Голливудская киноиндустрия: история и современность

Введение

Киноиндустрия в США

Disney
Walt Disney Pictures
20th Century Studios
Sony
Columbia Pictures
TriStar Pictures
Comcast
Universal Pictures

Paramount Global
Paramount Pictures

Warner Bros. Discovery
Warner Bros. Pictures
New Line Cinema
Amazon
MGM
| год выпуска = 2016
| ссылка на год выпуска =
| общее количество =
| вымышленное количество = 646 (98,5%)
| анимационное количество = 10 (1,5%)
| документальное количество =
| посещения за год = 2017
| ссылка на посещения =
| общее количество посещений = 1 239 742 550
| посещения на душу населения = 3,9 (2010)
| национальное количество посещений =
| кассовые сборы за год = 2017
| ссылка на кассовые сборы = Американское кино вскоре стало доминирующей силой в развивающейся индустрии. С более чем 600 фильмами на английском языке, выпускаемыми в среднем каждый год по состоянию на 2017 год, оно произвело четвертое по величине количество фильмов среди национальных кинематографий, уступая только Индии, Японии и Китаю. Хотя национальные кинематографии Великобритании, Канады, Австралии и Новой Зеландии также производят фильмы на том же языке, они не являются частью голливудской системы. По этой причине Голливуд также рассматривается как транснациональный кинематограф и выпускает многоязычные версии некоторых фильмов, часто на испанском или французском языках. Современный Голливуд часто передает производство в Великобританию, Канаду, Австралию и Новую Зеландию. Основные киностудии Голливуда являются главным источником самых коммерчески успешных и самых кассовых фильмов в мире. Голливуд считается старейшей киноиндустрией, поскольку именно там появились первые киностудии и производственные компании. Он является родиной различных жанров кино, таких как комедия, драма, боевик, мюзикл, мелодрама, ужасы, научная фантастика и эпопея, и послужил примером для других национальных киноиндустрий. В 1878 году Эдвард Мейбридж продемонстрировал возможности фотографии для фиксации движения. В 1894 году в Нью-Йорке состоялась первая в мире коммерческая демонстрация движущихся изображений с использованием кинетоскопа Томаса Эдисона. В последующие десятилетия производство немого кино значительно расширилось, студии формировались и перемещались в Калифорнию, а фильмы и истории, которые они рассказывали, становились длиннее. В 1927 году в США был создан первый в мире музыкальный фильм с синхронизированным звуком – «Певец джаза», и в последующие десятилетия США лидировали в разработке звукового кино. С начала XX века киноиндустрия США в основном располагалась в пределах тридцатимильной зоны вокруг района Голливуд в округе Лос-Анджелес, штат Калифорния. Режиссер Д.У. Гриффит сыграл ключевую роль в разработке языка кино. «Гражданин Кейн» (1941) Орсона Уэллса часто называют величайшим фильмом всех времен в опросах кинокритиков. Многие из самых кассовых голливудских фильмов принесли больше кассовых сборов и продаж билетов за пределами Соединенных Штатов, чем фильмы, снятые в других странах. Соединенные Штаты являются ведущим новатором в области кинотехники и технологий.

Warner Bros. Discovery
Warner Bros. Pictures
New Line Cinema
Amazon
MGM
| produced year = 2016
| produced ref =
| produced total =
| produced fictional = 646 (98.5%)
| produced animated = 10 (1.5%)
| produced documentary =
| admissions year = 2017
| admissions ref =
| admissions total = 1,239,742,550
| admissions per capita = 3.9 (2010)
| admissions national =
| box office year = 2017
| box office ref = American cinema soon came to be a dominant force in the emerging industry. With more than 600 English language films released on average every year as of 2017, it produced the fourth largest number of films of any national cinema, after India, Japan, and China. While the national cinemas of the United Kingdom, Canada, Australia, and New Zealand also produce films in the same language, they are not part of the Hollywood system. Because of this, Hollywood has also been considered a transnational cinema, and has produced multiple language versions of some titles, often in Spanish or French. Contemporary Hollywood often outsources production to the United Kingdom, Canada, Australia, and New Zealand. The major film studios of Hollywood are the primary source of the most commercially successful and most ticket selling movies in the world. Hollywood is considered to be the oldest film industry, in the sense of being the place where the earliest film studios and production companies emerged. It is the birthplace of various genres of cinema—among them comedy, drama, action, the musical, romance, horror, science fiction, and the epic—and has set the example for other national film industries. During 1878, Eadweard Muybridge demonstrated the power of photography to capture motion. In 1894, the world's first commercial motion picture exhibition was given in New York City, using Thomas Edison's kinetoscope. In the following decades, production of silent film greatly expanded, studios formed and migrated to California, and films and the stories they told became much longer. The United States produced the world's first sync sound musical film, The Jazz Singer, in 1927, and was at the forefront of sound film development in the following decades. Since the early 20th century, the U. S. film industry has primarily been based in and around the thirty mile zone centered in the Hollywood neighborhood of Los Angeles County, California. Director D. W. Griffith was central to the development of a film grammar. Orson Welles's Citizen Kane (1941) is frequently cited in critics' polls as the greatest film of all time. Many of Hollywood's highest grossing movies have generated more box office revenue and ticket sales outside the United States than films made elsewhere. The United States is a leading pioneer in motion picture engineering and technology.

Истоки и Форт-Ли

Первым задокументированным случаем фотографирования и воспроизведения движения стала серия снимков бегущей лошади, сделанная Эдвардом Майбриджем в Пало-Альто, Калифорния, с использованием ряда неподвижных камер, расположенных в ряд. Достижение Майбриджа побудило изобретателей по всему миру попытаться создать подобные устройства. В Соединенных Штатах Томас Эдисон был одним из первых, кто создал такое устройство – кинетоскоп. История кинематографа в Соединенных Штатах берет свое начало на Восточном побережье, где в свое время Форт-Ли, штат Нью-Джерси, был киностолицей Америки. Индустрия началась в конце XIX века со строительства «Черной Марии» Томаса Эдисона – первой киностудии в Вест-Оранже, штат Нью-Джерси. Города и поселки на реке Гудзон и Гудзон-Палисаде предлагали землю по ценам, значительно более низким, чем в Нью-Йорке, расположенном на противоположном берегу, и в значительной степени выиграли от феноменального роста киноиндустрии на рубеже XX века. Индустрия начала привлекать как капитал, так и квалифицированную рабочую силу. В 1907 году, когда компания Kalem начала использовать Форт-Ли в качестве места для съемок в этом районе, другие кинематографисты быстро последовали ее примеру. В 1909 году предшественник Universal Studios, компания Champion Film Company, построила первую студию. Вскоре другие последовали их примеру, построив новые студии или арендовав помещения в Форт-Ли. В 1910-х и 1920-х годах такие кинокомпании, как Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios, The Solax Company, Éclair Studios, Goldwyn Picture Corporation, American Méliès (Star Films), World Film Company, Biograph Studios, Fox Film Corporation, Pathé Frères, Metro Pictures Corporation, Victor Film Company и Selznick Pictures Corporation, снимали фильмы в Форт-Ли. Такие звезды, как Мэри Пикфорд, начали свою карьеру в студии Biograph. В Нью-Йорке студия Kaufman Astoria Studios в Квинсе, построенная в эпоху немого кино, использовалась братьями Маркс и У. С. Филдсом. Студия Эдисона располагалась в Бронксе. Челси, Манхэттен, также часто использовался. Другие города Восточного побережья, в частности Чикаго и Кливленд, также служили ранними центрами кинопроизводства. На Западе Калифорния быстро становилась крупным центром кинопроизводства. В Колорадо Денвер был домом для кинокомпании Art O Graf, а ранняя анимационная студия Уолта Диснея Laugh O Gram базировалась в Канзас-Сити, штат Миссури. С 1908 года в Джексонвилле, штат Флорида, киноиндустрия привлекла более 30 компаний, создавших студии немого кино, включая Kalem Studios, Metro Pictures (позже MGM), Edison Studios, Majestic Films, King Bee Film Company, Vim Comedy Company, Norman Studios, Gaumont Studios и Lubin Manufacturing Company. Picture City, штат Флорида, был запланированным местом для центра производства кинофильмов в 1920-х годах, но из-за урагана Окичоби в 1928 году эта идея провалилась, и Picture City вернул свое первоначальное название – Хоб-Саунд. Попытка создать кинопроизводственный центр в Детройте также оказалась безуспешной. Патентные войны в начале XX века способствовали распространению кинокомпаний по другим частям США, за пределы Нью-Йорка. Многие кинематографисты работали с оборудованием, на которое у них не было прав. Поэтому съемки в Нью-Йорке могли быть опасными, поскольку они проходили вблизи штаб-квартиры компании Эдисона и агентов, которых компания направила для конфискации камер. Альтернативой был Лос-Анджелес, где были мягкие зимы, большой выбор мест для съемок и, что самое главное, всего 90 миль до границы с Мексикой, на случай, если им потребуется бежать от агентов Эдисона. К 1912 году большинство крупных кинокомпаний создали производственные мощности в Южной Калифорнии, вблизи или в Лос-Анджелесе, благодаря благоприятной погоде в этом регионе в течение всего года.

The first recorded instance of photographs capturing and reproducing motion was a series of photographs of a running horse by Eadweard Muybridge, which he took in Palo Alto, California, using a set of still cameras placed in a row. Muybridge's accomplishment led inventors everywhere to attempt to make similar devices. In the United States, Thomas Edison was among the first to produce such a device, the kinetoscope. The history of cinema in the United States can trace its roots to the East Coast where, at one time, Fort Lee, New Jersey, was the motion picture capital of America. The industry got its start at the end of the 19th century with the construction of Thomas Edison's "Black Maria", the first motion picture studio in West Orange, New Jersey. The cities and towns on the Hudson River and Hudson Palisades offered land at costs considerably less than New York City across the river and benefited greatly as a result of the phenomenal growth of the film industry at the turn of the 20th century. The industry began attracting both capital and an innovative workforce. In 1907, when the Kalem Company began using Fort Lee as a location for filming in the area, other filmmakers quickly followed. In 1909, a forerunner of Universal Studios, the Champion Film Company, built the first studio. Others quickly followed and either built new studios or leased facilities in Fort Lee. In the 1910s and 1920s, film companies such as the Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios, The Solax Company, Éclair Studios, Goldwyn Picture Corporation, American Méliès (Star Films), World Film Company, Biograph Studios, Fox Film Corporation, Pathé Frères, Metro Pictures Corporation, Victor Film Company, and Selznick Pictures Corporation were all making pictures in Fort Lee. Such notables as Mary Pickford got their start at Biograph Studios. In New York, the Kaufman Astoria Studios in Queens, which was built during the silent film era, was used by the Marx Brothers and W. C. Fields. The Edison Studios were located in the Bronx. Chelsea, Manhattan, was also frequently used. Other Eastern cities, most notably Chicago and Cleveland, also served as early centers for film production. In the West, California was already quickly emerging as a major film production center. In Colorado, Denver was home to the Art O Graf film company, and Walt Disney's early Laugh O Gram animation studio was based in Kansas City, Missouri. From 1908, Jacksonville, Florida's Motion picture industry saw more than 30 silent film companies establish studios in town, including Kalem Studios, Metro Pictures (later MGM), Edison Studios, Majestic Films, King Bee Film Company, Vim Comedy Company, Norman Studios, Gaumont Studios and the Lubin Manufacturing Company. Picture City, Florida, was a planned site for a movie picture production center in the 1920s, but due to the 1928 Okeechobee hurricane, the idea collapsed and Picture City returned to its original name of Hobe Sound. An attempt to establish a film production center in Detroit also proved unsuccessful. The film patents wars of the early 20th century helped facilitate the spread of film companies to other parts of the US, outside New York. Many filmmakers worked with equipment for which they did not own the rights to use. Therefore, filming in New York could be dangerous as it was close to Edison's company headquarters, and close to the agents who the company set out to seize cameras. An alternative was Los Angeles, which had mild winters, a large selection of places to film, and most importantly, it was only 90 miles to the border of Mexico, in case they needed to run if Edison's enforcement agents found them. By 1912, most major film companies had set up production facilities in Southern California near or in Los Angeles because of the region's favorable year round weather.

Рост Голливуда

Производство Selig Polyscope Company 1908 года "Граф Монте-Кристо" режиссёра Фрэнсиса Боггса и с Хобартом Босвортом в главной роли, было заявлено как первое, снятое в Лос-Анджелесе в 1907 году. В 1957 году город установил памятную доску на флагманском магазине Дирдена на углу Главной улицы и 7-й улицы, отмечая съемки на этом месте, когда там находилась китайская прачечная. Вдова Босворта предположила, что город ошибся в дате и месте съемок, и что фильм на самом деле был снят в близлежащей Венеции, которая в то время была независимым городом. "В силе султана" Боггса для Selig Polyscope, также с Босвортом в главной роли, считается первым фильмом, полностью снятым в Лос-Анджелесе, со съемками на 7-й и Оливковой улицах в 1909 году. Узнав об успехе Гриффита в Голливуде, в 1913 году многие кинематографисты отправились на запад, чтобы избежать сборов, взимаемых Томасом Эдисоном, который владел патентами на процесс кинопроизводства. Nestor Studios из Байонны, штат Нью-Джерси, построила первую студию в Голливуде в 1911 году. Nestor Studios, принадлежащая Дэвиду и Уильяму Хорсли, позже объединилась с Universal Studios, а другая компания Уильяма Хорсли, Hollywood Film Laboratory, является старейшей действующей компанией в Голливуде, ныне известной как Hollywood Digital Laboratory. Более благоприятный и экономичный климат Калифорнии привел к тому, что к 1930-м годам практически все кинопроизводство переместилось на Западное побережье. В то время Томас Эдисон владел почти всеми патентами, относящимися к производству кинофильмов, и продюсеры на Восточном побережье, работающие независимо от Motion Picture Patents Company Эдисона, часто подвергались судебным искам или запретам со стороны Эдисона и его агентов, в то время как кинематографисты на Западном побережье могли работать независимо от контроля Эдисона. В Лос-Анджелесе росли студии и Голливуд. До Первой мировой войны фильмы снимались в нескольких американских городах, но по мере развития индустрии кинематографисты все больше тяготели к южной Калифорнии. Их привлекал теплый климат и надежный солнечный свет, позволявшие снимать фильмы на открытом воздухе круглый год, а также разнообразные пейзажи. Ущерб от войны способствовал упадку тогдашней доминирующей европейской киноиндустрии в пользу Соединенных Штатов, где инфраструктура оставалась нетронутой. Более оперативный ответ общественного здравоохранения на эпидемию гриппа 1918 года в Лос-Анджелесе по сравнению с другими американскими городами сократил количество случаев и способствовал более быстрому восстановлению, что укрепило доминирование Голливуда над Нью-Йорком. В начале 20-го века, когда кино было новым, многие еврейские иммигранты нашли работу в американской киноиндустрии. Они смогли оставить свой след в совершенно новом бизнесе: показе короткометражных фильмов в витринных кинотеатрах, называемых nickelodeons, по цене в пять центов (никель). В течение нескольких лет такие амбициозные люди, как Сэмюэл Голдуин, Уильям Фокс, Карл Лэммл, Адольф Цукор, Луис Б. Майер и братья Уорнер (Гарри, Альберт, Сэмюэл и Джек) перешли на производственную сторону бизнеса. Вскоре они возглавили новый тип предприятия: киностудию. В США в эти ранние годы было по крайней мере две женщины-режиссёра, продюсера и руководители студий: Лоис Вебер и Алиса Гай-Блаше, родом из Франции. Они также заложили основу для интернационализма индустрии, которую часто обвиняют в американоцентричном провинциализме. После Первой мировой войны из Европы приехали другие кинематографисты: режиссеры, такие как Эрнст Любич, Альфред Хичкок, Фриц Ланг и Жан Ренуар, и актеры, такие как Рудольф Валентино, Марлен Дитрих, Рональд Колман и Шарль Буайе. Они присоединились к местным актерам, которых заманили на запад со сцены Нью-Йорка после появления звуковых фильмов, чтобы сформировать одну из самых значительных отраслей роста 20-го века. В период расцвета кинематографа в середине 1940-х годов студии выпускали около 400 фильмов в год, которые смотрели 90 миллионов американцев в неделю. Звук также получил широкое распространение в Голливуде в конце 1920-х годов. После успешного выхода в 1927 году "Джазового певца", первого фильма с синхронизированным звуком (Vitaphone talkie), голливудские кинокомпании отреагировали на Warner Bros. и начали использовать звук Vitaphone, которым Warner Bros. владела до 1928 года, в будущих фильмах. К маю 1928 года Electrical Research Product Incorporated (ERPI), дочерняя компания Western Electric, получила монополию на распространение звука в кино. После выхода на пенсию Хейса в 1945 году организация стала Motion Picture Association of America. В первые годы звукового кино американские студии обнаружили, что их звуковые фильмы отвергаются на рынках иностранных языков и даже среди носителей других диалектов английского языка. Технология синхронизации была еще слишком примитивной для дубляжа. Одним из решений было создание параллельных версий голливудских фильмов на иностранных языках. Около 1930 года американские компании открыли студию в Жуанвиль-ле-Пон, Франция, где одни и те же декорации, костюмы и даже массовые сцены использовались для разных съемочных групп. Кроме того, безработных актеров, драматургов и победителей конкурсов фотогении из числа иностранцев выбирали и привозили в Голливуд, где они снимали параллельные версии англоязычных фильмов. Эти параллельные версии имели меньший бюджет, снимались ночью и режиссировались американскими режиссерами второго плана, не говорящими на иностранном языке. В испанские съемочные группы входили такие люди, как Луис Бунюэль, Энрике Хардиэль Понсела, Хавьер Кугат и Эдгар Невилл. Эти параллельные версии не имели большого успеха на целевых рынках по следующим причинам:

The 1908 Selig Polyscope Company production of The Count of Monte Cristo directed by Francis Boggs and starring Hobart Bosworth was claimed as the first to have been filmed in Los Angeles, in 1907, with a plaque being unveiled by the city in 1957 at Dearden's flagship store on the corner of Main Street and 7th Street, to mark the filming on the site when it had been a Chinese laundry. Bosworth's widow suggested the city had got the date and location wrong, and that the film was actually shot in nearby Venice, which at the time was an independent city. Boggs' In the Sultan's Power for Selig Polyscope, also starring Bosworth, is considered the first film shot entirely in Los Angeles, with shooting at 7th and Olive Streets in 1909. After hearing about Griffith's success in Hollywood, in 1913, many movie makers headed west to avoid the fees imposed by Thomas Edison, who owned patents on the movie making process. Nestor Studios of Bayonne, New Jersey, built the first studio in the Hollywood neighborhood in 1911. Nestor Studios, owned by David and William Horsley, later merged with Universal Studios; and William Horsley's other company, Hollywood Film Laboratory, is now the oldest existing company in Hollywood, now called the Hollywood Digital Laboratory. California's more hospitable and cost effective climate led to the eventual shift of virtually all filmmaking to the West Coast by the 1930s. At the time, Thomas Edison owned almost all the patents relevant to motion picture production and movie producers on the East Coast acting independently of Edison's Motion Picture Patents Company were often sued or enjoined by Edison and his agents while movie makers working on the West Coast could work independently of Edison's control. In Los Angeles, the studios and Hollywood grew. Before World War I, films were made in several American cities, but filmmakers tended to gravitate towards southern California as the industry developed. They were attracted by the warm climate and reliable sunlight, which made it possible to film their films outdoors year round and by the varied scenery that was available. War damage contributed to the decline of the then dominant European film industry, in favor of the United States, where infrastructure was still intact. The stronger early public health response to the 1918 flu epidemic by Los Angeles compared to other American cities reduced the number of cases there and resulted in a faster recovery, contributing to the increasing dominance of Hollywood over New York City. In the early 20th century, when the medium was new, many Jewish immigrants found employment in the US film industry. They were able to make their mark in a brand new business: the exhibition of short films in storefront theaters called nickelodeons, after their admission price of a nickel (five cents). Within a few years, ambitious men like Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer, and the Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel, and Jack) had switched to the production side of the business. Soon they were the heads of a new kind of enterprise: the movie studio. The US had at least two female directors, producers and studio heads in these early years: Lois Weber and French born Alice Guy Blaché. They also set the stage for the industry's internationalism; the industry is often accused of Amerocentric provincialism. Other moviemakers arrived from Europe after World War I: directors like Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang and Jean Renoir; and actors like Rudolph Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Colman, and Charles Boyer. They joined a homegrown supply of actors—lured west from the New York City stage after the introduction of sound films—to form one of the 20th century's most remarkable growth industries. At motion pictures' height of popularity in the mid 1940s, the studios were cranking out a total of about 400 movies a year, seen by an audience of 90 million Americans per week. Sound also became widely used in Hollywood in the late 1920s. After The Jazz Singer, the first film with synchronized voices was successfully released as a Vitaphone talkie in 1927, Hollywood film companies would respond to Warner Bros. and begin to use Vitaphone sound—which Warner Bros. owned until 1928—in future films. By May 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), a subsidiary of the Western Electric company, gained a monopoly over film sound distribution. The organization became the Motion Picture Association of America after Hays retired in 1945. In the early times of talkies, American studios found that their sound productions were rejected in foreign language markets and even among speakers of other dialects of English. The synchronization technology was still too primitive for dubbing. One of the solutions was creating parallel foreign language versions of Hollywood films. Around 1930, the American companies opened a studio in Joinville le Pont, France, where the same sets and wardrobe and even mass scenes were used for different time sharing crews. Also, foreign unemployed actors, playwrights, and winners of photogenia contests were chosen and brought to Hollywood, where they shot parallel versions of the English language films. These parallel versions had a lower budget, were shot at night and were directed by second line American directors who did not speak the foreign language. The Spanish language crews included people like Luis Buñuel, Enrique Jardiel Poncela, Xavier Cugat, and Edgar Neville. The productions were not very successful in their intended markets, due to the following reasons:

Бюджеты были заметно меньше. Многие театральные актеры не имели опыта работы в кино. Оригинальные фильмы часто были сами по себе низкого качества, поскольку студии ожидали, что лучшие фильмы будут продаваться сами по себе. Смешение иностранных акцентов (например, кастильского, мексиканского и чилийского в испанском случае) было странным для зрителей. На некоторых рынках не хватало кинотеатров, оборудованных звуком.

Классическое голливудское кино и Золотой век Голливуда

Классическое голливудское кино, или Золотой век Голливуда, определяется как технический и нарративный стиль, характерный для американского кино с 1913 по 1962 год, в течение которого тысячи фильмов были выпущены голливудскими студиями. Классический стиль начал формироваться в 1913 году, ускорился в 1917 году после вступления США в Первую мировую войну и окончательно закрепился с выходом фильма «Певец джаза» в 1927 году, положившего конец эпохе немого кино и увеличившего кассовые сборы киноиндустрии благодаря внедрению звука в полнометражные фильмы. Большинство голливудских фильмов строго придерживались определенной формулы – вестерн, комедия положений, мюзикл, мультфильм, биографическая лента – и одни и те же творческие группы часто работали над фильмами, производимыми одной и той же студией. Например, Седрик Гиббонс и Герберт Стотарт постоянно работали над фильмами MGM, Альфред Ньюман двадцать лет трудился на 20th Century Fox, практически все фильмы Сесила Б. Де Милля снимались на Paramount, а фильмы режиссера Генри Кинга в основном создавались для 20th Century Fox. В то же время, по актерам, снявшимся в фильме, обычно можно было догадаться, какая студия его выпустила; MGM, например, заявляла, что у нее контракты с «больше звездами, чем на небе». Каждая студия имела свой собственный стиль и характерные особенности, позволявшие ее узнать – черта, которая сегодня встречается редко. Например, фильм «Иметь и не иметь» (1944) примечателен не только первым совместным появлением на экране Хамфри Богарта (1899–1957) и Лорен Баколл (1924–2014), но и тем, что его сценарий написали два будущих лауреата Нобелевской премии по литературе: Эрнест Хемингуэй (1899–1961), автор романа, по которому номинально был основан сценарий, и Уильям Фолкнер (1897–1962), работавший над экранизацией. После выхода фильма «Певец джаза» в 1927 году Warner Bros. добилась огромного успеха и смогла приобрести собственную сеть кинотеатров, выкупив Stanley Theaters и First National Productions в 1928 году. В отличие от этого, сеть кинотеатров Loews принадлежала MGM с момента ее основания в 1924 году, а Fox Film Corporation владела театром Fox. RKO (образованная в 1928 году в результате слияния Keith Orpheum Theaters и Radio Corporation of America) также отреагировала на монополию Western Electric/ERPI в области звука в кино и разработала собственный метод, известный как Photophone, для добавления звука в фильмы. К 1930-м годам почти все кинотеатры первого показа в крупных городах Соединенных Штатов принадлежали студиям «Большой пятерки» – MGM, Paramount Pictures, RKO, Warner Bros. и 20th Century Fox.

Classical Hollywood cinema, or the Golden Age of Hollywood, is defined as a technical and narrative style characteristic of American cinema from 1913 to 1962, during which thousands of movies were issued from the Hollywood studios. The Classical style began to emerge in 1913, was accelerated in 1917 after the U. S. entered World War I, and finally solidified when the film The Jazz Singer was released in 1927, ending the silent film era and increasing box office profits for film industry by introducing sound to feature films. Most Hollywood pictures adhered closely to a formula – Western, slapstick comedy, musical, animated cartoon, biographical – and the same creative teams often worked on films made by the same studio. For example, Cedric Gibbons and Herbert Stothart always worked on MGM films, Alfred Newman worked at 20th Century Fox for twenty years, Cecil B. De Mille's films were almost all made at Paramount, and director Henry King's films were mostly made for 20th Century Fox. At the same time, one could usually guess which studio made which film, largely because of the actors who appeared in it; MGM, for example, claimed it had contracted "more stars than there are in heaven." Each studio had its own style and characteristic touches which made it possible to know this – a trait that rarely exists today. For example, To Have and Have Not (1944) is notable not only for the first pairing of actors Humphrey Bogart (1899–1957) and Lauren Bacall (1924–2014), but because it was written by two future winners of the Nobel Prize in Literature: Ernest Hemingway (1899–1961), the author of the novel on which the script was nominally based, and William Faulkner (1897–1962), who worked on the screen adaptation. After The Jazz Singer was released in 1927, Warner Bros. gained huge success and were able to acquire their own string of movie theaters, after purchasing Stanley Theaters and First National Productions in 1928. In contrast Loews theaters owned MGM since forming in 1924, while the Fox Film Corporation owned the Fox Theatre. RKO (a 1928 merger between Keith Orpheum Theaters and the Radio Corporation of America) also responded to the Western Electric/ERPI monopoly over sound in films, and developed their own method, known as Photophone, to put sound in films. By the 1930s, almost all of the first run metropolitan theaters in the United States were owned by the Big Five studios—MGM, Paramount Pictures, RKO, Warner Bros., and 20th Century Fox.

Новый Голливуд и постклассическое кино

Постклассическое кино – это изменение методов повествования в Новом Голливуде. Утверждается, что новые подходы к драме и характеристике персонажей играли на ожиданиях аудитории, сформированных в классический период: хронология могла быть нарушена, сюжетные линии могли содержать неожиданные повороты, а грань между антагонистом и протагонистом могла быть размыта. Истоки постклассического повествования можно увидеть в фильмах нуар, в картине «Бунтующий без причины» (1955) и в разрушающей сюжетную линию ленте Хичкока «Психо». Новый Голливуд – это появление нового поколения режиссеров, получивших образование в киношколах и усвоивших техники, разработанные в Европе в 1960-х годах под влиянием французской новой волны; фильм 1967 года «Бонни и Клайд» ознаменовал начало возрождения американского кино, поскольку последующие картины нового поколения также добились успеха в прокате. Кинематографисты, такие как Фрэнсис Форд Коппола, Стивен Спилберг, Джордж Лукас, Брайан Де Пальма, Стэнли Кубрик, Мартин Скорсезе, Роман Полански и Уильям Фридкин, стали создавать фильмы, отдающие дань уважения истории кино и развивающие существующие жанры и техники. Феномен эротических фильмов для взрослых, которые публично обсуждались знаменитостями (такими как Джонни Карсон и Боб Хоуп) и воспринимались всерьез критиками (такими как Роджер Эберт), начался с выхода в 1969 году фильма «Andy Warhol Blue Movie» – явление, которое Ральф Блюментал из The New York Times назвал «порно-шиком», а позже получило название «Золотой век порно», впервые ворвавшись в современную американскую культуру. По словам известной писательницы Тони Бентли, фильм Рэдли Метцгера 1976 года «Открытие Мрачного Бетховена», основанный на пьесе Джорджа Бернарда Шоу «Пигмалион» (и ее адаптации «Моя прекрасная леди»), и благодаря достижению уровня мейнстрима в сюжете и оформлении, считается «жемчужиной» этого «Золотого века». На пике своей славы в начале 1970-х годов Чарльз Бронсон был самым кассовым актером в мире, получая 1 миллион долларов за фильм. В 1970-х годах фильмы режиссеров Нового Голливуда часто получали признание критиков и имели коммерческий успех. В то время как ранние фильмы Нового Голливуда, такие как «Бонни и Клайд» и «Легкий гонщик», были относительно низкобюджетными, с аморальными героями и повышенным уровнем сексуальности и насилия, огромный успех, сопутствовавший Фридкину с фильмом «Экзорцист», Спилбергу с «Челюстями», Копполе с «Крестным отцом» и «Апокалипсисом сегодня», Скорсезе с «Таксистом», Кубрику с «2001: Космическая одиссея», Полански с «Чайнатауном» и Лукасу с «Американскими граффити» и «Звездными войнами», соответственно, способствовал появлению современного «блокбастера» и заставил студии уделять еще больше внимания попыткам создать огромные хиты. Растущая вседозволенность этих молодых режиссеров не помогла. Часто они выходили за рамки графика и бюджета, что приводило к банкротству их самих или студии. Три наиболее ярких примера этого – «Апокалипсис сегодня» и «Один из сердца» Копполы и, особенно, «Врата рая» Майкла Чимино, который в одиночку обанкротил United Artists. Однако «Апокалипсис сегодня» в конечном итоге окупил свои затраты и получил широкое признание как шедевр, завоевав Золотую пальмовую ветвь в Каннах.

Post classical cinema is the changing methods of storytelling in the New Hollywood. It has been argued that new approaches to drama and characterization played upon audience expectations acquired in the classical period: chronology may be scrambled, storylines may feature "twist endings", and lines between the antagonist and protagonist may be blurred. The roots of post classical storytelling may be seen in film noir, in Rebel Without a Cause (1955), and in Hitchcock's storyline shattering Psycho. The New Hollywood is the emergence of a new generation of film school trained directors who had absorbed the techniques developed in Europe in the 1960s as a result of the French New Wave; the 1967 film Bonnie and Clyde marked the beginning of American cinema rebounding as well, as a new generation of films would afterwards gain success at the box offices as well. Filmmakers like Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma, Stanley Kubrick, Martin Scorsese, Roman Polanski, and William Friedkin came to produce fare that paid homage to the history of film and developed upon existing genres and techniques. Inaugurated by the 1969 release of Andy Warhol Blue Movie, the phenomenon of adult erotic films being publicly discussed by celebrities (like Johnny Carson and Bob Hope), and taken seriously by critics (like Roger Ebert), a development referred to, by Ralph Blumenthal of The New York Times, as "porno chic", and later known as the Golden Age of Porn, began, for the first time, in modern American culture. According to award winning author Toni Bentley, Radley Metzger 1976 film The Opening of Misty Beethoven, based on the play Pygmalion by George Bernard Shaw (and its derivative, My Fair Lady), and due to attaining a mainstream level in storyline and sets, is considered the "crown jewel" of this 'Golden Age'. At the height of his fame in the early 1970s, Charles Bronson was the world's No. 1 box office attraction, commanding $1 million per film. In the 1970s, the films of New Hollywood filmmakers were often both critically acclaimed and commercially successful. While the early New Hollywood films like Bonnie and Clyde and Easy Rider had been relatively low budget affairs with amoral heroes and increased sexuality and violence, the enormous success enjoyed by Friedkin with The Exorcist, Spielberg with Jaws, Coppola with The Godfather and Apocalypse Now, Scorsese with Taxi Driver, Kubrick with 2001: A Space Odyssey, Polanski with Chinatown, and Lucas with American Graffiti and Star Wars, respectively helped to give rise to the modern "blockbuster", and induced studios to focus ever more heavily on trying to produce enormous hits. The increasing indulgence of these young directors did not help. Often, they would go overschedule, and overbudget, thus bankrupting themselves or the studio. The three most notable examples of this are Coppola's Apocalypse Now and One From The Heart and particularly Michael Cimino's Heaven's Gate, which single handedly bankrupted United Artists. However, Apocalypse Now eventually made its money back and gained widespread recognition as a masterpiece, winning the Palme d'Or at Cannes.

Появление современных блокбастеров и независимых фильмов

В США рейтинг PG-13 был введен в 1984 году для фильмов, занимавших промежуточное положение между PG и R, что было в основном связано со спорами вокруг насильственного контента в фильмах PG «Индиана Джонс и храм судьбы» и «Гремлины» (оба 1984 года). Кинорежиссеры 1990-х годов получили доступ к технологическим, политическим и экономическим инновациям, недоступным в предыдущие десятилетия. «Дик Трейси» (1990) стал первым 35-миллиметровым полнометражным фильмом с цифровым звуковым сопровождением. «Бэтмен возвращается» (1992) стал первым фильмом, использовавшим шестиканальный стереозвук Dolby Digital, который впоследствии стал отраслевым стандартом. Создание компьютерной графики значительно упростилось, когда появилась возможность переносить изображения с пленки в компьютер и обрабатывать их цифровым способом. Возможности этого стали очевидны в фильме Джеймса Кэмерона «Терминатор 2: Судный день» (1991) в образах трансформирующегося персонажа T-1000. Компьютерная графика достигла такого уровня, что в фильме «Парк юрского периода» (1993) можно было использовать эти технологии для создания реалистичных животных. «Джекпот» (2001) стал первым фильмом, полностью снятым в цифровом формате. В фильме «Титаник» Кэмерон стремился расширить границы спецэффектов и привлек Digital Domain и Pacific Data Images для дальнейшего развития цифровых технологий, которые режиссер впервые использовал при работе над фильмами «Бездна» и «Терминатор 2: Судный день». Многие предыдущие фильмы о «Титанике» снимали воду в замедленной съемке, что выглядело не совсем убедительно. Кэмерон призвал свою команду снимать 14-метровую миниатюру корабля так, как будто «мы снимаем рекламный ролик для White Star Line». +Американская киноиндустрия (1995–2017) Все значения в миллиардах. Год Количество билетов Доход 1995 1,22 5,31 1996 1,31 5,79 1997 1,39 6,36 1998 1,44 6,77 1999 1,44 7,34 2000 1,40 7,54 2001 1,48 8,36 2002 1,58 9,16 2003 1,52 9,20 2004 1,50 9,29 2005 1,37 8,80 2006 1,40 9,16 2007 1,42 9,77 2008 1,36 9,75 2009 1,42 10,64 2010 1,33 10,48 2011 1,28 10,17 2012 1,40 11,16 2013 1,34 10,89 2014 1,26 10,27 2015 1,32 11,16 2016 1,30 11,26 2017 1,23 10,99. Составлено The Numbers. Даже «Ведьма из Блэр» (1999), малобюджетный инди-хоррор Эдуардо Санчеса и Дэниела Майрика, имел огромный финансовый успех. Снятый с бюджетом всего 35 000 долларов, без звезд первой величины и спецэффектов, фильм собрал 248 миллионов долларов благодаря современным маркетинговым приемам и онлайн-продвижению. Хотя и не в масштабе приквела Джорджа Лукаса к «Звездным войнам» стоимостью 1 миллиард долларов, «Проект «Ведьма из Блэр»» заслужил признание как самый прибыльный фильм всех времен в процентном соотношении сборов. Однако в 2023 и 2024 годах голливудские эксперты указали на «усталость от супергероев» как на новую тенденцию. Актеры, такие как Пол Дано, и режиссеры, такие как Мэтью Вон, высказывали схожие аргументы. В 2021 году, несмотря на пандемию COVID-19 в Соединенных Штатах, такие блокбастеры, как «Черная вдова», «Форсаж 9», «Смерть на Ниле» и «Вестсайдская история», вышли в прокат после переноса с первоначальных дат выхода в 2020 году. Различные студии отреагировали на кризис спорными решениями отказаться от «театрального окна» и выпускать свои фильмы одновременно в кинотеатрах и на платформах видео по запросу. NBCUniversal выпустила «Тролли. Мировой тур» сразу на видео по запросу 10 апреля, одновременно получив ограниченный прокат в кинотеатрах через автокинотеатры; генеральный директор Джефф Шелл утверждает, что фильм принес почти 100 миллионов долларов дохода за первые три недели. Решение вызвало протест AMC Theatres, которая объявила о немедленном прекращении показа фильмов Universal Pictures, хотя в конечном итоге компании договорились о двухнедельном «театральном окне». К декабрю 2020 года Warner Bros. Pictures объявила о своем решении одновременно выпускать все фильмы 2021 года в кинотеатрах и на стриминговой платформе HBO Max в течение месяца, чтобы максимизировать зрительскую аудиторию. Этот шаг вызвал резкую критику со стороны представителей индустрии, многие из которых, по сообщениям, не были проинформированы о решении до его объявления и чувствовали себя обманутыми студией. С 2019 года наблюдается рост американских стриминговых платформ, таких как Netflix, Disney+, Paramount+ и Apple TV+, которые стали конкурировать с традиционным кинопрокатом. Обозреватели индустрии отмечают растущее отношение корпораций к фильмам как к «контенту», что коррелирует с растущей популярностью стриминговых платформ. Это приводит к размытию границ между фильмами, телевидением и другими формами медиа, поскольку все больше людей потребляют их вместе различными способами, а отдельные фильмы определяются скорее своей брендовой идентичностью и коммерческим потенциалом, чем своим жанром, сюжетом и художественной ценностью. Критик Мэтт Золлер Зейц описал выход «Мстителей: Финал» в 2019 году как «окончательное поражение «кино» от «контента» из-за его огромного успеха как «развлечения», определяемого брендом Marvel, которое завершает серию блокбастеров, обладающих чертами серийного телевидения, в то время как последний — это 200-миллионный фильм-ограбление от Netflix, который критики описали как «фильм, который кажется больше обработанным машиной, чем чем-либо, приближающимся к художественному замыслу или даже честному желанию развлечь». Некоторые считают, что «Космический джем 2» демонстрирует все более циничное отношение индустрии к фильмам как к простой интеллектуальной собственности (IP), которую необходимо эксплуатировать, подход, который критик Скотт Мендельсон назвал «IP ради IP». Квентин Тарантино заявил в подкасте, что 2020-е годы — одна из «худших» эпох «в истории Голливуда». Во время мастер-класса на Сараевском кинофестивале в 2023 году Чарли Кауфман раскритиковал мейнстримные блокбастеры, заявив, что «на данный момент прибылью приносит только мусор», и призвал представителей индустрии «снимать фильмы вне студийной системы, насколько это возможно». Джеймс Грей отметил в интервью Deadline: «Когда вы снимаете фильмы, которые приносят только огромные деньги и только одного типа, вы начинаете отучать большую часть населения от привычки ходить в кино», что приводит к снижению зрительской аудитории, хотя и уточнил, что у него «нет проблем с фильмами о комиксах». В качестве решения проблемы «недостатка инвестиций в широкое вовлечение аудитории» он предлагает, чтобы студии «были готовы терять деньги в течение нескольких лет на художественных подразделениях, и в конечном итоге они будут счастливее».

In the US, the PG 13 rating was introduced in 1984 to accommodate films that straddled the line between PG and R, which was mainly due to the controversies surrounding the violent content of the PG films Indiana Jones and the Temple of Doom and Gremlins (both 1984). Filmmakers in the 1990s had access to technological, political and economic innovations that had not been available in previous decades. Dick Tracy (1990) became the first 35 mm feature film with a digital soundtrack. Batman Returns (1992) was the first film to make use of the Dolby Digital six channel stereo sound that has since become the industry standard. Computer generated imagery was greatly facilitated when it became possible to transfer film images into a computer and manipulate them digitally. The possibilities became apparent in director James Cameron's Terminator 2: Judgment Day (1991), in images of the shape changing character T 1000. Computer graphics or CG advanced to a point where Jurassic Park (1993) was able to use the techniques to create realistic looking animals. Jackpot (2001) became the first film that was shot entirely in digital. In the film Titanic, Cameron wanted to push the boundary of special effects with his film, and enlisted Digital Domain and Pacific Data Images to continue the developments in digital technology which the director pioneered while working on The Abyss and Terminator 2: Judgment Day. Many previous films about the RMS Titanic shot water in slow motion, which did not look wholly convincing. Cameron encouraged his crew to shoot their 45 feet (14 m) miniature of the ship as if "we're making a commercial for the White Star Line". +American film industry (1995–2017)All values in billions Year Tickets Revenue 1995 1.22 $5.31 1996 1.31 $5.79 1997 1.39 $6.36 1998 1.44 $6.77 1999 1.44 $7.34 2000 1.40 $7.54 2001 1.48 $8.36 2002 1.58 $9.16 2003 1.52 $9.20 2004 1.50 $9.29 2005 1.37 $8.80 2006 1.40 $9.16 2007 1.42 $9.77 2008 1.36 $9.75 2009 1.42 $10.64 2010 1.33 $10.48 2011 1.28 $10.17 2012 1.40 $11.16 2013 1.34 $10.89 2014 1.26 $10.2720151.32$11.1620161.30$11.2620171.23$10.99As compiled by The Numbers
Even The Blair Witch Project (1999), a low budget indie horror film by Eduardo Sanchez and Daniel Myrick, was a huge financial success. Filmed on a budget of just $35,000, without any big stars or special effects, the film grossed $248 million with the use of modern marketing techniques and online promotion. Though not on the scale of George Lucas's $1 billion prequel to the Star Wars Trilogy, The Blair Witch Project earned the distinction of being the most profitable film of all time, in terms of percentage gross. In 2023 and 2024, however, Hollywood experts pointed to 'superhero fatigue' as an emerging trend. Actors such as Paul Dano and directors like Matthew Vaughn have made similar arguments. In 2021, despite the COVID 19 pandemic in the United States, blockbuster films such as Black Widow, F9, Death on the Nile and West Side Story were released in theaters after being postponed from their initial 2020 release dates. Various studios responded to the crisis with controversial decisions to forgo the theatrical window and give their films day and date releases. NBCUniversal released Trolls World Tour directly to video on demand rental on April 10, while simultaneously receiving limited domestic theatrical screenings via drive in cinemas; CEO Jeff Shell claims that the film had reached nearly $100 million in revenue within the first three weeks. The decision was opposed by AMC Theatres, which then announced that its screenings of Universal Pictures films would cease immediately, though the two companies would eventually agree to a 2 week theatrical window. By December 2020, Warner Bros. Pictures announced their decision to simultaneously release its slate of 2021 films in both theaters and its streaming site HBO Max for a period of one month in order to maximize viewership. The move was vehemently criticized by various industry figures, many of whom were reportedly uninformed of the decision before the announcement and felt deceived by the studio. 2019 onwards has seen the rise of American streaming platforms, such as Netflix, Disney+, Paramount+, and Apple TV+, which came to rival traditional cinema. Industry commentators have noted the increasing treatment of films as "content" by corporations that correlate with the increased popularity of streaming platforms. This involves the blurring of boundaries between films, television and other forms of media as more people consume them together in a variety of ways, with individual films defined more by their brand identity and commercial potential rather than their medium, stories and artistry. Critic Matt Zoller Seitz has described the release of Avengers: Endgame in 2019 as "represent[ing] the decisive defeat of 'cinema' by 'content due to its grand success as a "piece of entertainment" defined by the Marvel brand that culminates a series of blockbuster films that has traits of serial television. while the latter is a $200 million heist film from Netflix that critics described "a movie that feels more processed by a machine [ ] instead of anything approaching artistic intent or even an honest desire to entertain." Some have expressed that Space Jam demonstrates the industry's increasingly cynical treatment of films as mere intellectual property (IP) to be exploited, an approach which critic Scott Mendelson called "IP for the sake of IP." Quentin Tarantino opined that the 2020s were one of the "worst" eras "in Hollywood history" on a podcast interview. During a masterclass at the 2023 Sarajevo Film Festival, Charlie Kaufman criticized mainstream blockbusters, stating that "[a]t this point, the only thing that makes money is garbage" and encouraged industry professionals to "make movies outside of the studio system as much as possible". James Gray noted in an interview with Deadline, "When you make movies that only make a ton of money and only one kind of movie, you begin to get a large segment of the population out of the habit of going to the movies", which causes viewership to decrease, though clarified that he has "no problem with a comic book movie". As a solution to the lack of "investment in the broad based engagement with the product", he suggests that studios "be willing to lose money for a couple of years on art film divisions, and in the end they will be happier."

Голливуд и политика

В 1930-х годах демократы и республиканцы увидели возможности заработка в Голливуде. Президент Франклин Рузвельт рассматривал Голливуд как потенциального крупного партнера. Он впервые использовал влияние голливудских звезд в общенациональной кампании. Мелвин Дуглас совершил тур по Вашингтону в 1939 году и встретился с ключевыми представителями "Нового курса".

Политические одобрения

Были подписаны письма поддержки от ведущих актеров, проводились выступления по радио и размещалась печатная реклама. Кинозвезды использовались для привлечения широкой аудитории к политическим взглядам партии. К 1960-м годам Джон Ф. Кеннеди стал новым, молодым лицом в Вашингтоне, а его тесная дружба с Фрэнком Синатрой символизировала эту новую эру гламура. Последние могущественные фигуры Голливуда ушли, и более молодые руководители и продюсеры стали продвигать более либеральные идеи. Знаменитости и деньги привлекали политиков в высшие слои общества, в сверкающий голливудский образ жизни. Как писал Рон Браунштейн в своей книге "Сила и блеск", телевидение в 1970-х и 1980-х годах стало чрезвычайно важным новым медиа в политике, и Голливуд активно участвовал в этом, предоставляя актерам платформу для выступлений с речами о своих политических убеждениях, как, например, Джейн Фонда против войны во Вьетнаме. Несмотря на то, что большинство знаменитостей и продюсеров придерживались левых взглядов и поддерживали Демократическую партию, в эту эпоху появились и республиканские актеры и продюсеры, такие как Клинт Иствуд и Джерри Брукхаймер. Для поддержки консервативных инициатив в Голливуде, который воспринимается как предвзятый по отношению к консерваторам, были созданы группы поддержки, такие как "Друзья Абе". Бывший актер Рональд Рейган стал губернатором Калифорнии, а затем – 40-м президентом Соединенных Штатов. Эта тенденция продолжилась, когда в 2003 году Арнольд Шварценеггер стал губернатором Калифорнии.

Политические пожертвования

Сегодня пожертвования из Голливуда способствуют финансированию федеральной политики. Например, 20 февраля 2007 года тогдашний кандидат в президенты от Демократической партии Барак Обама провел голливудский гала-вечер стоимостью 2300 долларов за место, организованный основателями DreamWorks Дэвидом Геффеном, Джеффри Катценбергом и Стивеном Спилбергом в отеле Беверли Хилтон. В индустрии развлечений также выдвигались обвинения в улучшении репутации, в том числе в создании положительного имиджа мафии. Критике подвергается и продакт-плейсмент, в частности, продвижение курения табачной индустрией в кино. Центры по контролю и профилактике заболеваний утверждают, что 18% подростков, начавших курить, не стали бы этого делать, если бы фильмы, содержащие сцены курения, автоматически получали рейтинг "R", что могло бы спасти 1 миллион жизней.

Цензура

Голливудские продюсеры, как правило, стремятся соответствовать требованиям китайского правительства в области цензуры, чтобы получить доступ к ограниченному, но прибыльному кинорынку страны, который к 2016 году был вторым по величине в мире по объему кассовых сборов. Это включает в себя приоритетное создание положительных образов китайских персонажей в фильмах, например, замену китайских злодеев на северокорейских в фильме "Красный рассвет". Фильму "Кристофер Робин" (2018), новой экранизации "Винни-Пуха", отказали в прокате в Китае. В 2016 году компания Marvel Entertainment подверглась критике за выбор Тильды Суинтон на роль "Древнего" в фильме "Доктор Стрэндж", использовав белую актрису для исполнения традиционно тибетского персонажа. Актер и активный сторонник Тибета Ричард Гир заявил, что после критики китайского правительства и призыва к бойкоту летних Олимпийских игр 2008 года в Пекине ему больше не предлагали участие в крупных голливудских проектах.

Исторические примеры

Голливуд также самоцензурировал любые негативные изображения нацистов в течение большей части 1930-х годов, чтобы сохранить доступ к немецкой аудитории. Примерно в то же время экономическая цензура привела к самоцензуре контента, чтобы угодить группе, обладающей экономическим влиянием. Джанет Васко и Мэри Эриксон, Керри Сегрев, Джон Трампбур и Таннер Миррлиз исследуют международную политическую экономику власти Голливуда. По словам Таннера Миррлиза, Голливуд опирается на четыре капиталистические стратегии "для привлечения и интеграции неамериканских кинопродюсеров, дистрибьюторов и зрителей в свою сферу влияния: владение, трансграничные производства с подчиненными поставщиками услуг, лицензионные сделки с дистрибьюторами и блокбастеры, рассчитанные на мировой прокат". В 1912 году американские кинокомпании в основном были сосредоточены на конкуренции за внутренний рынок. Было трудно удовлетворить огромный спрос на фильмы, вызванный бумом никелодионов. Члены компании Motion Picture Patents Company, такие как Edison Studios, также стремились ограничить конкуренцию со стороны французских, итальянских и других импортных фильмов. Экспорт фильмов стал прибыльным делом для этих компаний. Vitagraph Studios была первой американской компанией, открывшей собственные дистрибьюторские офисы в Европе, основав филиал в Лондоне в 1906 году, а вскоре после этого – второй филиал в Париже. Другие американские компании также выходили на зарубежные рынки, и американское распространение за рубежом продолжало расширяться до середины 1920-х годов. Первоначально большинство компаний продавали свои фильмы косвенно. Однако, поскольку они не имели опыта в зарубежной торговле, они просто продавали иностранные права на свои фильмы иностранным дистрибьюторским фирмам или экспортным агентам. Постепенно Лондон стал центром международного распространения американских фильмов. С глобализацией кинопроизводство сконцентрировалось в Голливуде по нескольким причинам: Соединенные Штаты обладают крупнейшим внутренним рынком в денежном выражении, развлекательные и заметные голливудские фильмы имеют глобальную привлекательность, а роль английского языка как универсального языка способствует компенсации более высоких постоянных затрат на производство. Голливуд глубже проник на китайский рынок, хотя и испытывает влияние китайской цензуры. Фильмы, снятые в Китае, подвергаются цензуре, строго избегая таких тем, как "призраки, насилие, убийства, ужасы и демоны". Такие сюжетные элементы рискуют быть вырезаны. Голливуду приходится снимать "одобренные" фильмы, соответствующие официальным китайским стандартам, но при этом жертвуя эстетическими стандартами ради кассовых сборов. Даже китайским зрителям было скучно ждать выхода американских фильмов, дублированных на их родной язык.

Hollywood also self censored any negative depictions of Nazis for most of the 1930s in order to maintain access to German audiences. Around that time economic censorship resulted in the self censoring of content to please the group wielding their economic influence. Janet Wasko and Mary Erickson, Kerry Segrave, John Trumpbour and Tanner Mirrlees examine the international political economy of Hollywood's power. According to Tanner Mirrlees, Hollywood relies on four capitalist strategies "to attract and integrate non US film producers, exhibitors and audiences into its ambit: ownership, cross border productions with subordinate service providers, content licensing deals with exhibitors, and blockbusters designed to travel the globe." In 1912, American film companies were largely immersed in the competition for the domestic market. It was difficult to satisfy the huge demand for films created by the nickelodeon boom. Motion Picture Patents Company members such as Edison Studios, also sought to limit competition from French, Italian, and other imported films. Exporting films, then, became lucrative to these companies. Vitagraph Studios was the first American company to open its own distribution offices in Europe, establishing a branch in London in 1906, and a second branch in Paris shortly after. Other American companies were moving into foreign markets as well, and American distribution abroad continued to expand until the mid 1920s. Originally, a majority of companies sold their films indirectly. However, since they were inexperienced in overseas trading, they simply sold the foreign rights to their films to foreign distribution firms or export agents. Gradually, London became a center for the international circulation of US films. With globalization, movie production has been clustered in Hollywood for several reasons: the United States has the largest single home market in dollar terms, entertaining and highly visible Hollywood movies have global appeal, and the role of English as a universal language contributes to compensating for higher fixed costs of production. Hollywood has moved more deeply into Chinese markets, although influenced by China's censorship. Films made in China are censored, strictly avoiding themes like "ghosts, violence, murder, horror, and demons." Such plot elements risk being cut. Hollywood has had to make "approved" films, corresponding to official Chinese standards, but with aesthetic standards sacrificed to box office profits. Even Chinese audiences found it boring to wait for the release of great American movies dubbed in their native language.

Условия труда

Рабочий процесс в Голливуде уникален тем, что значительная часть его рабочей силы не приходит на один и тот же съемочный объект каждый день и не следует единому распорядку, а снимает фильмы в различных уголках мира, следуя графику, определяемому снимаемыми сценами, а не соображениями производительности. Например, городской фильм, снятый целиком на натуре ночью, потребует от большинства съемочной группы работать в ночную смену, в то время как ситком, снимаемый преимущественно в павильоне с выездами на натуру лишь один-два дня в неделю, будет придерживаться более традиционного графика работы. Вестерны часто снимаются в пустынных местностях, вдали от домов членов съемочной группы, в районах с ограниченным количеством отелей, что влечет за собой длительные переезды до и после съемочного дня, максимально использующие световой день и в конечном итоге требующие от работников 16-17 часов в сутки, от выхода из дома до возвращения. В то время как роль рабочего класса в Америке ослабла во многих регионах страны, профсоюзы сохранили прочные позиции в Голливуде с момента их основания во времена Великой депрессии, когда рабочие выстраивались в очереди у процветающих киностудий в поисках единственной доступной работы. Условия труда для этих работников были ужасными, поскольку студии эксплуатировали их, предлагая мизерную оплату и постоянную угрозу замены со стороны сотен других соискателей, ждущих за воротами. В силу неформального характера трудоустройства в Голливуде, только посредством коллективных переговоров отдельные работники могут отстаивать свои права на гарантированную минимальную заработную плату и доступ к пенсионным и медицинским планам, которые сохраняются при переходе с фильма на фильм или из сериала в сериал, а также обеспечивают студиям доступ к квалифицированным кадрам, способным приступить к работе на съемочной площадке в первый же день, обладая необходимыми знаниями и опытом для работы со сложным оборудованием. Большинство работников Голливуда представлены несколькими профсоюзами и гильдиями. Международный альянс театральных работников сцены (IATSE), насчитывающий 150 000 членов, представляет большинство профессий, таких как осветители, электрики и операторы, а также монтажеры, звукорежиссеры и визажисты. Гильдия киноактеров (SAG) является второй по величине организацией, представляющей около 130 000 актеров и исполнителей, Гильдия режиссеров Америки (DGA) представляет режиссеров и менеджеров по производству, Гильдия сценаристов Америки (WGA) представляет сценаристов, а Международное братство водителей (IBT) представляет водителей. Профсоюзы и гильдии выступают в качестве коллективного переговорщика для своих членов, регулярно (в настоящее время в основном на трехлетних контрактах) ведя переговоры с Альянсом кино- и телевизионных продюсеров (AMPTP) – торговой ассоциацией, представляющей киностудии и телевизионные сети, нанимающие съемочные группы для создания контента. Хотя отношения между работниками и руководством в целом были дружественными на протяжении многих лет, включая совместную работу с государством над разработкой безопасных протоколов для продолжения работы во время пандемии COVID-19 и совместное лоббирование в пользу налоговых льгот, переговоры о контрактах нередко становятся напряженными из-за изменений в индустрии и в ответ на растущее неравенство доходов. В 1945 году отношения даже переросли в кровопролитие, когда шестимесячная забастовка художников-декораторов вылилась в жестокую схватку в жаркий октябрьский день между бастующими, штрейкбрехерами и охраной студии.

Hollywood's work flow is unique in that much of its work force does not report to the same factory each day, nor follow the same routine from day to day, but films at distant locations around the world, with a schedule dictated by the scenes being filmed rather than what makes the most sense for productivity. For instance, an urban film shot entirely on location at night would require the bulk of its crews to work a graveyard shift, while a situational comedy series that shoots primarily on stage with only one or two days a week on location would follow a more traditional work schedule. Westerns are often shot in desert locations far from the homes of the crew in areas with limited hotels that necessitate long drives before and after a shooting day, which take advantage of as many hours of sunlight available, ultimately requiring workers to put in 16 or 17 hours a day from the time they leave their home to the time they return. While the role of labor in America has waned in many parts of the country, the unions have maintained a firm grip in Hollywood since their start during Great Depression when workers would line up outside the thriving movie studios looking for the only job in town. Terrible conditions awaited those workers as the studios exploited the eager workforce with meager pay and the ever present threat of the hundreds of others waiting just outside the gates to take their place if they voiced any complaints. Due to the casual nature of employment in Hollywood, it is only through collective bargaining can individual workers express their rights to minimum wage guarantees and access to pension and health plans that carry over from film to film or TV series to TV series, and offer the studios access to a trained workforce able to step onto a set on day one with the knowledge and experience to handle the highly technical equipment they are asked to operate. The majority of the workers in Hollywood are represented by several unions and guilds. The 150,000 member strong International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) represents most of the crafts, such as the grips, electricians, and camera people, as well as editors, sound engineers, and hair & make up artists. The Screen Actors Guild (SAG) is the next largest group representing some 130,000 actors and performers, the Directors Guild of America (DGA) represents the directors and production managers, the Writers Guild of America (WGA) representing writers, and the International Brotherhood of Teamsters (IBT) represents the drivers. The unions and guilds serve as the collective bargaining unit for their membership, negotiating on regular intervals (most currently on 3 year contracts) with the Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), a trade alliance representing the film studios and television networks that hire the crews to create their content. While the relationship between labor and management has generally been amicable over the years, working together with the state to develop safe protocols to continue working during COVID 19 and lobbying together in favor of tax incentives, contract negotiations have been known to get contentious over changes in the industry and as a response to rising income inequality. The relationship even turned bloody in 1945 as a six month strike by set decorators turned into a bloody melee on a sweltering October day between strikers, scabs, strikebreakers, and studio security.