строительные программы, включая возведение Арки Константина, построенной рядом с Колизеем, которая использовала некоторые каменные элементы из близлежащего форума, создав эклектичное сочетание стилей. Римские акведуки, также основанные на арках, были широко распространены по всей империи и являлись важнейшими поставщиками воды в крупные города. Их сохранившиеся каменные конструкции особенно впечатляют, такие как Пон-дю-Гар (с тремя ярусами арок) и акведук Сеговии, безмолвно свидетельствующие о качестве их проектирования и строительства.

It was in the area of architecture that Roman art produced its greatest innovations. Because the Roman Empire extended over so great of an area and included so many urbanized areas, Roman engineers developed methods for citybuilding on a grand scale, including the use of concrete. Massive buildings like the Pantheon and the Colosseum could never have been constructed with previous materials and methods. Though concrete had been invented a thousand years earlier in the Near East, the Romans extended its use from fortifications to their most impressive buildings and monuments, capitalizing on the material's strength and low cost. The concrete core was covered with a plaster, brick, stone, or marble veneer, and decorative polychrome and gold gilded sculpture was often added to produce a dazzling effect of power and wealth. During the Republican era, Roman architecture combined Greek and Etruscan elements, and produced innovations such as the round temple and the curved arch. As Roman power grew in the early empire, the first emperors inaugurated wholesale leveling of slums to build grand palaces on the Palatine Hill and nearby areas, which required advances in engineering methods and large scale design. Roman buildings were then built in the commercial, political, and social grouping known as a forum, that of Julius Caesar being the first and several added later, with the Forum Romanum being the most famous. The greatest arena in the Roman world, the Colosseum, was completed around 80 AD at the far end of that forum. It held over 50,000 spectators, had retractable fabric coverings for shade, and could stage massive spectacles including huge gladiatorial contests and mock naval battles. This masterpiece of Roman architecture epitomizes Roman engineering efficiency and incorporates all three architectural orders – Doric, Ionic, and Corinthian. Less celebrated but just as important if not more so for most Roman citizens, was the five story insula or city block, the Roman equivalent of an apartment building, which housed tens of thousands of Romans. It was during the reign of Trajan (98–117 AD) and Hadrian (117–138 AD) that the Roman Empire reached its greatest extent and that Rome itself was at the peak of its artistic glory – achieved through massive building programs of monuments, meeting houses, gardens, aqueducts, baths, palaces, pavilions, sarcophagi, and temples. The Roman use of the arch, the use of concrete building methods, the use of the dome all permitted construction of vaulted ceilings and enabled the building of these public spaces and complexes, including the palaces, public baths and basilicas of the "Golden Age" of the empire. Outstanding examples of dome construction include the Pantheon, the Baths of Diocletian, and the Baths of Caracalla. The Pantheon (dedicated to all the planetary gods) is the best preserved temple of ancient times with an intact ceiling featuring an open "eye" in the center. The height of the ceiling exactly equals the interior radius of the building, creating a hemispherical enclosure. These grand buildings later served as inspirational models for architects of the Italian Renaissance, such as Brunelleschi. By the age of Constantine (306 337 AD), the last great building programs in Rome took place, including the erection of the Arch of Constantine built near the Colosseum, which recycled some stone work from the forum nearby, to produce an eclectic mix of styles. Roman aqueducts, also based on the arch, were commonplace in the empire and essential transporters of water to large urban areas. Their standing masonry remains are especially impressive, such as the Pont du Gard (featuring three tiers of arches) and the aqueduct of Segovia, serving as mute testimony to their quality of their design and construction.