Скульптура Древней Греции и Рима

Введение

Классическая скульптура (обычно с маленькой буквы "к") в целом относится к скульптуре Древней Греции и Древнего Рима, а также к эллинизированным и романизированным цивилизациям, находившимся под их властью или влиянием, примерно с 500 г. до н.э. до 200 г. н.э. Она также может более точно обозначать период в древнегреческой скульптуре примерно с 500 г. до н.э. до начала эллинистического стиля около 323 г. до н.э., в этом случае обычно используется заглавная буква "К". Термин "классический" широко применяется и для обозначения стилистической тенденции в более поздней скульптуре, не ограничиваясь работами в неоклассическом или классическом стиле. Основным объектом древнегреческой скульптуры с самых ранних времен была человеческая фигура, как правило, мужская и обнажённая (или почти обнажённая). За исключением голов портретных скульптур, тела были сильно идеализированы, но достигли беспрецедентной степени натурализма. Помимо отдельно стоящих статуй, классическая скульптура включает в себя рельефные работы (такие как знаменитые мраморы Элгина из Парфенона) и более плоский стиль барельефа. В то время как скульптурные произведения акцентировали внимание на человеческой форме, рельефы использовались для создания сложных декоративных сцен. Хотя создание больших или монументальных скульптур почти прекратилось в раннем Средневековье и в византийском искусстве, оно значительно возродилось в эпоху итальянского Ренессанса после обнаружения римских образцов, и классическая скульптура оставалась значительным влиянием, по крайней мере, до XIX века.

Архаический период

Наиболее важной скульптурной формой архаического периода был курос (множественное число: курои) – стоящая мужская обнаженная фигура (см., например, Битон и Клеобис). Отражая египетское влияние, курос стоит прямо, слегка выдвинув левую ногу вперед и прижав руки к бокам. Хотя курои были найдены во многих областях Древней Греции, они были особенно распространены в Аттике и Бойотии. Большинство из них обнаружено в святилищах Аполлона, причём более ста – только в святилище Аполлона Птойона в Беотии. Эти отдельно стоящие скульптуры обычно изготавливались из мрамора, но также встречались из известняка, дерева, бронзы, слоновой кости и терракоты. Как правило, они были размером с человека, хотя ранние колоссальные примеры достигали 3 метров в высоту. Кажется, архаические греческие скульпторы испытали влияние египетского искусства, хотя различия проявились довольно рано. В частности, мужские фигуры в архаической Греции обычно изображались обнаженными, что было нетипично для древнеегипетского искусства во все периоды (за исключением изображений рабов или врагов). Подобно египетскому искусству, женские фигуры всегда изображались одетыми; женская нагота появилась значительно позже. Слегка поджатые губы, приподнятые уголки рта и пустой взгляд, известные как «архаическая улыбка», встречаются во многих ключевых произведениях архаического периода. В этот период еще не развился более поздний акцент на натуралистической анатомии костей и мышц, что заметно по деталям, таким как колени и другие важные суставы. Некоторые детали выглядят скорее «прочерченными», чем полностью вылепленными, что является отголоском более древних традиций. По мере того как архаический стиль постепенно переходил в классический, можно заметить четкую прогрессию, демонстрирующую растущие технические знания и мастерство.

Классический период

В классический период произошли изменения как в стиле, так и в функции скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. Колесницу Дельфийскую в качестве примера перехода к более натуралистичной скульптуре), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческой фигуры в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н.э. статуи стали изображать реальных людей. Статуи Гармодия и Аристогетона были воздвигнуты в Афинах в честь убийства последнего тирана рода Пейсистратидов, Гиппарха. Считается, что это были первые публичные памятники, изображавшие конкретных людей. По мере того как греческие художники начинали изучать движения и анатомию человека, они обнаружили, что живые люди, как правило, демонстрируют "перенос веса" или контраппост, когда стоят. Первой греческой статуей, демонстрирующей контраппост, является знаменитый Критийский юноша, датируемый ок. 480 г. до н.э. Контраппост вскоре стал определяющим элементом греческой скульптурной техники, кульминацией которой стал «Канон» Поликлета. «Канон» – это теоретический труд, в котором рассматриваются идеальные математические пропорции для частей человеческого тела и предлагается для скульптуры человеческой фигуры динамическое равновесие – между расслабленными и напряженными частями тела и между направлениями, в которых они движутся. Поликлет стремился доказать точность своих расчетов, воплотив свои правила в статую, просто названную «Канон». Хотя сама статуя утрачена, ее принципы проявились в «Дорифоре» («копьеносце»), который использовал чрезвычайно динамичный и сложный контраппост в своем перекрестном балансе напряженных и расслабленных конечностей. Греческие храмы специально строились для размещения больших культовых статуй. Они верили, что возведение святилищ вокруг мест, считавшихся священными, умилостивит богов. В классический период скульпторы создавали произведения не только для храмов, но и погребальные статуи в память об ушедших близких. На скульптурах часто изображали умершего в расслабленной позе. Успешные атлеты и богатые семьи заказывали статуи себе для храмов, чтобы выразить уважение к богам. В V веке до н.э. стали популярны портреты, появились бюсты генералов, философов и политических деятелей. Высокое качество греческих работ привлекло внимание итальянцев и оказало значительное влияние как на этрусское, так и на последующее римское искусство. Энтузиазм, с которым Рим встретил греческое искусство, оказался важен не только благодаря передаче классического греческого стиля, но и потому, что большинство сохранившихся образцов классической греческой скульптуры дошли до нас в основном в виде римских мраморных копий греческих бронзовых оригиналов. Поскольку бронза всегда была ценным металлом, большинство оригиналов, вероятно, были давно переплавлены, и немногие подлинные экземпляры были найдены в основном при кораблекрушениях. Однако греки работали и с мрамором, и ряд классических греческих мраморных скульптур сохранился; знаменитые мраморы Парфенона (также известные как мраморы Элгина) оставались на месте до начала XIX века. Фактически, многие из сохранившихся классических греческих мраморов происходят из архитектурного контекста.

The Classical period saw changes in both the style and function of sculpture. Poses became more naturalistic (see the Charioteer of Delphi for an example of the transition to more naturalistic sculpture), and the technical skill of Greek sculptors in depicting the human form in a variety of poses greatly increased. From about 500 BC statues began to depict real people. The statues of Harmodius and Aristogeiton were erected in Athens to celebrate the assassination of the last Peisistratid tyrant, Hipparchus. They were said to be the first public monuments to depict actual people. As Greek artists began to study human movement and anatomy, they discovered that living humans tend to display a "weight shift" or contraposition when standing. The first Greek statue to exhibit contrapposto is the famed Kritios Boy, dating c. 480 BC. Contrapposto soon became a defining element of Greek sculptural technique, culminating in Polykleitos' Canon. The Canon is a theoretical work that discusses ideal mathematical proportions for the parts of the human body and proposes for sculpture of the human figure a dynamic counterbalance—between the relaxed and tensed body parts and between the directions in which the parts move. Polykleitos sought to prove the accuracy of his calculations by implementing his rules in a statue simply entitled: The Canon. Though the statue itself is lost to history, its principles manifest themselves in the Doryphoros ("spear bearer"), which adopted extremely dynamic and sophisticated contrapposto in its cross balance of rigid and loose limbs. Greek temples were specially made to fit the large cult statues. They believed that placing shrines around the areas that were said to be holy would please the gods. During the classical period, sculptors were not only creating works for temples, but also mortuary statues to show tribute to deceased loved ones. The sculptures would often show the deceased person in a relaxed pose. Successful athletes and rich families would commission statues of themselves for temples to show respect to the gods. In the 5th century BC, portraits became popular and busts featuring generals, philosophers and political leaders appeared. The high quality of Greek work attracted Italian interest, and greatly influenced both Etruscan, and later, Roman art. The enthusiasm with which Rome greeted Greek art has proven important not merely because of the transmission of classical Greek style, but also because most of the extant classical Greek works survive mainly in the form of Roman marble copies of Greek bronze originals. As bronze has always been a valuable metal, most of the originals were likely long ago melted down, and the few genuine survivals have been found by mostly in the context of shipwrecks. However, Greeks did carve marble, and a number of classical Greek marbles have survived; the famed Parthenon Marbles (also known as the Elgin Marbles), lasted in situ until the beginning of the 19th Century. In fact, many of the surviving classical Greek marbles are from an architectural context.

Эллинистический период

Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в IV веке до нашей эры. Скульптура становилась все более натуралистичной. Обычные люди, женщины, дети, животные и бытовые сцены стали приемлемыми сюжетами для скульптуры, которую заказывали состоятельные семьи для украшения своих домов и садов. Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не считали обязательным изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. Большинство греческих мужчин изображались стоящими, слегка развернув бедра. В такой позе для поддержания равновесия требуется больше усилий и задействуется больше мышц.

Римская скульптура

Изучение римской скульптуры осложняется её связью с греческой скульптурой. Многие образцы даже самых знаменитых греческих скульптур, таких как Аполлон Бельведерский и Фавн Барберини, известны лишь по римским имперским или эллинистическим "копиям". Ранее это подражание воспринималось искусствоведами как свидетельство ограниченности римского художественного воображения, но в конце XX века римское искусство стало переоцениваться само по себе: некоторые представления о характере греческой скульптуры могут быть основаны на римском мастерстве. Сильными сторонами римской скульптуры являются портретная живопись, где они меньше стремились к идеалу, чем греки или древние египтяне, и создавали очень выразительные работы, а также повествовательные рельефы. Примеры римской скульптуры сохранились в большом количестве, в полной противоположности римской живописи, которая широко практиковалась, но почти полностью утрачена. Латинские и некоторые греческие авторы, в особенности Плиний Старший в 34-й книге своей "Естественной истории", описывают статуи, и некоторые из этих описаний соответствуют сохранившимся произведениям. Хотя значительная часть римской скульптуры, особенно каменной, сохранилась более или менее целой, она часто повреждена или фрагментарна; полноразмерные бронзовые статуи встречаются гораздо реже, поскольку большинство из них были переплавлены на металл. Большинство статуй при создании были гораздо более реалистичными и часто ярко раскрашенными; необработанные каменные поверхности, которые мы видим сегодня, объясняются потерей пигмента с течением времени.

Портреты

Портретное искусство – доминирующий жанр римской скульптуры, возникший, вероятно, из традиционного римского уважения к семье и предкам; в приёмной (атриуме) дома римской знати выставлялись бюсты с изображениями предков. В период Римской республики считалось проявлением характера не скрывать физические недостатки и изображать мужчин, в особенности, суровыми и не заботящимися о тщеславии: портрет был отражением жизненного опыта. В имперскую эпоху более идеализированные статуи римских императоров стали широко распространены, особенно в связи с государственной религией Рима. Даже на надгробиях представителей небогатого среднего класса иногда можно увидеть портреты умерших, чьи имена иначе были бы забыты.

Цвет

Древние статуи и барельефы дошли до нас, демонстрируя первозданную поверхность материала, из которого они изготовлены, и люди обычно ассоциируют классическое искусство с белой мраморной скульптурой. Однако существуют свидетельства того, что многие статуи были расписаны яркими красками. Большая часть красок со временем выветрилась, а небольшие остатки были удалены при реставрации. Тем не менее, в некоторых случаях удалось обнаружить незначительные следы краски. В 2007–2008 годах в Европе и Соединенных Штатах прошла передвижная выставка «Боги в цвете: Расписная скульптура античности», где были представлены 20 цветных реплик греческих и римских произведений искусства наряду с 35 оригинальными статуями и рельефами. Неизвестно, в один или два слоя наносилась краска, насколько мелко были измельчены пигменты и какая именно связующая среда использовалась в каждом конкретном случае – все эти факторы влияли на внешний вид готового произведения.

Влияние

Греко-римская скульптура оказала глубокое влияние на западное искусство. Благодаря ей греко-римский стиль заложил основу для реализма и продемонстрировал его потенциал в искусстве. Относительная долговечность скульптуры позволила ей сохраниться и продолжать вдохновлять художников в различных культурах и эпохах – от Европы до Азии, и сегодня во всем мире. Хотя классическое искусство постепенно утратило популярность в Европе после падения Западной Римской империи, его повторное открытие в эпоху раннего итальянского Возрождения стало решающим. Одним из наиболее значимых скульпторов, возродивших классический стиль, был Донателло. Многие другие скульпторы, такие как Микеланджело, также создавали произведения, которые можно отнести к классицизму. Современный классицизм во многом отличался от классической скульптуры XIX века, которая характеризовалась увлечением натурализмом (Антуан Луи Барьер), мелодраматизмом (Франсуа Руде), сентиментальностью (Жан-Батист Карпо) или монументальным величием (Лорд Лейтон). С наступлением нового столетия в классической традиции возникло несколько различных направлений, однако изучение живой натуры и традиции, сложившиеся после Ренессанса, оставались для них основополагающими.