Джуди Чикаго: Жизнь и творчество художницы-феминистки.

Введение

Американский художник (род. 1939). Чикаго вошел в список "100 самых влиятельных людей 2018 года" по версии журнала Time.

Ранняя жизнь и семья

В 1939 году Джуди Чикаго родилась Джудит Сильвия Коэн в Чикаго, штат Иллинойс, в семье Артура и Мэй Коэн. Ее отец происходил из двадцати трех поколений раввинов, включая литовского еврейского Вильнюсского Гаона. Нарушив семейную традицию, Артур стал профсоюзным организатором и марксистом. В эпоху маккартизма Артура подвергли расследованию, что затруднило ему поиск работы и принесло семье много потрясений. Мэй любила искусство и привила эту страсть своим детям. В возрасте трех лет Чикаго начала рисовать и посещала занятия в Институте искусств Чикаго. К пяти годам Чикаго знала, что «никогда не хотела заниматься ничем, кроме искусства». Некоторое время пара жила в Гринвич-Виллидж, прежде чем в 1960 году вернуться из Лос-Анджелеса в Чикаго, чтобы она могла закончить учебу. Чикаго вышла замуж за Геровица в 1961 году. В 1962 году она получила степень бакалавра изящных искусств и стала членом общества Phi Beta Kappa. Смерть Геровица в автокатастрофе в 1963 году стала для Чикаго страшным ударом и вызвала у нее кризис идентичности, который продолжался несколько лет. В 1964 году она получила степень магистра изящных искусств в UCLA. В 1968 году Чикаго спросили, почему она не участвовала в выставке «Калифорнийские женщины в искусстве» в Центре Литона, на что она ответила: «Я не буду выставляться в группах, определяемых как женские, еврейские или калифорнийские. Когда-нибудь, когда мы все повзрослеем, ярлыков не будет». Чикаго начала работать со скульптурой изо льда, которая представляла собой «метафору драгоценности жизни», еще одну отсылку к смерти мужа. В 1969 году в Художественном музее Пасадены была выставлена серия сферических скульптур и рисунков из акрилового пластика в «экспериментальной» галерее. Журнал Art in America заявил, что работы Чикаго находятся на переднем крае концептуального искусства, а Los Angeles Times описал их как не демонстрирующие признаков «теоретического искусства нью-йоркского типа». Чикаго также экспериментировала с перформансами, используя фейерверки и пиротехнику для создания «атмосфер», включавших вспышки цветного дыма, управляемые на открытом воздухе. В это время Чикаго начала исследовать свою собственную сексуальность в своем творчестве. Она создала «Pasadena Lifesavers» – серию абстрактных картин, в которых акриловые краски наносились на плексиглас. В работах смешивались цвета, создавая иллюзию, что формы «вращаются, растворяются, открываются, закрываются, вибрируют, жестикулируют, извиваются», отражая ее собственное открытие, что «я испытывала множественные оргазмы». Чикаго считала «Pasadena Lifesavers» ключевым поворотным моментом в своей работе в отношении женской сексуальности и репрезентации. Владелец галереи Рольф Нельсон прозвал ее «Джуди Чикаго». Чикаго была возмущена тем, что для юридического изменения имени требовалось разрешение ее нового мужа.

In 1939, Judy Chicago was born Judith Sylvia Cohen to Arthur and May Cohen, in Chicago, Illinois. Her father came from a twenty three generation lineage of rabbis, including the Lithuanian Jewish Vilna Gaon. Breaking his family tradition, Arthur became a labor organizer and a Marxist. During the McCarthyism era, Arthur was investigated, which made it difficult for him to find work and caused the family much turmoil. May loved the arts and instilled her passion for them in her children. Aged three, Chicago began to draw and was sent to the Art Institute of Chicago to attend classes. By the age of five, Chicago knew that she "never wanted to do anything but make art" The couple lived in Greenwich Village for a time before returning in 1960 from Los Angeles to Chicago so she could finish her degree. Chicago married Gerowitz in 1961. She graduated with a Bachelor of Fine Arts in 1962 and was a member of the Phi Beta Kappa Society. Gerowitz died in a car crash in 1963, devastating Chicago and causing her to suffer an identity crisis for several years. She received her Master of Fine Arts from UCLA in 1964. In 1968, Chicago was asked why she did not participate in the "California Women in the Arts" exhibition at the Lytton Center, to which she answered, "I won't show in any group defined as Woman, Jewish, or California. Someday, when we all grow up, there will be no labels." Chicago began working in ice sculpture, which represented "a metaphor for the preciousness of life," another reference towards her husband's death. In 1969, the Pasadena Art Museum exhibited a series of Chicago's spherical acrylic plastic dome sculptures and drawings in an "experimental" gallery. Art in America declared that Chicago's work was at the forefront of the conceptual art movement, and the Los Angeles Times described the work as showing no signs of "theoretical New York type art." Chicago would also experiment with performance art, using fireworks and pyrotechnics to create "atmospheres," which involved flashes of colored smoke being manipulated outdoors. During this time, Chicago also began exploring her own sexuality in her work. She created the Pasadena Lifesavers, which was a series of abstract paintings that placed acrylic paint on Plexiglas. The works blended colors to create an illusion that the shapes "turn, dissolve, open, close, vibrate, gesture, wiggle," representing her own discovery that "I was multi orgasmic." Chicago credited "Pasadena Lifesavers", as being the major turning point in her work in relation to women's sexuality and representation. Gallery owner Rolf Nelson nicknamed her "Judy Chicago" Chicago was appalled that her new husband's signature approval was required to change her name legally.

1970-е годы

Чикаго считается одной из «феминистских художниц первого поколения», в группу которой также входят Мэри Бет Эдельсон, Кэроли Шнеман и Рэйчел Розенталь. Они были частью феминистского художественного движения в Европе и Соединенных Штатах в начале 1970-х годов, направленного на развитие феминистского письма и искусства. В 1970 году Чикаго начала преподавать полный рабочий день в Государственном колледже Фресно, надеясь научить женщин навыкам, необходимым для выражения женской перспективы в их творчестве. В Фресно она планировала курс, состоящий только из женщин, и решила преподавать за пределами кампуса, чтобы избежать «присутствия и, следовательно, ожиданий мужчин». Осенью 1970 года она начала вести первый женский художественный класс в Государственном колледже Фресно. Весной 1971 года он превратился в «Программу феминистского искусства» – полноценную программу из 15 кредитных единиц. Это была первая феминистская художественная программа в Соединенных Штатах. Пятнадцать студенток обучались у Чикаго в Государственном колледже Фресно: Дори Атлантис, Сьюзан Буд, Гейл Эскола, Ваналин Грин, Сюзанн Лейси, Кей Ланг, Карен ЛеКок, Ян Лестер, Крис Раш, Джуди Шефер, Генриетта Спаркман, Фейт Уайлдинг, Шоуни Вулленман, Нэнси Юдельман и Шерил Зурлиген. Вместе, как Программа феминистского искусства, эти женщины арендовали и отремонтировали студию за пределами кампуса по адресу 1275 Maple Avenue в центре Фресно. Здесь они сотрудничали в области искусства, проводили читательские группы и дискуссионные кружки о своем жизненном опыте, который затем влиял на их творчество. Все студентки и Чикаго вносили по 25 долларов в месяц на аренду помещения и покупку материалов. Позже Джуди Чикаго и Мириам Шапиро возродили Программу феминистского искусства в Калифорнийском институте искусств. После отъезда Чикаго в Калифорнийский институт искусств класс в Государственном колледже Фресно продолжила Рита Йокой с 1971 по 1973 год, а затем Джойс Айкен в 1973 году, до выхода на пенсию в 1992 году. Изображение Чикаго включено в культовый плакат 1972 года «Некоторые живущие американские художницы» Мэри Бет Эдельсон. В 1973 году вместе с Арлин Рейвен и Шейлой Левран де Бреттевилль Чикаго основала Женский дом в Лос-Анджелесе. Эта художественная школа и выставочное пространство располагались в здании, названном в честь павильона на Всемирной Колумбийской выставке 1893 года, где были представлены работы женщин со всего мира. Там находилась Феминистская студийная мастерская, которую основатели описывали как «экспериментальную программу в женском художественном образовании». Они писали: «Наша цель – разработать новую концепцию искусства, новый тип художника и новое художественное сообщество, основанное на жизни, чувствах и потребностях женщин». В этот период Чикаго начала создавать холсты, распыленные краской, в основном абстрактные, с геометрическими формами. Эти работы развивались, используя ту же технику, и стали больше ориентироваться на значение «женского». На Чикаго оказала сильное влияние Герда Лернер. Чикаго считала, что студентки часто подходят к созданию искусства с нежеланием расширять свои границы из-за незнания инструментов и процессов и неспособности видеть себя как работающих людей. «Цель Программы феминистского искусства – помочь женщинам переструктурировать свою личность, чтобы она больше соответствовала их стремлению быть художницами, и помочь им строить свое искусство, основываясь на своем опыте как женщин». На создание этого проекта ушло пять лет и около 250 000 долларов. Вышитые дорожки сшиты в стиле и технике, характерных для времени изображенной женщины. На «Наследственном полу», на котором стоит эта работа, выгравированы имена многих других женщин. Проект был реализован при содействии более 400 человек, в основном женщин, которые добровольно помогали в вышивке, создании скульптур и других аспектах процесса. Когда «Ужин» был впервые создан, он представлял собой передвижную выставку. Through the Flower, ее некоммерческая организация, была создана для покрытия расходов на создание и транспортировку произведения искусства. Джейн Герхард посвятила книгу Джуди Чикаго и «Ужину» под названием «Ужин: Джуди Чикаго и сила популярного феминизма, 1970–2007». Многие искусствоведы, в том числе Хилтон Крамер из The New York Times, были не впечатлены ее работой. Мистер Крамер считал, что задуманное Чикаго видение не передано этим произведением и что оно «выглядит как вопиющее оскорбление женского воображения». Она заявила, что искала убежища от внимания общественности, переехав в небольшую сельскую общину, и что друзья и знакомые взяли на себя административную поддержку, например, открывали ее почту, пока она полностью погружалась в работу над «Вышивая наше наследие» – книгой, документирующей проект. Она также сказала, что Джуди Чикаго знаменито заявила: «Если бы мужчины могли рожать, было бы миллионы изображений раскрытия». Инсталляция переосмыслила бытийственную историю о сотворении мира, которая сосредоточена на идее о том, что мужской бог создал мужчину Адама без участия женщины. Параллельно с проектом «Рождение» Чикаго начала самостоятельно работать над серией «Власть и игра» в 1982 году: серией масштабных картин, рисунков, рельефов из папье-маше и бронзовых рельефов. Однако обе серии имеют общую тему: их сюжеты затрагивают вопросы, редко изображаемые в западном искусстве. Серия «Власть и игра» была вдохновлена поездкой Чикаго в Италию, где она увидела шедевры художников эпохи Возрождения, представляющих западную художественную традицию. Как написала Джуди Чикаго в своей автобиографической книге: «Я была сильно впечатлена тем, что увидела основные картины эпохи Возрождения. Рассматривая их монументальный масштаб и ясность, я решила изобразить свое исследование мужественности в классической традиции героического обнаженного тела и сделать это в серии масштабных масляных картин».

Chicago is considered one of the "first generation feminist artists," a group that also includes Mary Beth Edelson, Carolee Schneeman, and Rachel Rosenthal. They were part of the feminist art movement in Europe and the United States in the early 1970s to develop feminist writing and art. In 1970, Chicago began teaching full time at Fresno State College, hoping to teach women the skills needed to express the female perspective in their work. At Fresno, she planned a class that would consist only of women and decided to teach off campus to escape "the presence and hence, the expectations of men." She taught the first women's art class in the fall of 1970 at Fresno State College. It became the Feminist Art Program, a full 15 unit program, in the spring of 1971. This was the first feminist art program in the United States. Fifteen students studied under Chicago at Fresno State College: Dori Atlantis, Susan Boud, Gail Escola, Vanalyne Green, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Chris Rush, Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Shawnee Wollenman, Nancy Youdelman, and Cheryl Zurilgen. Together, as the Feminist Art Program, these women rented and refurbished an off campus studio at 1275 Maple Avenue in downtown Fresno. Here they collaborated on art, held reading groups, and discussion groups about their life experiences which then influenced their art. All of the students and Chicago contributed $25 per month to rent the space and to pay for materials. Later, Judy Chicago and Miriam Schapiro reestablished the Feminist Art Program at California Institute of the Arts. After Chicago left for Cal Arts, the class at Fresno State College was continued by Rita Yokoi from 1971 to 1973, and then by Joyce Aiken in 1973, until her retirement in 1992. Chicago's image is included in the iconic 1972 poster Some Living American Women Artists by Mary Beth Edelson. With Arlene Raven and Sheila Levrant de Bretteville, Chicago co founded the Los Angeles Woman's Building in 1973. This art school and exhibition space was in a structure named after a pavilion at the 1893 World's Colombian Exhibition that featured art made by women from around the world. This housed the Feminist Studio Workshop, described by the founders as "an experimental program in female education in the arts". They wrote: "our purpose is to develop a new concept of art, a new kind of artist and a new art community built from the lives, feelings, and needs of women." During this period, Chicago began creating spray painted canvas, primarily abstract, with geometric forms on them. These works evolved, using the same medium, to become more centered around the meaning of the "feminine." Chicago was strongly influenced by Gerda Lerner. Chicago thought that female students often approach art making with an unwillingness to push their limits due to their lack of familiarity with tools and processes, and an inability to see themselves as working people. "The aim of the Feminist Art Program is to help women restructure their personalities to be more consistent with their desires to be artists and to help them build their art making out of their experiences as women." It took her five years to create and cost about $250,000 to complete. The embroidered table runners are stitched in the style and technique of the featured woman's time. Numerous other names of women are engraved in the "Heritage Floor" upon which the piece sits. The project came into fruition with the assistance of over 400 people, mainly women, who volunteered to assist in needlework, creating sculptures and other aspects of the process. When The Dinner Party was first constructed, it was a traveling exhibition. Through the Flower, her non profit organization, was originally created to cover the expense of the creation and travel of the artwork. Jane Gerhard dedicated a book to Judy Chicago and The Dinner Party, entitled "The Dinner Party: Judy Chicago and The Power of Popular Feminism, 1970–2007." Many art critics, including Hilton Kramer from The New York Times, were unimpressed by her work. Mr. Kramer felt Chicago's intended vision was not conveyed through this piece and "it looked like an outrageous libel on the female imagination." She stated that she sought refuge from public attention by moving to a small rural community and that friends and acquaintances took on administrative support roles for her, such as opening her mail, while she threw herself into working on Embroidering Our Heritage, the book documenting the project. She further said, Judy Chicago famously said "If men could give birth, there would be millions of representations of the crowning." The installation reinterpreted the Genesis creation narrative, which focused on the idea that a male god created a male human, Adam, without the involvement of a woman. Overlapping with Birth Project, Chicago started working independently on PowerPlay in 1982: a series of large scale paintings, drawings, cast paper reliefs and bronze reliefs. What both the series, however, have in common is that their subject matters deal with issues rarely depicted in Western art. The PowerPlay series was inspired by Chicago's trip to Italy, where she saw the masterpieces of Renaissance artists representing the Western artistic tradition. As Judy Chicago wrote in her autobiographical book: “I was to be greatly influenced by actually seeing the major Renaissance paintings. Looking at their monumental scale and clarity led me to decide to cast my examination of masculinity in the classical tradition of the heroic nude and to do so in a series of large scale oil paintings.”

Названия работ, такие как «Покалеченный потребностью в контроле/Слепая индивидуальность», «Мочась на природу», «Ведущий мир к разрушению», «В тени пистолета», «Искаженный властью» и т. д., указывают на сосредоточенность Чикаго на насильственном поведении мужчин. Однако ярко окрашенные изображения выражений лиц и частей мужского тела выражают не только агрессию и власть, но и уязвимость. Ее муж Дональд Вудман позировал для работы «Горе/Человек». Она полагалась «на свое собственное чувство правды, работая на основе наблюдений, опыта и, конечно же, своего гнева на то, как деструктивно многие мужчины, кажется, относятся к женщинам и миру в целом».

Проект Холокоста

В середине 1980-х годов интересы Чикаго "сместились от "вопросов женской идентичности" к исследованию мужской власти и бессилия в контексте Холокоста". Чикагский проект Холокоста: От тьмы к свету (1985–93).

Чикаго использовала Холокост как призму для изучения виктимизации, угнетения, несправедливости и человеческой жестокости. В течение следующих шести лет Чикаго создавала работы, исследующие опыт жертв концентрационных лагерей. В 1996 году Чикаго и Вудман переехали в отель Belen, исторический железнодорожный отель в городе Белен, штат Нью-Мексико, который Вудман три года превращала в дом. Также она сотрудничала с Russell Sage College. В 2008 году Чикаго была удостоена чести Национального женского исторического проекта в рамках Месяца истории женщин. В 2010 году, чтобы отметить 25-ю годовщину свадьбы с Вудман, она создала обновлённую Кетубу. Чикаго также пожертвовала свою коллекцию феминистских художественных образовательных материалов Университету штата Пенсильвания. В 2012 году Чикаго провела две персональные выставки в Великобритании, одну в Лондоне и другую в Ливерпуле. Она дала интервью для фильма 2018 года "!Женская художественная революция". В интервью Глории Стейнэм в 2018 году Чикаго описала свою "цель как художника" как "создание образов, в которых женский опыт является путем к универсальному, а не познание всего через мужской взгляд". В 2021 году Чикаго была принята в Национальный Зал славы женщин. Крупная ретроспективная выставка под названием Judy Chicago: A Retrospective была представлена в музее Де Янг в Сан-Франциско в 2021 году; это была первая ретроспектива Джуди Чикаго. В 2022 году Чикаго сотрудничала с Надей Толоконниковой, чтобы преобразовать её серию "Что, если бы женщины правили миром?" в интерактивный художественный проект, реализованный с помощью блокчейна, с надеждой на создание Web3-сообщества, посвященного гендерным правам. Чикаго стремится к самосовершенствованию, исследуя новые направления в своем искусстве; в начале карьеры она посещала курсы по кузовному ремонту, чтобы научиться аэрографии, и расширила свою практику, включив в нее различные медиа, в том числе стекло. Работы Чикаго находятся в постоянных коллекциях нескольких музеев, включая Британский музей, Бруклинский музей, Гетти Траст, Музей округа Лос-Анджелес, Музей искусств Нью-Мексико, Национальную галерею искусств, Национальный музей женщин в искусстве, Академию изящных искусств Пенсильвании и Музей современного искусства Сан-Франциско. Её архивы хранятся в библиотеке Шлезингера при колледже Рэдклифф, а её коллекция книг по истории и культуре женщин – в коллекции Университета Нью-Мексико.

Chicago used the Holocaust as a prism through which to explore victimization, oppression, injustice, and human cruelty. Over the next six years Chicago created works that explored the experiences of concentration camp victims. In 1996, Chicago and Woodman moved into the Belen Hotel, an historic railroad hotel in Belen, New Mexico which Woodman had spent three years converting into a home. and Russell Sage College. She was named a National Women's History Project honoree for Women's History Month in 2008. To celebrate her 25th wedding anniversary with Woodman, she created a Renewal Ketubah in 2010. Chicago also donated her collection of feminist art educational materials to Penn State University. Chicago had two solo exhibitions in the United Kingdom in 2012, one in London and another in Liverpool. She was interviewed for the 2018 film !Women Art Revolution. In an interview with Gloria Steinem in 2018, Chicago described her "goal as an artist" has been “to create images in which the female experience is the path to the universal, as opposed to learning everything through the male gaze." In 2021, she was inducted into the National Women's Hall of Fame. A major retrospective exhibition, titled Judy Chicago: A Retrospective, was displayed at the De Young Museum in San Francisco in 2021; it was Judy Chicago's first retrospective. In 2022, Chicago collaborated with Nadya Tolokonnikova to transform her What if Women Ruled the World? series into a participatory art project, enabled by blockchain with the hopes of spawning a Web3 community dedicated to gender rights. Chicago strives to push herself, exploring new directions for her art; early in her career, she attended car body school to learn to air brush and has expanded her practice to include a variety of media including glass. Chicago's artwork is held in the permanent collections of several museums including The British Museum, The Brooklyn Museum, The Getty Trust, The Los Angeles County Museum of Art, New Mexico Museum of Art, The National Gallery of Art, The National Museum of Women in the Arts, The Pennsylvania Academy of the Fine Arts, and The San Francisco Museum of Modern Art. Her archives are held at the Schlesinger Library at Radcliffe College, and her collection of women's history and culture books are held in the collection of the University of New Mexico.

Стиль и работа

Чикаго вдохновлялась "обычной" женщиной, которая была в центре внимания феминистского движения начала 1970-х годов. Это вдохновение нашло отражение в ее творчестве, особенно в инсталляции "The Dinner Party", проявившись в увлечении текстилем и ремеслами – видами искусства, которые часто ассоциируются с женщинами. Чикаго сознательно осваивала "мужские" виды искусства, посещая курсы по кузовному ремонту, судостроению и пиротехнике. Благодаря работе с автомобильными кузовами она освоила технику аэрографии и умение сочетать цвет и фактуру с любыми материалами, что впоследствии стало отличительной чертой ее работ. Навыки, полученные при строительстве лодок, пригодились в ее скульптурах, а пиротехника – для создания фейерверков в перформансах. Эти навыки позволили Чикаго использовать стекловолокно и металл в скульптуре, а затем она стала ученицей Мима Силинского, чтобы изучить искусство росписи по фарфору, которое было использовано при создании работ для "The Dinner Party". Чикаго также освоила технику витража, которую применила в проекте "Холокост". С 2003 года Чикаго работает со стеклом.

Через цветок

В 1978 году Чикаго основала Through the Flower, некоммерческую феминистскую художественную организацию. Организация стремится просветить общественность о важности искусства и о том, как его можно использовать в качестве инструмента для подчеркивания достижений женщин. Through the Flower также является хранителем работ Чикаго, осуществляя хранение The Dinner Party, прежде чем произведение обрело постоянное место в Бруклинском музее. Организация также поддерживала учебную программу "The Dinner Party Curriculum", которая служит «живым учебным планом» для образования в области феминистского искусства и педагогики. Онлайн-версия учебной программы была передана Университету штата Пенсильвания в 2011 году. Это осознание продолжало расти, поскольку она понимала, что общество не воспринимает женщин как профессиональных художниц в той же мере, как и мужчин. Возмущенная этим, Чикаго направила эту энергию на укрепление своих феминистских убеждений как личности и преподавателя. В то время как большинство учителей основывали свои уроки на технике, визуальных формах и цвете, в основе обучения Чикаго лежало содержание и социальная значимость искусства, особенно в контексте феминизма. Опираясь на опыт обучения в художественном сообществе, где доминировали мужчины, Чикаго ценила искусство, основанное на исследованиях, социальных или политических взглядах и/или личном опыте. Она хотела, чтобы ее студенты развивались в своей художественной профессии, не жертвуя при этом пониманием того, что значит быть женщиной. Чикаго разработала методику художественного образования, в которой учитель поощряет «женский контент», такой как менструация и роды, как «личное – это политическое» содержание для искусства. Чикаго выступает за роль учителя как фасилитатора, активно прислушиваясь к студентам, чтобы направлять их в поиске контента и его воплощении в художественную форму. Она называет свою методику преподавания «участнической художественной педагогикой». Искусство, созданное в рамках Феминистской художественной программы и Womanhouse, представило новые перспективы и содержание о жизни женщин, которые ранее были табуированными темами в обществе, включая мир искусства. В 1970 году Чикаго разработала Феминистскую художественную программу в Калифорнийском государственном университете во Фресно и реализовала другие учебные проекты, завершающиеся художественными выставками студентов, такие как Womanhouse с Мириам Шапиро в CalArts, SINsation в 1999 году в Университете Индианы, From Theory to Practice: A Journey of Discovery в Университете Дьюка в 2000 году, At Home: A Kentucky Project с Джуди Чикаго и Дональдом Вудманом в Западном Кентуккийском университете в 2002 году, Envisioning the Future в Калифорнийском политехническом государственном университете и Колонии искусств Помона в 2004 году, и Evoke/Invoke/Provoke в Университете Вандербильта в 2005 году. Несколько студентов, участвовавших в учебных проектах Джуди Чикаго, добились успеха в карьере художников, в том числе Сюзанн Лейси, Фейт Уайлдинг и Нэнси Юдельман. В начале 2000-х годов Чикаго структурировала свой стиль преподавания в три этапа: подготовка, процесс и создание искусства.

In 1978 Chicago founded Through the Flower, a non profit feminist art organization. The organization seeks to educate the public about the importance of art and how it can be used as a tool to emphasize women's achievements. Through the Flower also serves as the maintainer of Chicago's works, having handled the storage of The Dinner Party, before it found a permanent home at the Brooklyn Museum. The organization also maintained The Dinner Party Curriculum, which serves as a "living curriculum" for education about feminist art ideas and pedagogy. The online aspect of the curriculum was donated to Penn State University in 2011. This awareness continued to grow as she recognized how society did not see women as professional artists in the same way they recognized men. Angered by this, Chicago channeled this energy and used it to strengthen her feminist values as a person and teacher. While most teachers based their lessons on technique, visual forms, and color, the foundation for Chicago's teachings were on the content and social significance of the art, especially in feminism. Stemming from the male dominated art community Chicago studied with for so many years, she valued art based on research, social or political views, and/or experience. She wanted her students to grow into their art professions without having to sacrifice what womanhood meant to them. Chicago developed an art education methodology in which "female centered content," such as menstruation and giving birth, is encouraged by the teacher as "personal is political" content for art. Chicago advocates the teacher as facilitator by actively listening to students in order to guide content searches and the translation of content into art. She refers to her teaching methodology as "participatory art pedagogy." The art created in the Feminist Art Program and Womanhouse introduced perspectives and content about women's lives that had been taboo topics in society, including the art world. In 1970 Chicago developed the Feminist Art Program at California State University, Fresno, and has implemented other teaching projects that conclude with an art exhibition by students such as Womanhouse with Miriam Schapiro at CalArts, and SINsation in 1999 at Indiana University, From Theory to Practice: A Journey of Discovery at Duke University in 2000, At Home: A Kentucky Project with Judy Chicago and Donald Woodman at Western Kentucky University in 2002, Envisioning the Future at California Polytechnic State University and Pomona Arts Colony in 2004, and Evoke/Invoke/Provoke at Vanderbilt University in 2005. Several students involved in Judy Chicago's teaching projects established successful careers as artists, including Suzanne Lacy, Faith Wilding, and Nancy Youdelman. In the early 2000s Chicago organized her teaching style into three parts: preparation, process, and art making.

Книги Чикаго

Вечеринка – символ нашего наследия. Гарден-Сити, Нью-Йорк: Anchor Press/Doubleday (1979). С Сьюзан Хилл. Вышивая наше наследие: Рукоделие к «Вечеринке». Гарден-Сити, Нью-Йорк: Anchor Press/Doubleday (1980). Проект «Рождение». Нью-Йорк: Doubleday (1985). За цветком: Автобиография феминистской художницы. Нью-Йорк: Penguin (1997). Китти-Сити: Кошачий часослов. Нью-Йорк: Harper Design (2005). Сквозь цветок: Моя борьба как женщины-художника. Линкольн: Authors Choice Press (2006). С Фрэнсис Борзелло. Фрида Кало: Лицом к лицу. Нью-Йорк: Prestel USA (2010). Институциональное время: Критика образования в художественных студиях. Нью-Йорк: The Monacelli Press (2014). «Цветение»: Автобиография Джуди Чикаго. Thames & Hudson USA (2021).

Ссылки на источники

Блох, Авитал и Лаури Умански (ред.). Невозможно удержать: женщины и культура в 1960-х годах. Нью-Йорк: NYU Press (2005). Фельдер, Дебора Г. и Диана Розен. Пятьдесят еврейских женщин, изменивших мир. Юкка-Вэлли: Citadel (2005). Льюис, Ричард Л. и Сьюзан Ингаллс Льюис. Сила искусства. Флоренция: Wadsworth (2008). Уайлдер, Вики Д. Томпсон и Люси Р. Липпард. Джуди Чикаго: испытания и триумфы. Таллахасси: Музей изобразительных искусств Университета штата Флорида (1999).