Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.
Содержание
Введение
Рисунок человеческой фигуры
Drawing of the usually unclothed human form
Рисунок фигуры – это изображение человеческого тела в различных формах и позах, выполненное любыми художественными материалами. Этот термин также может относиться к процессу создания такого рисунка. Степень детализации может варьироваться от высокоточных, анатомически верных изображений до свободных и выразительных эскизов. Рисунок с натуры – это изображение человеческой фигуры, традиционно обнаженной, выполненное с живой модели. Создание рисунков с натуры, или этюдов, в классе рисунка было важной частью традиционного обучения художников в западном мире с эпохи Возрождения. Рисунок фигуры может быть самостоятельным произведением искусства или подготовительным этюдом для более завершенной работы, например, картины. Рисование фигуры, пожалуй, является одним из самых сложных заданий для художника, и существуют целые курсы, посвященные этому виду искусства. Человеческая фигура – одна из наиболее распространенных тем в изобразительном искусстве, которая может служить основой для портрета, иллюстрации, скульптуры, медицинской иллюстрации и других областей.
A figure drawing is a drawing of the human form in any of its various shapes and postures, using any of the drawing media. The term can also refer to the act of producing such a drawing. The degree of representation may range from highly detailed, anatomically correct renderings to loose and expressive sketches. A life drawing is a drawing of the human figure, traditionally nude, from observation of a live model. Creating life drawings, or life studies, in a life class, has been a large element in the traditional training of artists in the Western world since the Renaissance. A figure drawing may be a composed work of art or a figure study done in preparation for a more finished work, such as a painting. Figure drawing is arguably the most difficult subject an artist commonly encounters, and entire courses are dedicated to the subject. The human figure is one of the most enduring themes in the visual arts, and the human figure can be the basis of portraiture, illustration, sculpture, medical illustration, and other fields.
Медиа
Французский Салон в 19 веке рекомендовал использовать карандаши Конте, представляющие собой стержни из воска, масла и пигмента, в сочетании со специально разработанной бумагой. Стирание не допускалось; вместо этого художник должен был прорисовать фигуру легкими штрихами, прежде чем делать более темные и выразительные линии. Популярной современной техникой является использование угольной палочки, изготовленной из специальных лоз, и более грубой бумаги. Уголь слабо прилипает к бумаге, что позволяет легко его стирать, но готовый рисунок можно закрепить фиксативом в виде спрея, чтобы предотвратить осыпание угля. Более твердый прессованный уголь позволяет добиться более точного и намеренного эффекта, а плавные переходы тона можно получить растушевкой пальцами или цилиндрическим бумажным инструментом, называемым пном. Графитовый карандаш также часто используется для рисования фигуры. Художественные карандаши для этой цели продаются в различных степенях твердости, от 9B (очень мягкий) до 1B (среднемягкий) и от 1H (среднетвердый) до 9H (очень твердый). Как и уголь, его можно стирать и обрабатывать пном. Чернила – еще один популярный материал. Художник часто начинает с графитового карандаша для наброска или контура, а затем прорабатывает линии пером или кистью и тушью. Тушь можно разбавлять водой для создания градации тона, технику, называемую «лессировкой тушью». Следы карандаша можно стереть после нанесения туши или оставить на месте, позволив темным тонам туши их перекрыть. Некоторые художники рисуют сразу тушью, без предварительного карандашного эскиза, предпочитая спонтанность такого подхода, несмотря на то, что он ограничивает возможность исправления ошибок. Матисс – художник, известный тем, что работал таким образом. Любимым приемом Ватто и других художников эпохи барокко и рококо XVII и XVIII веков было начинать с цветного подтона, находящегося между белым и черным, а затем добавлять тени черным и блики белым, используя перо и тушь или «мелок».
The French Salon in the 19th century recommended the use of Conté crayons, which are sticks of wax, oil and pigment, combined with specially formulated paper. Erasure was not permitted; instead, the artist was expected to describe the figure in light strokes before making darker, more visible marks. A popular modern technique is the use of a charcoal stick, prepared from special vines, and a rougher form of paper. The charcoal adheres loosely to the paper, allowing very easy erasure, but the final drawing can be preserved using a spray on "fixative" to keep the charcoal from rubbing off. Harder compressed charcoal can produce a more deliberate and precise effect, and graduated tones can be produced by smudging with the fingers or with a cylindrical paper tool called a stump. A graphite pencil is also commonly used for figure drawing. For this purpose, artists' pencils are sold in various formulations, ranging from 9B (very soft) to 1B (medium soft), and from 1H (medium hard) to 9H (very hard). Like charcoal, it can be erased and manipulated using a stump. Ink is another popular medium. The artist will often start with a graphite pencil to sketch or outline the drawing, then the final line work with a pen or brush, and permanent ink. The ink may be diluted with water to produce gradations, a technique called ink wash. The pencil marks may be erased after the ink is applied, or left in place with the dark inks overpowering them. Some artists draw directly in ink without the preparation of a pencil sketch, preferring the spontaneity of this approach despite the fact that it limits the ability to correct mistakes. Matisse is an artist known to have worked in this way. A favored method of Watteau and other 17th and 18th century artists of the Baroque and Rococo eras was to start with a colored ground of tone halfway between white and black, and to add shade in black and highlights in white, using pen and ink or "crayon".
История
Человеческая фигура была объектом изображения с доисторических времен. Хотя студийная практика художников античности в значительной степени является предметом предположений, тот факт, что они часто рисовали и лепили с обнаженных натурщиков, подтверждается анатомической сложностью их работ. Анекдот, переданный Плинием, описывает, как Зевксис осматривал обнаженных молодых женщин из Агригента, прежде чем выбрать пять, чьи черты он объединил бы для создания идеального образа. Использование обнаженных моделей в мастерской средневековых художников подразумевается в трудах Ченнино Ченнини, а рукопись Вийара де Оннекура подтверждает, что рисование с натуры было устоявшейся практикой в XIII веке. Курс обучения начинался с копирования гравюр, затем переходил к рисованию с гипсовых слепков, после чего студенты обучались рисованию с живой модели. В конце XVIII века студенты в студии Жака-Луи Давида следовали строгой программе обучения. Владение рисунком считалось необходимым условием для живописи. Около шести часов в день студенты рисовали с модели, которая оставалась в одной и той же позе в течение недели. Рисунки XVIII века, такие как приписываемые Жаку-Луи Давиду, обычно выполнялись на тонированной бумаге красным или черным мелком с белыми бликами и затемненным фоном. Позы моделей, как правило, были динамичными: стоящие фигуры кажутся готовыми к движению, и даже сидящие фигуры драматично жестикулируют. Тщательное наблюдение за телом модели было вторично по отношению к передаче жеста, и многие рисунки, соответствующие академической теории, представляют собой типичную фигуру, а не конкретное тело или лицо. Для сравнения, рисунки, созданные академиями в XIX веке, обычно выполнялись черным мелком или углем на белой бумаге и являются скрупулезными изображениями особенностей и индивидуальности тела живой модели. Признаки работы художника сведены к минимуму, и, хотя лежачие или сидячие позы редки, даже стоячие позы относительно статичны. До конца XIX века женщинам, как правило, не разрешалось посещать занятия по рисованию обнаженной натуры.
The human figure has been the subject of drawings since prehistoric times. While the studio practices of the artists of antiquity are largely a matter of conjecture, that they often drew and modeled from nude models is suggested by the anatomical sophistication of their works. An anecdote related by Pliny describes how Zeuxis reviewed the young women of Agrigentum naked before selecting five whose features he would combine in order to paint an ideal image. The use of nude models in the medieval artist's workshop is implied in the writings of Cennino Cennini, and a manuscript of Villard de Honnecourt confirms that sketching from life was an established practice in the 13th century. The course of training began with the copying of engravings, then proceeded to drawing from plaster casts, after which the students were trained in drawing from a live model. In the late 18th century, students in Jacques Louis David's studio followed a rigorous program of instruction. Mastery in drawing was considered a prerequisite to painting. For about six hours each day, students drew from a model who remained in the same pose for one week. "Eighteenth century drawings, like that attributed to Jacques Louis David, were usually executed on tinted paper in red or black chalk with white highlights and a darkened ground. The models' poses tended to be active: standing figures seem about to stir and even seated figures gesticulate dramatically. Close observation of the model's body was secondary to the rendering of his gesture, and many drawings consistent with academic theory seem to present a representative figure rather than a specific body or face. In comparison, academies produced in the nineteenth century [ ] were typically executed in black chalk or charcoal on white paper and are meticulous depictions of the particularities and idiosyncrasies of the body of the live model. Evidence of the artist's hand is minimized and, although reclining or seated poses are rare, even standing poses are comparatively static " Before the late 19th century, women were generally not admitted to figure drawing classes.
Женщины-художницы
Исторические свидетельства показывают, что обнаженные модели для начинающих художниц были в значительной степени недоступны. Женщинам запрещалось посещать определенные учебные заведения, поскольку считалось неприличным и даже опасным для них изучать обнаженную натуру. В то время как мужчинам предоставлялся доступ к моделям обоих полов, женщины ограничивались изучением анатомии по гипсовым слепкам и манекенам. Лишь в 1893 году студенткам разрешили посещать занятия по рисованию с натуры в Королевской академии в Лондоне, и даже тогда модель должна была быть частично прикрыта драпировкой. Ограниченный доступ к обнаженной натуре препятствовал карьере и развитию художниц. Самые престижные жанры живописи требовали глубоких знаний анатомии, которые систематически отказывались женщинам. В типичной аудитории для рисования с натуры студенты располагаются вокруг модели полукругом или полным кругом. У каждого студента уникальный угол зрения, поэтому их рисунки отражают перспективу, зависящую от местоположения художника относительно модели. Модель часто позирует на постаменте, чтобы студентам было легче найти беспрепятственный обзор. В зависимости от позы могут использоваться предметы мебели и/или реквизит, которые включаются в рисунок в той мере, в какой они видны художнику. Однако, фоны обычно игнорируются, если задача не состоит в изучении размещения фигур в пространстве. Чаще всего используется одна модель, но в более продвинутых классах могут привлекаться несколько моделей. Многие студии оборудованы для различных схем освещения. На университетском уровне модели для рисования с натуры часто (но не всегда) позируют обнаженными (за исключением небольших украшений, реквизита или других незначительных деталей). Во время позирования от модели обычно требуется сохранять полную неподвижность. Поскольку это сложно выполнять в течение длительного времени, в более продолжительные сеансы и для сложных поз обычно предусматриваются периодические перерывы для отдыха и разминки. В начале занятия по рисованию с натуры модель часто просят принять несколько коротких поз в быстрой последовательности. Эти позы называются этюдами по жесту и обычно длятся от одной до трех минут. Рисование по жесту – это разминочное упражнение для многих художников, хотя некоторые художники начинают каждый рисунок с этюда по жесту. Эти широкие мазки выполняются не только движением кисти, но и всей рукой, чтобы передать движение модели. Это также помогает художнику сосредоточиться на модели, а не на бумаге. Когда дело касается человеческого тела, художники особенно критичны: пропорции натюрморта не обязательно должны быть нарисованы идеально, чтобы выглядеть достоверно, но даже малейшая ошибка в человеческих пропорциях будет сразу заметна. Современные и актуальные художники могут преувеличивать или искажать пропорции, чтобы подчеркнуть жест или настроение позы модели. Результат может рассматриваться как законченное произведение искусства, выражающее как объект изображения, так и наблюдательный, эмоциональный и графический отклик художника на опыт рисования с натуры. Анатомия – это лишь первый уровень внимания на занятиях по рисованию с натуры. Также учитываются отношения между фигурой и фоном и другие аспекты композиции. Баланс композиции становится более важным и, следовательно, лучше понимается благодаря рисованию с натуры. Кинестетическая реакция художника на позу и то, как она передается через выбор художественных материалов, – это более продвинутый аспект. Поскольку цель занятий по рисованию с натуры – научиться рисовать людей всех видов, обычно ищут моделей мужского и женского пола всех возрастов, форм и этнических групп, а не только красивых моделей или тех, кто обладает «идеальной» фигурой. Некоторые преподаватели специально избегают моделей, предпочитаемых фотографами моды, ищут более «реалистичные» примеры и избегают любых намеков на сексуальную объективацию. Преподаватели также могут отдавать предпочтение моделям с определенным типом телосложения, исходя из уникальных контуров или текстуры поверхности, которые они предоставляют. Разнообразие нанимаемых моделей может быть ограничено необходимостью сохранять позу в течение длительного времени (что исключает беспокойных детей и хрупких пожилых людей), а также соображениями скромности и законности при позировании обнаженных моделей (что ограничивает использование несовершеннолетних).
Historical accounts reveal that nude models for aspiring female artists were largely unavailable. Women were barred from certain institutions because it was considered improper and possibly even dangerous for them to study from nude models. Though men were given access to both male and female nudes, women were confined to learning anatomy from casts and models. It was not until 1893 that female students were allowed access to life drawing at the Royal Academy in London, and even then the model was required to be partially draped. The limited access to nude figures impeded the careers and development of female artists. The most prestigious forms of painting required in depth knowledge of anatomy that was systematically denied to women, In a typical figure drawing studio classroom, the students sit around a model either in a semicircle or a full circle. No two students have exactly the same view, thus their drawing will reflect the perspective of the artist's unique location relative to the model. The model often poses on a stand, to enable students to more easily find an unobstructed view. Depending on the type of pose, furniture and/or props may be used. These are typically included in the drawing, to the extent that they are visible to the artist. However, backgrounds are commonly ignored unless the objective is to learn about placement of figures in an environment. Individual models are most common, but multiple models may be used in more advanced classes. Many studios are equipped to allow a variety of lighting arrangements. When taught at the college level, figure drawing models are often (but not always) nude (aside from small jewelry, props or other inconspicuous items). While posing, the model is usually requested to remain perfectly still. Because of the difficulty of doing this for an extended period of time, periodic breaks for the model to rest and/or stretch are usually included in longer sessions and for more difficult poses. At the beginning of a figure drawing session, the model is often requested to make a series of brief poses in rapid succession. These are called gesture poses, and are typically one to three minutes each. Gesture drawing is a warm up exercise for many artists, although some artists sketch out the gesture as the first step in every figure drawing. These broad strokes are not just done by the flick of a wrist, but by using the whole arm to capture the motion of the model. It also helps to keep the artist focused on the model instead of the paper. When it comes to the human body, artists are painfully critical; the proportions of a still life do not have to be drawn perfectly to look authentic, but even the slightest error in human proportions will be easily detected. Modern and contemporary artists may choose to exaggerate or distort proportions to emphasise the gesture or perceived mood of the models' pose. The outcomes can be regarded as a finished artwork, expressing both the subject, the observational, emotional and mark making response to the artists figure drawing experience. Anatomy is only the first level of concern in life classes. Figure ground relationships and other aspects of composition are also considered. Balance of a composition becomes more crucial and therefore more understood through life drawing. The artist's kinesthetic response to the pose and how this is conveyed through a choice of art media is a more advanced concern. Since the purpose of figure drawing classes is to learn how to draw humans of all kinds, male and female models of all ages, shapes, and ethnicities are usually sought, rather than selecting only beautiful models or those with "ideal" figures. Some instructors specifically seek to avoid the sort of models preferred by fashion photographers, seeking more "realistic" examples and to avoid any implication of sexual objectification. Instructors may also favor models of particular body types based on the unique contours or surface textures they provide. The variety of models hired may be limited by the need for them to hold a pose for extended periods (eliminating restless children and frail older persons), and concerns of modesty and legality when models pose nude (restricting the use of minors).