Искусство: понятие, история и эстетика

Введение

Творческая деятельность, вызывающая эстетический отклик.
Общая концепция искусства.

Искусство – это многообразный спектр человеческой деятельности и ее результатов, включающий в себя творческий или воображательный талант, обычно выражающий техническое мастерство, красоту, эмоциональную силу или концептуальные идеи. Не существует общепринятого определения того, что составляет искусство, и его интерпретация значительно менялась на протяжении истории и в различных культурах. В западной традиции к трем классическим видам изобразительного искусства относятся живопись, скульптура и архитектура. Театр, танец и другие исполнительские искусства, а также литература, музыка, кино и другие медиа, такие как интерактивные медиа, входят в более широкое определение искусства. До XVII века искусство обозначало любое мастерство и не отличалось от ремесел или наук. В современном употреблении, начиная с XVII века, когда эстетические соображения имеют первостепенное значение, изобразительное искусство отделяется и отличается от приобретенных навыков в целом, таких как декоративно-прикладное искусство. Сущность искусства и связанные с ним понятия, такие как творчество и интерпретация, исследуются в области философии, известной как эстетика. Полученные произведения искусства изучаются в профессиональных областях художественной критики и истории искусства.

Обзор

С точки зрения истории искусства, художественные произведения существовали почти столько же времени, сколько человечество: от раннего доисторического искусства до современного; однако некоторые теоретики полагают, что типичное понятие «художественных произведений» не вполне применимо за пределами современных западных обществ. Одно из ранних пониманий определения искусства тесно связано с более древним латинским значением, которое приблизительно переводится как «навык» или «мастерство», как это связано со словами, такими как «ремесленник». Английские слова, происходящие от этого значения, включают артефакт, искусственный, уловка, медицинское искусство и военное искусство. Однако существует множество других разговорных употреблений этого слова, все они в той или иной степени связаны с его этимологией. Со временем философы, такие как Платон, Аристотель, Сократ и Иммануил Кант, среди прочих, ставили под вопрос значение искусства. В нескольких диалогах Платона рассматриваются вопросы, связанные с искусством: Сократ утверждает, что поэзия вдохновлена музами и лишена рациональности. Он одобряет это и другие формы божественного безумия (опьянение, эротизм и сновидения) в «Федре» (265a–c), но в «Государстве» стремится запретить великое поэтическое искусство Гомера, а также смех. В «Ионе» Сократ не проявляет никакого неодобрения Гомера, которое выражает в «Государстве». Диалог «Ион» предполагает, что «Илиада» Гомера в древнегреческом мире выполняла ту же функцию, что и Библия сегодня в современном христианском мире: как боговдохновенное литературное произведение, способное давать нравственные ориентиры, если его правильно истолковать. Что касается литературного и музыкального искусства, Аристотель считал эпическую поэзию, трагедию, комедию, дифирамбическую поэзию и музыку миметическими, то есть подражательными искусствами, каждое из которых различается по способу, предмету и манере подражания. Например, музыка подражает посредством ритма и гармонии, в то время как танец – только ритмом, а поэзия – языком. Формы также различаются по предмету подражания. Комедия, например, представляет собой драматическое подражание людям хуже среднего, в то время как трагедия подражает людям немного лучше среднего. Наконец, формы различаются по способу подражания – через повествование или характер, через изменение или его отсутствие, и через драму или ее отсутствие. Аристотель полагал, что подражание естественно для человека и составляет одно из его преимуществ перед животными. Более поздний и конкретный смысл слова «искусство» как сокращение от творческого или изобразительного искусства сформировался в начале 17 века. Изобразительное искусство относится к мастерству, используемому для выражения творческих способностей художника, для вовлечения эстетических чувств зрителя или для привлечения внимания к более утонченным или изысканным произведениям искусства. В этом последнем смысле слово «искусство» может относиться к нескольким вещам: (i) изучению творческого мастерства, (ii) процессу использования этого мастерства, (iii) продукту этого мастерства или (iv) опыту зрителя, связанному с этим мастерством. Творческие искусства (искусство как дисциплина) – это совокупность дисциплин, создающих произведения искусства (искусство как объекты), которые обусловлены личным порывом (искусство как деятельность) и передают сообщение, настроение или символику для интерпретации воспринимающим (искусство как опыт). Искусство – это то, что стимулирует мысли, эмоции, убеждения или идеи человека через чувства. Произведения искусства могут быть созданы специально для этой цели или интерпретированы на основе образов или объектов. Для некоторых ученых, таких как Кант, науки и искусство можно было различать, рассматривая науку как область знания, а искусство – как область свободы художественного выражения. Часто, если мастерство используется в обычном или практическом ключе, люди считают это ремеслом, а не искусством. Аналогично, если мастерство используется в коммерческих или промышленных целях, оно может рассматриваться как коммерческое искусство, а не изобразительное искусство. С другой стороны, ремесла и дизайн иногда рассматриваются как прикладное искусство. Некоторые приверженцы искусства утверждают, что разница между изобразительным и прикладным искусством больше связана с ценностными суждениями об искусстве, чем с какими-либо четкими определениями. Однако даже изобразительное искусство часто преследует цели, выходящие за рамки чистого творчества и самовыражения. Целью произведений искусства может быть передача идей, например, в искусстве, мотивированном политически, духовно или философски; создание чувства красоты (см. эстетику); исследование природы восприятия; получение удовольствия или вызывание сильных эмоций. Цель может также казаться отсутствующей. Природа искусства была описана философом Ричардом Вольхаймом как «одна из самых неуловимых традиционных проблем человеческой культуры». Искусство было определено как средство выражения или передачи эмоций и идей, как способ изучения и оценки формальных элементов ради них самих, а также как мимесис или репрезентация. Искусство как мимесис имеет глубокие корни в философии Аристотеля. Бенедетто Кроче и Р. Г. Коллингвуд развивали идеалистическую точку зрения, согласно которой искусство выражает эмоции, и поэтому произведение искусства по сути существует в сознании создателя. Теория искусства как формы берет свое начало в философии Канта и была развита в начале 20 века Роджером Фраем и Клайвом Беллом. В последнее время мыслители, находящиеся под влиянием Мартина Хайдеггера, интерпретировали искусство как средство, с помощью которого сообщество разрабатывает для себя среду для самовыражения и интерпретации. Джордж Дики предложил институциональную теорию искусства, которая определяет произведение искусства как любой артефакт, которому квалифицированное лицо или лица, действующие от имени социальной институции, обычно называемой «миром искусства», придали «статус кандидата на оценку». Ларри Шайнер описал изобразительное искусство как «не сущность или судьбу, а то, что мы создали. Искусство, как мы его обычно понимаем, – это европейское изобретение, которому едва ли больше двухсот лет». Искусство можно охарактеризовать с точки зрения мимесиса (его репрезентации реальности), повествования (рассказывания историй), выражения, передачи эмоций или других качеств. В эпоху романтизма искусство стало рассматриваться как «особый душевный дар человека, сопоставимый с религией и наукой».

In the perspective of the history of art, artistic works have existed for almost as long as humankind: from early prehistoric art to contemporary art; however, some theorists think that the typical concept of "artistic works" does not fit well outside modern Western societies. One early sense of the definition of art is closely related to the older Latin meaning, which roughly translates to "skill" or "craft", as associated with words such as "artisan". English words derived from this meaning include artifact, artificial, artifice, medical arts, and military arts. However, there are many other colloquial uses of the word, all with some relation to its etymology. Over time, philosophers like Plato, Aristotle, Socrates and Immanuel Kant, among others, questioned the meaning of art. Several dialogues in Plato tackle questions about art: Socrates says that poetry is inspired by the muses, and is not rational. He speaks approvingly of this, and other forms of divine madness (drunkenness, eroticism, and dreaming) in the Phaedrus (265a–c), and yet in the Republic wants to outlaw Homer's great poetic art, and laughter as well. In Ion, Socrates gives no hint of the disapproval of Homer that he expresses in the Republic. The dialogue Ion suggests that Homer's Iliad functioned in the ancient Greek world as the Bible does today in the modern Christian world: as divinely inspired literary art that can provide moral guidance, if only it can be properly interpreted. With regards to the literary art and the musical arts, Aristotle considered epic poetry, tragedy, comedy, Dithyrambic poetry and music to be mimetic or imitative art, each varying in imitation by medium, object, and manner. For example, music imitates with the media of rhythm and harmony, whereas dance imitates with rhythm alone, and poetry with language. The forms also differ in their object of imitation. Comedy, for instance, is a dramatic imitation of men worse than average; whereas tragedy imitates men slightly better than average. Lastly, the forms differ in their manner of imitation—through narrative or character, through change or no change, and through drama or no drama. Aristotle believed that imitation is natural to mankind and constitutes one of mankind's advantages over animals. The more recent and specific sense of the word art as an abbreviation for creative art or fine art emerged in the early 17th century. Fine art refers to a skill used to express the artist's creativity, or to engage the audience's aesthetic sensibilities, or to draw the audience towards consideration of more refined or finer works of art. Within this latter sense, the word art may refer to several things: (i) a study of a creative skill, (ii) a process of using the creative skill, (iii) a product of the creative skill, or (iv) the audience's experience with the creative skill. The creative arts (art as discipline) are a collection of disciplines which produce artworks (art as objects) that are compelled by a personal drive (art as activity) and convey a message, mood, or symbolism for the perceiver to interpret (art as experience). Art is something that stimulates an individual's thoughts, emotions, beliefs, or ideas through the senses. Works of art can be explicitly made for this purpose or interpreted on the basis of images or objects. For some scholars, such as Kant, the sciences and the arts could be distinguished by taking science as representing the domain of knowledge and the arts as representing the domain of the freedom of artistic expression. Often, if the skill is being used in a common or practical way, people will consider it a craft instead of art. Likewise, if the skill is being used in a commercial or industrial way, it may be considered commercial art instead of fine art. On the other hand, crafts and design are sometimes considered applied art. Some art followers have argued that the difference between fine art and applied art has more to do with value judgments made about the art than any clear definitional difference. However, even fine art often has goals beyond pure creativity and self expression. The purpose of works of art may be to communicate ideas, such as in politically, spiritually, or philosophically motivated art; to create a sense of beauty (see aesthetics); to explore the nature of perception; for pleasure; or to generate strong emotions. The purpose may also be seemingly nonexistent. The nature of art has been described by philosopher Richard Wollheim as "one of the most elusive of the traditional problems of human culture". Art has been defined as a vehicle for the expression or communication of emotions and ideas, a means for exploring and appreciating formal elements for their own sake, and as mimesis or representation. Art as mimesis has deep roots in the philosophy of Aristotle. Benedetto Croce and R. G. Collingwood advanced the idealist view that art expresses emotions, and that the work of art therefore essentially exists in the mind of the creator. The theory of art as form has its roots in the philosophy of Kant, and was developed in the early 20th century by Roger Fry and Clive Bell. More recently, thinkers influenced by Martin Heidegger have interpreted art as the means by which a community develops for itself a medium for self expression and interpretation. George Dickie has offered an institutional theory of art that defines a work of art as any artifact upon which a qualified person or persons acting on behalf of the social institution commonly referred to as "the art world" has conferred "the status of candidate for appreciation". Larry Shiner has described fine art as "not an essence or a fate but something we have made. Art as we have generally understood it is a European invention barely two hundred years old." Art may be characterized in terms of mimesis (its representation of reality), narrative (storytelling), expression, communication of emotion, or other qualities. During the Romantic period, art came to be seen as "a special faculty of the human mind to be classified with religion and science".

История

Раковине, выгравированной Homo erectus, было определено от 430 000 до 540 000 лет. На восьми 130 000-летних когтях белоголового орла обнаружены следы порезов и истирания, указывающие на обработку неандертальцами, возможно, для использования в качестве украшений. Серия крошечных, просверленных раковин улиток возрастом около 75 000 лет была найдена в южноафриканской пещере. Обнаружены сосуды, которые могли использоваться для хранения красок, датируемые периодом до 100 000 лет назад. Самым древним произведением искусства, найденным в Европе, является Riesenhirschknochen der Einhornhöhle, датируемый 51 000 лет назад и созданный неандертальцами. Найдены скульптуры, пещерные рисунки, наскальные рисунки и петроглифы верхнего палеолита, датируемые примерно 40 000 лет назад, однако точное значение такого искусства часто оспаривается из-за недостатка знаний о культурах, которые его создали. Первыми неоспоримыми скульптурами и подобными произведениями искусства, такими как Венера из Холе-Фелс, являются многочисленные объекты, найденные в пещерах и искусстве ледникового периода в Швабском Юре, объекте Всемирного наследия ЮНЕСКО, где были обнаружены самые древние нестатичные произведения искусства человека в виде резных фигур животных и антропоморфных существ, а также самые древние музыкальные инструменты, датируемые периодом от 43 000 до 35 000 лет до н.э., что делает это место первым центром человеческого искусства. Многие великие традиции в искусстве берут начало в искусстве одной из великих древних цивилизаций: Древнего Египта, Месопотамии, Персии, Индии, Китая, Древней Греции, Рима, а также инков, майя и ольмеков. Каждый из этих центров ранней цивилизации разработал уникальный и характерный стиль в своем искусстве. Благодаря размеру и продолжительности существования этих цивилизаций сохранилось больше их произведений искусства, и их влияние в большей степени передалось другим культурам и последующим эпохам. Некоторые из них также предоставили первые записи о том, как работали художники. Например, в этот период греческого искусства наблюдалось почитание человеческой физической формы и развитие соответствующих навыков для изображения мускулатуры, грации, красоты и анатомически правильных пропорций. В византийском и средневековом искусстве Западной Европы значительная часть искусства была сосредоточена на изображении сюжетов из библейской и религиозной культуры и использовала стили, подчеркивающие высшую славу небесного мира, такие как использование золота на фоне картин или стекла в мозаиках и витражах, которые также изображали фигуры в идеализированных, орнаментальных (плоских) формах. Тем не менее, классическая реалистическая традиция сохранялась в небольших византийских работах, а реализм постепенно рос в искусстве католической Европы. Искусство эпохи Возрождения характеризовалось значительно большим акцентом на реалистичном изображении материального мира и места человека в нем, что отражалось в телесности человеческого тела и развитии систематического метода графической перспективы для изображения глубины в трехмерном пространстве. На Востоке отказ исламского искусства от иконографии привел к акценту на геометрических узорах, каллиграфии и архитектуре. Дальше на восток религия также доминировала в художественных стилях и формах. В Индии и Тибете особое внимание уделялось живописной скульптуре и танцу, в то время как религиозная живопись заимствовала многие традиции из скульптуры и тяготела к ярким контрастным цветам с акцентом на контуры. В Китае процветало множество видов искусства: резьба из нефрита, бронзовые изделия, керамика (включая потрясающую терракотовую армию императора Цинь), поэзия, каллиграфия, музыка, живопись, драма, художественная литература и т.д. Китайские стили сильно различаются от эпохи к эпохе, и каждый из них традиционно назван в честь правящей династии. Например, картины династии Тан монохромны и лаконичны, подчеркивая идеализированные пейзажи, а картины династии Мин насыщены цветами и сосредоточены на рассказывании историй посредством обстановки и композиции. Япония также назвала свои стили в честь императорских династий и наблюдала тесное взаимодействие между стилями каллиграфии и живописи. Ксилография стала важной в Японии после XVII века. Западное Просвещение XVIII века отразилось в художественных изображениях физических и рациональных определенностей часового механизма вселенной, а также в политически революционных видениях мира после монархии, таких как изображение Блейком Ньютона как божественного геометра или пропагандистские картины Давида. Это привело к романтическому отрицанию этого в пользу изображений эмоциональной стороны и индивидуальности человека, что нашло отражение в романах Гёте. В конце XIX века появилось множество художественных течений, таких как академическое искусство, символизм, импрессионизм и фовизм. История искусства XX века – это повествование о бесконечных возможностях и поиске новых стандартов, каждый из которых последовательно разрушался следующим. Таким образом, параметры импрессионизма, экспрессионизма, фовизма, кубизма, дадаизма, сюрреализма и т.д. не могут быть сохранены надолго после их изобретения. Усиление глобального взаимодействия в это время привело к эквивалентному влиянию других культур на западное искусство. Так, японские гравюры на дереве (сами находившиеся под влиянием западной ренессансной графики) оказали огромное влияние на импрессионизм и его дальнейшее развитие. Позже африканская скульптура была воспринята Пикассо и в некоторой степени Матиссом. Аналогичным образом, в XIX и XX веках Запад оказал огромное влияние на восточное искусство, а западные идеи, такие как коммунизм и постмодернизм, оказали мощное влияние. Модернизм, идеалистический поиск истины, во второй половине XX века уступил место осознанию ее недостижимости. Теодор В. Адорно сказал в 1970 году: «Теперь считается само собой разумеющимся, что ничто, что касается искусства, больше не может приниматься как должное: ни само искусство, ни искусство в связи с целым, ни даже право искусства на существование». Релятивизм был принят как неизбежная истина, что привело к периоду современного искусства и постмодернистской критики, где культуры мира и истории рассматриваются как изменяющиеся формы, которые можно оценить и использовать только со скептицизмом и иронией. Кроме того, границы между культурами все больше размываются, и некоторые утверждают, что теперь более уместно говорить о глобальной культуре, а не о региональных. В «Происхождении художественного произведения» Мартин Хайдеггер, немецкий философ и основоположник мысли, описывает сущность искусства в терминах понятий бытия и истины. Он утверждает, что искусство – это не только способ выражения элемента истины в культуре, но и средство ее создания и отправная точка, от которой может быть раскрыто «то, что есть». Произведения искусства – это не просто представления о том, как обстоят дела, а фактически создают общее понимание сообщества. Каждый раз, когда в культуру добавляется новое произведение искусства, меняется значение существования. Исторически искусство и художественные навыки и идеи часто распространялись посредством торговли. Примером этого является Шелковый путь, где могли смешиваться эллинистические, иранские, индийские и китайские влияния. Греко-буддийское искусство является одним из наиболее ярких примеров этого взаимодействия. Встреча различных культур и мировоззрений также повлияла на художественное творчество. Примером этого является мультикультурный портовый мегаполис Триест в начале XX века, где Джеймс Джойс встречался с писателями из Центральной Европы, а также художественное развитие Нью-Йорка как плавильного котла культур.

A shell engraved by Homo erectus was determined to be between 430,000 and 540,000 years old. A set of eight 130,000 years old white tailed eagle talons bear cut marks and abrasion that indicate manipulation by neanderthals, possibly for using it as jewelry. A series of tiny, drilled snail shells about 75,000 years old—were discovered in a South African cave. Containers that may have been used to hold paints have been found dating as far back as 100,000 years. The oldest piece of art found in Europe is the Riesenhirschknochen der Einhornhöhle, dating back 51,000 years and made by Neanderthals. Sculptures, cave paintings, rock paintings and petroglyphs from the Upper Paleolithic dating to roughly 40,000 years ago have been found, but the precise meaning of such art is often disputed because so little is known about the cultures that produced them. The first undisputed sculptures and similar art pieces, like the Venus of Hohle Fels, are the numerous objects found at the Caves and Ice Age Art in the Swabian Jura UNESCO World Heritage Site, where the oldest non stationary works of human art yet discovered were found, in the form of carved animal and humanoid figurines, in addition to the oldest musical instruments unearthed so far, with the artifacts dating between 43,000 and 35,000 BC, so being the first centre of human art. Many great traditions in art have a foundation in the art of one of the great ancient civilizations: Ancient Egypt, Mesopotamia, Persia, India, China, Ancient Greece, Rome, as well as Inca, Maya, and Olmec. Each of these centers of early civilization developed a unique and characteristic style in its art. Because of the size and duration of these civilizations, more of their art works have survived and more of their influence has been transmitted to other cultures and later times. Some also have provided the first records of how artists worked. For example, this period of Greek art saw a veneration of the human physical form and the development of equivalent skills to show musculature, poise, beauty, and anatomically correct proportions. In Byzantine and Medieval art of the Western Middle Ages, much art focused on the expression of subjects about biblical and religious culture, and used styles that showed the higher glory of a heavenly world, such as the use of gold in the background of paintings, or glass in mosaics or windows, which also presented figures in idealized, patterned (flat) forms. Nevertheless, a classical realist tradition persisted in small Byzantine works, and realism steadily grew in the art of Catholic Europe. Renaissance art had a greatly increased emphasis on the realistic depiction of the material world, and the place of humans in it, reflected in the corporeality of the human body, and development of a systematic method of graphical perspective to depict recession in a three dimensional picture space. In the east, Islamic art's rejection of iconography led to emphasis on geometric patterns, calligraphy, and architecture. Further east, religion dominated artistic styles and forms too. India and Tibet saw emphasis on painted sculptures and dance, while religious painting borrowed many conventions from sculpture and tended to bright contrasting colors with emphasis on outlines. China saw the flourishing of many art forms: jade carving, bronzework, pottery (including the stunning terracotta army of Emperor Qin), poetry, calligraphy, music, painting, drama, fiction, etc. Chinese styles vary greatly from era to era and each one is traditionally named after the ruling dynasty. So, for example, Tang dynasty paintings are monochromatic and sparse, emphasizing idealized landscapes, but Ming dynasty paintings are busy and colorful, and focus on telling stories via setting and composition. Japan names its styles after imperial dynasties too, and also saw much interplay between the styles of calligraphy and painting. Woodblock printing became important in Japan after the 17th century. The western Age of Enlightenment in the 18th century saw artistic depictions of physical and rational certainties of the clockwork universe, as well as politically revolutionary visions of a post monarchist world, such as Blake's portrayal of Newton as a divine geometer, or David's propagandistic paintings. This led to Romantic rejections of this in favor of pictures of the emotional side and individuality of humans, exemplified in the novels of Goethe. The late 19th century then saw a host of artistic movements, such as academic art, Symbolism, impressionism and fauvism among others. The history of 20th century art is a narrative of endless possibilities and the search for new standards, each being torn down in succession by the next. Thus the parameters of Impressionism, Expressionism, Fauvism, Cubism, Dadaism, Surrealism, etc. cannot be maintained very much beyond the time of their invention. Increasing global interaction during this time saw an equivalent influence of other cultures into Western art. Thus, Japanese woodblock prints (themselves influenced by Western Renaissance draftsmanship) had an immense influence on impressionism and subsequent development. Later, African sculptures were taken up by Picasso and to some extent by Matisse. Similarly, in the 19th and 20th centuries the West has had huge impacts on Eastern art with originally western ideas like Communism and Post Modernism exerting a powerful influence. Modernism, the idealistic search for truth, gave way in the latter half of the 20th century to a realization of its unattainability. Theodor W. Adorno said in 1970, "It is now taken for granted that nothing which concerns art can be taken for granted any more: neither art itself, nor art in relationship to the whole, nor even the right of art to exist." Relativism was accepted as an unavoidable truth, which led to the period of contemporary art and postmodern criticism, where cultures of the world and of history are seen as changing forms, which can be appreciated and drawn from only with skepticism and irony. Furthermore, the separation of cultures is increasingly blurred and some argue it is now more appropriate to think in terms of a global culture, rather than of regional ones. In The Origin of the Work of Art, Martin Heidegger, a German philosopher and seminal thinker, describes the essence of art in terms of the concepts of being and truth. He argues that art is not only a way of expressing the element of truth in a culture, but the means of creating it and providing a springboard from which "that which is" can be revealed. Works of art are not merely representations of the way things are, but actually produce a community's shared understanding. Each time a new artwork is added to any culture, the meaning of what it is to exist is inherently changed. Historically, art and artistic skills and ideas have often been spread through trade. An example of this is the Silk Road, where Hellenistic, Iranian, Indian and Chinese influences could mix. Greco Buddhist art is one of the most vivid examples of this interaction. The meeting of different cultures and worldviews also influenced artistic creation. An example of this is the multicultural port metropolis of Trieste at the beginning of the 20th century, where James Joyce met writers from Central Europe and the artistic development of New York City as a cultural melting pot.

Формы, жанры, средства массовой информации и стили

Творческие искусства часто подразделяются на более конкретные категории, как правило, по воспринимаемо различимым признакам, таким как медиа, жанры, стили и формы. Форма искусства относится к элементам искусства, независимым от его интерпретации или значения. Она охватывает методы, используемые художником, и физическую композицию произведения, прежде всего несемантические аспекты работы (т.е. фигуры), такие как цвет, контур, размерность, материал, мелодия, пространство, текстура и тональность. Форма может также включать принципы дизайна, такие как композиция, баланс, контраст, акцент, гармония, пропорция, близость и ритм. В целом, существует три философских подхода к искусству, фокусирующихся соответственно на форме, содержании и контексте. К сожалению, в терминологии для этих неформальных свойств наблюдается мало единообразия. Некоторые авторы используют понятия «предмет» и «содержание», подразумевая денотации и коннотации, в то время как другие предпочитают термины «смысл» и «значимость». Под предметом понимаются изображенные лица или идеи, а под содержанием – переживание этого предмета художником. Например, композиция «Наполеон I на Императорском троне» частично заимствована из статуи Зевса в Олимпии. Как следует из названия, предметом является Наполеон, а содержанием – представление Наполеона Ингресом как «Императора-Бога, вне времени и пространства». Культурный контекст часто сводится к техникам и намерениям художника, в этом случае анализ ведется в направлении, близком к формализму и интенционализму. Однако в других случаях преобладают исторические и материальные условия, такие как религиозные и философские убеждения, социополитические и экономические структуры или даже климат и география. Художественная критика продолжает развиваться вместе с искусством. Понимание достигается в процессе работы с материалом, что облегчает мыслительные процессы. Распространено мнение, что определение «искусство», особенно в возвышенном смысле, требует от художника определенного уровня творческого мастерства, будь то демонстрация технического умения, оригинальность стилистического подхода или их сочетание. Традиционно мастерство исполнения рассматривалось как неотъемлемое качество искусства и, следовательно, необходимое условие его успеха; для Леонардо да Винчи искусство, как и другие его занятия, было проявлением мастерства. Работы Рембрандта, ныне ценимые за их эфемерные достоинства, при его жизни больше всего восхищали за виртуозность исполнения. На рубеже XX века, виртуозные работы Джона Сингера Сарджента вызывали одновременно восхищение и скептицизм из-за их технической легкости, но почти в то же время художник, который должен был стать самым известным иконоборцем эпохи, Пабло Пикассо, завершил традиционное академическое обучение, в котором он преуспел. Распространенная современная критика некоторых произведений современного искусства связана с возражениями против очевидного отсутствия навыков или умений, необходимых для создания художественного объекта. В концептуальном искусстве «Фонтан» Марселя Дюшана является одним из первых примеров работ, в которых художник использовал найденные предметы («готовые изделия») и не применял традиционно признанных навыков. «Моя кровать» Трейси Эмин или «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Дэмиена Хирста следуют этому примеру и также манипулируют средствами массовой информации. Эмин спала (и занималась другой деятельностью) в своей кровати, прежде чем выставить ее в галерее как произведение искусства. Хирст разработал концептуальный замысел произведения, но большую часть его создания доверил наемным мастерам. Известность Хирста основана исключительно на его способности создавать шокирующие концепции. Фактическое создание многих концептуальных и современных произведений искусства заключается в сборке найденных предметов. Однако многие модернистские и современные художники продолжают демонстрировать мастерство в рисовании и живописи, создавая произведения искусства своими руками.

The creative arts are often divided into more specific categories, typically along perceptually distinguishable categories such as media, genre, styles, and form. Art form refers to the elements of art that are independent of its interpretation or significance. It covers the methods adopted by the artist and the physical composition of the artwork, primarily non semantic aspects of the work (i. e., figurae), such as color, contour, dimension, medium, melody, space, texture, and value. Form may also include Design principles, such as arrangement, balance, contrast, emphasis, harmony, proportion, proximity, and rhythm. In general there are three schools of philosophy regarding art, focusing respectively on form, content, and context. Unfortunately, there is little consensus on terminology for these informal properties. Some authors refer to subject matter and content—i. e., denotations and connotations—while others prefer terms like meaning and significance. It defines the subject as the persons or idea represented, and the content as the artist's experience of that subject. For example, the composition of Napoleon I on his Imperial Throne is partly borrowed from the Statue of Zeus at Olympia. As evidenced by the title, the subject is Napoleon, and the content is Ingres's representation of Napoleon as "Emperor God beyond time and space". The cultural context often reduces to the artist's techniques and intentions, in which case analysis proceeds along lines similar to formalism and intentionalism. However, in other cases historical and material conditions may predominate, such as religious and philosophical convictions, sociopolitical and economic structures, or even climate and geography. Art criticism continues to grow and develop alongside art. There is an understanding that is reached with the material as a result of handling it, which facilitates one's thought processes. A common view is that the epithet art, particular in its elevated sense, requires a certain level of creative expertise by the artist, whether this be a demonstration of technical ability, an originality in stylistic approach, or a combination of these two. Traditionally skill of execution was viewed as a quality inseparable from art and thus necessary for its success; for Leonardo da Vinci, art, neither more nor less than his other endeavors, was a manifestation of skill. Rembrandt's work, now praised for its ephemeral virtues, was most admired by his contemporaries for its virtuosity. At the turn of the 20th century, the adroit performances of John Singer Sargent were alternately admired and viewed with skepticism for their manual fluency, yet at nearly the same time the artist who would become the era's most recognized and peripatetic iconoclast, Pablo Picasso, was completing a traditional academic training at which he excelled. A common contemporary criticism of some modern art occurs along the lines of objecting to the apparent lack of skill or ability required in the production of the artistic object. In conceptual art, Marcel Duchamp's Fountain is among the first examples of pieces wherein the artist used found objects ("ready made") and exercised no traditionally recognised set of skills. Tracey Emin's My Bed, or Damien Hirst's The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living follow this example and also manipulate the mass media. Emin slept (and engaged in other activities) in her bed before placing the result in a gallery as work of art. Hirst came up with the conceptual design for the artwork but has left most of the eventual creation of many works to employed artisans. Hirst's celebrity is founded entirely on his ability to produce shocking concepts. The actual production in many conceptual and contemporary works of art is a matter of assembly of found objects. However, there are many modernist and contemporary artists who continue to excel in the skills of drawing and painting and in creating hands on works of art.

Цель

Искусство на протяжении своей истории выполняло множество различных функций, что затрудняет определение его цели в рамках какой-либо единой концепции. Это не означает, что цель искусства "размыта", а лишь то, что существовало множество уникальных и различных причин для его создания. Некоторые из этих функций искусства представлены в дальнейшей классификации. Различные цели искусства можно разделить на немотивированные и мотивированные (Леви-Стросс).

Немотивированные функции

Немотивированные цели искусства – это те, которые неотъемлемы от человеческого существования, превосходят индивидуальность или не преследуют конкретной внешней цели. В этом смысле искусство, как творчество, является тем, что люди должны делать по самой своей природе (то есть ни один другой вид не создает искусство) и, следовательно, выходит за рамки утилитарности. Искусство даёт возможность ощутить себя в связи с Вселенной. Этот опыт часто бывает спонтанным, когда человек наслаждается искусством, музыкой или поэзией. Самое прекрасное, что мы можем испытать, – это тайна. Она является источником всего истинного искусства и науки. – Альберт Эйнштейн

The non motivated purposes of art are those that are integral to being human, transcend the individual, or do not fulfill a specific external purpose. In this sense, Art, as creativity, is something humans must do by their very nature (i. e., no other species creates art), and is therefore beyond utility.</blockquote>
Experience of the mysterious. Art provides a way to experience one's self in relation to the universe. This experience may often come unmotivated, as one appreciates art, music or poetry. The most beautiful thing we can experience is the mysterious. It is the source of all true art and science. – Albert Einstein
Expression of the imagination. Art provides a means to express the imagination in non grammatic ways that are not tied to the formality of spoken or written language. Unlike words, which come in sequences and each of which have a definite meaning, art provides a range of forms, symbols and ideas with meanings that are malleable. Jupiter's eagle [as an example of art] is not, like logical (aesthetic) attributes of an object, the concept of the sublimity and majesty of creation, but rather something else—something that gives the imagination an incentive to spread its flight over a whole host of kindred representations that provoke more thought than admits of expression in a concept determined by words. They furnish an aesthetic idea, which serves the above rational idea as a substitute for logical presentation, but with the proper function, however, of animating the mind by opening out for it a prospect into a field of kindred representations stretching beyond its ken. – Immanuel Kant
Ritualistic and symbolic functions. In many cultures, art is used in rituals, performances and dances as a decoration or symbol. While these often have no specific utilitarian (motivated) purpose, anthropologists know that they often serve a purpose at the level of meaning within a particular culture. This meaning is not furnished by any one individual, but is often the result of many generations of change, and of a cosmological relationship within the culture. Most scholars who deal with rock paintings or objects recovered from prehistoric contexts that cannot be explained in utilitarian terms and are thus categorized as decorative, ritual or symbolic, are aware of the trap posed by the term 'art'. – Silva Tomaskova

Выражение воображения. Искусство предоставляет возможность выразить воображение неграмматическими способами, не связанными с формальностью разговорного или письменного языка. В отличие от слов, которые следуют последовательно и каждое из которых имеет определённое значение, искусство предлагает множество форм, символов и идей со значениями, которые изменчивы. Юпитеров орёл [как пример искусства] – это не концепция возвышенности и величия творения, как логические (эстетические) атрибуты объекта, а нечто иное – нечто, что побуждает воображение взлететь над множеством родственных образов, вызывающих больше мыслей, чем можно выразить определённым словом. Они формируют эстетическую идею, которая служит заменой логическому представлению для вышеупомянутой рациональной идеи, но при этом выполняет важную функцию – оживляет ум, открывая перед ним перспективу в поле родственных представлений, простирающихся за пределы его понимания. – Иммануил Кант

Ритуальные и символические функции. Во многих культурах искусство используется в ритуалах, представлениях и танцах в качестве украшения или символа. Хотя они часто не имеют конкретной утилитарной (мотивированной) цели, антропологи знают, что они часто выполняют функцию на уровне смысла в рамках определённой культуры. Этот смысл не создаётся каким-либо одним человеком, а является результатом изменений, накопленных многими поколениями, и космологических связей внутри культуры. Большинство исследователей, работающих с наскальными рисунками или предметами, найденными в доисторических контекстах, которые нельзя объяснить с утилитарной точки зрения и поэтому классифицируются как декоративные, ритуальные или символические, осознают ловушку, которую представляет термин «искусство». – Сильва Томаскова

Мотивированные функции

Мотивированные цели искусства относятся к преднамеренным, осознанным действиям со стороны художников или создателей. Они могут быть направлены на достижение политических изменений, комментирование какого-либо аспекта общества, передачу определенной эмоции или настроения, обращение к личной психологии, иллюстрацию другой дисциплины, (в коммерческом искусстве) продажу продукта или использование в качестве формы коммуникации. Коммуникация. Искусство, в своей простейшей форме, является формой коммуникации. Поскольку большинство форм коммуникации имеют намерение или цель, направленную на другого человека, это мотивированная цель. Иллюстративные виды искусства, такие как научная иллюстрация, являются формой искусства как коммуникации. Карты – еще один пример. Однако содержание не обязательно должно быть научным. Эмоции, настроения и чувства также передаются посредством искусства. [Искусство – это совокупность] артефактов или изображений с символическим значением как средства коммуникации. – Стив Митен.

Motivated purposes of art refer to intentional, conscious actions on the part of the artists or creator. These may be to bring about political change, to comment on an aspect of society, to convey a specific emotion or mood, to address personal psychology, to illustrate another discipline, to (with commercial arts) sell a product, or used as a form of communication. Communication. Art, at its simplest, is a form of communication. As most forms of communication have an intent or goal directed toward another individual, this is a motivated purpose. Illustrative arts, such as scientific illustration, are a form of art as communication. Maps are another example. However, the content need not be scientific. Emotions, moods and feelings are also communicated through art. [Art is a set of] artefacts or images with symbolic meanings as a means of communication. – Steve Mithen
Art as entertainment. Art may seek to bring about a particular emotion or mood, for the purpose of relaxing or entertaining the viewer. This is often the function of the art industries of motion pictures and video games. The Avant Garde. Art for political change. One of the defining functions of early 20th century art has been to use visual images to bring about political change. Art movements that had this goal—Dadaism, Surrealism, Russian constructivism, and Abstract Expressionism, among others—are collectively referred to as the avant garde arts. By contrast, the realistic attitude, inspired by positivism, from Saint Thomas Aquinas to Anatole France, clearly seems to me to be hostile to any intellectual or moral advancement. I loathe it, for it is made up of mediocrity, hate, and dull conceit. It is this attitude which today gives birth to these ridiculous books, these insulting plays. It constantly feeds on and derives strength from the newspapers and stultifies both science and art by assiduously flattering the lowest of tastes; clarity bordering on stupidity, a dog's life. – André Breton (Surrealism)
Art as a "free zone", removed from the action of the social censure. Unlike the avant garde movements, which wanted to erase cultural differences in order to produce new universal values, contemporary art has enhanced its tolerance towards cultural differences as well as its critical and liberating functions (social inquiry, activism, subversion, deconstruction, etc. ), becoming a more open place for research and experimentation. Art for social inquiry, subversion or anarchy. While similar to art for political change, subversive or deconstructivist art may seek to question aspects of society without any specific political goal. In this case, the function of art may be used to criticize some aspect of society. Graffiti art and other types of street art are graphics and images that are spray painted or stencilled on publicly viewable walls, buildings, buses, trains, and bridges, usually without permission. Certain art forms, such as graffiti, may also be illegal when they break laws (in this case vandalism). Art for social causes. Art can be used to raise awareness for a large variety of causes. A number of art activities were aimed at raising awareness of autism, cancer, human trafficking, and a variety of other topics, such as ocean conservation, human rights in Darfur, murdered and missing Aboriginal women, elder abuse, and pollution. Trashion, using trash to make fashion, practiced by artists such as Marina DeBris is one example of using art to raise awareness about pollution. Art for psychological and healing purposes. Art is also used by art therapists, psychotherapists and clinical psychologists as art therapy. The Diagnostic Drawing Series, for example, is used to determine the personality and emotional functioning of a patient. The end product is not the principal goal in this case, but rather a process of healing, through creative acts, is sought. The resultant piece of artwork may also offer insight into the troubles experienced by the subject and may suggest suitable approaches to be used in more conventional forms of psychiatric therapy. Art for propaganda, or commercialism. Art is often used as a form of propaganda, and thus can be used to subtly influence popular conceptions or mood. In a similar way, art that tries to sell a product also influences mood and emotion. In both cases, the purpose of art here is to subtly manipulate the viewer into a particular emotional or psychological response toward a particular idea or object. Art as a fitness indicator. It has been argued that the ability of the human brain by far exceeds what was needed for survival in the ancestral environment. One evolutionary psychology explanation for this is that the human brain and associated traits (such as artistic ability and creativity) are the human equivalent of the peacock's tail. The purpose of the male peacock's extravagant tail has been argued to be to attract females (see also Fisherian runaway and handicap principle). According to this theory superior execution of art was evolutionarily important because it attracted mates. The functions of art described above are not mutually exclusive, as many of them may overlap. For example, art for the purpose of entertainment may also seek to sell a product, i. e. the movie or video game.

Искусство как развлечение. Искусство может стремиться вызвать определенные эмоции или настроение с целью расслабления или развлечения зрителя. Это часто является функцией художественных индустрий кино и видеоигр. Авангард. Искусство для политических перемен. Одной из определяющих функций искусства начала XX века было использование визуальных образов для достижения политических изменений. Художественные движения, которые преследовали эту цель – дадаизм, сюрреализм, русский конструктивизм и абстрактный экспрессионизм, среди прочих – коллективно называются авангардными искусствами. В отличие от этого, реалистическое мировоззрение, вдохновленное позитивизмом, от Фомы Аквинского до Анатоля Франса, представляется мне явно враждебным любому интеллектуальному или моральному прогрессу. Я ненавижу его, ибо оно состоит из посредственности, ненависти и тупого самодовольства. Именно это мировоззрение сегодня порождает эти нелепые книги, эти оскорбительные пьесы. Оно постоянно питается и черпает силу из газет, притупляет как науку, так и искусство, усердно льстя самым низким вкусам: ясность, граничащая с глупостью, собачья жизнь. – Андре Бретон (сюрреализм).

Искусство как «свободная зона», отделенная от действия социальной цензуры. В отличие от авангардных движений, которые стремились стереть культурные различия для создания новых универсальных ценностей, современное искусство усилило свою толерантность к культурным различиям, а также свои критические и освобождающие функции (социальный анализ, активизм, подрыв, деконструкция и т.д.), став более открытым пространством для исследований и экспериментов. Искусство для социального анализа, подрыва или анархии. Подобно искусству для политических перемен, подрывное или деконструктивистское искусство может стремиться к критике аспектов общества без какой-либо конкретной политической цели. В этом случае функция искусства может использоваться для критики определенных аспектов общества. Граффити и другие виды уличного искусства – это графические изображения, которые распыляются или наносятся трафаретом на общедоступные стены, здания, автобусы, поезда и мосты, как правило, без разрешения. Определенные виды искусства, такие как граффити, также могут быть незаконными, если они нарушают законы (в данном случае – вандализм). Искусство для социальных целей. Искусство может использоваться для привлечения внимания к широкому спектру проблем. Ряд художественных мероприятий был направлен на повышение осведомленности об аутизме, раке, торговле людьми и множестве других тем, таких как охрана океана, права человека в Дарфуре, убитые и пропавшие без вести женщины-аборигены, жестокое обращение с пожилыми людьми и загрязнение окружающей среды. Трашн, использование мусора для создания моды, практикуемое художниками, такими как Марина ДеБрис, является одним из примеров использования искусства для привлечения внимания к проблеме загрязнения. Искусство для психологических и лечебных целей. Искусство также используется арт-терапевтами, психотерапевтами и клиническими психологами в качестве арт-терапии. Например, диагностическая серия рисунков используется для определения личности и эмоционального состояния пациента. В этом случае конечный продукт не является главной целью, а скорее ищется процесс исцеления посредством творческих действий. Полученное произведение искусства также может дать представление о проблемах, испытываемых субъектом, и может предложить подходящие подходы, используемые в более традиционных формах психиатрической терапии. Искусство для пропаганды или коммерции. Искусство часто используется как форма пропаганды и, следовательно, может быть использовано для тонкого влияния на общественное мнение или настроение. Аналогичным образом, искусство, которое пытается продать продукт, также влияет на настроение и эмоции. В обоих случаях цель искусства здесь – тонко манипулировать зрителем, вызывая определенную эмоциональную или психологическую реакцию на определенную идею или объект. Искусство как индикатор приспособленности. Было высказано предположение, что возможности человеческого мозга значительно превосходят то, что было необходимо для выживания в среде обитания предков. Одно из эволюционно-психологических объяснений этого заключается в том, что человеческий мозг и связанные с ним черты (такие как художественные способности и креативность) являются человеческим эквивалентом павлиньего хвоста. Считается, что пышный хвост самца павлина служит для привлечения самок (см. также принцип бегства Фишера и принцип гандикапа). Согласно этой теории, превосходное исполнение искусства было эволюционно важно, поскольку привлекало партнеров. Описанные выше функции искусства не являются взаимоисключающими, поскольку многие из них могут пересекаться. Например, искусство, созданное для развлечения, также может стремиться продать продукт, то есть фильм или видеоигру.

Шаги

Искусство можно разделить на любое количество этапов, обоснованность которых можно доказать. В этом разделе творческий процесс разделен на три широких этапа, однако единого мнения относительно их точного числа не существует.

Подготовка

На первом этапе художник представляет себе произведение искусства в своем воображении. Воображая, как будет выглядеть его творение, художник начинает процесс воплощения идеи в жизнь. Подготовка к созданию произведения искусства может включать в себя изучение и исследование темы. Художественное вдохновение – одна из главных движущих сил искусства, и оно может проистекать из инстинкта, впечатлений и чувств. The Beatles утверждали, что наркотики, такие как ЛСД и каннабис, повлияли на некоторые из их величайших хитов, например, Revolver. Метод проб и ошибок считается неотъемлемой частью творческого процесса. Однако важным аспектом искусства является то, что другие люди могут видеть и оценивать его. Хотя многие сосредотачиваются на том, считают ли зрители/слушатели/и т.д. произведение искусства хорошим или успешным, искусство обладает глубокой ценностью, выходящей за рамки коммерческого успеха, поскольку оно служит источником информации и способствует здоровью общества. Наслаждение искусством может вызывать широкий спектр эмоций благодаря его красоте. Некоторые произведения искусства создаются с практической целью, их анализ носит исследовательский характер и призван стимулировать дискуссию.

Доступ общественности

С древних времен большая часть изысканного искусства представляла собой намеренную демонстрацию богатства или власти, часто достигаемую за счет огромных масштабов и дорогих материалов. Многие произведения искусства заказывались политическими правителями или религиозными учреждениями, а более скромные версии были доступны лишь самым состоятельным слоям общества. Тем не менее, существовало немало периодов, когда искусство очень высокого качества было доступно, с точки зрения владения, широким слоям общества, прежде всего в недорогих материалах, таких как керамика, которая сохраняется в земле, и недолговечных материалах, таких как текстиль и дерево. Во многих культурах керамика коренных народов Америки встречается в таком широком диапазоне захоронений, что очевидно не ограничивалась социальной элитой, хотя другие виды искусства могли быть ей доступны. Методы репродукции, такие как литье в формах, облегчили массовое производство и использовались для распространения высококачественной древнеримской керамики и греческих танагрских статуэток на очень широкий рынок. Цилиндрические печати были одновременно художественными и практическими, и широко использовались представителями, которых можно условно назвать средним классом в Древнем Ближнем Востоке. С широким распространением монет они также стали формой искусства, доступной широким слоям населения. Важным нововведением в Европе в XV веке стало зарождение гравюры с небольших ксилографий, в основном религиозного содержания, часто очень маленьких и раскрашенных вручную, которые были доступны даже крестьянам, приклеивавшим их к стенам своих домов. Печатные книги изначально были очень дорогими, но постепенно дешевели, и к XIX веку даже самые бедные могли позволить себе некоторые из них с печатными иллюстрациями. На протяжении веков дома и другие помещения украшали популярные гравюры различных видов. В 1661 году в городе Базеле (Швейцария) был открыт первый в мире публичный художественный музей – Художественный музей Базеля (Kunstmuseum Basel). Сегодня его коллекция отличается впечатляющим историческим охватом, начиная с начала XV века и до наших дней. К числу основных направлений коллекции относятся: живопись и графика художников, работавших в регионе Верхнего Рейна в период с 1400 по 1600 год, а также искусство XIX–XXI веков. Общественные здания и памятники, светские и религиозные, по своей природе обычно обращены ко всему обществу, к посетителям как к зрителям, и демонстрация для широкой публики всегда была важным фактором в их проектировании. Египетские храмы типичны тем, что наиболее масштабное и роскошное убранство размещалось на тех участках, которые были видны широкой публике, а не в помещениях, доступных только жрецам. Многие помещения королевских дворцов, замков и домов знати часто были общедоступны, и значительная часть художественных коллекций этих людей могла быть осмотрена либо кем угодно, либо теми, кто мог заплатить небольшую плату, либо теми, кто носил соответствующую одежду, независимо от социального статуса, как, например, во дворце в Версале, где необходимые аксессуары (серебряные пряжки для туфель и шпага) можно было арендовать в магазинах снаружи. Специальные мероприятия организовывались для ознакомления публики с королевскими или частными коллекциями, размещенными в галереях, как, например, коллекция Орлеана, в основном размещенная в одном из крыльев Пале-Рояль в Париже, которую можно было посещать на протяжении большей части XVIII века. В Италии художественный туризм, связанный с Гранд-туром, стал крупной отраслью с эпохи Возрождения, и правительства и города прилагали усилия для обеспечения доступа к своим ключевым произведениям искусства. Британская королевская коллекция остается уникальной, но значительные пожертвования, такие как Старая королевская библиотека, были переданы из нее в Британский музей, основанный в 1753 году. Галерея Уффици во Флоренции полностью открылась в 1765 году, хотя эта функция постепенно вытесняла первоначальные офисы государственных служащих задолго до этого. Здание, в котором сейчас находится музей Прадо в Мадриде, было построено до Французской революции для публичного показа части королевской художественной коллекции, и подобные королевские галереи, открытые для публики, существовали в Вене, Мюнхене и других столицах. Открытие Музея Лувра во время Французской революции (в 1793 году) в качестве публичного музея, демонстрирующего большую часть бывшей французской королевской коллекции, безусловно, стало важным этапом в развитии общественного доступа к искусству, передав право собственности республиканскому государству, но это было продолжением тенденций, которые уже хорошо укрепились. Большинство современных публичных музеев и программ художественного образования для детей в школах восходят к этому стремлению сделать искусство доступным каждому. Однако музеи не только обеспечивают доступ к искусству, но и влияют на то, как аудитория его воспринимает, как показали исследования. Таким образом, музей – это не просто площадка для демонстрации искусства, но и играет активную и важную роль в общем восприятии искусства в современном обществе. Музеи в Соединенных Штатах, как правило, являются дарами очень богатых людей массам. Например, Метрополитен-музей в Нью-Йорке был создан Джоном Тейлором Джонстоном, железнодорожным магнатом, чья личная коллекция искусства стала основой музея. Но, несмотря на все это, по крайней мере, одна из важных функций искусства в XXI веке по-прежнему заключается в том, чтобы служить маркером богатства и социального статуса. Художники предпринимали попытки создать искусство, которое нельзя купить богатым в качестве символа статуса. Одной из главных первоначальных мотиваций для многих произведений искусства конца 1960-х и 1970-х годов было создание искусства, которое нельзя купить и продать. «Необходимо представить нечто большее, чем просто объекты», – говорил известный немецкий художник Йозеф Бойс после войны. В этот период получили распространение такие формы искусства, как перформанс, видеоарт и концептуальное искусство. Идея заключалась в том, что если произведение искусства представляет собой перформанс, который ничего не оставляет после себя, или является идеей, его нельзя купить и продать. «Демократические принципы, основанные на идее о том, что произведение искусства является товаром, стимулировали эстетические инновации, зародившиеся в середине 1960-х годов и принесшие плоды на протяжении 1970-х годов. Художники, объединенные под общим названием «Концептуальное искусство», заменившие перформансы и публикации взаимодействием с материальными и материалистическими проблемами живописи или скульптуры, стремились подорвать объект искусства как таковой». За прошедшие десятилетия эти идеи несколько утратили свою актуальность, поскольку арт-рынок научился продавать лимитированные издания DVD с видеоработами, приглашения на эксклюзивные перформансы и объекты, оставшиеся от концептуальных работ. Многие из этих перформансов создают произведения, которые понимают только представители элиты, получившие образование в отношении того, почему идея, видео или кусок, казалось бы, мусора могут считаться искусством. Символом статуса становится понимание работы, а не обязательно ее владение, и произведение искусства остается занятием высшего класса. «С широким распространением технологии записи на DVD в начале 2000-х годов художники и галерейная система, извлекающая прибыль из продажи произведений искусства, получили важное средство контроля над продажей видео- и компьютерных работ в ограниченных изданиях коллекционерам».

Since ancient times, much of the finest art has represented a deliberate display of wealth or power, often achieved by using massive scale and expensive materials. Much art has been commissioned by political rulers or religious establishments, with more modest versions only available to the most wealthy in society. Nevertheless, there have been many periods where art of very high quality was available, in terms of ownership, across large parts of society, above all in cheap media such as pottery, which persists in the ground, and perishable media such as textiles and wood. In many different cultures, the ceramics of indigenous peoples of the Americas are found in such a wide range of graves that they were clearly not restricted to a social elite, though other forms of art may have been. Reproductive methods such as moulds made mass production easier, and were used to bring high quality Ancient Roman pottery and Greek Tanagra figurines to a very wide market. Cylinder seals were both artistic and practical, and very widely used by what can be loosely called the middle class in the Ancient Near East. Once coins were widely used, these also became an art form that reached the widest range of society. Another important innovation came in the 15th century in Europe, when printmaking began with small woodcuts, mostly religious, that were often very small and hand colored, and affordable even by peasants who glued them to the walls of their homes. Printed books were initially very expensive, but fell steadily in price until by the 19th century even the poorest could afford some with printed illustrations. Popular prints of many different sorts have decorated homes and other places for centuries. In 1661, the city of Basel, in Switzerland, opened the first public museum of art in the world, the Kunstmuseum Basel. Today, its collection is distinguished by an impressively wide historic span, from the early 15th century up to the immediate present. Its various areas of emphasis give it international standing as one of the most significant museums of its kind. These encompass: paintings and drawings by artists active in the Upper Rhine region between 1400 and 1600, and on the art of the 19th to 21st centuries. Public buildings and monuments, secular and religious, by their nature normally address the whole of society, and visitors as viewers, and display to the general public has long been an important factor in their design. Egyptian temples are typical in that the most largest and most lavish decoration was placed on the parts that could be seen by the general public, rather than the areas seen only by the priests. Many areas of royal palaces, castles and the houses of the social elite were often generally accessible, and large parts of the art collections of such people could often be seen, either by anybody, or by those able to pay a small price, or those wearing the correct clothes, regardless of who they were, as at the Palace of Versailles, where the appropriate extra accessories (silver shoe buckles and a sword) could be hired from shops outside. Special arrangements were made to allow the public to see many royal or private collections placed in galleries, as with the Orleans Collection mostly housed in a wing of the Palais Royal in Paris, which could be visited for most of the 18th century. In Italy the art tourism of the Grand Tour became a major industry from the Renaissance onwards, and governments and cities made efforts to make their key works accessible. The British Royal Collection remains distinct, but large donations such as the Old Royal Library were made from it to the British Museum, established in 1753. The Uffizi in Florence opened entirely as a gallery in 1765, though this function had been gradually taking the building over from the original civil servants' offices for a long time before. The building now occupied by the Prado in Madrid was built before the French Revolution for the public display of parts of the royal art collection, and similar royal galleries open to the public existed in Vienna, Munich and other capitals. The opening of the Musée du Louvre during the French Revolution (in 1793) as a public museum for much of the former French royal collection certainly marked an important stage in the development of public access to art, transferring ownership to a republican state, but was a continuation of trends already well established. Most modern public museums and art education programs for children in schools can be traced back to this impulse to have art available to everyone. However, museums do not only provide availability to art, but do also influence the way art is being perceived by the audience, as studies found. Thus, the museum itself is not only a blunt stage for the presentation of art, but plays an active and vital role in the overall perception of art in modern society. Museums in the United States tend to be gifts from the very rich to the masses. (The Metropolitan Museum of Art in New York City, for example, was created by John Taylor Johnston, a railroad executive whose personal art collection seeded the museum.) But despite all this, at least one of the important functions of art in the 21st century remains as a marker of wealth and social status. There have been attempts by artists to create art that can not be bought by the wealthy as a status object. One of the prime original motivators of much of the art of the late 1960s and 1970s was to create art that could not be bought and sold. It is "necessary to present something more than mere objects" said the major post war German artist Joseph Beuys. This time period saw the rise of such things as performance art, video art, and conceptual art. The idea was that if the artwork was a performance that would leave nothing behind, or was an idea, it could not be bought and sold. "Democratic precepts revolving around the idea that a work of art is a commodity impelled the aesthetic innovation which germinated in the mid 1960s and was reaped throughout the 1970s. Artists broadly identified under the heading of Conceptual art substituting performance and publishing activities for engagement with both the material and materialistic concerns of painted or sculptural form [have] endeavored to undermine the art object qua object." In the decades since, these ideas have been somewhat lost as the art market has learned to sell limited edition DVDs of video works, invitations to exclusive performance art pieces, and the objects left over from conceptual pieces. Many of these performances create works that are only understood by the elite who have been educated as to why an idea or video or piece of apparent garbage may be considered art. The marker of status becomes understanding the work instead of necessarily owning it, and the artwork remains an upper class activity. "With the widespread use of DVD recording technology in the early 2000s, artists, and the gallery system that derives its profits from the sale of artworks, gained an important means of controlling the sale of video and computer artworks in limited editions to collectors."

Противоречия

Искусство долгое время было предметом споров, то есть не нравилось некоторым зрителям, по самым разным причинам, хотя большинство досовременных споров зафиксированы смутно или полностью утрачены для современного взгляда. Иконоборчество – это разрушение искусства, которое вызывает неприязнь по различным причинам, в том числе религиозным. Аниконизм – это общее неприятие любых изобразительных образов или, чаще, только религиозных, и эта тенденция прослеживается во многих крупных религиях. Он был важнейшим фактором в истории исламского искусства, где изображения Мухаммеда остаются особенно спорными. Многие произведения искусства не нравились лишь потому, что изображали или иным образом представляли непопулярных правителей, партии или другие группы. Художественные конвенции часто были консервативными и воспринимались очень серьезно искусствоведами, хотя и гораздо меньше широкой публикой. Иконографическое содержание искусства могло вызывать споры, как, например, в позднесредневековых изображениях нового мотива «Положение во гроб» Богоматери в сценах распятия Иисуса. «Страшный суд» Микеланджело вызвал споры по разным причинам, включая нарушение приличий из-за обнаженности и позу Христа, напоминающую Аполлона. Содержание многих образцовых произведений искусства на протяжении истории определялось не только художником, но и его заказчиком или меценатом. Однако с появлением романтизма и экономических изменений в производстве искусства видение художника стало обычным определяющим фактором содержания его работ, что увеличило количество споров, хотя часто и уменьшило их значимость. Сильные стимулы к воспринимаемой оригинальности и публичности также побуждали художников к провокациям. «Плот «Медузы» Теодора Жерико был частично политическим комментарием к недавнему событию. «Завтрак на траве» (1863) Эдуара Мане считался скандальным не из-за обнаженной женщины, а из-за того, что она сидит рядом с мужчинами, одетыми в современную одежду, а не в одеяния античного мира. «Мадам Пьер Готро (Мадам X)» (1884) кисти Джона Сингера Сарджента вызвала споры из-за красновато-розового оттенка, использованного для окраски мочки уха женщины, который считался слишком соблазнительным и, предположительно, разрушал репутацию модели из высшего общества. Постепенный отказ от натурализма и изображение реалистичных представлений визуального облика предметов в XIX и XX веках привело к непрекращающимся спорам, продолжавшимся более века. В XX веке Пабло Пикассо в своей «Гернике» (1937) использовал выразительные кубистские приемы и резкие монохромные краски, чтобы изобразить ужасные последствия бомбардировки небольшого древнего баскского города. «Допрос III» (1981) Леона Голуба изображает обнаженную женщину в капюшоне, привязанную к стулу, с разведенными ногами, обнажающими ее половые органы, в окружении двух мучителей, одетых в повседневную одежду. «Писса Христос» (1989) Андреса Серрано – это фотография распятия, священного для христианской религии и символизирующего жертву Христа и его последние страдания, погруженного в стакан мочи самого художника. Возмущение, вызванное этой работой, привело к обсуждению вопроса о государственном финансировании искусства в Сенате США.

Art has long been controversial, that is to say disliked by some viewers, for a wide variety of reasons, though most pre modern controversies are dimly recorded, or completely lost to a modern view. Iconoclasm is the destruction of art that is disliked for a variety of reasons, including religious ones. Aniconism is a general dislike of either all figurative images, or often just religious ones, and has been a thread in many major religions. It has been a crucial factor in the history of Islamic art, where depictions of Muhammad remain especially controversial. Much art has been disliked purely because it depicted or otherwise stood for unpopular rulers, parties or other groups. Artistic conventions have often been conservative and taken very seriously by art critics, though often much less so by a wider public. The iconographic content of art could cause controversy, as with late medieval depictions of the new motif of the Swoon of the Virgin in scenes of the Crucifixion of Jesus. The Last Judgment by Michelangelo was controversial for various reasons, including breaches of decorum through nudity and the Apollo like pose of Christ. The content of much formal art through history was dictated by the patron or commissioner rather than just the artist, but with the advent of Romanticism, and economic changes in the production of art, the artists' vision became the usual determinant of the content of his art, increasing the incidence of controversies, though often reducing their significance. Strong incentives for perceived originality and publicity also encouraged artists to court controversy. Théodore Géricault's Raft of the Medusa , was in part a political commentary on a recent event. Édouard Manet's Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), was considered scandalous not because of the nude woman, but because she is seated next to men fully dressed in the clothing of the time, rather than in robes of the antique world. John Singer Sargent's Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), caused a controversy over the reddish pink used to color the woman's ear lobe, considered far too suggestive and supposedly ruining the high society model's reputation. The gradual abandonment of naturalism and the depiction of realistic representations of the visual appearance of subjects in the 19th and 20th centuries led to a rolling controversy lasting for over a century. In the 20th century, Pablo Picasso's Guernica (1937) used arresting cubist techniques and stark monochromatic oils, to depict the harrowing consequences of a contemporary bombing of a small, ancient Basque town. Leon Golub's Interrogation III (1981), depicts a female nude, hooded detainee strapped to a chair, her legs open to reveal her sexual organs, surrounded by two tormentors dressed in everyday clothing. Andres Serrano's Piss Christ (1989) is a photograph of a crucifix, sacred to the Christian religion and representing Christ's sacrifice and final suffering, submerged in a glass of the artist's own urine. The resulting uproar led to comments in the United States Senate about public funding of the arts.

Теория

До модернизма эстетика в западном искусстве была в значительной степени сосредоточена на достижении уместного баланса между различными аспектами реализма или соответствия природе и идеалом; представления о том, каким должен быть этот баланс, менялись на протяжении веков. Эта забота в значительной степени отсутствует в других художественных традициях. Эстетический теоретик Джон Раскин, защищавший то, что он считал натурализмом Дж. М. В. Тёрнера, видел роль искусства в передаче посредством мастерства фундаментальной истины, которую можно найти только в природе. Определение и оценка искусства стали особенно сложными с XX века. Ричард Воллхайм выделяет три подхода к оценке эстетической ценности искусства: реалистический, согласно которому эстетическое качество является абсолютной ценностью, независимой от какого-либо человеческого восприятия; объективистский, согласно которому это также абсолютная ценность, но зависящая от общего человеческого опыта; и релятивистский, согласно которому это не абсолютная ценность, а зависит от и варьируется в зависимости от индивидуального человеческого опыта.

Приход модернизма

Приход модернизма в конце XIX века привел к радикальному перелому в понимании функции искусства, а затем вновь в конце XX века с появлением постмодернизма. В статье Клемента Гринберга 1960 года «Модернистская живопись» современное искусство определяется как «использование характерных методов дисциплины для критики самой себя». Гринберг первоначально применил эту идею к движению абстрактного экспрессионизма и использовал её как способ понять и обосновать плоскостную (неиллюзионистскую) абстрактную живопись: реалистичное, натуралистическое искусство маскировало средства, используя искусство для сокрытия самого себя; модернизм использовал искусство, чтобы привлечь внимание к искусству. Ограничения, составляющие среду живописи — плоская поверхность, форма основы, свойства пигмента — старые мастера рассматривали как негативные факторы, которые можно было признать лишь косвенно. В эпоху модернизма эти же ограничения стали рассматриваться как положительные факторы и были признаны открыто. Поп-артисты, такие как Энди Уорхол, стали заметными и влиятельными благодаря работам, включающим и, возможно, критикующим популярную культуру, а также мир искусства. Художники 1980-х, 1990-х и 2000-х годов расширили эту технику самокритики за пределы высокого искусства на все культурное создание образов, включая модные изображения, комиксы, билборды и порнографию. Дюшан однажды предположил, что искусство — это любая деятельность любого рода, всё. Однако то, что лишь определенные виды деятельности сегодня классифицируются как искусство, является социальной конструкцией. Есть основания полагать, что в этом есть доля правды. В книге «Изобретение искусства: культурная история» Ларри Шайнер исследует формирование современной системы искусств, то есть изобразительного искусства. Он находит свидетельства того, что более ранняя система искусств, предшествовавшая нашей современной системе (высокому искусству), считала искусством любую квалифицированную человеческую деятельность; например, в Древней Греции не существовало термина «искусство», а использовалось понятие techne. Techne нельзя понимать ни как искусство, ни как ремесло, поскольку различия между искусством и ремеслом — это исторические продукты, возникшие позже в истории человечества. Techne включала живопись, скульптуру и музыку, но также кулинарию, медицину, конный спорт, геометрию, плотницкое дело, пророчество и земледелие и т.д.

The arrival of Modernism in the late 19th century led to a radical break in the conception of the function of art, and then again in the late 20th century with the advent of postmodernism. Clement Greenberg's 1960 article "Modernist Painting" defines modern art as "the use of characteristic methods of a discipline to criticize the discipline itself". Greenberg originally applied this idea to the Abstract Expressionist movement and used it as a way to understand and justify flat (non illusionistic) abstract painting:
<blockquote>Realistic, naturalistic art had dissembled the medium, using art to conceal art; modernism used art to call attention to art. The limitations that constitute the medium of painting—the flat surface, the shape of the support, the properties of the pigment—were treated by the Old Masters as negative factors that could be acknowledged only implicitly or indirectly. Under Modernism these same limitations came to be regarded as positive factors, and were acknowledged openly. Pop artists like Andy Warhol became both noteworthy and influential through work including and possibly critiquing popular culture, as well as the art world. Artists of the 1980s, 1990s, and 2000s expanded this technique of self criticism beyond high art to all cultural image making, including fashion images, comics, billboards and pornography. Duchamp once proposed that art is any activity of any kind everything. However, the way that only certain activities are classified today as art is a social construction. There is evidence that there may be an element of truth to this. In The Invention of Art: A Cultural History, Larry Shiner examines the construction of the modern system of the arts, i. e. fine art. He finds evidence that the older system of the arts before our modern system (fine art) held art to be any skilled human activity; for example, Ancient Greek society did not possess the term art, but techne. Techne can be understood neither as art or craft, the reason being that the distinctions of art and craft are historical products that came later on in human history. Techne included painting, sculpting and music, but also cooking, medicine, horsemanship, geometry, carpentry, prophecy, and farming, etc.

Новая критика и "преднамеренная ошибка"

После Дюшана в первой половине XX века произошел значительный сдвиг к общей эстетической теории, которая пыталась соотносить эстетическую теорию в различных видах искусства, включая литературное и изобразительное искусство, друг с другом. Это привело к возникновению школы новой критики и дискуссии об ошибке интенции. Суть спора заключалась в вопросе о том, должны ли эстетические намерения художника при создании произведения искусства, независимо от его конкретной формы, учитываться при критике и оценке конечного результата, или же произведение искусства следует оценивать по своим достоинствам, независимо от намерений автора. В 1946 году Уильям К. Уимсатт и Монро Бирдсли опубликовали классическое и вызывающее споры эссе новой критики под названием «Ошибка интенции», в котором решительно выступали против уместности авторских намерений или «замысла» при анализе литературного произведения. Для Уимсатта и Бирдсли важны были только слова на странице; привнесение значений извне текста считалось неуместным и потенциально отвлекающим. В другом эссе, «Аффективная ошибка», которое можно рассматривать как дополнение к «Ошибка интенции», Уимсатт и Бирдсли также отвергали личную/эмоциональную реакцию читателя на литературное произведение как допустимый метод анализа текста. Эта ошибка впоследствии была опровергнута теоретиками школы читательской рецепции в литературоведении. Иронично, но один из ведущих теоретиков этой школы, Стэнли Фиш, сам был воспитан новой критикой. Фиш критикует Уимсатта и Бирдсли в своем эссе 1970 года «Литература в читателе». Как резюмировали Берис Гоут и Пейсли Ливингстон в своем эссе «Создание искусства»: «Теоретики и критики структурализма и постструктурализма резко критиковали многие аспекты новой критики, начиная с акцента на эстетическом восприятии и так называемой автономии искусства, но они повторили критику биографической критики за предположение, что деятельность и опыт художника являются привилегированной темой для критики». Эти авторы утверждают: «Антиинтенционалисты, такие как формалисты, считают, что намерения, связанные с созданием искусства, не имеют значения или второстепенны для правильной интерпретации искусства. Таким образом, детали процесса создания произведения, хотя и могут быть интересны сами по себе, не влияют на его правильную интерпретацию». Гоут и Ливингстон определяют интенционалистов как отличных от формалистов, утверждая, что: «В отличие от формалистов, интенционалисты считают, что обращение к намерениям необходимо для установления правильной интерпретации произведений». Они цитируют Ричарда Воллхайма, который утверждает, что «задача критики — реконструкция творческого процесса, который, в свою очередь, должен рассматриваться как нечто, не останавливающееся на, а завершающееся самом произведении искусства». Решающее значение для дебатов о лингвистическом повороте в истории искусства и гуманитарных науках имели работы еще одной традиции, а именно структурализма Фердинанда де Соссюра и последовавшего за ним движения постструктурализма. В 1981 году художник Марк Танси создал произведение искусства под названием «Невинный глаз» в качестве критики преобладающей атмосферы разногласий в философии искусства в последние десятилетия XX века. Влиятельные теоретики включают Джудит Батлер, Люс Иригарей, Джулию Кристеву, Мишеля Фуко и Жака Деррида. Сила языка, в частности определенных риторических тропов, в истории искусства и историческом дискурсе была исследована Хейденом Уайтом. Тот факт, что язык не является прозрачной средой мышления, был подчеркнут совершенно иной формой философии языка, которая возникла в работах Иоганна Георга Хамана и Вильгельма фон Гумбольдта. Эрнст Гомбрих и Нельсон Гудман в своей книге «Языки искусства: подход к теории символов» пришли к выводу, что концептуальное восприятие произведения искусства преобладало исключительно над перцептивным и визуальным восприятием в 1960-х и 1970-х годах. Он был оспорен на основе исследований, проведенных лауреатом Нобелевской премии психологом Роджером Сперри, который утверждал, что человеческое визуальное восприятие не ограничивается концепциями, представленными только в языке (лингвистический поворот), и что другие формы психологических представлений произведения искусства также обоснованы и доказуемы. К концу XX века точка зрения Сперри возобладала, и такие философы эстетики, как Ник Зангвилл, решительно выступали за возвращение к умеренному эстетическому формализму среди других альтернатив.

Following Duchamp during the first half of the 20th century, a significant shift to general aesthetic theory took place which attempted to apply aesthetic theory between various forms of art, including the literary arts and the visual arts, to each other. This resulted in the rise of the New Criticism school and debate concerning the intentional fallacy. At issue was the question of whether the aesthetic intentions of the artist in creating the work of art, whatever its specific form, should be associated with the criticism and evaluation of the final product of the work of art, or, if the work of art should be evaluated on its own merits independent of the intentions of the artist. In 1946, William K. Wimsatt and Monroe Beardsley published a classic and controversial New Critical essay entitled "The Intentional Fallacy", in which they argued strongly against the relevance of an author's intention, or "intended meaning" in the analysis of a literary work. For Wimsatt and Beardsley, the words on the page were all that mattered; importation of meanings from outside the text was considered irrelevant, and potentially distracting. In another essay, "The Affective Fallacy", which served as a kind of sister essay to "The Intentional Fallacy" Wimsatt and Beardsley also discounted the reader's personal/emotional reaction to a literary work as a valid means of analyzing a text. This fallacy would later be repudiated by theorists from the reader response school of literary theory. Ironically, one of the leading theorists from this school, Stanley Fish, was himself trained by New Critics. Fish criticizes Wimsatt and Beardsley in his 1970 essay "Literature in the Reader". As summarized by Berys Gaut and Paisley Livingston in their essay "The Creation of Art": "Structuralist and post structuralists theorists and critics were sharply critical of many aspects of New Criticism, beginning with the emphasis on aesthetic appreciation and the so called autonomy of art, but they reiterated the attack on biographical criticisms' assumption that the artist's activities and experience were a privileged critical topic." These authors contend that: "Anti intentionalists, such as formalists, hold that the intentions involved in the making of art are irrelevant or peripheral to correctly interpreting art. So details of the act of creating a work, though possibly of interest in themselves, have no bearing on the correct interpretation of the work." Gaut and Livingston define the intentionalists as distinct from formalists stating that: "Intentionalists, unlike formalists, hold that reference to intentions is essential in fixing the correct interpretation of works." They quote Richard Wollheim as stating that, "The task of criticism is the reconstruction of the creative process, where the creative process must in turn be thought of as something not stopping short of, but terminating on, the work of art itself." Decisive for the linguistic turn debate in art history and the humanities were the works of yet another tradition, namely the structuralism of Ferdinand de Saussure and the ensuing movement of poststructuralism. In 1981, the artist Mark Tansey created a work of art titled The Innocent Eye as a criticism of the prevailing climate of disagreement in the philosophy of art during the closing decades of the 20th century. Influential theorists include Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault and Jacques Derrida. The power of language, more specifically of certain rhetorical tropes, in art history and historical discourse was explored by Hayden White. The fact that language is not a transparent medium of thought had been stressed by a very different form of philosophy of language which originated in the works of Johann Georg Hamann and Wilhelm von Humboldt. Ernst Gombrich and Nelson Goodman in his book Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols came to hold that the conceptual encounter with the work of art predominated exclusively over the perceptual and visual encounter with the work of art during the 1960s and 1970s. He was challenged on the basis of research done by the Nobel prize winning psychologist Roger Sperry who maintained that the human visual encounter was not limited to concepts represented in language alone (the linguistic turn) and that other forms of psychological representations of the work of art were equally defensible and demonstrable. Sperry's view eventually prevailed by the end of the 20th century with aesthetic philosophers such as Nick Zangwill strongly defending a return to moderate aesthetic formalism among other alternatives.

Споры о классификации

Споры о том, следует ли классифицировать что-то как произведение искусства, называются классификационными спорами об искусстве. Классификационные споры в 20-м веке включали кубистские и импрессионистские картины, «Фонтан» Дюшана, кино, превосходные имитации банкнот Дж. С. Г. Боггса, концептуальное искусство и видеоигры. Философ Дэвид Новиц утверждал, что разногласия по поводу определения искусства редко являются сутью проблемы. Скорее, «страстные заботы и интересы, которые люди вкладывают в свою социальную жизнь», являются «неотъемлемой частью всех классификационных споров об искусстве». По мнению Новица, классификационные споры чаще всего являются спорами об общественных ценностях и о том, к чему стремится общество, чем о самой теории. Например, когда Daily Mail раскритиковала работы Хирста и Эмина, утверждая: «На протяжении 1000 лет искусство было одной из великих сил нашей цивилизации. Сегодня соленые овцы и грязные кровати угрожают превратить нас всех в варваров», они не предлагают определение или теорию искусства, а ставят под сомнение ценность работ Хирста и Эмина. В 1998 году Артур Данто предложил мысленный эксперимент, показывающий, что «статус артефакта как произведения искусства определяется идеями, которые культура применяет к нему, а не его присущими физическими или воспринимаемыми качествами. Культурная интерпретация (та или иная теория искусства) является, таким образом, конститутивной для художественности объекта». Антиискусство – это обозначение искусства, которое намеренно бросает вызов устоявшимся параметрам и ценностям искусства; например, когда создавались произведения из найденных предметов, в движении lo-fi Mail Art и у Молодых британских художников.

Архитектура часто включается в число изобразительных искусств; однако, как и декоративное искусство или реклама, она предполагает создание объектов, в которых практические соображения использования имеют существенное значение, в отличие, например, от живописи.

Оценка стоимости

В некоторой степени, в связи с вышесказанным, слово «искусство» также используется для выражения оценочных суждений, как, например, в выражениях «этот обед был произведением искусства» (повар – художник) или «искусство обмана» (высочайший уровень мастерства обманщика заслуживает похвалы). Именно такое употребление слова в качестве критерия высокого качества и ценности придает термину оттенок субъективности. Для вынесения оценочных суждений необходима основа для критики. На самом простом уровне, чтобы определить, соответствует ли воздействие объекта на чувства критериям, позволяющим считать его искусством, нужно понять, воспринимается ли он как привлекательный или отталкивающий. Хотя восприятие всегда обусловлено опытом и неизбежно субъективно, общепринято считать, что то, что не вызывает какой-либо эстетической удовлетворенности, не может быть искусством. Однако «хорошее» искусство не всегда и даже не регулярно эстетически привлекательно для большинства зрителей. Иными словами, первостепенной мотивацией художника необязательно должно быть стремление к эстетике. Более того, искусство часто изображает ужасающие образы, созданные по социальным, моральным или побуждающим к размышлениям причинам. Например, картина Франсиско Гойи, изображающая расстрел испанцев 3 мая 1808 года, – это графическое изображение казни нескольких молящих о пощаде гражданских лиц. При этом, ужасающие образы демонстрируют выдающиеся художественные способности Гойи в композиции и исполнении и вызывают закономерное социальное и политическое возмущение. Таким образом, дебаты о том, какая форма эстетической удовлетворенности, если таковая вообще необходима, требуется для определения «искусства», продолжаются. Принятие новых ценностей или бунт против общепринятых представлений об эстетическом превосходстве не обязательно должны совпадать с полным отказом от стремления к эстетической привлекательности. На самом деле, часто бывает наоборот: пересмотр того, что обычно считается эстетически привлекательным, позволяет возродить эстетическую чувствительность и по-новому оценить стандарты самого искусства. Множество школ предложили свои собственные способы определения качества, но, кажется, все они сходятся хотя бы в одном: как только их эстетические выборы приняты, ценность произведения искусства определяется его способностью выходить за рамки выбранной среды, затрагивая некую универсальную струну благодаря редкости мастерства художника или точному отражению того, что называют духом времени. Искусство часто призвано апеллировать к человеческим эмоциям и устанавливать с ними связь. Оно может вызывать эстетические или моральные чувства и пониматься как способ передачи этих чувств. Художники выражают что-то, чтобы в той или иной степени затронуть чувства своей аудитории, но не обязаны делать это сознательно. Искусство можно рассматривать как исследование человеческой природы, то есть того, что значит быть человеком. В развитие этой мысли, Эмили Л. Спратт утверждает, что развитие искусственного интеллекта, особенно в контексте его применения к изображениям, требует переоценки эстетической теории в современной истории искусства и пересмотра границ человеческого творчества.

Somewhat in relation to the above, the word art is also used to apply judgments of value, as in such expressions as "that meal was a work of art" (the cook is an artist), or "the art of deception" (the highly attained level of skill of the deceiver is praised). It is this use of the word as a measure of high quality and high value that gives the term its flavor of subjectivity. Making judgments of value requires a basis for criticism. At the simplest level, a way to determine whether the impact of the object on the senses meets the criteria to be considered art is whether it is perceived to be attractive or repulsive. Though perception is always colored by experience, and is necessarily subjective, it is commonly understood that what is not somehow aesthetically satisfying cannot be art. However, "good" art is not always or even regularly aesthetically appealing to a majority of viewers. In other words, an artist's prime motivation need not be the pursuit of the aesthetic. Also, art often depicts terrible images made for social, moral, or thought provoking reasons. For example, Francisco Goya's painting depicting the Spanish shootings of 3 May 1808 is a graphic depiction of a firing squad executing several pleading civilians. Yet at the same time, the horrific imagery demonstrates Goya's keen artistic ability in composition and execution and produces fitting social and political outrage. Thus, the debate continues as to what mode of aesthetic satisfaction, if any, is required to define 'art'. The assumption of new values or the rebellion against accepted notions of what is aesthetically superior need not occur concurrently with a complete abandonment of the pursuit of what is aesthetically appealing. Indeed, the reverse is often true, that the revision of what is popularly conceived of as being aesthetically appealing allows for a re invigoration of aesthetic sensibility, and a new appreciation for the standards of art itself. Countless schools have proposed their own ways to define quality, yet they all seem to agree in at least one point: once their aesthetic choices are accepted, the value of the work of art is determined by its capacity to transcend the limits of its chosen medium to strike some universal chord by the rarity of the skill of the artist or in its accurate reflection in what is termed the zeitgeist. Art is often intended to appeal to and connect with human emotion. It can arouse aesthetic or moral feelings, and can be understood as a way of communicating these feelings. Artists express something so that their audience is aroused to some extent, but they do not have to do so consciously. Art may be considered an exploration of the human condition; that is, what it is to be human. By extension, it has been argued by Emily L. Spratt that the development of artificial intelligence, especially in regard to its uses with images, necessitates a re evaluation of aesthetic theory in art history today and a reconsideration of the limits of human creativity.

Искусство и право

Существенным правовым вопросом являются подделки произведений искусства, плагиат, реплики и произведения, сильно основанные на других произведениях искусства. Право интеллектуальной собственности играет значительную роль в мире искусства. Художникам предоставляется авторское право на их оригинальные произведения, дающее им исключительные права на воспроизведение, распространение и публичную демонстрацию своих творений. Эта защита наделяет художников возможностью контролировать использование своих работ и предотвращать несанкционированное копирование или нарушение авторских прав. Торговля произведениями искусства или их экспорт из страны могут регулироваться законодательно. На международном уровне также прилагаются значительные усилия для защиты произведений искусства. ООН, ЮНЕСКО и Blue Shield International стремятся обеспечить эффективную защиту на национальном уровне и непосредственно вмешиваться в случае вооруженных конфликтов или стихийных бедствий. Это может особенно коснуться музеев, архивов, художественных коллекций и археологических раскопок. Это также должно обеспечивать экономическую основу страны, особенно учитывая, что произведения искусства часто представляют туристическую ценность. Основатель и президент Blue Shield International Карл фон Габсбург во время миссии в Ливане в апреле 2019 года объяснил дополнительную связь между уничтожением культурного наследия и причинами бегства: "Культурные ценности являются частью идентичности людей, живущих в определенном месте. Уничтожая их культуру, вы уничтожаете и их идентичность. Многие люди оказываются выкорчеванными, часто лишены перспектив и в результате бегут из своей родины". Для сохранения разнообразия культурной идентичности ЮНЕСКО защищает живое человеческое наследие посредством Конвенции об охране нематериального культурного наследия.