Адольф Готлиб: Жизнь и творчество художника-абстракциониста

Введение

Адольф Готлиб (14 марта 1903 года – 4 марта 1974 года) – американский художник-абстрактный экспрессионист, скульптор и график.

Ранние годы и образование

Готлиб, один из представителей "первого поколения" абстрактных экспрессионистов, родился в Нью-Йорке в 1903 году в еврейской семье. С 1920 по 1921 год он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, после чего, твердо решив стать художником, бросил школу в 17 лет и заработал на проезд в Европу, работая на торговом судне. Он путешествовал по Франции и Германии в течение года. Шесть месяцев он прожил в Париже, ежедневно посещая Лувр и посещая занятия в Академии Гранд-Шомьер в качестве слушателя. Следующий год он провел в путешествиях по Германии, Австрии, Чехословакии и другим странам Центральной Европы, посещая музеи и художественные галереи. Вернувшись, он стал одним из самых опытных в путешествиях художников Нью-Йорка. После возвращения в Нью-Йорк он учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, Школе дизайна Парсонса, Купер Юнион и Образовательном альянсе.

1920-е и 1930-е годы

Первая персональная выставка Готтлиба состоялась в галереях Дуденсинг в Нью-Йорке в 1930 году. В 1920-х и начале 1930-х годов он завязал дружбу на всю жизнь с другими художниками, такими как Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Дэвид Смит, Милтон Эйвери и Джон Грэм. В 1935 году он и группа художников, включая Бена Сиона, Джозефа Солмана, Илью Болотовского, Ральфа Розенборга, Луиса Харриса, Марка Ротко и Луиса Шенкера, известные как "Десять", выставляли свои работы вместе до 1940 года. В этот период Готлиб зарабатывал на жизнь разнообразной подработкой и работал в рамках Федерального художественного проекта в 1936 году. Когда эти работы, созданные в Аризоне, были выставлены в Нью-Йорке после возвращения Готтлиба, это привело к разрыву с его прежним кругом коллег, некоторые из которых осудили его новые работы за "чрезмерную абстрактность".

1940-е - 1950-е годы

Готлиб и небольшой круг друзей ценили работы группы сюрреалистов, которые они видели на выставке в Нью-Йорке в 1930-х годах. Они также обменивались экземплярами журнала "Cahiers d'art" и были хорошо знакомы с современными идеями об автоматическом письме и подсознательных образах. Готлиб написал несколько работ в сюрреалистическом стиле в 1940 и 1941 годах. Результаты его экспериментов проявились в его серии "Пиктографы", которая охватывала период с 1941 по 1950 год. В своей картине "Возвращение Путешественника" он сопоставляет эти образы в разделенных пространствах. Его изображения напоминают изображения коренных народов Северной Америки и Древнего Ближнего Востока. Если он обнаруживал, что один из его символов не оригинален, он больше не использовал его. Он хотел, чтобы его искусство оказывало одинаковое воздействие на всех зрителей, находя отклик не потому, что они видели его раньше, а потому, что оно было настолько базовым и элементарным, что отзывалось в них. В 1941 году, разочарованный искусством вокруг себя, он разработал подход, который назвал "Пиктографами". Пиктограммы Готтлиба, созданные с 1941 по 1954 год, представляют собой первую последовательную серию зрелых работ американского художника его поколения. Готлиб говорил о своих опасениях в заявлении 1947 года: "Роль художника всегда заключалась в создании образов. Разные времена требуют разных образов. Сегодня, когда наши устремления свелись к отчаянной попытке избежать зла, и времена сбились с толку, наши навязчивые, подпольные и пиктографические образы являются выражением невроза, который и есть наша реальность. По моему мнению, некоторые так называемые абстракции вовсе не являются абстракциями. Напротив, это реализм нашего времени". В мае 1942 года его первая "пиктограмма" была выставлена на второй ежегодной выставке Федерации современных художников и скульпторов, расположенной в галереях Вайлдштейна в Нью-Йорке. В своих пиктограммах он представил новый подход к абстракции, включающий образы, взятые из его подсознания, но заметно отличающийся от идеи повествования. Для достижения этой цели Готтлиб представил изображения, вставленные в секции свободно нарисованной сетки. Каждое изображение существовало независимо от других, но их расположение на одной плоскости, наряду с соотношением цвета, текстуры и формы, заставляло зрителя ассоциировать их. Смысл, таким образом, является глубоко личным – еще одно новшество в живописи Готтлиба. Сюрреалистический биоморфизм был одним из источников его пиктограмм. Для него биоморфизм был способом свободного выражения своего бессознательного, которым он увлекся благодаря Джону Грэму, Фрейду и сюрреализму. Готтлиб также использовал автоматизм – живописную технику, основанную на фрейдистской свободной ассоциации, – как метод для создания биоморфных форм, которые спонтанно возникали в его бессознательном. Эти биоморфные формы были разделены общей сеткой, которая служила общей структурой серии "Пиктографы". Готтлиб однажды сказал: "Если я рисовал извилистую или змеевидную линию, то делал это, потому что хотел именно такую линию. Позже она могла бы напоминать змею, но когда я ее рисовал, она ни на что не была похожа. Это была просто форма". Эти линии и формы, которые использовал Готтлиб, легко интерпретировались по-разному разными людьми. К 1950 году Готтлиб заметил, что подход "all-over painting" стал клише для американской абстрактной живописи. Он начал новую серию "Воображаемые пейзажи", сохранив использование своего "псевдоязыка", но добавив новый элемент пространства. Он не писал пейзажи в традиционном смысле, а скорее модифицировал этот жанр, чтобы он соответствовал его собственному стилю живописи. "Воображаемые пейзажи" – это горизонтальные полотна, разделенные на два регистра, один очень активный внизу и более созерцательный сверху, – предложили иной подход к абстракции в середине века. В 1955 году Готтлиб заметил: "Я часто слышу вопрос: "Что означают эти образы?" Это просто неправильный вопрос. Визуальные образы не должны соответствовать ни словесному мышлению, ни оптическим фактам. Лучше спросить: "Передают ли эти образы какую-либо эмоциональную правду?" В конце 1956 года Готтлиб сформулировал образ, который стал известен как "Взрыв" и провел большую часть следующих двух лет, работая над этим подходом. Он упростил свое представление до двух дискообразных форм и извивающихся масс. Его картины – это вариации с этими элементами, расположенными по-разному. В отличие от серии "Воображаемые пейзажи", эта серия предполагает базовый пейзаж с солнцем и землей. Однако на другом уровне формы настолько примитивны, что не ограничиваются этой единственной интерпретацией. Он был превосходным колористом, и в серии "Взрыв" его использование цвета особенно важно. Он считается одним из первых художников цветового поля и одним из предшественников лирической абстракции. Карьера Готтлиба была отмечена эволюцией пространства и универсальности.

Gottlieb and a small circle of friends valued the work of the Surrealist group that they saw exhibited in New York in the 1930s. They also exchanged copies of the magazine "Cahiers d'art" and were quite familiar with current ideas about automatic writing and subconscious imagery. Gottlieb painted a few works in a Surrealist style in 1940 and 1941. The results of his experiments manifested themselves in his series "Pictographs" which spanned from 1941 to 1950. In his painting Voyager's Return , he juxtaposes these images in compartmentalized spaces. His images appear similar to those of indigenous populations of North America and the Ancient Near East. If he found out one of his symbols was not original, he no longer used it. He wanted his art to have the same impact on all his viewers, striking a chord not because they had seen it before, but because it was so basic and elemental that it resounded within them. In 1941, disappointed with the art around him, he developed the approach he called Pictographs. Gottlieb's Pictographs, which he created from 1941 to 1954, are the first coherent body of mature painting by an American of his generation. Gottlieb spoke of his concerns in a 1947 statement:

The role of artist has always been that of image maker. Different times require different images. Today, when our aspirations have been reduced to a desperate attempt to escape from evil, and times are out of joint, our obsessive, subterranean and pictographic images are the expression of the neurosis which is our reality. To my mind certain so called abstraction is not abstraction at all. On the contrary, it is the realism of our time. In May 1942, his first "pictograph" was displayed at the second annual exhibition of the Federation of Modern Painters and Sculptors, located at the Wildenstein Galleries in New York In his pictographs, he introduced a new way of approaching abstraction that included imagery drawn from his subconscious but which notably departed from the idea of narrative. To meet this goal Gottlieb presented images inserted into sections of a loosely drawn grid. Each image existed independently of the others, yet their arrangement on the same plane, along with relationships of color, texture and shape, force the viewer to associate them. Meaning, then, is intensely personal – another innovation of Gottlieb's paintings Surrealist biomorphism was one source for his pictographs. For him, biomorphism was a way to freely express his unconscious, in which he had become fascinated via John Graham, Freud and surrealism. Gottlieb also incorporated automatism – the painterly technique for Freudian free association – was the method Gottlieb used to generate biomorphic shapes, which were forms spontaneously conceived in his unconscious These biomorphic shapes were separated by the all over grid pattern, which served as the overall structure of the "pictograph" series. Gottlieb once said, "If I made a wriggly line or a serpentine line it was because I wanted a serpentine line. Afterwards it would suggest a snake but when I made it, it did not suggest anything. It was purely shape ". These lines and shapes that Gottlieb used were easily interpreted to mean different things by different people. By 1950 Gottlieb observed that the "all over painting" approach had become a cliché for American abstract painting. He began his new series Imaginary Landscapes he retained his usage of a 'pseudo language,' but added the new element of space. He was not painting landscapes in the traditional sense, rather he modified that genre to match his own style of painting. Imaginary Landscapes are horizontal canvasses divided into two registers, one very active below a more contemplative upper one, set up a different approach to abstraction at mid century. In 1955 Gottlieb remarked:
I frequently hear the question, "What do these images mean?" This is simply the wrong question. Visual images do not have to conform to either verbal thinking or optical facts. A better question would be "Do these images convey any emotional truth?" Late in 1956 Gottlieb formulated the image that has become known as the "Burst" and spent most of the next two years working on this approach. He simplifies his representation down to two disc shapes and winding masses. His paintings are variations with these elements arranged in different ways. This series, unlike the Imaginary Landscape series, suggests a basic landscape with a sun and a ground. On another level, the shapes are so rudimentary; they are not limited to this one interpretation. He was a masterful colorist as well and in the Burst series his use of color is particularly crucial. He is considered one of the first color field painters and is one of the forerunners of Lyrical Abstraction. Gottlieb's career was marked by the evolution of space and universality.

1960-е - 1970-е годы

К 1960 году усилия Готтлиба в его серии "Взрыв" позволили ему значительно упростить использование образов. Он создавал картины типа "Взрыв" и "Воображаемый пейзаж" на протяжении всей своей карьеры, но, в отличие от некоторых коллег, не ограничивался одним или двумя образами. Обсуждение искусства Готтлиба обычно сводится к упоминаниям "Взрывов" или "Воображаемых пейзажей", что умаляет широкий спектр идей, которые исследовал этот художник. Готтлиб сформулировал свои цели в интервью 1967 года:

"Но для меня всё – это природа, включая любые чувства, которые я испытываю, или сны. Всё является частью природы. Даже живопись стала частью природы. Чтобы уточнить: у меня нет идеологического или доктринального подхода к работе. Я просто рисую, руководствуясь личными ощущениями, рефлексами и инстинктами. Я должен им доверять." Представительная картина этого периода входит в коллекцию произведений искусства Имперской площади имени губернатора Нельсона А. Рокфеллера в Олбани, штат Нью-Йорк. В 1967 году, готовясь к выставкам в Музее Уитни и Музее Гуггенхайма, Готтлиб начал делать небольшие модели скульптур из вырезанного и окрашенного картона, которые, по его словам, заставляли его чувствовать себя "молодым скульптором, только начинающим". Эти небольшие скульптуры развились в более крупные работы из резаной, сварной и окрашенной стали и алюминия. Его увлечение скульптурой длилось всего около полутора лет, но за это короткое время он создал серию работ, которые бросили вызов границам между живописью и скульптурой. Подобно своему другу, скульптору Дэвиду Смиту, Готтлиб, будучи живописцем, не мог представить объекты без цвета. Приняв это, он почувствовал необходимость использовать все инструменты, приобретенные за долгую карьеру живописца – манеру письма, визуальный баланс, качество поверхности и многое другое – чтобы его скульптуры, как и картины, стали "средством выражения чувств. Я ощущаю потребность в том, чтобы конкретные цвета, которые я использую, или конкретные формы несли в себе бремя всего, что я хочу выразить, и всё должно быть сконцентрировано в этих немногих элементах". Готтлиб оставался активным на протяжении 1960-х годов. В 1963 году он стал первым американским художником, удостоенным Гран-при на Биеннале в Сан-Паулу (Бразилия). В 1965 году он получил награду "Золотая пластина" Американской академии достижений. В 1968 году Музей Гуггенхайма и Музей Уитни в Нью-Йорке совместно организовали ретроспективную выставку его работ, которая заполнила оба музея. На сегодняшний день это единственный совместный проект между этими двумя крупными институциями.

But to me everything is nature, including any feelings that I have – or dreams. Everything is part of nature. Even painting has become part of nature. To clarify further: I don't have an ideological approach or a doctrinaire approach to my work. I just paint from my personal feelings, and my reflexes and instincts. I have to trust these. A representative painting from this period is included in The Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection in Albany, NY. In 1967 while Gottlieb was preparing for the Whitney and Guggenheim Museum exhibition he began to make small models for sculptures out of cut and painted cardboard that, he said, made him feel like "a young sculptor, just beginning". These small sculptures evolved into larger works in cut, welded and painted steel and aluminum. His foray into sculpture lasted only about a year and a half, but in that brief time he created a body of work that challenged the delineation between painting and sculpture. In ways similar to his friend the sculptor David Smith, Gottlieb's background as a painter made it impossible for him to visualize objects without color. Once he accepted this, He was compelled to use all the tools he had developed in his long painting career – touch, visual balance, surface quality and more – to make his sculptures, like his paintings, become "a vehicle for the expression of feeling I feel a necessity for making the particular colors that I use, or the particular shapes, carry the burden of everything that I want to express, and all has to be concentrated within these few elements." Gottlieb remained active throughout the 1960s. In 1963 he became the first American artist to be awarded the Gran Premio of the São Paulo Bienal in Brazil. In 1965, he received the American Academy of Achievement's Golden Plate Award. In 1968, the Guggenheim Museum and the Whitney Museum in New York collaborated on a retrospective exhibition of his art that filled both museums. This remains, to date, the only collaborative project between these two major institutions.

Основные моменты карьеры

Готлиб провел 56 персональных выставок и участвовал в более чем 200 групповых выставках. Его произведения искусства находятся в коллекциях более чем 140 крупных музеев по всему миру. Готлиб проявил себя как художник, рисовальщик, график и скульптор. В 1954 году он спроектировал и руководил строительством витражного фасада площадью 1500 квадратных футов для Центра Милтона Штайнберга в Нью-Йорке, а также разработал серию из 18 витражей для Еврейского центра Кингсвей в Бруклине. Он был первым художником своего поколения, чьи работы были приобретены Музеем современного искусства в Нью-Йорке (1946) и Музеем Гуггенхайма (1948). Работы Готтлиба входят в постоянные собрания многих музейных учреждений в США, в частности, его работа "Алтарь" 1947 года находится в постоянной коллекции Музея Переса искусств в Майами, штат Флорида.

Смерть и наследие

В 1970 году Готтлиб перенес инсульт, который парализовал его, за исключением правой руки и кисти. Он продолжал рисовать и выставлять свои работы до самой смерти в марте 1974 года. Его похоронная служба состоялась 6 марта 1974 года в похоронном бюро Фрэнка Э. Кэмпбелла, и он был похоронен на кладбище Маунт-Плезант в Хоторне, штат Нью-Йорк. В 1972 году он был принят в Американскую академию искусств и литературы. На протяжении всей жизни Готтлиб выступал за профессиональный статус художников. Он помог организовать "Форум 49" и другие мероприятия и симпозиумы, проводимые художниками в Нью-Йорке и Провинстауне в 1940-х и 1950-х годах. В 1950 году он был главным организатором протеста против Метрополитен-музея, в результате которого он и его коллеги получили известность как "Ирасибли". В соответствии с указаниями в его завещании, в 1976 году был создан Фонд Адольфа и Эстер Готлиб, предоставляющий гранты художникам-визуалам.