Мелодрама: от истории к современной критике.

Введение

Драматическое произведение, преувеличивающее сюжет и персонажей для воздействия на эмоции.

Современная мелодрама – это драматическое произведение, в котором сюжет, как правило, сенсационный и рассчитанный на сильное эмоциональное воздействие, превалирует над детальной проработкой персонажей. Мелодрамы обычно сосредоточены на диалогах, часто патетических или чрезмерно сентиментальных, а не на действии. Персонажи часто одномерны и созданы для соответствия стереотипам. Действие мелодрам обычно разворачивается в частной жизни, фокусируясь на морали, семейных проблемах, любви и браке, нередко с противостоянием внешних сил, таких как соблазнительница, негодяй или аристократический злодей. Постановка мелодрамы на сцене, в кино или на телевидении обычно сопровождается драматичной и выразительной музыкой, дающей зрителю подсказки о происходящем. В академическом и историческом музыкальном контексте мелодрамы – это викторианские драмы, в которых оркестровая музыка или пение использовались для сопровождения действия. В настоящее время этот термин также применяется к театральным постановкам без музыкального сопровождения, романам, фильмам, телепередачам и радиопостановкам. В современном контексте термин "мелодрама" обычно носит пренебрежительный оттенок, подразумевая отсутствие у произведения тонкости, глубины проработки персонажей или и того, и другого. Соответственно, язык или поведение, напоминающие мелодраму, часто называют мелодраматичными; такое употребление почти всегда негативно окрашено.

Этимология

Термин произошел от французского слова mélodrame начала XIX века. Оно образовано от греческого μέλος mélos, "песня, напев" (сравните "мелодия", от μελωδία melōdia, "пение, песня"), и французского drame, драма (от поздней латыни drāma, восходящего в конечном итоге к классическому греческому δράμα dráma, "театральный сюжет", как правило, греческой трагедии).

Характеристики

Отношения мелодрамы и реализма сложны. Главными героями мелодраматических произведений могут быть обычные (и, следовательно, реалистично изображенные) люди, вовлеченные в необычайные события, или сильно преувеличенные и нереалистичные персонажи. Благодаря своей высокой эмоциональности и драматической риторике, мелодрама представляет собой «победу над подавлением». Мелодрама позднего викторианского и эдвардианского периодов сочетала в себе сознательный акцент на реализме в сценических декорациях и реквизите с «антиреализмом» в характерах и сюжете. Мелодрама этого периода стремилась к «правдоподобной точности в изображении невероятных, экстраординарных» сцен. Романист Уилки Коллинз известен своим вниманием к точности в деталях (например, в юридических вопросах) в своих произведениях, независимо от сенсационности сюжета. В мелодрамах основное внимание уделяется жертве. Это борьба между добром и злом, например, когда муж поддаётся уговорам покинуть семью от "злой соблазнительницы". Другие типичные персонажи – "падшая женщина", одинокая мать, сирота и мужчина, борющийся с влиянием современного мира. Текст пьесы был написан в 1762 году, но впервые поставлен в Лионе в 1770 году. Руссо сочинил увертюру и анданте, но основную часть музыки написал Гораций Койнье. Другая музыкальная постановка "Пигмалиона" Руссо, созданная Антоном Швейцером, была исполнена в Веймаре в 1772 году, и Гёте одобрительно отозвался о ней в "Поэзии и правде". "Пигмалион" – это монодрама, написанная для одного актёра. В Германии в последнем квартале XVIII века было создано около 30 монодрам. Когда в спектакле участвовали два актёра, использовался термин "дуодрама". Георг Бенда особенно преуспел в своих дуодрамах "Ариадна на Наксосе" (1775) и "Медея" (1775). Ошеломляющий успех мелодрам Бенды побудил других композиторов писать подобные произведения, в том числе Моцарта, который одобрительно отзывался о музыке Бенды и позже сам использовал два длинных мелодраматических монолога в своей опере "Заида" (1780). Другие, более поздние и известные примеры мелодраматического стиля в опере – сцена копания могилы в "Фиделио" Бетховена (1805) и сцена заклинаний в "Вольном стрелке" Вебера (1821). После английской Реставрации Карла II в 1660 году, отменившей пуританский запрет на театр, большинству британских театров было запрещено ставить "серьёзные" драмы, но им разрешалось показывать комедии или пьесы с музыкой. Карл II выдал патенты, разрешавшие только двум лондонским театральным компаниям ставить "серьёзные" драмы. Это были Theatre Royal, Drury Lane и теннисный корт Лисла в Линкольн Инн Филдс, последний из которых в 1720 году переехал в Theatre Royal, Covent Garden (ныне Королевский оперный театр). Два театра по патенту закрывались в летние месяцы. Чтобы заполнить этот пробел, в 1766 году Theatre Royal, Haymarket стал третьим театром в Лондоне, получившим патент. В конечном итоге патенты были выданы одному театру в каждом из нескольких других английских городов. Другие театры представляли драмы, подчёркнутые музыкой, и, заимствуя французский термин, называли их мелодрамами, чтобы обойти это ограничение. Закон о театрах 1843 года, наконец, разрешил всем театрам ставить драмы.

The relationship of melodrama compared to realism is complex. The protagonists of melodramatic works may be ordinary (and hence realistically drawn) people who are caught up in extraordinary events or highly exaggerated and unrealistic characters. With regard to its high emotions and dramatic rhetoric, melodrama represents a "victory over repression". Late Victorian and Edwardian melodrama combined a conscious focus on realism in stage sets and props with "anti realism" in character and plot. Melodrama in this period strove for "credible accuracy in the depiction of incredible, extraordinary" scenes. Novelist Wilkie Collins is noted for his attention to accuracy in detail (e. g. of legal matters) in his works, no matter how sensational the plot. Melodramas put most of their attention on the victim. A struggle between good and evil choices, such as a man being encouraged to leave his family by an "evil temptress". Other stock characters are the "fallen woman", the single mother, the orphan, and the male who is struggling with the impacts of the modern world. the text of which was written in 1762 but was first staged in Lyon in 1770. Rousseau composed the overture and an Andante, but the bulk of the music was composed by Horace Coignet. A different musical setting of Rousseau's Pygmalion by Anton Schweitzer was performed in Weimar in 1772, and Goethe wrote of it approvingly in Dichtung und Wahrheit. Pygmalion is a monodrama, written for one actor. Some 30 other monodramas were produced in Germany in the fourth quarter of the 18th century. When two actors were involved, the term duodrama could be used. Georg Benda was particularly successful with his duodramas Ariadne auf Naxos (1775) and Medea (1775). The sensational success of Benda's melodramas led others to compose similar works, including Mozart who spoke approvingly of Benda's music and later himself used two long melodramatic monologues in his opera Zaide (1780). Other later and better known examples of the melodramatic style in operas are the grave digging scene in Beethoven's Fidelio (1805) and the incantation scene in Weber's Der Freischütz (1821). After the English Restoration of Charles II in 1660 which lifted the Puritan ban on theatre, most British theatres were prohibited from performing "serious" drama but were permitted to show comedy or plays with music. Charles II issued letters patent to permit only two London theatre companies to perform "serious" drama. These were the Theatre Royal, Drury Lane and Lisle's Tennis Court in Lincoln's Inn Fields, the latter of which moved to the Theatre Royal, Covent Garden in 1720 (now the Royal Opera House). The two patent theatres closed in the summer months. To fill the gap, the Theatre Royal, Haymarket became a third patent theatre in London in 1766. Further letters patent were eventually granted to one theatre in each of several other English towns and cities. Other theatres presented dramas that were underscored with music and, borrowing the French term, called it melodrama to get around the restriction. The Theatres Act 1843 finally allowed all the theatres to play drama.

XIX век: оперетта, музыка и развлечения в салонах

В начале XIX века влияние оперы привело к музыкальным увертюрам и сопутствующей музыке для многих пьес. В 1820 году Франц Шуберт написал мелодраму «Волшебная арфа» («Die Zauberharfe»), создав музыку к пьесе Г. фон Хофмана. Она оказалась неудачной, как и все театральные предприятия Шуберта, но жанр мелодрамы в то время был популярен. В эпоху низкооплачиваемых музыкантов многие лондонские спектакли XIX века сопровождались оркестром в яме. В 1826 году Феликс Мендельсон написал свою известную увертюру к «Сну в летнюю ночь» Шекспира, а позже снабдил пьесу сопутствующей музыкой. В «Травиате» Верди Виолетта получает письмо от отца Альфредо, в котором он пишет, что Альфредо теперь знает причину их разлуки и прощает её («Teneste la promessa»). Говорящим голосом она произносит слова письма, а оркестр воспроизводит музыку их первой любви из первого акта: технически это и есть мелодрама. Вскоре Виолетта изливается в страстной отчаянной арии («Addio, del passato»): это снова опера. Подобным образом, викторианцы часто добавляли «случайную музыку» под диалоги к уже существующим пьесам, хотя этот стиль композиции практиковался ещё во времена Людвига ван Бетховена («Эгмонт») и Франца Шуберта («Розамунда»). (Этот тип часто роскошных постановок в настоящее время в основном ограничен кинематографом (см. музыка к фильму) из-за стоимости найма оркестра. Современные технологии записи способствуют некоторому возрождению этой практики в театре, но не в прежнем масштабе.) Особенно полная версия этой формы – музыка Салливана к «Лесникам» Теннисона – доступна в сети, включая несколько мелодрам, например, № 12, которую можно найти здесь. Некоторые оперетты демонстрируют мелодраму в смысле музыки, звучащей под разговорным диалогом; например, в «Руддигоре» Гилберта и Салливана (само по себе пародийное произведение на мелодрамы в современном понимании) есть короткая «мелодрама» (в большинстве постановок сокращённая до одного диалога) во втором акте; «Орфей в подземном мире» Жака Оффенбаха начинается с мелодрамы, исполняемой персонажем «Общественного мнения»; другие фрагменты из оперетт и мюзиклов также можно считать мелодрамами, например, «Речитатив и менуэт» из «Чародея» Гилберта и Салливана. В качестве примера из американского мюзикла, несколько длинных монологов в «Бригадуне» Лернера и Лоуи произносятся под аккомпанемент выразительной музыки. Этот приём часто используется в испанской сарсуэле, как в XIX, так и в XX веках, и продолжал применяться в опере как «спецэффект», например, в «Женщине без тени» Рихарда Штрауса. В Париже в XIX веке мелодрама процветала во множестве театров, расположенных на популярном бульваре дю Крим, особенно в театре Гайте. Однако всё это закончилось, когда большинство этих театров были снесены во время перестройки Парижа бароном Оссманом в 1862 году. К концу XIX века термин «мелодрама» практически исключительно сузился до определённого жанра салонных развлечений: более или менее ритмично произносимые слова (часто стихи) – не исполняемые вокально, иногда сопровождаемые мимикой, по крайней мере, с некоторой драматической структурой или сюжетом – синхронизированные с музыкальным сопровождением (обычно фортепиано). Этот жанр считался низкопробным для авторов и композиторов второго ряда (вероятно, поэтому практически не сохранилось его образцов), хотя примеры можно найти у Роберта Шумана («Баллады для декламации», 1850-е годы) и Рихарда Штрауса для рассказчика и фортепиано («Энох Арден», 1897 год). Английский композитор Стэнли Хоули создал множество подобных произведений, некоторые из которых были исполнены на первом сезоне «Henry Wood Proms» в Лондоне. Вероятно, именно в это время с этим термином впервые стали ассоциировать дешёвую, преувеличенную игру. Как жанр, сочетающий повествование и камерную музыку, он был практически мгновенно вытеснен одним произведением: «Лунным пиером» Шёнберга (1912), где вместо ритмично произносимых слов использовался «Спрехгезанг», а сюжетная линия была более свободной и изобретательной.

In the early 19th century, opera's influence led to musical overtures and incidental music for many plays. In 1820, Franz Schubert wrote a melodrama, Die Zauberharfe ("The Magic Harp"), setting music behind the play written by G. von Hofmann. It was unsuccessful, like all Schubert's theatre ventures, but the melodrama genre was at the time a popular one. In an age of underpaid musicians, many 19th century plays in London had an orchestra in the pit. In 1826, Felix Mendelssohn wrote his well known overture to Shakespeare's A Midsummer Night's Dream, and later supplied the play with incidental music. In Verdi's La Traviata, Violetta receives a letter from Alfredo's father where he writes that Alfredo now knows why she parted from him and that he forgives her ("Teneste la promessa "). In her speaking voice, she intones the words of what is written, while the orchestra recapitulates the music of their first love from Act I: this is technically melodrama. In a few moments, Violetta bursts into a passionate despairing aria ("Addio, del passato"): this is opera again. In a similar manner, Victorians often added "incidental music" under the dialogue to a pre existing play, although this style of composition was already practiced in the days of Ludwig van Beethoven (Egmont) and Franz Schubert (Rosamunde). (This type of often lavish production is now mostly limited to film (see film score) due to the cost of hiring an orchestra. Modern recording technology is producing a certain revival of the practice in theatre, but not on the former scale.) A particularly complete version of this form, Sullivan's incidental music to Tennyson's The Foresters, is available online, complete with several melodramas, for instance, No. 12 found here. A few operettas exhibit melodrama in the sense of music played under spoken dialogue, for instance, Gilbert and Sullivan's Ruddigore (itself a parody of melodramas in the modern sense) has a short "melodrame" (reduced to dialogue alone in many productions) in the second act; Jacques Offenbach's Orpheus in the Underworld opens with a melodrama delivered by the character of "Public Opinion"; and other pieces from operetta and musicals may be considered melodramas, such as the "Recit and Minuet" in Gilbert and Sullivan's The Sorcerer. As an example from the American musical, several long speeches in Lerner and Loewe's Brigadoon are delivered over an accompaniment of evocative music. The technique is also frequently used in Spanish zarzuela, both in the 19th and 20th centuries, and continued also to be used as a "special effect" in opera, for instance Richard Strauss's Die Frau ohne Schatten. In Paris, the 19th century saw a flourishing of melodrama in the many theatres that were located on the popular Boulevard du Crime, especially in the Gaîté. All this came to an end, however, when most of these theatres were demolished during the rebuilding of Paris by Baron Haussmann in 1862. By the end of the 19th century, the term melodrama had nearly exclusively narrowed down to a specific genre of salon entertainment: more or less rhythmically spoken words (often poetry) – not sung, sometimes more or less enacted, at least with some dramatic structure or plot – synchronized to the accompaniment of music (usually piano). It was looked down on as a genre for authors and composers of lesser stature (probably also why virtually no realizations of the genre are still remembered) though there are examples by Robert Schumann (Ballads for Declaration, 1850s) and Richard Strauss for narrator and piano (Enoch Arden (1897). The English composer Stanley Hawley made many such settings, some of which were performed at the first season of the Henry Wood Proms in London. It was probably also at this time when the connotation of cheap overacting first became associated with the term. As a cross over genre mixing narration and chamber music, it was eclipsed nearly overnight by a single composition: Schoenberg's Pierrot Lunaire (1912), where Sprechgesang was used instead of rhythmically spoken words, and which took a freer and more imaginative course regarding the plot prerogative.

Опера

Большинство опер – это мелодрамы. Эмоциональное напряжение передаётся и усиливается соответствующей музыкой. В основе большинства сюжетов лежат истории о персонажах, преодолевающих или погибающих под натиском масштабных событий, таких как война, предательство, всепоглощающая любовь, убийство, месть, семейные распри или другие подобные грандиозные происшествия. Персонажи, как правило, изображены схематично, с чётким разделением на добродетельных и злодеев, при этом развитие характеров и нюансы ситуаций приносятся в жертву. События выстраиваются таким образом, чтобы наилучшим образом соответствовать чертам характера героев и наглядно демонстрировать их эмоциональное воздействие на них самих и окружающих. Преобладание мелодрамы в операх Доницетти в стиле бельканто, произведениях Беллини и практически во всех операх Верди и Пуччини очевидно, и примеров этому бесчисленное множество. Ярким примером служит огромное количество героинь, вынужденных справляться с неразрешимыми любовными ситуациями на фоне грандиозных обстоятельств, таких как Люция, Норма, Леонора, Тоска, Турандот, Мими, Чио-Чио-Сан, Виолетта, Гильда и многие другие.

Чехия

В контексте чешского национального возрождения мелодрама приобрела особое националистическое значение для чешских художников, начиная примерно с 1870-х годов и продолжаясь вплоть до Первой Чехословацкой Республики межвоенного периода. Это новое понимание мелодрамы возникло главным образом благодаря таким ученым и критикам XIX века, как Отакар Хостинский, который считал этот жанр уникальным «чешским» вкладом в историю музыки (основываясь на национальном происхождении Георга Бенды, чьи мелодрамы, тем не менее, были написаны на немецком языке). Подобные настроения побудили множество чешских композиторов создавать мелодрамы на основе чешской романтической поэзии, например, сборника «Китице» Карела Яромира Эрбена. Особенно активно жанр поддерживал романтический композитор Зденек Фибих, который рассматривал мелодраму как средство правильной постановки чешской деklamации: в его мелодрамах «Штедры́ ден» (1874) и «Водник» (1883) ритмическая длительность используется для точного соотнесения произносимого слова и аккомпанемента. Главным достижением Фибиха стала «Ипподамия» (1888–1891) – трилогия полномасштабных вечерних мелодрам на тексты Ярослава Врхлицкого с участием нескольких актеров и оркестра, написанная в передовой вагнеровской музыкальной стилистике. Важным вкладом Йозефа Сука на рубеже веков стали мелодрамы к двум пьесам Юлиуса Зейера: «Радуз и Махулена» (1898) и «Под яблоней» (1901), обе из которых имели долгую сценическую историю. Следуя примеру Фибиха и Сука, многие другие чешские композиторы создавали мелодрамы как самостоятельные произведения на основе поэзии периода Национального возрождения, среди них Карел Коваржович, Отакар Острчил, Ладислав Вычпалек, Отакар Иеремиаш, Эмиль Аксман и Ян Зелинка. Витезслав Новак включил фрагменты мелодрамы в свою оперу «Луцерна» (1923), а Ярослав Ежек сочинил ключевые сцены для пьес Osvobozené divadlo в форме мелодрамы (в частности, вступительный пролог антифашистской фарсы «Осёл и тень» (1933), исполненный персонажем Диониса в ритме болеро). Практика создания чешских мелодрам пошла на спад после установления нацистского протектората.

Within the context of the Czech National Revival, the melodrama took on a specifically nationalist meaning for Czech artists, beginning roughly in the 1870s and continuing through the First Czechoslovak Republic of the interwar period. This new understanding of the melodrama stemmed primarily from such nineteenth century scholars and critics as Otakar Hostinský, who considered the genre to be a uniquely "Czech" contribution to music history (based on the national origins of Georg Benda, whose melodramas had nevertheless been in German). Such sentiments provoked a large number of Czech composers to produce melodramas based on Czech romantic poetry, such as the Kytice of Karel Jaromír Erben. The romantic composer Zdeněk Fibich in particular championed the genre as a means of setting Czech declamation correctly: his melodramas Štědrý den (1874) and Vodník (1883) use rhythmic durations to specify the alignment of spoken word and accompaniment. Fibich's main achievement was Hippodamie (1888–1891), a trilogy of full evening staged melodramas on the texts of Jaroslav Vrchlický with multiple actors and orchestra, composed in an advanced Wagnerian musical style. Josef Suk's main contributions at the turn of the century include melodramas for two stage plays by Julius Zeyer: Radúz a Mahulena (1898) and Pod Jabloní (1901), both of which had a long performance history. Following the examples of Fibich and Suk, many other Czech composers set melodramas as stand alone works based on the poetry of the National Revival, among them Karel Kovařovic, Otakar Ostrčil, Ladislav Vycpálek, Otakar Jeremiáš, Emil Axman, and Jan Zelinka. Vítězslav Novák included portions of melodrama in his 1923 opera Lucerna, and Jaroslav Ježek composed key scenes for the stage plays of the Osvobozené divadlo as melodrama (most notably the opening prologue of the anti Fascist farce Osel a stín (1933), delivered by the character of Dionysus in bolero rhythm). Czech melodramas' practice tapered off after the Nazi Protectorate.

Викторианский

В викторианской сценической мелодраме действовали шесть типичных персонажей: герой, злодей, героиня, пожилой родитель, помощник героя и слуга пожилого родителя, вовлеченные в сенсационный сюжет, затрагивающий темы любви и убийства. Зачастую добрый, но не слишком сообразительный герой становится жертвой коварного злодея, который положил глаз на девушку в беде, пока в конце не вмешивается судьба, обеспечивая торжество добра над злом. Двумя ключевыми особенностями были эффектный поворот сюжета, или *coup de théâtre*, и *claptrap* – пламенная речь героя, загнанного в угол, призванная вызвать бурные аплодисменты зрителей. Английская мелодрама выросла из традиции народной драмы, заложенной в Средние века мистериями и моралите, под влиянием итальянской комедии дель арте, а также немецкой драмы «Буря и натиск» и парижской мелодрамы послереволюционного периода. Выдающимся французским мелодраматистом был Пиксекур, чья пьеса «Женщина с двумя мужьями» пользовалась большой популярностью. Первой английской пьесой, названной мелодрамой или «мелодрамой», стала «Тайна» (1802) Томаса Холкрофта. Она являлась примером готического жанра, предшествующим театральным образцом которого была пьеса «Замковый призрак» (1797) Мэтью Грегори Льюиса. К другим готическим мелодрамам относятся «Мельник и его слуги» (1813) Айзека Покока, «Хижина лесника» (1814) Сэмюэля Арнольда и «Сломанный меч» (1816) Уильяма Даймонда. Сменив готику, следующим популярным поджанром стала морская мелодрама, которую впервые представил Дуглас Джеррольд в своей пьесе «Черноглазая Сьюзан» (1829). Другие морские мелодрамы включали «Мятеж на Норе» (1830) Джеррольда и «Красный корсар» (1829) Эдварда Фитцболла (Роуэлл, 1953). Сенсационные романы 1860-х и 1870-х годов не только послужили плодородной почвой для мелодраматических адаптаций, но и сами по себе носили мелодраматический характер. Ярким примером этого жанра является «Тайна леди Одли» Элизабет Брэддон, адаптированная в двух различных версиях Джорджем Робертсом и Си Хэйзлвудом. Романы Уилки Коллинза обладают чертами мелодрамы, а его наиболее известное произведение «Женщина в белом» некоторые современные критики считают «самой блестящей мелодрамой эпохи». Злодей часто является центральным персонажем в мелодраме, а преступления были излюбленной темой. Это включало драматизации кровавых деяний Берка и Хара, Суини Тодда (впервые появившегося в «Нити жемчуга» (1847) Джорджа Дибдина Питта), убийства Марии Мартен в Красном сарае и невероятных злодеяний Спринг-Хилд Джека. Несчастья освобожденного заключенного лежат в основе сенсационной пьесы Тома Тейлора «Человек с условным освобождением» (1863). Ранние немые фильмы, такие как «Опасности Полины», затрагивали схожие темы. Позже, после того как немые фильмы уступили место «звуковым», сценический актер Тод Слотчер, в возрасте 50 лет, перенес на экран викторианские мелодрамы, в которых он ранее играл злодеев. Эти фильмы, включая «Мария Мартен, или Убийство в Красном сарае» (1935), «Суини Тодд, демон-парикмахер с Флит-стрит» (1936) и «Человек с условным освобождением» (1937), являются уникальным свидетельством ушедшего вида искусства.

The Victorian stage melodrama featured six stock characters: the hero, the villain, the heroine, an aged parent, a sidekick, and a servant of the aged parent engaged in a sensational plot featuring themes of love and murder. Often the good but not very clever hero is duped by a scheming villain, who has eyes on the damsel in distress until fate intervenes at the end to ensure the triumph of good over evil. Two central features were the coup de théàtre, or reversal of fortune, and the claptrap: a back to the wall oration by the hero which forces the audience to applaud. English melodrama evolved from the tradition of populist drama established during the Middle Ages by mystery and morality plays, under influences from Italian commedia dell'arte as well as German Sturm und Drang drama and Parisian melodrama of the post Revolutionary period. A notable French melodramatist was Pixérécourt whose La Femme à deux maris was very popular. The first English play to be called a melodrama or 'melodrame' was A Tale of Mystery (1802) by Thomas Holcroft. This was an example of the Gothic genre, a previous theatrical example of which was The Castle Spectre (1797) by Matthew Gregory Lewis. Other Gothic melodramas include The Miller and his Men (1813) by Isaac Pocock, The Woodsman's Hut (1814) by Samuel Arnold and The Broken Sword (1816) by William Dimond. Supplanting the Gothic, the next popular subgenre was the nautical melodrama, pioneered by Douglas Jerrold in his Black Eyed Susan (1829). Other nautical melodramas included Jerrold's The Mutiny at the Nore (1830) and The Red Rover (1829) by Edward Fitzball (Rowell 1953). The sensation novels of the 1860s, and 1870s not only provided fertile material for melodramatic adaptations but are melodramatic in their own right. A notable example of this genre is Lady Audley's Secret by Elizabeth Braddon adapted, in two different versions, by George Roberts and C. H. Hazlewood. The novels of Wilkie Collins have the characteristics of melodrama, his best known work The Woman in White being regarded by some modern critics as "the most brilliant melodrama of the period". The villain is often the central character in melodrama, and crime was a favorite theme. This included dramatizations of the murderous careers of Burke and Hare, Sweeney Todd (first featured in The String of Pearls (1847) by George Dibdin Pitt), the murder of Maria Marten in the Red Barn and the bizarre exploits of Spring Heeled Jack. The misfortunes of a discharged prisoner are the theme of the sensational The Ticket of Leave Man (1863) by Tom Taylor. Early silent films, such as The Perils of Pauline had similar themes. Later, after silent films were superseded by the 'talkies', stage actor Tod Slaughter, at the age of 50, transferred to the screen the Victorian melodramas in which he had played a villain in his earlier theatrical career. These films, which include Maria Marten or Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) and The Ticket of Leave Man (1937) are a unique record of a bygone art form.

Генерические ответвления

Нортроп Фрай рассматривал рекламу и пропаганду как мелодраматические формы, которые образованные люди не могут воспринимать всерьез. Политика того времени прибегала к мелодраме для выражения картины мира. Таким образом, Ричард Овери утверждает, что в 1930-е годы в Британии цивилизацию воспринимали как находящуюся под мелодраматической угрозой: «В этой великой мелодраме Гитлеровская Германия была злодеем, а демократическая цивилизация – героиней, которой угрожает опасность», – в то время как Уинстон Черчилль стал необходимым, преувеличенно героическим персонажем, чтобы выразить отчаянное сопротивление во время «Блица».

Современный

Классическая мелодрама встречается на телевидении и в кино в западном мире реже, чем раньше. Однако она по-прежнему широко популярна в других регионах, особенно в Азии и странах Латинской Америки. Мелодрама – один из основных жанров (наряду с романтикой, комедией и фэнтези), используемых в латиноамериканских телесериалах (теленовелах), в частности в Венесуэле, Мексике, Колумбии, Аргентине и Бразилии, а также в азиатских телесериалах Южной Кореи, Японии, Тайваня, Китая, Пакистана, Таиланда, Индии, Турции и (в результате смешения латиноамериканской и азиатской культур) на Филиппинах. Диаспоры этих стран обеспечивают телесериалам глобальную аудиторию.

Фильм

Мелодрама – это поджанр драматических фильмов, характеризующийся сюжетами, вызывающими сильные эмоции у зрителей. В мелодраматических фильмах обычно используются сюжеты, связанные с кризисами человеческих чувств, несбывшимися романтическими отношениями или дружбой, сложными семейными обстоятельствами, трагедией, болезнью, неврозами или эмоциональными и физическими испытаниями. Типичные персонажи мелодрам включают жертв, пары, добродетельных и героических героев, а также страдающих протагонистов (чаще всего – героинь). Эти персонажи сталкиваются с огромным социальным давлением, угрозами, угнетением, страхами, невероятными событиями или трудностями в отношениях с друзьями, обществом, работой, возлюбленными или семьей. В соответствии с типичным мелодраматическим форматом, персонажи преодолевают свои трудности и разрешают проблемы. Часто напряжение в сюжете возникает из-за того, что персонажи чувствуют себя в ловушке в типичных для мелодрамы декорациях – домашней обстановке или маленького городка. Кинорежиссеры нередко используют флешбэки, чтобы расширить ограниченное пространство мелодраматических фильмов.

Феминизм в киномелодраме

Феминистки выделили четыре категории тем в киномелодраме: с участием женщины-пациента, материнской фигуры, "невозможной любви" и параноидальной мелодрамы. Фильм Тодда Хейнса "Далеко от рая" (2002) – более современная интерпретация мелодрамы. Современный режиссер Педро Альмодовар также черпал вдохновение во многих аспектах мелодраматического жанра и творчестве таких режиссеров, как Сирк.