Акварель: история, техника и материалы

Введение

Тип техники живописи

Акварель (американский английский) или акварель (британский английский; см. различия в написании), также акварель (akwaʁɛl; от итальянского уменьшительного от латинского aqua «вода»), — это техника живописи, в которой краски изготавливаются из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе. Акварель относится как к самому материалу, так и к созданному произведению искусства. Акварели, выполненные водорастворимыми цветными чернилами вместо современных акварельных красок, специалисты называют aquarellum atramento (лат. «акварель, написанная чернилами»). Однако этот термин в настоящее время постепенно выходит из употребления. Наиболее распространенной основой — материалом, на который наносится краска — для акварельных живописных работ является акварельная бумага. Другие основы или субстраты включают камень, слоновую кость, шелк, тростник, папирус, бумагу из коры деревьев, пластик, пергамент, кожу, ткань, дерево и акварельный холст (покрытый гипсом, специально разработанным для использования с акварелью). Акварельная бумага часто изготавливается полностью или частично из хлопка. Это придает поверхности необходимую текстуру и минимизирует деформацию при намокании. Акварельные бумаги обычно представляют собой бумаги холодного прессования, которые обеспечивают лучшую текстуру и внешний вид при плотности не менее 300 г/м² (140 фунтов). Плотность менее 300 г/м² обычно не рекомендуется для чего-либо, кроме эскизов. Прозрачность — главная характеристика акварели. Акварельные краски также можно сделать непрозрачными, добавив китайский белый. Однако этот метод не используется в «настоящей акварели» (традиционной). Акварель — древняя форма живописи, если не самая древняя форма искусства. Живопись с использованием чернил называется росписью кистью или живописью на свитке. В китайской, корейской и японской живописи она была доминирующей техникой, часто в монохромной гамме черного или коричневого цвета, с использованием туши или других пигментов. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции акварельной живописи. Многие западные художники, особенно в начале XIX века, использовали акварель в основном как инструмент для эскизов в качестве подготовки к «завершенной» работе маслом или гравюрой. До конца XVIII века традиционные акварели назывались «тонированными рисунками».

Watercolor (American English) or watercolour (British English; see spelling differences), also aquarelle (akwaʁɛl; from Italian diminutive of Latin aqua 'water'), is a painting method in which the paints are made of pigments suspended in a water based solution. Watercolor refers to both the medium and the resulting artwork. Aquarelles painted with water soluble colored ink instead of modern water colors are called aquarellum atramento (Latin for "aquarelle made with ink") by experts. However, this term has now tended to pass out of use. The conventional and most common support — material to which the paint is applied—for watercolor paintings is watercolor paper. Other supports or substrates include stone, ivory, silk, reed, papyrus, bark papers, plastics, vellum, leather, fabric, wood, and watercolor canvas (coated with a gesso that is specially formulated for use with watercolors). Watercolor paper is often made entirely or partially with cotton. This gives the surface the appropriate texture and minimizes distortion when wet. Watercolor papers are usually cold pressed papers that provide better texture and appearance with a weight at least 300 gsm (140 lb). Under 300 gsm (140 lb) is commonly not recommended for anything but sketching. Transparency is the main characteristic of watercolors. Watercolors can also be made opaque by adding Chinese white. This is not a method to be used in "true watercolor" (traditional). Watercolor paint is an ancient form of painting, if not the most ancient form of art itself. with inks is referred to as brush painting or scroll painting. In Chinese, Korean and Japanese painting it has been the dominant medium, often in monochrome black or browns, often using inkstick or other pigments. India, Ethiopia and other countries have long watercolor painting traditions as well. Many Western artists, especially in the early 19th century, used watercolor primarily as a sketching tool in preparation for the "finished" work in oil or engraving. Until the end of the eighteenth century, traditional watercolors were known as 'tinted drawings'.

История

Акварельная живопись уходит корнями в пещерные рисунки палеолита в Европе и использовалась для иллюстрации рукописей, по крайней мере, со времен Древнего Египта, получив особое распространение в европейском Средневековье. Однако её непрерывная история как художественного материала начинается с эпохи Возрождения. Немецкий художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер (1471–1528), создавший множество прекрасных акварелей с изображением растений, диких животных и пейзажей, обычно считается одним из первых мастеров акварели. Важную школу акварельной живописи в Германии возглавлял Ганс Бол (1534–1593) в рамках ренессанса, вдохновленного Дюрером. Несмотря на такое раннее начало, художники-монументалисты эпохи барокко обычно использовали акварель только для эскизов, копий или подготовительных рисунков (дизайнерских набросков в натуральную величину). Среди заметных ранних мастеров акварельной живописи были Ван Дейк (во время пребывания в Англии), Клод Лоррен, Джованни Бенедетто Кастильоне и многие голландские и фламандские художники. Однако ботаническая и анималистическая иллюстрации, пожалуй, являются старейшими и наиболее важными традициями в акварельной живописи. Ботанические иллюстрации стали популярными в эпоху Возрождения как в виде раскрашенных вручную ксилографий в книгах и листовках, так и в виде тонированных чернильных рисунков на пергаменте или бумаге. Художники-ботаники традиционно отличались особой тщательностью и мастерством, и даже сегодня акварель – благодаря своей уникальной способности обобщать, уточнять и идеализировать в полном цвете – используется для иллюстрации научных и музейных изданий. Анималистическая иллюстрация достигла своего расцвета в XIX веке с такими художниками, как Джон Джеймс Одубон, и сегодня многие полевые определители природы по-прежнему иллюстрируются акварельными картинами.

Английская школа

Несколько факторов способствовали распространению акварельной живописи в XVIII веке, особенно в Англии. В среде элиты и аристократии акварель считалась одним из дополнительных элементов хорошего образования; картографы, военные офицеры и инженеры ценили её за практичность в изображении земельных владений, местности, фортификационных сооружений, геологических особенностей и для иллюстрации общественных или заказных проектов. Художников-акварелистов часто брали с собой в геологические или археологические экспедиции, финансируемые Обществом дилетантов (основанным в 1733 году), для документирования открытий в Средиземноморье, Азии и Новом Свете. Эти экспедиции стимулировали спрос на художников-топографистов, которые создавали памятные картины знаменитых мест (и видов) вдоль Великого тура по Италии, который совершал каждый модный молодой человек того времени. В конце XVIII века английский священник Уильям Гилпин написал серию чрезвычайно популярных книг, описывающих его живописные путешествия по сельской Англии, и иллюстрировал их собственноручно созданными сентиментальными монохромными акварелями речных долин, древних замков и заброшенных церквей. Этот пример популяризировал акварель как форму личного туристического дневника. Сочетание этих культурных, инженерных, научных, туристических и любительских интересов привело к признанию и продвижению акварели как самобытного английского "национального искусства". Уильям Блейк опубликовал несколько книг с гравюрами, раскрашенными вручную, проиллюстрировал "Божественную комедию" Данте и экспериментировал с крупноформатными монотипиями, выполненными акварелью. Среди многих других выдающихся акварелистов этого периода были Томас Гейнсборо, Джон Роберт Козенс, Фрэнсис Таун, Майкл Анджело Рукер, Уильям Парс, Томас Херн и Джон Уорвик Смит. С конца XVIII и на протяжении XIX века рынок печатных книг и декоративно-прикладного искусства существенно способствовал росту этого вида живописи. Акварель служила основой для создания коллекционных гравюр с пейзажами или видами, а оригиналы акварельных работ или копии известных картин пополняли художественные собрания высшего класса. Сатирические карикатуры Томаса Роулендсона, многие из которых были опубликованы Рудольфом Аккерманом, также пользовались огромной популярностью. Трое английских художников, которым приписывают утверждение акварели как самостоятельной, зрелой живописной техники, – Пол Сэндби (1730–1809), часто называемый "отцом английской акварели"; Томас Гиртин (1775–1802), который первым начал использовать акварель для создания крупноформатных романтических или живописных пейзажей; и Джозеф Маллорд Уильям Тернер (1775–1851), который довел акварельную живопись до высочайшей степени выразительности и совершенства, создав сотни великолепных исторических, топографических, архитектурных и мифологических акварельных работ. Его метод поэтапной разработки акварельной картины, начиная с больших, размытых цветовых пятен, нанесенных на влажную бумагу, а затем уточнения изображения с помощью последовательных слоев лессировок, позволял ему создавать большое количество работ с "мастерской эффективностью" и сделал его мультимиллионером, отчасти благодаря продажам из его личной художественной галереи, первой в своем роде. Среди важных и талантливых современников Тернера и Гиртина были Джон Варли, Джон Селл Котман, Энтони Копли Филдинг, Сэмюэл Палмер, Уильям Хавелл и Сэмюэл Праут. Швейцарский художник Авраам Луи Родольф Дюкрос также был широко известен своими крупноформатными романтическими акварелями. Сочетание любительской деятельности, издательского рынка, коллекционирования искусства средним классом и техники XIX века привело к формированию английских обществ акварелистов: Общества художников акварелью (1804, ныне известного как Королевское общество акварели) и Нового общества акварели (1832, ныне известного как Королевский институт художников акварелью). (Шотландское общество художников акварелью было основано в 1878 году, ныне известное как Королевское шотландское общество художников акварелью.) Эти общества организовывали ежегодные выставки и предоставляли рекомендации покупателям для многих художников. Они также участвовали в мелких соперничествах и эстетических дебатах, особенно между сторонниками традиционной ("прозрачной") акварели и ранними приверженцами более плотного цвета, достигаемого с помощью гуаши ("непрозрачной" акварели). Поздний георгианский и викторианский периоды стали зенитом британской акварели, одними из самых впечатляющих работ на бумаге XIX века, благодаря таким художникам, как Тернер, Варли, Котман, Дэвид Кокс, Питер де Винт, Уильям Генри Хант, Джон Фредерик Льюис, Майлз Биркет Фостер, Фредерик Уолкер, Томас Коллиер, Артур Мелвилл и многие другие. В частности, изящные, лаконичные и атмосферные акварели ("жанровые картины") Ричарда Паркса Бонингтона вызвали международную моду на акварельную живопись, особенно в Англии и Франции в 1820-х годах. Во второй половине XIX века портретист Фредерик Хавилл сыграл ключевую роль в утверждении акварели в Англии. Художественный критик Хантли Картер назвал Хавилла "основателем акварельной школы". Популярность акварели стимулировала множество инноваций, включая более плотную и проклеенную бумагу, а также кисти ("карандаши"), изготовленные специально для акварели. В этот период появились первые учебники по акварели, написанные Варли, Коксом и другими, заложившие основы пошаговых инструкций, которые до сих пор характерны для этого жанра. "Основы рисования", учебник по акварели английского художественного критика Джона Раскина, не переиздавался лишь однажды с момента его первой публикации в 1857 году. Коммерческие марки акварели продавались, а краски выпускались в металлических тюбиках или в виде сухих таблеток, которые можно было "растворять" в студийном фарфоре или использовать в портативных металлических коробках для красок в полевых условиях. Прорывы в химии сделали доступными многие новые пигменты, включая синтетический ультрамарин, кобальтовый синий, виридиан, кобальтовый фиолетовый, кадмиевый желтый, ауреолин (кобальтит калия), цинковые белила и широкий спектр карминовых и мадерных лаков. Эти пигменты, в свою очередь, стимулировали более широкое использование цвета во всех видах живописи, но особенно в английской акварели, в частности, художниками Братства прерафаэлитов.

Several factors contributed to the spread of watercolor painting during the 18th century, particularly in England. Among the elite and aristocratic classes, watercolor painting was one of the incidental adornments of a good education; mapmakers, military officers, and engineers valued it for its usefulness in depicting properties, terrain, fortifications, field geology, and for illustrating public works or commissioned projects. Watercolor artists were commonly taken on geological or archaeological expeditions, funded by the Society of Dilettanti (founded in 1733), to document discoveries in the Mediterranean, Asia, and the New World. These expeditions stimulated the demand for topographical painters, who churned out memento paintings of famous sites (and sights) along the Grand Tour to Italy that was undertaken by every fashionable young man of the time. In the late 18th century, the English cleric William Gilpin wrote a series of hugely popular books describing his picturesque journeys throughout rural England, and illustrated them with self made sentimentalized monochrome watercolors of river valleys, ancient castles, and abandoned churches. This example popularized watercolors as a form of personal tourist journal. The confluence of these cultural, engineering, scientific, tourist, and amateur interests culminated in the celebration and promotion of watercolor as a distinctly English "national art". William Blake published several books of hand tinted engraved poetry, provided illustrations to Dante's Inferno, and he also experimented with large monotype works in watercolor. Among the many other significant watercolorists of this period were Thomas Gainsborough, John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo Rooker, William Pars, Thomas Hearne, and John Warwick Smith. From the late 18th century through the 19th century, the market for printed books and domestic art contributed substantially to the growth of the medium. Watercolors were used as the basic document from which collectible landscape or tourist engravings were developed, and hand painted watercolor originals or copies of famous paintings contributed to many upper class art portfolios. Satirical broadsides by Thomas Rowlandson, many published by Rudolph Ackermann, were also extremely popular. The three English artists credited with establishing watercolor as an independent, mature painting medium are Paul Sandby (1730–1809), often called the "father of the English watercolor"; Thomas Girtin (1775–1802), who pioneered its use for large format, romantic or picturesque landscape painting; and Joseph Mallord William Turner (1775–1851), who brought watercolor painting to the highest pitch of power and refinement, and created hundreds of superb historical, topographical, architectural, and mythological watercolor paintings. His method of developing the watercolor painting in stages, starting with large, vague color areas established on wet paper, then refining the image through a sequence of washes and glazes, permitted him to produce large numbers of paintings with "workshop efficiency" and made him a multimillionaire, partly by sales from his personal art gallery, the first of its kind. Among the important and highly talented contemporaries of Turner and Girtin were John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell, and Samuel Prout. The Swiss painter Abraham Louis Rodolphe Ducros was also widely known for his large format, romantic paintings in watercolor. The confluence of amateur activity, publishing markets, middle class art collecting, and 19th century technique led to the formation of English watercolor painting societies: the Society of Painters in Water Colours (1804, now known as the Royal Watercolour Society) and the New Water Colour Society (1832, now known as the Royal Institute of Painters in Water Colours). (A Scottish Society of Painters in Water Colour was founded in 1878, now known as the Royal Scottish Society of Painters in Watercolour.) These societies provided annual exhibitions and buyer referrals for many artists. They also engaged in petty status rivalries and aesthetic debates, particularly between advocates of traditional ("transparent") watercolor and the early adopters of the denser color possible with body color or gouache ("opaque" watercolor). The late Georgian and Victorian periods produced the zenith of the British watercolor, among the most impressive 19th century works on paper, due to artists Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier, Arthur Melville and many others. In particular, the graceful, lapidary, and atmospheric watercolors ("genre paintings") by Richard Parkes Bonington created an international fad for watercolor painting, especially in England and France in the 1820s. In the latter half of the 19th century, portrait painter Frederick Havill became a key player in the establishment of watercolour in England. Art critic Huntly Carter described Havill as a "founder of the water colour school." The popularity of watercolors stimulated many innovations, including heavier and more sized wove papers, and brushes (called "pencils") manufactured expressly for watercolor. Watercolor tutorials were first published in this period by Varley, Cox, and others, establishing the step by step painting instructions that still characterize the genre today; The Elements of Drawing, a watercolor tutorial by English art critic John Ruskin, has been out of print only once since it was first published in 1857. Commercial brands of watercolor were marketed and paints were packaged in metal tubes or as dry cakes that could be "rubbed out" (dissolved) in studio porcelain or used in portable metal paint boxes in the field. Breakthroughs in chemistry made many new pigments available, including synthetic ultramarine blue, cobalt blue, viridian, cobalt violet, cadmium yellow, aureolin (potassium cobaltinitrite), zinc white, and a wide range of carmine and madder lakes. These pigments, in turn, stimulated a greater use of color with all painting media, but in English watercolors, particularly by the Pre Raphaelite Brotherhood.

Соединенные Штаты

Акварель также приобрела популярность в Соединенных Штатах в 19-м веке; выдающимися ранними мастерами были Джон Джеймс Одубон, а также ранние художники школы реки Гудзон, такие как Уильям Г. Бартлетт и Джордж Харви. К середине века влияние Джона Раскина привело к возрастающему интересу к акварели, особенно к использованию детального "раскинианского" стиля такими художниками, как Джон У. Хилл Генри, Уильям Трост Ричардс, Родерик Ньюман и Фиделия Бриджес. Американское общество акварелистов (ныне Американское общество акварели) было основано в 1866 году. К концу 19-го века американскими мастерами этого вида живописи были Томас Моран, Томас Эйкинс, Джон Лафарж, Джон Сингер Сарджент, Чайлд Хассам и, прежде всего, Уинслоу Гомер.

Европа

Акварель была менее популярна в континентальной Европе. В XVIII веке гуашь была важной техникой для итальянских художников Марко Риччи и Франческо Зуккарелли, чьи пейзажи широко коллекционировались. Гуашью пользовались и многие художники во Франции. В XIX веке влияние английской школы способствовало популяризации "прозрачной" акварели во Франции, и она стала важной техникой для Эжена Делакруа, Франсуа Мариуса Гране, Анри Жозефа Харпинья и сатирика Оноре Домье. Среди других европейских художников, часто работавших акварелью, были Адольф Менцель в Германии и Станислав Масловский в Польше. Внедрение ярких, полученных из нефти анилиновых красителей (и пигментов, составленных из них), которые быстро выцветают на свету, а также усилия по надлежащей консервации двадцати тысяч картин Дж. М. В. Тёрнера, унаследованных Британским музеем в 1857 году, привели к негативной переоценке стойкости пигментов в акварели. Это повлекло за собой резкое снижение их престижа и рыночной стоимости. Тем не менее, отдельные художники продолжали отдавать предпочтение и развивать эту технику вплоть до XX века. Поль Синьяк создавал пейзажные и морские акварели, а Поль Сезанн разработал стиль акварельной живописи, состоящий исключительно из перекрывающихся тонких слоёв чистых цветов.

XX и XXI века

Среди многих художников 20-го века, создавших значимые работы в акварели, были Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Пол Клее, Эгон Шиле и Рауль Дюфи. В Америке основными представителями были Чарльз Берчфилд, Эдвард Хоппер, Джорджия О’Кифф, Чарльз Демут и Джон Марин (80% его творчества приходится на акварель). В этот период американская акварельная живопись часто подражала европейскому импрессионизму и постимпрессионизму, однако значительный индивидуализм расцветал в «региональных» стилях акварельной живописи с 1920-х по 1940-е годы. В частности, «Кливлендская школа» или «Огайская школа» художников формировалась вокруг Кливлендского музея искусств, а художники, изображавшие Калифорнию, часто были связаны с голливудскими анимационными студиями или Художественным институтом Шуинара (ныне Калифорнийский институт искусств). Калифорнийские художники использовали разнообразный ландшафт своего штата, средиземноморский климат и «автомобильную мобильность», чтобы возродить традицию пленэра. Самыми влиятельными среди них были Фил Дайк, Миллард Шитс, Рекс Брандт, Донг Кингман и Милфорд Зорнес. Калифорнийское общество акварели, основанное в 1921 году и позднее переименованное в Национальное общество акварели, организовывало важные выставки их работ. Самая большая акварель в мире на данный момент (высотой 3 метра и шириной 5 метров) – «Портрет здания 6: Интерьер». Созданная американской художницей Барбарой Прей по заказу MASS MoCA, эта работа экспонируется в здании Роберта В. Уилсона в MASS MoCA. Несмотря на расцвет абстрактного экспрессионизма и упрощающее влияние художников-любителей, а также рекламы и мастерских, что привело к временному снижению популярности акварельной живописи после 1950 года, акварель продолжают использовать такие художники, как Марта Берчфилд, Джозеф Раффаэль, Эндрю Уайет, Филипп Перлштейн, Эрик Фишл, Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и Франческо Клементе. В Испании Сефери Оливе создал новаторский стиль, которому последовали его ученики, такие как Рафаэль Алонсо Лопес Монтеро и Франсеск Торне Гавальда. В Мексике основными представителями являются Игнасио Барриос, Эдгардо Коглан, Анхель Мауро, Висенте Мендиола и Пастор Веласкес. На Канарских островах, где эта техника живописи имеет множество последователей, выделяются такие художники, как Франсиско Боннин Герин, Хосе Комас Кесада и Альберто Манрике.

Among the many 20th century artists who produced important works in watercolor were Wassily Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele, and Raoul Dufy. In America, the major exponents included Charles Burchfield, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe, Charles Demuth, and John Marin (80% of his total work is watercolor). In this period, American watercolor painting often emulated European Impressionism and Post Impressionism, but significant individualism flourished in "regional" styles of watercolor painting from the 1920s to 1940s. In particular, the "Cleveland School" or "Ohio School" of painters centered around the Cleveland Museum of Art, and the California Scene painters were often associated with Hollywood animation studios or the Chouinard Art Institute (now California Institute of the Arts). The California painters exploited their state's varied geography, Mediterranean climate, and "automobility" to reinvigorate the outdoor or "plein air" tradition. The most influential among them were Phil Dike, Millard Sheets, Rex Brandt, Dong Kingman, and Milford Zornes. The California Water Color Society, founded in 1921 and later renamed the National Watercolor Society, sponsored important exhibitions of their work. The largest watercolor in the world at the moment (at 9 feet (3 m) tall and 16 feet (5 m) wide) is Building 6 Portrait: Interior. Produced by American artist Barbara Prey on commission for MASS MoCA, the work can be seen at MASS MoCA's Robert W. Wilson Building. Although the rise of abstract expressionism, and the trivializing influence of amateur painters and advertising or workshop influenced painting styles, led to a temporary decline in the popularity of watercolor painting after c. 1950, watercolors continue to be utilized by artists like Martha Burchfield, Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fischl, Gerhard Richter, Anselm Kiefer, and Francesco Clemente. In Spain, Ceferí Olivé created an innovative style followed by his students, such as Rafael Alonso López Montero and Francesc Torné Gavaldà. In Mexico, the major exponents are Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola, and Pastor Velázquez. In the Canary Islands, where this pictorial technique has many followers, there are stand out artists such as Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada, and Alberto Manrique.

Акварельная краска

Акварельная краска состоит из четырёх основных компонентов: пигмента; гуммиарабика в качестве связующего для удержания пигмента во взвешенном состоянии; добавок, таких как глицерин, желчь быка, мёд и консерванты, для изменения вязкости, укрывистости, долговечности или цвета смеси пигмента и связующего; и испаряющейся воды, используемой в качестве растворителя для разбавления краски перед нанесением. Более общий термин "водные среды" (watermedia) относится к любой живописной среде, использующей воду в качестве растворителя и наносимой кистью, пером или распылителем. Это включает в себя большинство чернил, акварели, темперы, казеины, гуаши и современные акриловые краски. Термин "акварель" относится к краскам, в которых в качестве связующего используются водорастворимые сложные углеводы. Изначально (в XVI–XVIII веках) в качестве связующих для акварели использовали сахара и/или костные клеи, но с XIX века предпочтительным связующим стал натуральный гуммиарабик, с добавлением глицерина и/или мёда для улучшения пластичности и растворимости связующего, а также других химических веществ для увеличения срока годности продукта. Термин "бодиколор" (bodycolor) обозначает краску, которая является непрозрачной, а не прозрачной. Обычно он относится к непрозрачной акварели, известной как гуашь. Современные акриловые краски используют дисперсию акриловой смолы в качестве связующего.

Коммерческие акварели

Акварелисты до начала XVIII века должны были изготавливать краски самостоятельно, используя пигменты, приобретенные у аптекаря или специализированного "цветочника", и смешивая их с гуммиарабиком или другим связующим веществом. Первые коммерческие краски представляли собой небольшие смолистые блоки, которые требовалось размочить и трудоемко "вытирать" в воде для получения необходимой цветовой интенсивности. Уильям Ривз начал свое дело как цветочник около 1766 года. В 1781 году он и его брат, Томас Ривз, были удостоены Серебряной палитры Общества искусств за изобретение влажного акварельного пирожка – удобного и экономичного средства, представленного в "золотой век" английской акварельной живописи. "Пирожок" мгновенно растворялся при контакте с мокрой кистью. Современные коммерческие акварельные краски доступны в тубах, кюветах и в жидком виде. Большинство красок, продаваемых сегодня, выпускаются в небольших металлических тубах стандартных размеров и имеют консистенцию, схожую с зубной пастой, поскольку они уже смешаны с определенным количеством воды. Для использования эту пасту необходимо дополнительно разбавлять водой. Кюветные краски (фактически небольшие высушенные пирожки или бруски краски в открытой пластиковой упаковке) обычно продаются в двух размерах: полные кюветы и полукюветы. Благодаря современной промышленной органической химии значительно улучшилось разнообразие, насыщенность и стойкость художественных цветов, доступных сегодня. Правильные и нетоксичные основные цвета стали доступны благодаря введению ханзового жёлтого, фталоцианинового синего и хинакридона (PV 122). Из такого набора из трех цветов, в принципе, можно смешать любые другие, поскольку в классической технике не используется белый цвет. Современное развитие пигментов не было вызвано художественным спросом. Индустрия художественных материалов слишком мала, чтобы оказывать какое-либо влияние на мировой рынок красителей или пигментов. За редким исключением, таким как ауреолин, все современные акварельные краски используют пигменты, которые находят более широкое промышленное применение. Производители красок закупают, по промышленным меркам, очень небольшие объемы этих пигментов, измельчают их с использованием связующего вещества, растворителя и добавок, а затем упаковывают. Процесс помола неорганических пигментов, в более дорогих марках, уменьшает размер частиц для улучшения текучести краски при нанесении водой.

Watercolor painters before the turn of the 18th century had to make paints themselves using pigments purchased from an apothecary or specialized "colorman", and mixing them with gum arabic or some other binder. The earliest commercial paints were small, resinous blocks that had to be wetted and laboriously "rubbed out" in water to obtain a usable color intensity. William Reeves started his business as a colorman around 1766. In 1781, he and his brother, Thomas Reeves, were awarded the Silver Palette of the Society of Arts, for the invention of the moist watercolor paint cake, a time saving convenience, introduced in the "golden age" of English watercolor painting. The "cake" was immediately soluble when touched by a wet brush. Modern commercial watercolor paints are available in tubes, pans and liquids. The majority of paints sold today are in collapsible small metal tubes in standard sizes and formulated to a consistency similar to toothpaste by being already mixed with a certain water component. For use, this paste has to be further diluted with water. Pan paints (actually small dried cakes or bars of paint in an open plastic container) are usually sold in two sizes, full pans and half pans. Owing to modern industrial organic chemistry, the variety, saturation, and permanence of artists' colors available today has been vastly improved. Correct and non toxic primary colors are now present through the introduction of hansa yellow, phthalo blue and quinacridone (PV 122). From such a set of three colors, in principle all others can be mixed, as in a classical technique no white is used. The modern development of pigments was not driven by artistic demand. The art materials industry is too small to exert any market leverage on global dye or pigment manufacture. With rare exceptions such as aureolin, all modern watercolor paints utilize pigments that have a wider industrial use. Paint manufacturers buy, by industrial standards very small, supplies of these pigments, mill them with the vehicle, solvent, and additives, and package them. The milling process with inorganic pigments, in more expensive brands, reduces the particle size to improve the color flow when the paint is applied with water.

Прозрачность

В партийных дебатах в английском мире искусства XIX века гуашь решительно противопоставлялась традиционным акварелям и критиковалась за высокую укрывистость или отсутствие "прозрачности"; "прозрачные" акварели, напротив, превозносились. Неприятие непрозрачных красок было обусловлено тем, что вплоть до XIX века для повышения укрывистости использовались свинцовые белила. Этот пигмент под воздействием сернистого загрязнения воздуха быстро темнел, превращаясь в черный цвет и полностью уничтожая произведение искусства. Распространенное утверждение о том, что "прозрачные" акварели приобретают "сияние", поскольку работают подобно витражному стеклу на бумаге – цвет усиливается, потому что свет проходит сквозь пигмент, отражается от бумаги и снова проходит сквозь пигмент, достигая зрителя – является ошибочным. Акварельные краски обычно не формируют сплошной красочный слой, как акриловые или масляные краски, а лишь рассеивают частицы пигмента случайным образом по поверхности бумаги; прозрачность обусловлена тем, что между частицами видна бумага. Акварели могут казаться более яркими, чем акрил или масло, поскольку пигменты наносятся в более чистом виде, с небольшим количеством или полным отсутствием наполнителей (таких как каолин), скрывающих цвет пигмента. Как правило, большая часть или вся связующая основа (гуммиарабик) поглощается бумагой, что предотвращает изменение видимости пигмента. Поглощение гуммиарабика не уменьшает, а увеличивает адгезию пигмента к бумаге, поскольку его частицы легче проникают в волокна. Фактически, важная функция гуммиарабика – облегчать "подъем" (удаление) краски, если художник хочет осветлить участок изображения. Кроме того, гуммиарабик предотвращает флокуляцию частиц пигмента.

История

Эндрю Уилтон и Энн Лайлс. Великая эпоха британских акварелей (1750–1880). Престел, 1993. Энн Лайлс и Робин Хамлин. Британские акварели из коллекции Оппе. Издательство Тейт Галерея, 1997. Кристофер Финч. Американские акварели. Издательство Аббевиля, 1991. ASIN B000IBDWGK
Кристофер Финч. Акварели XIX века. Издательство Аббевиля, 1991. Кристофер Финч. Акварели XX века. Издательство Аббевиля, 1988. Эрик Шейнес. Тернер: Великие акварели. Королевская академия искусств, 2001. Мартин Харди. Акварельная живопись в Британии (3 тома: I. XVIII век; II. Романтический период; III. Викторианский период.). Бэтсфорд, 1966–1968. Майкл Кларк. Соблазнительная перспектива: Социальная история английской акварели. Издание Британского музея, 1981. ASIN B000UCV0XO
Мур, Шон. Полный визуальный словарь. Дорлинг Киндерсли, 1994.

Учебные пособия и методика

Рекс Брандт. Победители в акварели: базовые техники и методы прозрачной акварели в двадцати уроках. Van Nostrand Reinhold, 1973. Дэвид Дьюи. Книга об акварели: материалы и техники для современных художников. Watson-Guptill, 1995. Донна Селдин Дженис. "Саржент за рубежом: фигуры и пейзажи". Abbeville Press; первое издание (октябрь 1997 г.). Чарльз ЛеКлэр. Искусство акварели (пересмотренное и расширенное издание). Watson-Guptill, 1999. Королевское акварельное общество. Эксперт по акварели. Cassell Illustrated, 2004. Джон Раскин. "Элементы рисунка" [1857]. Watson-Guptill, 1991. (Переиздания других издательств также доступны.) Пип Сеймур. Акварельная живопись: руководство для художников. Lee Press, 1997. Стен Смит. Акварель: полный курс. Reader’s Digest, 1995. Кёртис Таппенден. Основы акварели: курс. Cassell Illustrated, 2003. Эдгар А. Уитни. Полное руководство по акварельной живописи. Watson-Guptill, 1974. [Издание Dover]

Материалы

Иэн Сидавей. Справочник бумаги для акварелистов. North Light, 2000. Жак Тернер. Кисти: руководство для художников и мастеров. Design Press, 1992. Сильви Тернер. Книга об изысканной бумаге. Thames & Hudson, 1998. Майкл Уилкокс. Руководство Уилкокса по лучшим акварельным краскам. School of Colour Publications, 2000.