Музыка и музыкальные традиции Индонезии

Введение

Поскольку Индонезия – страна, состоящая из множества различных племен и этнических групп, ее музыка также чрезвычайно разнообразна и представлена сотнями различных форм и стилей. Каждый регион обладает своей уникальной культурой и искусством, что отражается и в традиционной музыке, которая существенно различается от области к области. Например, традиционную музыку часто сопровождают собственные танцы и театральные представления. Современная музыкальная сцена также в значительной степени сформирована различными иностранными влияниями, такими как музыка из Америки, Великобритании, Японии, Кореи и Индии. Музыка Явы, Суматры, Бали, Флорес (Малые Зондские острова) и других островов хорошо задокументирована и записана, и индонезийские и международные исследователи продолжают ее изучать. Музыка в Индонезии существовала еще до появления письменных исторических записей: различные коренные индонезийские племена часто включали песнопения и песни в сопровождении музыкальных инструментов в свои ритуалы. Современная музыка Индонезии также популярна в соседних странах, таких как Малайзия, Сингапур и Бруней. В целом, традиционная музыка и песни Индонезии характеризуются сильным ритмом и гармонией, испытывая значительное влияние индийской, яванской, арабской, китайской и малайской классической музыки. Это влияние особенно заметно в популярном традиционном жанре Dangdut.

Музыкальные инструменты

Музыкальная идентичность Индонезии в том виде, в котором мы знаем ее сегодня, берет начало с миграции культуры бронзового века на Индонезийский архипелаг во II-III веках до нашей эры. В традиционной музыке индонезийских племен часто используются ударные инструменты, особенно гонги и генданги (барабаны). Некоторые из них разработали сложные и самобытные музыкальные инструменты, такие как струнный инструмент сасандо с острова Роте, анклунг народа сунданцев и сложный, изысканный оркестр гамелан Явы и Бали. Индонезия является родиной гонговых чимов, гонговый чим – это общее название для набора небольших, высокотональных выпуклых гонгов. Гонги обычно располагаются в порядке высоты звука, выпуклой стороной вверх, подвешенными на веревках к низкой деревянной раме. Рамы могут быть прямоугольными или круглыми (последние иногда называют "гонговыми кругами") и могут иметь один или два ряда гонгов. На них играют от одного до четырех музыкантов, каждый из которых использует две обтянутые мягким материалом палочки для удара. Они являются важным инструментом во многих индонезийских музыкальных ансамблях, таких как гамелан, кулинтанг и талемпонг.

Гамелан

Самым популярным и известным видом индонезийской музыки, вероятно, является гамелан – ансамбль настроенных ударных инструментов, включающий в себя металофоны, барабаны, гонги и шпиковые скрипки, а также бамбуковые флейты. Подобные ансамбли распространены по всей Индонезии, Сингапуру и Малайзии, однако гамелан берет свое начало на Яве, Бали и Ломбоке. В Центральной Яве гамелан сложен и тщательно организован. Центральная мелодия исполняется на металлофоне в центре оркестра, а передняя часть отвечает за детализацию и орнаментирование мелодии, а в задней части гонги медленно отмечают ритм музыки. Существуют две системы настройки. Каждый гамелан настраивается индивидуально, а интервалы между нотами в гамме варьируются в зависимости от ансамбля. Металофоны охватывают четыре октавы и включают в себя такие типы, как слентем, демунг, сарон панерус и балунг. Считается, что душа гамелана заключена в большом гонге, или гонге агэн. Другие гонги настроены на каждую ноту гаммы и включают кетук, кенонг и кемпуль. Передняя часть оркестра разнообразна и включает ребаб, сулинг, ситер, бонга и гамбанг. Распространены мужские хоры (геронг) и женские сольные вокалистки (песиндхен). С приходом голландских колонизаторов была разработана числовая система записи музыки, известная как кепатихан. Музыка и танец того времени делились на несколько стилей, основанных на основных дворах региона – Суракарты, Йогьякарты, Пакуаламана и Манкунегарана. Гамелан из восточной Явы менее известен, чем гамелан из центральной или западной частей острова. Особенно выделяется чрезвычайно большой барабан гамяк, характерный для этого района. В Западной Яве, ранее известной как Сунда, существует несколько типов гамелана. Гамелан Дегун, гамелан салендро и тэмбанг сунда – три основных типа. Яванское меньшинство осингов в восточной Яве известно своей социальной музыкой для свадеб и других торжеств, называемой гандрунг, а также анклунгом, на котором играют молодые любители, что очень похоже на балийский гамелан. В Индонезии гамелан часто сопровождает танцы, кукольные представления ваянг или ритуалы и церемонии. Как правило, исполнители гамелана знакомы с танцевальными движениями и поэзией, а танцоры могут играть в ансамбле. В ваянге даланг (кукловод) должен обладать глубокими знаниями гамелана, поскольку он задает темп музыки. Гамелан может исполняться самостоятельно – в стиле "клененган" или для радиовещания, а концертные выступления распространены в национальных консерваториях искусств, основанных в середине 20-го века. Роль гамелана в ритуалах настолько важна, что существует яванская поговорка: "Это не будет официально, пока не повесят гонг". Некоторые выступления связаны с королевской властью, например, с визитами султана Йогьякарты. Определенные гамеланы связаны с конкретными ритуалами, например, Гамелан Секатен, используемый в празднование Мавлида ан-Наби (дня рождения Мухаммеда). На Бали почти во всех религиозных ритуалах присутствует исполнение гамелана. Гамелан также используется в церемониях католической церкви в Индонезии. Некоторые произведения предназначены для начала и окончания представлений или церемоний. Когда начинается "заключительное" произведение (например, "Удан Мас"), зрители понимают, что мероприятие почти закончилось, и начинают уходить. Считается, что некоторые произведения обладают магической силой и могут использоваться для отпугивания злых духов. Гонги укладываются лицевой стороной вверх на две веревки, проходящие параллельно по всей длине рамы, а бамбуковые или деревянные палочки располагаются перпендикулярно раме, образуя полный набор кулитанга, называемый "пасанган". Основное назначение музыки кулитанга в обществе – служить социальным развлечением на профессиональном, народном уровне. Эта музыка уникальна тем, что считается публичной, поскольку каждый может в ней участвовать. Играют не только музыканты, но и зрители должны принимать участие. Эти выступления важны тем, что объединяют людей из сообщества и соседних регионов, способствуя укреплению связей между сообществами, которые в противном случае могли бы не взаимодействовать друг с другом. Традиционно участие исполнителей в музыке кулитанга является добровольным. Музыканты рассматривают выступления как возможность получить признание, престиж и уважение со стороны общества и ничего больше. Музыка кулитанга во многих аспектах отличается от музыки гамелана, прежде всего тем, как последняя строит мелодии в рамках скелетных тонов и предписанных временных интервалов вступления для каждого инструмента. Структура музыки кулитанга более гибкая, временные интервалы отсутствуют, что позволяет чаще импровизировать.

The most popular and famous form of Indonesian music is probably gamelan, an ensemble of tuned percussion instruments that include metallophones, drums, gongs and spike fiddles along with bamboo flutes. Similar ensembles are prevalent throughout Indonesia, Singapore and Malaysia, however gamelan is originated from Java, Bali, and Lombok. In the Central Java, gamelan is intricate and meticulously laid out. The central melody is played on a metallophone in the centre of the orchestra, while the front elaboration and ornamentation on the melody, and, at the back, the gongs slowly punctuate the music. There are two tuning systems. Each gamelan is tuned to itself, and the intervals between notes on the scale vary between ensembles. The metallophones cover four octaves, and include types like the slenthem, demung, saron panerus and balungan. The soul of the gamelan is believed to reside in the large gong, or gong ageng. Other gongs are tuned to each note of the scale and include ketuk, kenong and kempul. The front section of the orchestra is diverse, and includes rebab, suling, siter, bonang and gambang. Male choruses (gerong) and female (pesindhen) solo vocalists are common. With the arrival of the Dutch colonisers, a number system called kepatihan was developed to record the music. Music and dance at the time were divided into several styles based on the main courts in the area—Surakarta, Yogyakarta, Pakualaman and Mangkunegaran. Gamelan from eastern Java is less well known than central or western parts of the island. Perhaps most distinctive of the area is the extremely large gamyak drum. In West Java, formerly Sunda, has several types of gamelan. Gamelan Degung, gamelan salendro and tembang sunda are three primary types. The Osing Javanese minority in eastern Java are known for social music for weddings and other celebrations called gandrung, as well as angklung, played by young amateur boys, which is very similar to Balinese gamelan. In Indonesia, gamelan often accompanies dance, wayang puppet performances, or rituals and ceremonies. Typically players in the gamelan will be familiar with dance moves and poetry, while dancers are able to play in the ensemble. In wayang, the dalang (puppeteer) must have a thorough knowledge of gamelan, as he gives the cues for the music. Gamelan can be performed by itself – in "klenengan" style, or for radio broadcasts – and concerts presentation are common in national arts conservatories founded in the middle of the 20th century. Gamelan's role in rituals is so important that there is a Javanese saying, "It is not official until the gong is hung". Some performances are associated with royalty, such as visits by the sultan of Yogyakarta. Certain gamelans are associated with specific rituals, such as the Gamelan Sekaten, which is used in celebration of Mawlid an Nabi (Muhammad's birthday). In Bali, almost all religious rituals include gamelan performance. Gamelan is also used in the ceremonies of the Catholic church in Indonesia. Certain pieces are designated for starting and ending performances or ceremonies. When an "ending" piece (such as "Udan Mas") is begun, the audience will know that the event is nearly finished and will begin to leave. Certain pieces are also believed to possess magic powers, and can be used to ward off evil spirits. The gongs are laid in the instrument face side up atop two cords/strings running parallel to the entire length of the frame, with bamboo/wooden sticks/bars resting perpendicular across the frame, creating an entire kulintang set called a "pasangan". The main purpose for kulintang music in the community is to function as social entertainment at a professional, folk level. This music is unique in that it is considered a public music in the sense everyone is allowed to participate. Not only do the players play, but audience members are also expected to participate. These performances are important in that they bring people in the community and adjacent regions together, helping unify communities that otherwise may not have interacted with one another. Traditionally, when performers play kulintang music, their participation is voluntary. Musicians see performances as an opportunity to receive recognition, prestige and respect from the community and nothing more. kulintang music differs in many aspects from gamelan music, primarily in the way the latter constructs melodies within a framework of skeletal tones and prescribed time interval of entry for each instruments. The framework of kulintang music is more flexible and time intervals are nonexistent, allowing for such things as improvisations to be more prevalent.

Англунг

Ангклун – это музыкальный инструмент из бамбука, традиционный для народа сунданцев из Западной Явы. Он изготавливается из бамбуковых труб, прикрепленных к бамбуковому каркасу. Трубы вырезаются таким образом, чтобы при колебании издавать характерный резонирующий звук. Каждый ангклун воспроизводит только одну ноту. Этот бамбуковый музыкальный инструмент играют, встряхивая его. Звук ангклуна возникает при ударе бамбуковых труб друг о друга. Он обладает уникальным звучанием, вибрирующим в сочетании от двух до четырех нот в зависимости от размера. Ангклун существовал в Индонезии еще до индуистской эпохи. Во времена Сунданского королевства (XII–XVI века) ангклун стал музыкальным инструментом, который постоянно использовался на различных мероприятиях и праздниках, особенно на традиционных сельскохозяйственных обрядах. В то время на ангклуне играли во время поклонения богине Деви Шри – богине риса и плодородия, чтобы получить благословение на посевы и процветание. Помимо этого, в период Сунданского королевства ангклун также использовался для поднятия боевого духа. Для изготовления музыкальных инструментов обычно применяют черный бамбук (awi wulung) и бамбук атер (awi temen), которые после высыхания приобретают бело-желтый оттенок. Каждая нота (цилиндр) извлекается из звука бамбуковой трубки в форме пластины (вилахан) для каждого бамбукового сегмента, от меньшего к большему. Каждый размер бамбука имеет свою высоту тона. 18 ноября 2010 года ЮНЕСКО признала ангклун шедевром устного и нематериального культурного наследия человечества.

Сюлинг

Сулинг – это сунданское слово, означающее "серулинг", индонезийское слово, которое переводится как "флейта". Индонезийские флейты изготавливаются из бамбука, всегда играются путем вдувания воздуха с торца и различаются по размеру. Положение пальцев изменяет длину волны звукового резонанса внутри корпуса сулинга. В зависимости от расстояния ближайшего отверстия до головной части сулинга, можно извлекать разные ноты. Скорость воздушного потока также может изменять частоту тона. Ноту с удвоенной частотой можно получить, в основном, вдувая воздух в отверстие головной части сулинга с удвоенной скоростью. Как правило, чем короче сулинг, тем выше его строй. Эта простая флейта извлекает мелодии, которые традиционно интерпретируются как звук радостного обучения. Во многих регионах Индонезии сулинг используется как традиционный инструмент и имеет различные местные названия. На Яве, Сунде и Бали этот инструмент обычно называют сулингом, на Минанге – салуангом, на Тораджа – флейтой Лембанг, на Халмахере – бангсилом, а в Западном Нуса-Тенгаре – силу. Сулинг – это индонезийская бамбуковая флейта, используемая в различных традиционных музыкальных ансамблях, включая гамелан, гамбус и дангдут. Эта флейта изготавливается из длинной, тонкостенной бамбуковой трубки, называемой тамианг, и тонкой полоски ротанга, охватывающей мундштук.

Какапи-сулинг

Какапи сулинг – это вид инструментальной музыки, отличающийся высокой степенью импровизации и популярный в некоторых районах Западной Явы, исполняемый на двух инструментах: какапи (цитра) и сулинг (бамбуковая флейта). Он имеет родство с тэмбанг сунда. Ритмичные переливы кекапи неспешны, создаются струнами, которые в сочетании с мелодией сулинга или мелизматическим вокалом образуют мягкое звучание. Какапи – традиционная цитра сунданского музыкального инструмента, происходящая от китайского гучжэна, и схожа с японским кото, монгольской ятгой, корейским каягымом, вьетнамским дан tranh и казахским жетигеном, а сулинг – это бамбуковая флейта.

Кенданг

Кенданг или генданг – это двусторонний барабан, используемый народами Индонезийского архипелага. У яванцев, сунданцев или балийцев кенданг имеет одну сторону больше другой, при этом более крупная, издающая более низкий звук сторона обычно располагается справа, и барабаны обычно устанавливаются на подставках горизонтально и играются руками с обеих сторон, сидя на полу. У таких групп, как балийцы, обе стороны барабана одинакового размера, и на нём играют одной или обеими руками, используя комбинацию рук и/или палочек. Среди народа макассаров барабаны Ганранг имеют гораздо большее значение, считаясь самыми священными из всех музыкальных инструментов, сопоставимыми с гонгами на Яве. Одной из наиболее известных разновидностей кенданга является Генданг белек. Генданг белек – это традиционная музыка с острова Ломбок, Индонезия. Название генданг белек – термин языка сасак, означающий «большой барабан (большой генданг)», поскольку представление представляет собой выступление группы музыкантов, играющих, танцующих и марширующих со своими традиционными инструментами, в центре которых – два больших барабана (генданга). Барабан изготавливается из деревянной рамы с барабанной перепонкой из козьей кожи. Дерево выбирается из твердых, но легких пород. Во время выступления Генданг белек барабанщики несут и играют на генданге, исполняя драматический и конфронтационный дуэт. Барабанщики играют переплетающиеся мелодии на своих больших барабанах. Помимо умения играть на своих инструментах, исполнители должны обладать ловкостью и выносливостью, чтобы исполнять танец и маршировать с инструментом.

Сасандо

Сасандо – это щипковый струнный инструмент, родом с острова Роте в провинции Восточная Нуса-Тенгара. Сасандо состоит из бамбукового цилиндра, окруженного несколькими клиньями, к которым натянуты струны. Цилиндр обернут резонатором в виде мешкообразного веера из сухих листьев лонтара или пальмиры (Borassus flabellifer). Этот веер выполняет функцию резонатора инструмента.

Тапанули огонг

Музыкальное представление из района Тапанули в Северной Суматре. Тапанули огонг – это вид танцевальной музыки, исполняемой на лютне, трубе и флейте.

Сапе-даяк

Сапе́ (sampek, sampeʼ, sapek) — традиционная лютня народа кения и каян, проживающего в длинных домах вдоль рек Восточного, Западного и Северного Калимантана. Сапе́ вырезаются из цельного ствола дерева, при этом многие современные инструменты достигают более метра в длину. Технически сапе́ — относительно простой инструмент: одна струна отвечает за мелодию, а остальные — за ритмический фон. Однако на практике музыка оказывается довольно сложной, изобилуя орнаментами и тематическими вариациями.

Жанры

Разнообразие индонезийских музыкальных жанров стало результатом музыкального творчества народа Индонезии, а также последовавших культурных взаимодействий с иностранными музыкальными влияниями, проникшими в архипелаг. Наряду с самобытными местными формами музыки, ряд жанров прослеживает своё происхождение из иностранных источников: гамбус и касида – из ближневосточной исламской музыки, керонконг – из португальского, а дангдут – с заметным влиянием индийской музыки.

Народная музыка

Индонезийская региональная народная поп-музыка отражает разнообразие индонезийской культуры и этнической принадлежности, преимущественно используя местные языки и сочетание западной и региональной музыки и инструментов. Индонезийская народная музыка весьма разнообразна и сегодня включает в себя поп, рок, хаус, хип-хоп и другие жанры, а также самобытные индонезийские формы. Существует несколько видов "этнической" поп-музыки, обычно объединяемых под названием Pop Daerah (региональный поп). К ним относятся поп-сунда, поп-минанг, поп-батак, поп-мелау, поп-амбон, поп-минахаса и другие. Помимо использования наследия Lagu Daerah (региональных традиционных песен) каждой региональной культуры, музыканты также могут создавать новые композиции на родном языке.

Тембанг-Сунда

Тембанг сунда, также называемый "seni mamaos cianjuran", или просто cianjuran, – это форма исполняемой поэзии, возникшая в колониальную эпоху в Чианжуре. Изначально это было искусство аристократии; одним из композиторов чианджуран был Р. А. А. Кусумахинграт (Далем Панганти), правитель Чианжура (1834–1862). Инструментами чианджуран являются какапи индун, какапи ринчик, сулинг (бамбуковая флейта) и ребаб для композиций в ладу салендро. Тексты обычно исполняются в форме свободного стиха, но более современная версия, панамбих, имеет чёткий метр. Обычно используется барабанное сопровождение.

Яйпонг

Джайпонг – очень сложная ритмическая танцевальная музыка народа сунда, проживающего на западе Явы. Ритм может меняться, казалось бы, совершенно произвольно, что делает танцы сложными для большинства слушателей. В ней используются исключительно сунданские инструменты, без каких-либо импортных. Она была создана такими исполнителями, как Гугум Гумбира, после того как Сукарно запретил рок-н-ролл и другие западные жанры в 1960-х годах.

Гамбус

Гамбус буквально означает уд, обозначая собой разновидность лютни или 12-струнной гитары грушевидной формы, и является исламской вокальной и инструментальной музыкой, происходящей с Ближнего Востока. Эти традиции начали распространяться по многим регионам Индонезии к XVI веку.

Касидах современный

Касида – древнеарабское слово, обозначающее религиозную поэзию, исполняемую нараспев под аккомпанемент ударных инструментов. Касида модерн адаптирует эту традицию для современной поп-аудитории. Этот термин используется для обозначения как самого музыкального жанра, так и оркестра, исполняющего его, который, как считается, был принесён мусульманскими поселенцами из Йемена. Касида модерн развилась из исламской поп-музыки, обогатившись местными диалектами и текстами, затрагивающими актуальные проблемы Индонезии. Несмотря на популярность среди арабов в Индонезии, за её пределами она не получила широкого распространения. Одной из старейших групп, исполняющих касиду модерн в Индонезии, является Nasida Ria. Современное направление исламской музыки, находящее влияние ближневосточной культуры в Индонезии, представлено группой Debu, которая использует суфийские мотивы в своей музыке для распространения своих идей.

Кронконг

Кронконг (альтернативное написание: Keroncong) начал развиваться с приходом португальцев, которые привезли европейские инструменты. К началу 1900-х годов он считался музыкой низкого класса, популярной в городах. Это изменилось в 1930-х годах, когда растущая индонезийская киноиндустрия стала использовать кронконг в своих фильмах. А ещё большее распространение он получил в середине и конце 1940-х годов, когда кронконг стал ассоциироваться с борьбой за независимость. Пожалуй, самая известная песня в стиле кронконг – "Bengawan Solo", написанная в 1940 году музыкантом из Соло Гесангом Мартохартоно. Созданная во время японской оккупации острова во время Второй мировой войны, песня (о реке Бенгаван-Соло, самой длинной и важной реке Явы) быстро стала популярной среди яванцев, а затем и по всей стране, благодаря трансляциям по радио. Песня также полюбилась японским солдатам, и после окончания войны записи песни в исполнении японских артистов стали бестселлерами. На протяжении многих лет её неоднократно переиздавали известные исполнители, в основном в Азии, но и за её пределами (например, Аннеке Гронло), и в некоторых местах она считается типичным примером индонезийской музыки. Сам Гесанг остаётся самым известным исполнителем этого стиля, который, хотя сейчас воспринимается как несколько устаревший и чопорный, по-прежнему популярен среди значительной части населения, особенно старшего поколения. После Второй мировой войны и во время Индонезийской национальной революции (1945–1949) и после неё кронконг ассоциировался с патриотизмом, поскольку многие индонезийские поэты и авторы патриотических песен использовали кронконг и элементы джазового синтеза в своих произведениях. Патриотическая тематика и романтика военного времени ярко проявились в творчестве Исмаила Марзуки, в таких песнях, как "Rayuan Pulau Kelapa", "Indonesia Pusaka", "Sepasang Mata Bola", "Keroncong Serenata" и "Juwita Malam". Эти патриотические песни могут исполняться как гимны или в оркестровой аранжировке, но чаще всего – в стиле кронконга, известном как кронконг perjuangan (кронконг борьбы). Дивы кронконга – Вальджина, Сундари Сукоко и Хетти Коес Энанг – сыграли важную роль в возрождении стиля в 1980-х годах.

Kroncong (alternative spelling: Keroncong) has been evolving since the arrival of the Portuguese, who brought European instruments. By the early 1900s, it was considered a low class urban music. This changed in the 1930s, when the rising Indonesian film industry began incorporating kroncong. And then even more so in the mid to late 1940s, it became associated with the struggle for independence. Perhaps the most famous song in the kroncong style is "Bengawan Solo", written in 1940 by Gesang Martohartono, a Solonese musician. Written during the Japanese Imperial Army occupation of the island in World War II, the song (about the Bengawan Solo River, Java's longest and most important river) became widely popular among the Javanese, and then later nationally when recordings were broadcast over the local radio stations. The song also became quite popular with the Japanese soldiers, and when they returned to Japan at the end of the war re recordings of it (by Japanese artists) became best sellers. Over the years it has been re released many times by notable artists, mainly within Asia but also beyond (like Anneke Grönloh), and in some places it is seen as typifying Indonesian music. Gesang himself remains the most renowned exponent of the style, which although it is seen now as a somewhat starchy and "dated" form is still popular among large segments of the population, particularly the older generation. After World War II and during Indonesian National Revolution (1945–1949) and afterwards, kroncong was associated with patriotism, since many of Indonesian poets and patriotic songs authors uses kroncong and somewhat jazz fusion as the genre of their works. The patriotic theme and romantic wartime romance was obvious in the works of Ismail Marzuki, such as "Rayuan Pulau Kelapa", "Indonesia Pusaka", "Sepasang Mata Bola", "Keroncong Serenata" and "Juwita Malam". These patriotic songs can be sung in hymn or even in orchestra, but most often was sung in kroncong style known as kroncong perjuangan (struggle kroncong). The kroncong divas; Waldjinah, Sundari Sukoco and Hetty Koes Endang, was instrumental in reviving the style in the 1980s.

Лангам Джава

Существует стиль кроноконг, зародившийся в Суракарте (Соло), под названием лангам джава, который сочетает в себе кроноконг и семитоновую гамму геймелана.

Гамбанг-кромгонг

В начале 20-го века кронконг использовался в театральном жанре под названием Komedi Stambul; музыка, адаптированная для этого, получила название гамбанг-кромгонг. Гамбанг-кромгонг широко распространен в культуре бетави Джакарты.

Танджидор

Танджидор — традиционный музыкальный ансамбль бетави из Джакарты. Инструменты, используемые в нём, во многом схожи с инструментами военного марширующего оркестра и/или оркестра барабанщиков, и обычно включают тубу или сусафон, трубу, кларнет, тамбурин и барабаны. Название «танджидор» произошло от португальских слов *tanger* (играть музыку) и *tangedor* (играть музыку на открытом воздухе), которые впоследствии были адаптированы в языке бетави как *танджи* (музыка).

Кампуссарри

Музыкальный жанр, сочетающий традиционную яванскую музыку и дангдут, широко распространен в яванской культурной среде, преимущественно в Центральной Яве, Йогьякарте и Восточной Яве. Вероятно, наиболее выдающимся современным исполнителем этого жанра является Диди Кемпот. В западной части Явы возникла и развилась сунданская версия дангдута или Campursari, основанная на традиционной музыке Jaipong с характерным ритмом барабанов.

Дангдут

Дангдут – популярный традиционный музыкальный жанр Индонезии, частично восходящий к индийской, арабской и малайской музыке. Он состоит из мелодичной и гармоничной музыки, в которой центральное место занимает табла как ударный ритм, особенно в классических версиях дангдута. Изначально это была индонезийская танцевальная музыка, распространившаяся по всей Юго-Восточной Азии и ставшая доминирующим поп-стилем в середине 1970-х годов. Дангдут известен своим пульсирующим ритмом и слегка назидательными текстами, привлекающими молодежь, и звезды дангдута доминируют на современной поп-сцене. Однако дангдут, особенно в исполнении певиц, часто включает в себя откровенные танцевальные движения и вызывающие тексты, чтобы привлечь более широкую аудиторию. Это развитие встретило резкое неприятие со стороны консервативных артистов дангдута старшего поколения. Дангдут строится вокруг вокалистов, его звезды – Рома Ирама и Элви Сукаеси (король и королева дангдута), Мансур С., А. Рафик, Камелия Малик и Фахми Шахаб, а также Сиси Парамида, Эви Тамала, Инул Даратиста, Джулия Перес и Деви Персик из более молодого поколения.

Современная музыка

Современная музыка Индонезии разнообразна и динамична. На протяжении всей своей истории индонезийские музыканты были открыты для зарубежных влияний различных музыкальных жанров. Американский джаз активно продвигался в Азии, а фокстроты, танго, румбы, блюз и стили игры на гавайской гитаре подражались индонезийскими музыкантами. В результате в рамках индонезийской музыки сформировались различные жанры: индонезийская поп-музыка, рок, джаз и хип-хоп. Индонезийская музыка также играет важную роль в индонезийской современной поп-культуре, особенно в качестве саундтреков или заставок к индонезийским фильмам и синетронам (индонезийским телесериалам). Индонезийский фильм «Badai Pasti Berlalu» (1977) породил успешный одноименный саундтрек в том же году, который был переработан в 1999 году с Крисье в качестве основного вокалиста и аранжирован Эрвином Гутавой в оркестровом стиле. В 2007 году фильм был перезапущен с новым саундтреком, в котором те же песни были исполнены артистами нового поколения. Другой популярный индонезийский молодежный фильм «Ada Apa Dengan Cinta» (2002) также выпустил успешные саундтреки, большинство песен для которых были написаны и исполнены Мелли Гоеслау. Сегодня индонезийская музыкальная индустрия пользуется всенародной популярностью. Благодаря общности культуры и взаимопониманию языков между индонезийским и малайским, индонезийская музыка приобрела региональную популярность в соседних странах, таких как Малайзия, Сингапур и Бруней. Однако чрезмерная популярность индонезийской музыки в Малайзии вызвала обеспокоенность в малайзийской музыкальной индустрии. В 2008 году малайзийская музыкальная индустрия потребовала ограничить трансляцию индонезийских песен на малайзийском радио.

Оркестр

Западная классическая музыка достигла Индонезии в эпоху голландской Ост-Индии еще в 18 веке, но ею наслаждались лишь немногие богатые голландские владельцы плантаций и чиновники в элитных социальных клубах и бальных залах, таких как Societeit Harmonie в Батавии и Societeit Concordia в Бандунге. De Schouwburg van Batavia (сегодня Gedung Kesenian Jakarta) был спроектирован как концертный зал в 19 веке. Классическая музыка была доступна лишь утонченным, богатым и образованным представителям высшего класса и не проникла в остальное население во время колониальной эпохи Ост-Индии. Тип западной музыки, преодолевший социальный барьер в то время, – это Кронконг, считавшийся музыкой низших классов. Любительская группа под названием Bataviasche Philharmonic Orchestra была основана в голландские колониальные времена. Она стала оркестром NIROM, когда в 1912 году родилась радиостанция Nederlandsch Indische Radio Omroep Maatschappij. Сегодня она известна как Джакартский симфонический оркестр, существующий в музыкальном мире страны почти столетие, меняя свои форматы в соответствии с преобладающими тенденциями и потребностями. В 1950 году в результате слияния Космополитанского оркестра под руководством Джоэля Клебера и Джакартского студийного оркестра под руководством Сутеджо и Искандара появился Джакартский радиооркестр под управлением Хенки Страке для исполнения классического репертуара, а Джакартский студийный оркестр под руководством Сяифул Бахри специализировался на индонезийских произведениях. В 2010 году Джакартский симфонический оркестр вернулся после довольно длительного перерыва. В 1960-х – 1980-х годах классическая музыка в Индонезии транслировалась в основном национальной радиовещательной службой Radio Republik Indonesia (RRI) и национальной телекомпанией Televisi Republik Indonesia (TVRI) в своих программах. В эти десятилетия классический оркестр в основном развивался в университетах как внеклассная деятельность для студентов, включавшая хор. В 1990-х годах начали формироваться группы профессиональных симфонических оркестров, в частности, The Twilite Orchestra под руководством Ади М.С., основанный в июне 1991 года, изначально как ансамбль из 20 музыкантов. С тех пор ансамбль превратился в полноценный симфонический оркестр с 70 музыкантами, 63-членным хором Twilite и репертуаром, охватывающим произведения от Бетховена до The Beatles. Оркестр играет важную роль в продвижении индонезийской музыки, особенно в сохранении национальных песен индонезийских композиторов и традиционных песен. При поддержке Викторианского филармонического оркестра и хора Twilite, Addie MS перезаписал национальный гимн Индонезии, Indonesia Raya, В.Р. Супратмана в оригинальной оркестровой аранжировке Жоса Клебера, а также другие популярные национальные песни Индонезии в альбоме Simfoni Negeriku. Индонезийский композитор, считающийся наиболее выдающимся и известным во всем мире в области классической/современной музыки, – это Ананда Сукарлан (родился в 1968 году), автор множества оркестровых, камерных и инструментальных произведений. Его самые известные работы – это серия виртуозных Rapsodia Nusantara для фортепиано соло, с музыкальными мотивами, основанными на индонезийском фольклоре. Он писал произведения для музыкантов, таких как Бостонский симфонический оркестр, скрипачка Мидори Гото и др., и его произведения широко исполняются во всем мире.

Western classical music reached Indonesia in the era of Dutch East Indies as early as the 18th century, but it was enjoyed only by a handful of wealthy Dutch plantation owners and officers in elite social clubs and ballrooms such as Societeit Harmonie in Batavia and Societeit Concordia in Bandung. De Schouwburg van Batavia (today Gedung Kesenian Jakarta) was designed as a concert hall in the 19th century. Classical music has been restricted to the refined, wealthy and educated high class citizen, and never penetrated the rest of the population during the East Indies colonial era. The type of western derived music that transcended the social barrier at that time was Kroncong, known as lower class music. An amateur group called Bataviasche Philharmonic Orchestra was established in Dutch colonial times. It became the NIROM orchestra when the radio broadcasting station Nederlandsch Indische Radio Omroep Maatschappij was born in 1912. Today it is known as Jakarta Symphony Orchestra that has existed in the country's musical world for almost a century through its changing formats to suit prevailing trends and needs. In 1950, a merger of the Cosmopolitan Orchestra under Joel Cleber and the Jakarta Studio Orchestra under Sutedjo and Iskandar appeared as the Djakarta Radio Orchestra under Henkie Strake for classical repertoires, and the Jakarta Studio Orchestra led by Syaiful Bachri specialised in Indonesian pieces. In 2010 Jakarta Symphony Orchestra staged a comeback after a fairly long absence. In the 1960s to 1980s classical music in Indonesia aired mainly by the national radio broadcasting service Radio Republik Indonesia (RRI) and the national TV station Televisi Republik Indonesia (TVRI) through their programs. During these decades, the classical orchestra mainly developed in universities as an extracurricular activity for students which included choir. In the 1990s the group of professional symphony orchestra start to take form, notably The Twilite Orchestra led by Adie MS, was founded in June 1991, initially an ensemble with 20 musicians. The ensemble has developed since then into a full symphonic orchestra with 70 musicians, a 63 member Twilite Chorus, and a repertoire that ranges from Beethoven to The Beatles. The orchestra has played a role in promoting Indonesian music, especially in the preservation of national songs by Indonesian composers and traditional songs. Aided by the Victorian Philharmonic Orchestra with the Twilite Chorus, Addie MS re recorded the Indonesian national anthem, Indonesia Raya, by WR Supratman in its original orchestral arrangement by Jos Cleber, as well as other Indonesian popular national songs in the album Simfoni Negeriku. The Indonesian composer who is considered most prominent and well known worldwide in the classical / contemporary music is Ananda Sukarlan (born 1968), with many orchestral works, chamber and instrumental. His most celebrated works are a series of virtuosic Rapsodia Nusantara for piano solo, with musical motifs based on Indonesian folktunes. He has written works for musicians such as from the Boston Symphony Orchestra, violinist Midori Goto etc., and his works are widely performed worldwide

Сегодня крупные города, такие как Джакарта, Бандунг, Йогьякарта, Сурабая, Медан и Батам, хорошо знакомы с оркестровой музыкой, имея собственные симфонические группы. В Джакарте, например, есть Симфонический оркестр Нусантара, оркестр Twilite и камерный оркестр Джакарты. В Индонезии также существует множество патриотических песен, которые используются, исполняются и запоминаются населением, некоторые из этих национальных песен использовались еще в колониальную эпоху голландской Ост-Индии, во время японской оккупации и в современной Индонезии. Многие из этих песен были записаны с использованием оркестровых записей на различных альбомах, таких как "Simfoni Negeriku" под руководством Addie MS.

Поп

Индонезийская поп-музыка сегодня, известная просто как "поп-Индонезия", испытывает влияние тенденций и записей из западной музыки. Хотя очевидны влияния, начиная от американской и британской поп-музыки, а также азиатского J-попа, феномен индонезийской поп-музыки не является полностью заимствованным; он выражает настроения и стили современной индонезийской жизни. Koes Bersaudara, позже трансформировавшаяся в Koes Plus, считается одним из пионеров индонезийской поп- и рок-н-ролльной музыки в 1960-х и 1970-х годах. В музыке Koes Bersaudara было очевидно влияние американской и британской музыки, The Beatles были признаны основным источником вдохновения для этой группы. Несколько индонезийских музыкантов пережили десятилетия и стали легендами индонезийской музыки, такие как поп- и балладные певцы Иван Фальс и Крисье; рок-легенды God Bless, Panbers и D'Lloyd; маэстро дангдута Рома Ирама. Одной из самых влиятельных индонезийских певиц в поп-музыке, особенно в начале 2000-х, является Агнес Моника, позже известная как Агнез Мо. В конце 1990-х и 2000-х годах популярными группами были Slank, Dewa 19, Peterpan, Gigi, Sheila on 7, Jamrud, Padi, Ungu, Radja, Letto, D'Masiv и Nidji, все из которых регулярно гастролировали в Индонезии, Сингапуре и Малайзии и появлялись на MTV Asia. Некоторые индонезийские поп-группы обратились к своим малайским корням и возродили жанр под названием "Band Pop Melayu" (Поп-малайская группа), который стал популярным в конце 2000-х годов. В число малайских поп-групп входят Kangen Band, WALI, Hijau Daun, Armada, Angkasa и ST 12. Индонезийская поп-музыка 1980-х годов часто называется "индонезийским сити-попом" из-за воспринимаемого сходства с японским жанром. Японский сити-поп сам по себе приобрел популярность среди молодежи и начинающих музыкантов в конце 2010-х годов благодаря Интернету. Последние иностранные влияния на индонезийскую поп-музыку исходят из японской поп-музыки. Некоторые группы, такие как J Rocks, подражают японской поп-культуре. Девичьи группы также распространяются наряду с бой-бендами, такие как 7icons и Cherrybelle, а также JKT48, являющаяся ответвлением японской AKB48.

Indonesian pop music today, known simply as "pop Indonesia" sometimes influenced by trends and recordings from West music,. Although influences ranging from American pop, British pop, and also Asian J pop are obvious, the Indonesian pop phenomena is not completely derivative; it expresses the sentiments and styles of contemporary Indonesian life. Koes Bersaudara later formed as Koes Plus is considered one of the pioneers of Indonesian pop and rock and roll music in the 1960s and 1970s. The American and British music influences were obvious in the music of Koes Bersaudara, The Beatles were known to be the main influences of this band. Several Indonesian musician were survived through decades and become Indonesian music legends, such as pop and ballad singers Iwan Fals and Chrisye; rock legend God Bless, Panbers, and D'Lloyd; dangdut maestro Rhoma Irama. One of the most influential Indonesian singers in pop music scene, especially during early 2000, is Agnes Monica, who had later known as Agnez Mo. In late 90s through 2000s, the popular bands include Slank, Dewa 19, Peterpan, Gigi, Sheila on 7, Jamrud, Padi, Ungu, Radja, Letto, D'Masiv and Nidji, all of which tour regularly in Indonesia, Singapore and Malaysia and was featured on MTV Asia. Some of Indonesian pop bands are rekindled with their Malay roots and revived a genre called "Band Pop Melayu" (Pop Malay Band) and popular in the late 2000s. The pop Malay bands include Kangen Band, WALI, Hijau Daun, Armada, Angkasa and ST 12. Indonesian pop music from the 1980s and 1980 are commonly referred to as "Indonesian city pop", due to their perceived similarities to the Japanese genre. The Japanese city pop itself gained popularity among youngsters and amateur musicians in the late 2010s via the Internet. The most recent foreign influences on Indonesian pop music are influenced from Japanese pop. Several bands such as J Rocks emulate Japanese pop culture. Girl groups are also spreading among boy bands, such as 7icons and Cherrybelle, as well as JKT48 which is an offshoot of the Japanese AKB48.

Камень

Как и поп-музыка, индонезийская рок-сцена также сильно подверглась влиянию развития рок-музыки в Америке. Вероятно, наиболее влиятельными индонезийскими рок-группами были Panbers и God Bless, пользовавшиеся популярностью в 1970-х и 1980-х годах. В конце 1980-х – середине 1990-х годов в Индонезии широкую известность приобрели несколько женщин-рок-исполнительниц, известных как "Lady Rockers", такие как Ники Астриа, Найк Ардилла и Анггун, которая начала свою карьеру как поп-рок-певица в Индонезии, прежде чем переехать во Францию и продолжить международную карьеру. Среди других заметных рок-групп – Slank и Jamrud. Существуют также метал-группы, такие как металкор-группа Killing Me Inside, группа, играющая в жанрах Death Metal / Grindcore, Jasad, и группа Groove Metal / Metalcore Burgerkill. Панк-сцена также имела устойчивый успех в андеграунде, а такие группы, как Pee Wee Gaskins, Superman Is Dead и Netral, вышли в мейнстрим. Известным исполнителем ска-музыки является Tipe X.

Джаз-фьюжн

Некоторые индонезийские музыканты и группы обращались к джазовой музыке. Среди известных индонезийских джазовых музыкантов – Джек Лесмана, Бенни Ликумахуа, Бенни Мустафа, Марионо, Буби Чен Малик и D'Essentials. Многие другие коллективы сочетают современную вестернизированную джаз-фьюжн музыку с традиционными этническими музыкальными традициями своих родных городов. В случае с Krakatau и SambaSunda, группами из Западной Явы, традиционные сунданские качапи и оркестр гамелана исполняются вместе с барабанной установкой, клавишными и гитарами. Международный Джаз-фестиваль в Джакарте проводится ежегодно. Последние тенденции в развитии джаза в Индонезии проявляются в увеличении количества джазовых фестивалей, проводимых каждый год.

Инди-сцена

К концу 2000-х годов в мейнстрим вышли несколько инди-групп, таких как Mocca, White Shoes & the Couples Company и Efek Rumah Kaca, которые стали создавать саундтреки к фильмам и впоследствии гастролировать за рубежом. С наступлением нового десятилетия (2010-х годов) инди-музыка прочно вошла в массовую культуру, завоевав особую популярность среди подростков благодаря своим минималистичным, меланхоличным звучаниям и текстам, отражающим проблемы их возраста. Коммерческий успех жанра обеспечили Payung Teduh, Fourtwenty, Stars and Rabbit, Danilla, Banda Neira, Barasuara и Fiersa Besari.