Көне грек қыш құмыраларындағы қара силуэт суреттемесі
Black-figure pottery
Ежелгі грек вазаларындағы қара силуэт суреттеу өнері: 7-5 ғасырлар Б.з.д. аралығында кең таралған. Силуэттер, ою-өрнектер, ақ-қызыл түстермен безендірілген.
Ағылшыншамен салыстырыңыз: абзацты басыңыз — түпнұсқа терезеде ашылады. Абзац астындағы EN түймесі оны мәтін ішінде көрсетеді.
Мазмұны
Кіріспе
Ежелгі грек вазаларында сурет салу стилі
Style of painting on ancient Greek vases
Қара фигуралы қыш бояу, сондай-ақ қара фигуралы стиль немесе қара фигуралы керамика деп аталатын бұл стиль, ежелгі грек вазаларында сурет салудың бір түрі. Бұл стиль әсіресе б.з.д. 7-5 ғасырларда кең таралған, бірақ б.з.д. 2 ғасырға дейін сақталған мысалдары да бар. Стилистикалық тұрғыдан, оны алдыңғы шығыстану кезеңінен және одан кейінгі қызыл фигуралы қыш ыдыс стилінен ажыратуға болады. Фигуралар мен әшекейлер ыдыстың бетіне силуэттерге ұқсас пішіндер мен түстерді пайдаланып салынған. Ату алдында бояудың нәзік контурлары кесілген, ал бөлшектері ақ және қызыл сияқты жарық емес түстермен күшейтіліп, ерекшеленген. Бұл стильдің негізгі орталықтары бастапқыда сауда орталығы болған Коринф, ал кейіннен Афина қалалары болды. Лакония, Беотия, Шығыс Грекия және Италияда да маңызды өндіріс орындары болған. Әсіресе Италияда этрус нарығына бағытталған жеке стильдер дамыды. Гректердің қара фигуралы вазалары этрус халқының арасында өте танымал болды, бұл олардың жиі импортталатынынан көрінеді. Грек суретшілері этрус нарығы үшін, әдеттегі өнімдерінен формасы мен әшекейлерімен ерекшеленетін, арнайы жасалған заттарды шығарды. Этрус халқы да грек үлгілеріне негізделген қара фигуралы керамика өнеркәсібін дамытты. Вазалардағы қара фигуралы сурет салу – көптеген танымал суретшілердің пайда болуына себеп болған алғашқы өнер стилі. Олардың кейбіреулері нақты есімдерімен, ал қалғандары ғылыми әдебиеттерде берілген шартты есімдермен белгілі. Әсіресе Аттикада белгілі суретшілер тұрған. Кейбір қыш құмырашылары түрлі жаңалықтар енгізді, олар суретшілердің жұмысына жиі әсер етті, ал кейде суретшілер қыш құмырашыларының шығармашылығына шабыттандырды. Қызыл және қара фигуралы вазалар – мифология мен иконографияның, сондай-ақ ежелгі гректердің күнделікті өмірін зерттеудің маңызды көздері. Бұл вазалар 19 ғасырдан бері жан-жақты зерттеулерге тақырып болды.
Black figure pottery painting, also known as the black figure style or black figure ceramic , is one of the styles of painting on antique Greek vases. It was especially common between the 7th and 5th centuries BCE, although there are specimens dating in the 2nd century BCE. Stylistically it can be distinguished from the preceding orientalizing period and the subsequent red figure pottery style. Figures and ornaments were painted on the body of the vessel using shapes and colors reminiscent of silhouettes. Delicate contours were incised into the paint before firing, and details could be reinforced and highlighted with opaque colors, usually white and red. The principal centers for this style were initially the commercial hub Corinth, and later Athens. Other important production sites are known to have been in Laconia, Boeotia, eastern Greece, and Italy. Particularly in Italy individual styles developed which were at least in part intended for the Etruscan market. Greek black figure vases were very popular with the Etruscans, as is evident from frequent imports. Greek artists created customized goods for the Etruscan market which differed in form and decor from their normal products. The Etruscans also developed their own black figure ceramic industry oriented on Greek models. Black figure painting on vases was the first art style to give rise to a significant number of identifiable artists. Some are known by their true names, others only by the pragmatic names they were given in the scientific literature. Attica especially was the home of well known artists. Some potters introduced a variety of innovations which frequently influenced the work of the painters; sometimes it was the painters who inspired the potters’ originality. Red as well as black figure vases are some of the most important sources of mythology and iconography, and sometimes also for researching day to day ancient Greek life. Since the 19th century CE at the latest, these vases have been the subject of intensive investigation.
Өндіріс әдістері
Керамикаға сурет салудың негізі – сурет салынатын ваза. Көпшілікке танымал пішіндер мен модалар бір-бірімен ауысып отырды. Кейбіреулері уақыт аралығынан кейін қайта оралып келсе, енді біреулері уақыт өте келе толығымен жаңаларымен алмастырылды. Олардың бәрі бірдей әдіспен жасалды: ваза жасалғаннан кейін, бояуға жақтар алдымен кептірілді. Шеберханалар құмыра жасаушылардың бақылауында болды, олар кәсіп иегерлері ретінде қоғамда жоғары мәртебеге ие болды. Құмырашылар мен суретшілердің бір адам болған-болмағаны әлі де нақты емес. Көптеген шеберлер өздері вазаны бояумен айналысып, өндіріске басты үлес қосса, сонымен қатар қосымша суретшілерді жұмысқа алған. Дегенмен, құмырашы мен суретші арасындағы байланысты анықтау қиын. Көптеген жағдайларда, мысалы, Тлесон мен Тлесон суретшісі, Амасис пен Амасис суретшісі, тіпті Никостен мен Суретші Н сияқты жағдайларда, нақты атрибуция жасау мүмкін емес. Бірақ ғылыми әдебиеттерде осы суретшілер мен құмырашылардың бір адам екені жиі айтылады. Алайда, мұндай атрибуцияларды құмырашы мен суретшінің қолтаңбалары болған жағдайда ғана сенімді түрде жасауға болады. Суретшілер құлдар немесе керамика суретшілері ретінде жалақы алатын шеберлер болды. Қара пішінді өндірісте суретші вазаға саз балшығымен сурет салды (ескі әдебиеттерде лак деп те аталды), ол отқа жаққаннан кейін қара және жылтыр түске ие болды. Бұл қалыпты мағынадағы "бояу" емес, себебі бұл сырға салынған балшық вазаның өзінен жасалған, тек құрамындағы бөлшектердің мөлшерімен ғана ерекшеленеді, бұл ваза жасау басталғанға дейін балшықты тазарту кезінде қол жеткізілді. Суреттерге арналған жер алдымен щетка тәрізді құралмен боялды. Ішкі контурлар мен құрылымдық егжей-тегжейлер сырға ойылып, содан кейін сызықтар арқылы астыңғы балшық көрінетіндей етілді. Қызыл және ақ түсті екі басқа жер пигменті әшекейлер, киім немесе киімнің бөліктері, шаштар, жануарлардың жалдары, қару-жарақ және басқа да жабдықтардың егжей-тегжейлерін қосу үшін қолданылды. Ақ түс әйелдердің терісін бейнелеу үшін де жиі қолданылды. Бұл жұмыстың сәттілігін күрделі үш кезеңді оттану процесінен кейін ғана бағалауға болады, ол ваза денесінің қызыл түсін және жағылған сырдың қара түсін жасады. Ваза 800°C температурада пеште отқа жағылды, нәтижесінде болған тотығу вазаны қызғылт-сары түске бояды. Содан кейін температура 950°C-қа дейін көтеріліп, пештің желдеткіш тесіктері жабылды және оттегіні кетіру үшін жасыл ағаш қосылды. Содан кейін ваза толығымен қара түске айналды. Соңғы кезеңде пешке қайтадан оттегі кіруі үшін желдеткіш тесіктерін ашу қажет болды, содан кейін пеш суытылды. Қайтадан тотығу нәтижесінде ваза қызғылт-сары түске қайта оралды, ал енді сіңген боялған қабат екінші кезеңде пайда болған жылтыр қара түсті сақтап қалды. Егер сырлау болмаса, стильдік белгілердің бірі болып табылады. Мұндай жағдайларда форма техникалық тұрғыдан шығыстық стильге ұқсас, бірақ бейнелер шығыстық стильдегідей емес.
The foundation for pottery painting is the vase onto which an image is painted. Popular shapes alternated with passing fashions. Whereas many recurred after intervals, others were replaced over time. They all had a common method of manufacture: after the vase was made, it was first dried before being painted. The workshops were under the control of the potters, who as owners of businesses had an elevated social position. The extent to which potters and painters were identical is uncertain. It is likely that many master potters themselves made their main contribution in the production process as vase painters, while employing additional painters. It is, however, not easy to reconstruct links between potters and painters. In many cases, such as Tleson and the Tleson Painter, Amasis and the Amasis Painter or even Nikosthenes and Painter N, it is impossible to make unambiguous attributions, although in much of the scientific literature these painters and potters are assumed to be the same person. But such attributions can only be made with confidence if the signatures of potter and painter are at hand. The painters, who were either slaves or craftsmen paid as pottery painters, worked on unfired, leather dry vases. In the case of black figure production the subject was painted on the vase with a clay slurry (a slip, in older literature also designated as varnish) which turned black and glossy after firing. This was not "paint" in the usual sense, since this surface slip was made from the same clay material as the vase itself, only differing in the size of the component particles, achieved during refining the clay before potting began. The area for the figures was first painted with a brush like implement. The internal outlines and structural details were incised into the slip so that the underlying clay could be seen through the scratches. Two other earth based pigments giving red and white were used to add details such as ornaments, clothing or parts of clothing, hair, animal manes, parts of weapons and other equipment. White was also frequently used to represent women's skin. The success of all this effort could only be judged after a complicated, three phase firing process which generated the red color of the body clay and the black of the applied slip. The vessel was fired in a kiln at a temperature of about 800 °C, with the resultant oxidization turning the vase a reddish orange color. The temperature was then raised to about 950 °C with the kiln's vents closed and green wood added to remove the oxygen. The vessel then turned an overall black. The final stage required the vents to be re opened to allow oxygen into the kiln, which was allowed to cool down. The vessel then returned to its reddish orange colour due to renewed oxidization, while the now sintered painted layer remained the glossy black color which had been created in the second stage. Although scoring is one of the main stylistic indicators, some pieces do without. For these, the form is technically similar to the orientalizing style, but the image repertoire no longer reflects orientalizing practice.
Даму
Қара фигуралы қыш ыдыс-аяқтарды бейнелеу эволюциясы дәстүрлі түрде әртүрлі аймақтық стильдер мен мектептер арқылы сипатталады. Коринф орталық болғандықтан, жекелеген аймақтардың өнімдерінде маңызды айырмашылықтар болды, тіпті олар бір-біріне әсер еткенімен. Көбінесе Аттикада, бірақ оған ғана шектелмей, сол заманғы ең көрнекті және ықпалды суретшілер классикалық грек қыш суреттерін жасады. Осы бөлім ыдыстардың бейне тасымалдаушы ретіндегі одан әрі дамуы мен сапасына арналған.
The evolution of black figure pottery painting is traditionally described in terms of various regional styles and schools. Using Corinth as the hub, there were basic differences in the productions of the individual regions, even if they did influence each other. Especially in Attica, although not exclusively there, the best and most influential artists of their time characterized classical Greek pottery painting. The further development and quality of the vessels as image carrier are the subjects of this section.
Қорынт қаласы
Қара фигура техникасы шамамен б.з.д. 700 жылы Коринф қаласында дамыды және б.з.д. 7 ғасырдың басында протокоринфтік керамика суретшілерімен алғаш рет қолданылды. Олар әлі де шығыстану стилінде сурет салып жүрген. Жаңа техника ойылған металл бұйымдарын еске түсірді, ал қымбат металл үстел ыдыстары олардың орнына суреттері салынған керамикалық құмыралармен алмастырылды. Ғасырдың соңына дейін ерекше қара фигура стилі қалыптасты. Көптеген шығыстану элементтерінен бас тартылды және тек қызыл түсті розеткалардан басқа әшекейлер болмады (розеткалар кішкентай жеке нүктелердің жиынтығынан құралған).
The black figure technique was developed around 700 BC in Corinth and used for the first time in the early 7th century BC by Proto Corinthian pottery painters, who were still painting in the orientalizing style. The new technique was reminiscent of engraved metal pieces, with the more costly metal tableware being replaced by pottery vases with figures painted on them. A characteristic black figure style developed before the end of the century. Most orientalizing elements had been given up and there were no ornaments except for dabbed rosettes (the rosettes being formed by an arrangement of small individual dots)
Коринфте қолданылған қыш жұмсақ, сары, кейде жасыл түйінге ие болды. Дұрыс емес күйдіру жиі кездесетін жағдай еді, күрделі күйдіру процесі қалаған нәтижені бермеген кезде орын алатын. Нәтижесінде бүкіл құмыраның немесе оның бөліктерінің қажетсіз түске боялуы мүмкін болды. Күйдірілгеннен кейін құмыраға жағылған жылтыр жабын қара түске айналды. Қосымша қызыл және ақ түстер алғаш рет Коринфте пайда болды, содан кейін кеңінен таралды. Суреттелген ыдыстар көбінесе кішкентай форматта болады, сирек жағдайда 30 см-ден асып кетеді. Май құмыралары (алабастр, арибалл), пиксидтер, кратерлер, энохолар және кеселер ең көп таралған суреттелген ыдыстар еді. Мүсінмен безендірілген құмыралар да кең таралған. Аттикалық құмыраларға қарағанда, жазулар сирек кездеседі, ал суретшілердің қолтаңбалары одан да сирек. Коринфте жасалған құмыралардың көп бөлігі Этрурия, Төменгі Италия және Сицилияда табылған. Б.з.д. 7-ші ғасырдың бірінші жартысында және б.з.д. 6-шы ғасырдың бірінші жартысында Коринфтік құмыралар керамика нарығында үстемдік құрды. Коринфтік құмыралардың стильдік тізбегін құру қиын. Мысалы, Аттикалық суреттемесінен айырмашылығы, қыш негізінің пропорциялары көп өзгерген жоқ. Коринфтік құмыраларды мерзімдеу де қиынға соғады; көбінесе Италиядағы грек колонияларының құрылуы сияқты екіншілік мерзімдерге сүйенуге тура келеді. Мұндай ақпарат негізінде стильдік салыстырулар арқылы шамамен хронология құруға болады, бірақ ол Аттикалық құмыралардың мерзімдеуінің дәлдігіне жақын емес. Мифологиялық көріністер жиі бейнеленеді, әсіресе Геракл және Троя соғысына қатысты тұлғалар. Бірақ Коринфтік құмыралардағы бейнелер, Аттикалық суретшілердің кейінгі туындылары сияқты, тақырыптық жағынан кең ауқымды емес. Құдайлар сирек бейнеленеді, Дионис ешқашан. Бірақ Теба циклы Афинаға қарағанда Коринфте көбірек танымал болды. Күрес, атты әскерлер және банкеттер күнделікті өмірдің ең көп таралған көріністері болды, соңғысы алғаш рет ерте Коринф кезеңінде пайда болды. Спорттық көріністер сирек кездеседі. Семіз денелі бишілердің суреттері ерекше және олардың мағынасы бүгінгі күнге дейін даулы. Бұл ішкендер, олардың құрсақтары мен жамбастары жастықтармен толтырылған және олар грек комедиясының ерте түрі болуы мүмкін.
The clay used in Corinth was soft, with a yellow, occasionally green tint. Faulty firing was a matter of course, occurring whenever the complicated firing procedure did not function as desired. The result was often unwanted coloring of the entire vase, or parts of it. After firing, the glossy slip applied to the vase turned dull black. The supplemental red and white colors first appeared in Corinth and then became very common. The painted vessels are usually of small format, seldom higher than 30 cm. Oil flasks (alabastra, aryballos), pyxides, kraters, oenochoes and cups were the most common vessels painted. Sculptured vases were also widespread. In contrast to Attic vases, inscriptions are rare, and painters’ signatures even more so. Most of the surviving vessels produced in Corinth have been found in Etruria, lower Italy and Sicily. In the 7th and first half of the 6th centuries BC, Corinthian vase painting dominated the Mediterranean market for ceramics. It is difficult to construct a stylistic sequence for Corinthian vase painting. In contrast to Attic painting, for example, the proportions of the pottery foundation did not evolve much. It is also often difficult to date Corinthian vases; one frequently has to rely on secondary dates, such as the founding of Greek colonies in Italy. Based on such information an approximate chronology can be drawn up using stylistic comparisons, but it seldom has anywhere near the precision of the dating of Attic vases. Mythological scenes are frequently depicted, especially Heracles and figures relating to the Trojan War. But the imagery on Corinthian vases does not have as wide a thematic range as do later works by Attic painters. Gods are seldom depicted, Dionysus never. But the Theban Cycle was more popular in Corinth than later in Athens. Primarily fights, horsemen and banquets were the most common scenes of daily life, the latter appearing for the first time during the early Corinthian period. Sport scenes are rare. Scenes with fat bellied dancers are unique and their meaning is disputed up to the present time. These are drinkers whose bellies and buttocks are padded with pillows and they may represent an early form of Greek comedy.
Өтпелі стиль
Өтпелі стиль (б.з.д. 640-625 жж.) шығыстану (протокоринфтік) стильді қара фигура стилімен байланыстырды. Протокоринфтік кезеңнің ежелгі жануарлар фризі стилі құнығып қалды, сондай-ақ ваза суретшілерінің мифологиялық сахналарға деген қызығушылығы да азайды. Осы кезеңде жануарлар мен гибридтік жаратылыстар басым болды. Сол кездегі ең танымал форма – шар тәрізді арибаллос, ол көптеп өндіріліп, жануарлар фризімен немесе күнделікті өмірден алынған сахналармен безендірілді. Кескіннің сапасы шығыстану кезеңімен салыстырғанда нашар. Сол заманның ең көрнекті суретшілері – Шамблинг Буль суретшісі, оның ең әйгілі туындысы – аң аулау сахнасы бейнеленген арибаллос, Палермо 489 суретшісі және оның шәкірті Колумб суретшісі. Соңғысының жеке стилін оның қуатты арыстандардың суреттерінен оңай тануға болады. Арибаллостан басқа, котиле мен алабастрон ең маңызды ваза пішіндері болып табылады. Котилелердің жиектері әшекейленген, ал қалған әшекейлер жануарлар мен сәулелерден тұрады. Екі тік беткейде мифологиялық сахналар жиі кездеседі. Алабастрондарға көбінесе жеке тұлғалар бейнеленген.
The transitional style (640 625 BC) linked the orientalizing (Proto Corinthian) with the black figure style. The old animal frieze style of the Proto Corinthian period had run dry, as did the interest of vase painters in mythological scenes. During this period animal and hybrid creatures were dominant. The index form of the time was the spherical aryballos, which was produced in large numbers and decorated with animal friezes or scenes of daily life. The image quality is inferior compared with the orientalizing period. The most distinguished artists of the time were the Shambling Bull Painter, whose most famous work is an aryballos with a hunting scene, the Painter of Palermo 489, and his disciple, the Columbus Painter. The latter's personal style can be most easily recognized in his images of powerful lions. Beside the aryballos, the kotyle and the alabastron are the most important vase shapes. The edges of kotyles were ornamented, and the other decorations consisted of animals and rays. The two vertical vase surfaces frequently have mythological scenes. The alabastrons were usually painted with single figures.
Ерте және орта Коринф
Дуэль суретшісі – ерте Коринф суретшілерінің ең маңыздысы (б.з.д. 625–600 жж.), ол арийболлдарда күрес көріністерін бейнелеген. Орта Коринф кезеңінен бастап (б.з.д. 600–575 жж.) егжей-тегжейлі сипаттау үшін мөлдір емес түстер жиірек қолданыла бастады. Фигуралар ақ нүктелер тізбегімен қосымша боялды. Арийболлдар үлкейіп, жазық түбі берілді. Фолой суретшісі кеңінен танымал, оның ең әйгілі туындысы – Геракл суреті салынған скифос. Додвелл суретшісі жануарлар фризін салуды жалғастырды, бірақ басқа суретшілер бұл дәстүрден бас тарған болатын. Оның шығармашылық кезеңі Кейінгі Коринф кезеңіне (б.з.д. 575–550 жж.) дейін созылды және ол сол кездегі ваза сурет салуға тигізген әсерін бағалауға болмайды. Горгонейон тобының шебері мен Кавалькада суретшісі де ерекше беделге ие болды, ол шарап ішкі жағында аттыларды бейнелеуді ұнатқандықтан осылай аталды; ол б.з.д. 580 ж. шамасында өмір сүрді. Оның екі шедеврі – Аякс өзін-өзі өлтіргенін бейнелейтін тостаған және күйеу жігіттерді көлікте бейнелейтін бағаналы кратер. Астағы барлық фигуралар белгіленген. Аты бірінші рет аталған суретші – полихромды ваза суретшісі, ол құты мен пинаксқа қол қойған. Екінші суретшінің аты Милонидас та пинаксқа жазылған. Коринфтік ольпа шарап құмырасы үш жапырақты жапырақшасы бар оинохоенің аттикалық нұсқасымен алмастырылды. Орта Коринф кезеңінде адамдардың бейнелері қайтадан жиі кездесе бастады. Б.з.д. 600 ж. шамасында жасалған Эвритеос кратері ерекше жоғары сапалы деп есептеледі; ол бас фризінде Геракл, Эвритеос және басқа мифтік тұлғалармен симпозиумды көрсетеді.
The Duel Painter was the most important early Corinthian painter (625 600 BC) who depicted fighting scenes on aryballos. Starting in the Middle Corinthian period (600 575 BC), opaque colors were used more and more frequently to emphasize details. Figures were additionally painted using a series of white dots. The aryballos became larger and were given a flat base. The Pholoe Painter is well known, his most famous work being a skyphos with a picture of Heracles. The Dodwell Painter continued to paint animal friezes, although other painters had already given up this tradition. His creative period extended into the Late Corinthian period (575–550 BC) and his influence cannot be overestimated on vase painting of that time. Likewise of exceptional reputation were the master of the Gorgoneion Group and the Cavalcade Painter, given this designation because of his preference for depicting horsemen on cup interiors; he was active around 580 BC. Two of his masterpieces are a cup showing the suicide of Ajax, and a column krater showing a bridal couple in a chariot. All figures shown on the bowl are labeled. The first artist known by name is the polychrome vase painter , who signed a flask and a pinax. A second artist's name of Milonidas also appears on a pinax. The Corinthian olpe wine jug was replaced by an Attic version of the oinochoe with a cloverleaf lip. In Middle Corinthian time, depictions of people again became more common. The Eurytios Krater dated around 600 BC is considered to be of particularly high quality; it shows a symposium in the main frieze with Heracles, Eurytios, and other mythical figures.
Қорынттық дәуірінің соңғы кезеңдері
Кейінгі Коринф дәуірінде (кейде I Коринф дәуірі, б.з.д. 575–550 жылдары) коринфтік құмыралар үлкен ақ бөліктері мен саз ыдыстың аққан түсі арасындағы контрастты күшейту үшін қызыл жабынмен жабылған. Бұл коринф шеберлерін сол кездегі құмыра жасаудағы жетекші рөлді атқарып тұрған аттикалық суретшілермен бәсекелестікке түсірді. Аттикалық құмыра пішіндері де көбірек көшірілді. Бұрын формасы негізінен өзгермеген ойнохоэлер аттикалық пішіндерге ұқсап бастады; лекитостар да жиі жасалатын болды. Коринфтіктердің өнертабысы болғандықтан, Грекияның қалған бөлігінде коринтиос деп аталған бағаналы кратер өзгертілді. Ұстамалардың үстіндегі иректердің қысқартылуы Халкид кратерін жасады. Негізгі сурет өрісі күнделікті өмірдің немесе мифологиялық көріністердің әртүрлі бейнелерімен безендірілді, ал екіншілік өрісте жануарлар фризі болды. Артында көбінесе екі үлкен жануар бейнеленген. Орта Коринф дәуірінде-ақ кеселер тереңдеген, және бұл тенденция жалғасты. Олар котильдердей танымал болды. Көптеген құмыралардың сыртында мифологиялық көріністер, ал ішінде горгонаның қабақ шырышы бейнеленген. Бұл сурет салу әдісін аттикалық суретшілер де қабылдады. Ал коринфтік суретшілер Афинадан сурет өрістерін алды. Жануарлар фризінің маңызы азайды. Осы кезеңде аты белгілі үшінші коринфтік суретші, Харес жұмыс істеді. Сонымен қатар, шамамен б.з.д. 560 жылы қызыл фонға амфораларды суреттеген Тидей суретшісін де атау керек. Құмыраларға кесілген розеткалар жалғасты, олар тек бірнеше кратерлер мен кеселерде болмады. Бұл кезеңдегі ең көрнекті өнер туындысы – Амфиараос кратері, б.з.д. 560 жыл шамасында Амфиараос суретшісінің басты жұмысы ретінде жасалған бағаналы кратер. Онда батыр Амфиараос өмірінен бірнеше оқиға көрсетілген. Шамамен б.з.д. 550 жылы суретті құмыралардың жасалуы тоқтады. Келесі II Коринф стилі құмыралар тек әшекейлермен, көбінесе силуэт техникасымен боялған. Оның орнына қызыл фигура стилі келді, бірақ ол Коринфте ерекше жоғары сапаға жетпеді.
In Late Corinthian times (sometimes designated Late Corinthian I, 575–550 BC) Corinthian vases had a red coating to enhance the contrast between the large white areas and the rather pale color of the clay vessel. This put the Corinthian craftsmen in competition with Attic pottery painters, who had in the meantime taken over a leading role in the pottery trade. Attic vase forms were also increasingly copied. Oinochoes, whose form had remained basically unchanged up until that time, began to resemble Attic forms; lekythos also started to be increasingly produced. The column krater, a Corinthian invention which was for that reason called a korinthios in the rest of Greece, was modified. Shortening the volutes above the handles gave rise to the Chalcidic krater. The main image field it was decorated with various representations of daily life or mythological scenes, the secondary field contained an animal frieze. The back often showed two large animals. Cups had become deeper already in Mid Corinthian times and this trend continued. They became just as popular as kotyles. Many of them have mythological scenes on the outside and a gorgon grimace on the inside. This type of painting was also adopted by Attic painters. On their part, Corinthian painters took over framed image fields from Athens. Animal friezes became less important. During this time the third Corinthian painter with a known name, Chares, was active. The Tydeus Painter should also be mentioned, who around 560 BC liked to paint neck amphoras with a red background. Incised rosettes continued to be put on vases; they are lacking on only a few kraters and cups. The most outstanding piece of art in this period is the Amphiaraos Krater, a column krater created around 560 BC as the major work of the Amphiaraos Painter. It shows several events from the life of the hero Amphiaraos. Around 550 BC the production of figured vases came to an end. The following Late Corinthian Style II is characterized by vases only with ornaments, usually painted with a silhouette technique. It was succeeded by the red figure style, which however did not attain a particularly high quality in Corinth.
Аттика
20,000-нан астам сақталған данасы бар Аттиканың қара фигуралы вазалары ең ірі және маңызды ваза коллекциясын құрайды, Аттиканың қызыл фигуралы вазаларынан кейін екінші орында тұрады. Аттикалық құмыр жасаушылар Атикада табылған темірге бай, сапалы балшықтан пайдаланды. Жоғары сапалы Аттиканың қара фигуралы вазалары біркелкі, жылтыр, құмыра қара түсті қаптамамен жабылған, ал боялған терракота балшық негізі мұқият тегістелген. Әйелдердің терісі әрқашан ақ, жарық түсті бояумен көрсетіледі, бұл бояу жеке жылқылар, киім-кешек немесе әшекейлер сияқты детальдар үшін де жиі қолданылады. Ең көрнекті аттикалық суретшілер ваза суреттеуін графикалық өнер деңгейіне көтерді, бірақ көптеген орташа сапалы және жаппай өндірілген бұйымдар да жасалды. Аттикалық керамиканың ерекше маңызы – олардың шексіз көріністер жиынтығындағы тақырыптардың алуан түрлілігінен туындайды. Бұл көріністер, әсіресе мифология және күнделікті өмір туралы мол мәліметтер береді. Алайда, заманауи оқиғаларды бейнелейтін суреттерге кездесу өте сирек. Мұндай сілтемелер көбінесе жазба түрінде, мысалы, вазаға «калос» деген жазу жазылғанда ғана кездеседі. Вазалар бір жағынан ішкі нарық үшін жасалса, мерекелерде немесе діни қағидалармен байланысты да маңызды рөл атқарды. Екінші жағынан, олар Жерорта теңізі аймағында кеңінен сатылатын маңызды экспорттық тауар болды. Сондықтан, қазірге дейін сақталған көптеген вазалар Этрусктердің зираттарынан табылған.
With over 20,000 extant pieces, Attic black figure vases comprise the largest and at the same time most significant vase collection, second only to Attic red figure vases. Attic potters benefitted from the excellent, iron rich clay found in Attica. High quality Attic black figure vases have a uniform, glossy, pitch black coating and the color intensive terra cotta clay foundation has been meticulously smoothened. Women's skin is always indicated with a white opaque color, which is also frequently used for details such as individual horses, clothing or ornaments. The most outstanding Attic artists elevated vase painting to a graphic art, but a large number of average quality and mass market products were also produced. The outstanding significance of Attic pottery comes from their almost endless repertoire of scenes covering a wide range of themes. These provide rich testimonials especially in regard to mythology, but also to daily life. On the other hand, there are virtually no images referring to contemporary events. Such references are only occasionally evident in the form of annotations, for example when kalos inscriptions are painted on a vase. Vases were produced for the domestic market on the one hand, and were important for celebrations or in connection with ritual acts. On the other hand, they were also an important export product sold throughout the Mediterranean area. For this reason most of the surviving vases come from Etruscan necropolises.
Басты жолшылар
Қара фигуралы техника алғаш рет б.з.д. 7 ғасырының ортасында, протоаттикалық ваза суреттеу кезеңінде қолданылды. Сол кездегі ең жоғары сапаны ұсынған Коринф керамикасының ықпалымен аттикалық ваза суретшілері шамамен б.з.д. 635 жыл мен ғасыр соңы аралығында жаңа технологияға көшті. Бастапқыда олар коринфтік үлгілердің әдістері мен тақырыптарын жақыннан ұстанды. Осы кезеңнің басындағы Берлин суретшісі А 34 – алғашқы жеке суретші ретінде танылды. Өзіндік стилі бар алғашқы суретші – Нессо суретшісі болды. Ол өзінің Нессо амфорасымен аттикалық қара фигура стиліндегі тұңғыш көрнекті туындыны жасады. Сонымен қатар, ол аттикалық жануарлар фризі стилінің ерте шебері болды. Оның бір вазасы Этрурияға экспортталған алғашқы аттикалық ваза болды. Ол сондай-ақ аттикалық өнерде алғаш рет арпийлер мен сиреналардың бейнелеуіне жауапты болды. Коринф суретшілерінен айырмашылығы, ол жануарлар анатомиясын жақсырақ бейнелеу үшін қос және тіпті үш рет ойылып түсірілген сызықтарды қолданды. Қос ойық иық сызығы аттикалық вазалардың ерекше белгісіне айналды. Үлкен қыш ыдыстар, мысалы, құрсақ амфоралар, суреттерді тасымалдаушы ретінде ертерек танылды. Бұл пионерлік кезеңдегі басқа да маңызды суретшілер – Пирей суретшісі, Беллерофон суретшісі және Арыстан суретшісі болды.
The black figure technique was first applied in the middle of the 7th century BC, during the period of Proto Attic vase painting. Influenced by pottery from Corinth, which offered the highest quality at the time, Attic vase painters switched to the new technology between about 635 BC and the end of the century. At first they closely followed the methods and subjects of the Corinthian models. The Painter of Berlin A 34 at the beginning of this period is the first identified individual painter. The first artist with a unique style was the Nessos Painter. With his Nessos amphora he created the first outstanding piece in the Attic black figure style. At the same time he was an early master of the Attic animal frieze style. One of his vases was also the first known Attic vase exported to Etruria. He was also responsible for the first representations of harpies and Sirens in Attic art. In contrast to the Corinthian painters he used double and even triple incised lines to better depict animal anatomy. A double scored shoulder line became a characteristic of Attic vases. The possibilities inherent in large pieces of pottery such as belly amphoras as carriers for images were also recognized at an early date. Other important painters of this pioneer time were the Piraeus Painter, the Bellerophon Painter and the Lion Painter.
Ертедегі аттик вазалары
Қара фигура стилі шамамен 600 жылы Афинада қалыптасты. Афиналықтардың ерте дамуы ат басы амфорасы болды, атауы бейне терезесіндегі ат басының бейнесіне байланысты. Бейне терезелері кейінгі кезеңде жиі қолданылды және кейіннен тіпті Коринфте де қабылданды. Керамика суретшісі мен Горгон суретшісі ат басы амфораларымен байланысты. Коринфтің ықпалы ғана емес, күшейе түсті. Жануарлар фризі жалпыға міндетті және әдетте қолданылатын. Бұл экономикалық және стильдік себептерге байланысты болды, себебі Афина нарықтар үшін Коринфпен бәсекелесті. Аттикалық вазалар Қара теңіз аймағында, Ливияда, Сирияда, Төменгі Италияда және Испанияда, сондай-ақ Грекияның өзінде сатылды. Афиналық вазалар Коринф үлгілеріне сүйенгенімен, жергілікті жаңалықтарды да көрсетті. Осылайша, б.з.д. 6 ғасырының басында "Дейанаира типіндегі" лекитос пайда болды, оның сопақ, ұзын пішіні болды. Бұл ерте заманның ең маңызды суретшісі Горгон суретшісі (б.з.д. 600–580 жж.) болды. Ол өте өнімді суретші болды, ол мифологиялық тақырыптарды немесе адамдарды сирек қолданды, ал қолданғанда оларды әрқашан жануарлармен немесе жануарлар фризімен бірге бейнеледі. Оның басқа да кейбір вазаларында, көптеген Коринф вазалары сияқты, жануарлардың бейнесі ғана болды. Горгон суретшісінен басқа, Комаст тобының суретшілерін де атап өту керек (б.з.д. 585–570 жж.). Бұл топ Афинаға жаңа ваза түрлерін – лакан, котиль және котонды әкелді. Ең маңызды жаңалық – бұл "Оксфорд палметті класының" "прекомаст" тостандарымен қатар Аттика тостанының дамуының бастапқы кезеңінде тұрған "киста" тостанының енгізілуі болды. Бұл топтағы маңызды суретшілер – аға КХ суретшісі және сәл кем талантты КЙ суретшісі, ол Афинаға бағаналы кратерді әкелді. Бұл ыдыстар банкеттерде пайдалануға арналған, сондықтан олар тиісті комедиялық көріністермен безендірілді, мысалы, комаст өнерпаздарының көріністері. Бірінші буынның басқа да маңызды суретшілері – Пантер суретшісі, Анагирус суретшісі, Дрезден леканисінің суретшісі және Полос суретшісі. Бірінші буын суретшілерінің соңғы маңызды өкілі Софилос (б.з.д. 580–570 жж.), атымен белгілі алғашқы Аттика ваза суретшісі. Ол барлығы төрт сақталған вазаға қол қойды, үшеуі суретші, біреуі қыш құмырашы ретінде, бұл сол кезде қыш құмырашылардың қара фигура стиліндегі вазаларды суреттегенін көрсетеді. Екі қолөнердің толық бөлінуі қызыл фигура стилінің даму барысында болған сияқты, бірақ бұрынғы маманданудан да бас тартпауға болады. Софилос түсіндірмелерді кеңінен қолданады. Ол үлкен вазаларды бағалаған, өйткені оның шығармалары әсіресе динос пен амфоралар ретінде белгілі. Софилос өзінің алдыңғыларына қарағанда Патроклдың жерлеу ойындары сияқты мифологиялық көріністерді жиі көрсетеді. Жануарлар фризінің маңызы онымен бірге төмендеді, ал өсімдіктер мен басқа да әшекейлер де нашар сапалы, себебі олар маңызды емес деп есептелді, сондықтан суретші оларға аз көңіл бөлді. Бірақ басқа жағынан Софилос өзінің епті суретші екенін көрсетті. Екі диноста Пелей мен Фетиданың үйлену тойы бейнеленген. Бұл вазалар Франсуа вазасымен бір уақытта жасалған, ол осы тақырыпты өте жақсы бейнелейді. Алайда Софилос екі диносының бірінде жануарлар фризі түріндегі әшекейлерді қолданбайды және әртүрлі ваза беттеріне таралған көріністерде әртүрлі мифтерді біріктірмейді. Бұл бірнеше өзара байланысты бөліктердегі бір мифті көрсететін алғашқы үлкен грек вазасы. Диностың ерекшелігі – суретшінің әйелдерді бейнелеу үшін ақ бояуды қара жылтырдың үстіне емес, тікелей саз негізіне жаққаны. Суреттің ішкі бөлшектері мен контурлары күңгірт қызыл түске боялған. Бұл ерекше техника сирек кездеседі, тек Софилостың шеберханасында жасалған вазаларда және б.з.д. 6 ғасырындағы Коринф стиліндегі ағаш панельдерде кездеседі. Софилос сондай-ақ сирек кездесетін тостақандардың (көк тостақанның бір түрі) бірін суреттеді және ең алғашқы сақталған дауыстық тақташаларды жасады. Ол өзі немесе оның ізбасары алғашқы некелік вазаны (лебес гамикос деп аталады) безендірді.
The black figure style became generally established in Athens around 600 BC. An early Athenian development was the horse head amphora, the name coming from the depiction of horse heads in an image window. Image windows were frequently used in the subsequent period and were later adopted even in Corinth. The Cerameicus Painter and the Gorgon Painter are associated with the horse head amphoras. The Corinthian influence was not only maintained, but even intensified. The animal frieze was recognized as generally obligatory and customarily used. This had economic as well as stylistic reasons, because Athens competed with Corinth for markets. Attic vases were sold in the Black Sea area, Libya, Syria, lower Italy and Spain, as well as within the Greek homeland. In addition to following Corinthian models, Athens vases also showed local innovations. Thus at the beginning of the 6th century BC a "Deianaira type" of lekythos arose, with an elongated, oval form. The most important painter of this early time was the Gorgon Painter (600–580 BC). He was a very productive artist who seldom made use of mythological themes or human figures, and when he did, always accompanied them with animals or animal friezes. Some of his other vases had only animal representations, as was the case with many Corinthian vases. Besides the Gorgon Painter the painters of the Komast Group (585–570 BC) should be mentioned. This group decorated types of vases which were new to Athens, namely lekanes, kotyles and kothons. The most important innovation was however the introduction of the komast cup, which along with the "prekomast cups" of the Oxford Palmette Class stands at the beginning of the development of Attic cups. Important painters in this group were the elder KX Painter and the somewhat less talented KY Painter, who introduced the column krater to Athens. These vessels were designed for use at banquets and were thus decorated with relevant komos scenes, such as komast performers komos scenes. Other significant painters of the first generation were the Panther Painter, the Anagyrus Painter, the Painter of the Dresden Lekanis and the Polos Painter. The last significant representative of the first generation of painters was Sophilos (580–570 BC), who is the first Attic vase painter known by name. In all, he signed four surviving vases, three as painter and one as potter, revealing that at this date potters were also painters of vases in the black figure style. A fundamental separation of both crafts seems to have occurred only in the course of the development of the red figure style, although prior specialization cannot be ruled out. Sophilos makes liberal use of annotations. He apparently specialized in large vases, since especially dinos and amphoras are known to be his work. Much more frequently than his predecessors, Sophilos shows mythological scenes like the funeral games for Patroclus. The decline of the animal frieze begins with him, and plant and other ornaments are also of lower quality since they are regarded as less important and thus receive scant attention from the painter. But in other respects Sophilos shows that he was an ambitious artist. On two dinos the marriage of Peleus and Thetis is depicted. These vases were produced at about the same time as the François vase, which depicts this subject to perfection. However, Sophilos does without any trimmings in the form of animal friezes on one of his two dinos, and he does not combine different myths in scenes distributed over various vase surfaces. It is the first large Greek vase showing a single myth in several interrelated segments. A special feature of the dinos is the painter's application of the opaque white paint designating women directly on the clay foundation, and not as usual on the black gloss. The figure's interior details and contours are painted in a dull red. This particular technique is rare, only found in vases painted in Sophilos' workshop and on wooden panels painted in the Corinthian style in the 6th century BC. Sophilos also painted one of the rare chalices (a variety of goblet) and created the first surviving series of votive tablets. He himself or one of his successors also decorated the first marriage vase (known as a lebes gamikos) to be found.
Классикалыққа дейінгі архаикалық кезең
Б.з.б. VI ғасырдың екінші үштен бірінен бастап аттикалық суретшілер мифологиялық көріністерге және басқа да бейнелер салуға қызығушылық танытты. Жануарлар фриздерінің маңыздылығы төмендеді. Оларға тек бірнеше суретшілер ғана көңіл бөлді, және олар көбінесе назар орталығынан вазаның маңызды емес бөліктеріне жылжытылды. Бұл жаңа стильді ең жақсы Франсуа вазасы көрсетеді, оны қыш өндіруші Эрготимос және суретші Клейтиас (б.з.б. 570–560 жж.) қол қойған. Бұл кратер грек суретшілігінің ең танымал вазасы саналады. Бұл – балшықтан жасалған алғашқы белгілі волют кратері. Мифологиялық оқиғалар бірнеше фриздерде бейнеленген, ал жануарлар фриздері екінші орында көрсетілген. Бұл вазада бірнеше иконографиялық және техникалық ерекшеліктер алғаш рет пайда болды. Көптеген ерекшеліктер бірегей, мысалы, желкенді кеменің төмен түсірілген мачтасының бейнесі; ал кейбіреулері стандартты репертуардың бөлігіне айналды, мысалы, адамдардың аяқтарын дәстүрлі түрде қатар қоюдың орнына, бір аяғын екіншісінің артына қойып отыруы. Эрготимос пен Клейтиас тағы төрт кішкентай вазаға қол қойған, сондай-ақ оларға қосымша вазалар мен сынықтар жатқызылады. Олар Клейтиас жасаған басқа жаңалықтарды көрсетеді, мысалы, Афинаның тууы немесе Криттегі биді алғаш рет бейнелеу. Неарх (б.з.б. 565–555 жж.) қыш өндіруші және суретші ретінде қол қойды. Ол үлкен суреттерді жақсы көретін және арбаны бағындыруды бейнелеген алғашқы суретші болды. Тағы бір жаңалық – вазаның ернеуінің астына ақ фонға тіл суретін салу. Басқа да талантты суретшілердің арасында Акрополис 606 суретшісі және Птон суретшісі болды, олардың ең танымал туындысы – Хёрст гидриясы. Бургон тобы да маңызды, өйткені ол Панафенаикалық амфораның алғашқы толық сақталған мысалы болып табылады. Сиана тостағаны б.з.б. 575 жыл шамасында комаст тостағанынан пайда болды. Комаст тобы тостағаннан басқа да пішіндер жасағанмен, кейбір шеберлер Сиана тостағандарының алғашқы маңызды үлгісін жасаған С суретшісінен (б.з.б. 575–555 жж.) кейін тостаған өндірісіне маманданған. Тостағандардың жиегі бұрынғыдан жоғары, ал түбі қысқа, ойыс сағаққа ие. Аттикалық ваза суреттерінде алғаш рет тостағанның ішкі жағы шеңберленген суреттермен (tondo) безендірілді. Безендірудің екі түрі болды. «Екі қабатты» стилінде тостағанның денесі мен жиегі әрқайсысы бөлек безендірілді. «Үстіне жабу» стилінде сурет дене мен жиектің екеуін де қамтиды. Б.з.б. VI ғасырдың екінші ширегінен кейін, әсіресе тостақандарды спортшылардың суреттерімен безендіруге көбірек қызығушылық танылды. Сиананың тағы бір маңызды суретшісі – Гейдельберг суретшісі. Ол да негізінен Сиана тостағандарын суреттеді. Оның сүйікті тақырыбы – батыр Геракл. Гейдельберг суретшісі – оны Эримантиялық қабанмен, Нереймен, Бусириспен және Гесперидтер бағында көрсеткен алғашқы аттикалық суретші. Орта өлшемді тостақандарды биік тұғырлармен және жиектерімен безендірген Кассандра суретшісі Сиана тостағанның дамуының аяқталуын білдіреді. Ол ең алдымен «Кіші шеберлер» деп аталатын суретшілердің үлкен тобының алғашқы мүшесі ретінде маңызды, олар бірдей ыдыстарды жасады, оларды «кіші шеберлер тостағандары» деп атады. Сиана тостағандарымен бір уақытта «қуаныш» деп аталатын тостақандар да жасалды. Олардың тұтқалары екі тісті шанышқы пішіндес және түймеге ұқсайтын бөлікпен аяқталады. Бұл тостақандардың жиегі анықталмаған. Олардың ыдысы терең, ал табаны жоғары және тар. Классикалық дәуірге дейінгі Архаикалық кезеңнің соңғы көрнекті суретшісі Лидос (б.з.б. 560–540 жж.), ол өзінің екі сақталған туындысына ho Lydos (лидиялық) деп қол қойды. Ол немесе оның ата-бабалары Кіші Азиядан шыққан болуы мүмкін, бірақ ол, әрине, Афинада оқыған. Қазіргі таңда оның 130-дан астам вазасы сақталған. Оның гидриядағы суреттерінің бірі – Геракл мен Герион арасындағы күрестің алғашқы белгілі аттикалық бейнесі. Лидос алғаш рет Гераклге арыстан терісін кигізді, кейін бұл аттика өнерінде кең таралды. Ол сондай-ақ Афина акрополисінен табылған динозаврда құдайлар мен алыптар арасындағы шайқасты және Геракл мен Цикнусты суреттеді. Лидос гидриялар мен диностардан басқа басқа да ыдыстарды безендірді, мысалы, табақтар, тостақандар (Сиена тостақандары), бағаналы кратерлер мен псиктерлер, сондай-ақ дауыс беру тақталары. Лидостың өнімдерін осындай деп анықтау қиын, өйткені олар оның жақын ортасынан аздап ғана ерекшеленеді. Стилистика біртекті, бірақ бұйымдардың сапасы әртүрлі. Суреттер әрқашан мұқият орындалмайды. Лидос Афинаның керамикалық ауданындағы өте өнімді шеберхананың жетекшісі болған болуы мүмкін. Ол үлкен вазаларға жануарлар фриздерін салған соңғы аттикалық ваза суретшісі болды. Коринфтік дәстүрде оның суреттері Клейтиас арқылы Лидосқа және Амасис суретшілеріне, содан кейін Экзекиасқа дейін ваза суретшілерінің тізбегіндегі буын болып табылады. Олармен бірге ол Аттикадағы бұл өнердің дамуына қатысты және ұзаққа созылған әсер етті. Бұл кезеңдегі аттикалық вазалардың ерекше түрі – Тиррен амфорасы (б.з.б. 550–530 жж.). Бұл жұмыртқа тәрізді мойынды амфоралар, олардың безендіруі бұл кезеңдегі әдеттегі аттикалық дизайн канонынан өзгеше. Сақталған шамамен 200 вазаның барлығы дерлік Этрурияда табылған. Амфораның денесі әдетте бірнеше параллель фриздерге бөлінген. Жоғарғы немесе иек фризі әдетте мифологиядан танымал көрініс көрсетеді. Көбінесе сирек кездесетін тақырыптар да бар, мысалы, Поликсенені құрбан етудің бірегей көрінісі. Аттикалық вазалардағы алғашқы эротикалық суреттер де осы вазада табылды. Суретшілер Тиррен амфораларына көрсетілген тұлғаларды анықтайтын түсіндірмелерді жиі қосады. Қалған екі немесе үш фриз жануарлармен безендірілген; кейде олардың бірі өсімдік фризімен ауыстырылды. Мойын әдетте лотос-пальметтік крест немесе гирляндалармен боялған. Амфоралар өте түрлі-түсті және коринфтік өнімдерді еске түсіреді. Бұл жағдайда коринфтік пішін, әрине, этрус нарығы үшін арналған нақты ваза түрін жасау үшін әдейі көшірілген. Бұл пішін Афинада емес, Аттиканың басқа жерінде немесе тіпті Аттикадан тыс жерде жасалған болуы мүмкін. Маңызды суретшілердің арасында Кастеллани суретшісі және Гольтир суретшісі болды.
Starting around the second third of the 6th century BC, Attic artists became interested in mythological scenes and other representations of figures. Animal friezes became less important. Only a few painters took care with them, and they were generally moved from the center of attention to less important areas of vases. This new style is especially represented by the François vase, signed by both the potter Ergotimos and the painter Kleitias (570–560 BC). This krater is considered to be the most famous Greek painted vase. It is the first known volute krater made of clay. Mythological events are depicted in several friezes, with animal friezes being shown in secondary locations. Several iconographic and technical details appear on this vase for the first time. Many are unique, such as the representation of a lowered mast of a sailing ship; others became part of the standard repertoire, such as people sitting with one leg behind the other, instead of with the traditional parallel positioning of the legs. Four other, smaller vases were signed by Ergotimos and Kleitias, and additional vases and fragments are attributed to them. They provide evidence for other innovations by Kleitias, like the first depiction of the birth of Athena or of the Dance on Crete. Nearchos (565–555 BC) signed as potter and painter. He favored large figures and was the first to create images showing the harnessing of a chariot. Another innovation was to place a tongue design on a white background under the vase lip. Other talented painters were the Painter of Akropolis 606 and the Ptoon Painter, whose most well known piece is the Hearst Hydria. The Burgon Group is also significant, being the source of the first totally preserved Panathenaic amphora. The Siana cup evolved from the komast cup around 575 BC. While the Komast Group produced shapes other than cups, some craftsmen specialized in cup production after the time of the first important exemplifier of Siana cups, the C Painter (575 555 BC). The cups have a higher rim than previously and a trumpet shaped base on a relatively short hollow stem. For the first time in Attic vase painting the inside of the cup was decorated with framed images (tondo). There were two types of decoration. In the "double decker" style the cup body and the lip each have separate decorations. In the "overlap" style the image extends over both body and lip. After the second quarter of the 6th century BC there was more interest in decorating especially cups with pictures of athletes. Another important Siana cup painter was the Heidelberg Painter. He, too, painted almost exclusively Siana cups. His favorite subject was the hero Heracles. The Heidelberg Painter is the first Attic painter to show him with the Erymanthian boar, with Nereus, with Busiris and in the garden of the Hesperides. The Cassandra Painter, who decorated mid sized cups with high bases and lips, marks the end of the development of the Siana cup. He is primarily significant as the first known painter to belong to the so called Little Masters, a large group of painters who produced the same range of vessels, known as Little master cups. So called Merrythought cups were produced contemporaneously with Siana cups. Their handles are in the form of a two pronged fork and end in what looks like a button. These cups do not have a delineated rim. They also have a deeper bowl with a higher and narrower foot. The last outstanding painter of the Pre Classical Archaic Period was Lydos (560 540 BC), who signed two of his surviving pieces with ho Lydos (the Lydian). He or his immediate ancestors probably came from Asia Minor but he was undoubtedly trained in Athens. Over 130 surviving vases are now attributed to him. One of his pictures on a hydria is the first known Attic representation of the fight between Heracles and Geryon. Lydos was the first to show Heracles with the hide of a lion, which afterward became common in Attic art. He also depicted the battle between the gods and the giants on a dinos found on Athens’ acropolis, and Heracles with Cycnus. Lydos decorated other types of vessels besides hydriai and dinos, such as plates, cups (overlap Siena cups), column kraters and psykters, as well as votive tablets. It continues to be difficult to identify Lydos’ products as such since they frequently differ only slightly from those of his immediate milieu. The style is quite homogenous, but the pieces vary considerably in quality. The drawings are not always carefully produced. Lydos was probably a foreman in a very productive workshop in Athens’pottery district. He was presumably the last Attic vase painter to put animal friezes on large vases. Still in the Corinthian tradition, his figure drawings are a link in the chain of vase painters extending from Kleitias via Lydos and the Amasis Painters to Exekias. Along with them he participated in the evolution of this art in Attica and had a lasting influence. A special form of Attic vases of this period was the Tyrrhenian amphora (550 530 BC). These were egg shaped neck amphora with decorations atypical of the usual Attic design canon of the period. Almost all of the c. 200 surviving vases were found in Etruria. The body of the amphora is usually subdivided into several parallel friezes. The upper or shoulder frieze usually shows a popular scene from mythology. There are sometimes less common subjects, such as a unique scene of the sacrificing of Polyxena. The first known erotic images on Attic vases are also found at this vase location. The painters frequently put annotations on Tyrrhenian amphora which identify the persons shown. The other two or three friezes were decorated with animals; sometimes one of them was replaced with a plant frieze. The neck is customarily painted with a lotus palmette cross or festoons. The amphoras are quite colorful and recall Corinthian products. In this case a Corinthian form was obviously deliberately copied to produce a particular vase type for the Etruscan market, where the style was popular. It is possible that this form was not manufactured in Athens but somewhere else in Attica, or even outside Attica. Important painters were the Castellani Painter and the Goltyr Painter.
Шеберлік жылдары
560 ж. және б.з.д. 530/520 ж. шамасындағы қызыл фигуралы қыш суреттемесінің пайда болуы арасындағы кезең қара фигуралы ваза суреттемесінің абсолютті шыңы деп есептеледі. Осы кезеңдегі ең жақсы және белгілі суретшілер осы стиль ұсынатын барлық мүмкіндіктерді пайдаланды. Бұл кезеңдегі алғашқы маңызды суретші – Амазис суретшісі (б.з.д. 560–525 ж.), ол негізінен жұмыс істеген атақты құмырашы Амазис есімімен аталған. Көптеген зерттеушілер оларды бір адам деп санайды. Ол суретшілік мансабын Лидоспен шамамен бір уақытта бастады, бірақ одан екі есе ұзақ уақыт бойы жұмыс істеді. Лидос шебер қолөнершінің қабілеттерін көрсетсе, Амазис суретшісі – шебер суретші болды. Оның суреттері тапқыр, тартымды және күрделі, ал жеке көркемдік дамуы сол кездегі қара фигуралы аттикалық ваза суреттемесінің жалпы эволюциясын көрсетеді. Оның ерте туындылары Сиана тостағандарының суретшілеріне жақындығын көрсетеді. Оның жетістіктерін киімнің бүктемелерін салу тәсілінен оңай байқауға болады. Оның ертедегі әйел суреттерінде бүктемелер жоқ. Кейін ол жалпақ, бұрышты бүктемелерді салады, ал соңында иілгіш, ағынды киімдердің әсерін беруге жетеді. Киім суреттері оның ерекше белгілерінің бірі болды, ол өрнекті және жиектелген киімді бейнелеуді ұнатты. Амазис суретшісінің суреттері мұқият салынған және симметриялық композицияланған. Бастапқыда олар толығымен жылтырап тұрған, кейінгі суреттер қозғалыс әсерін береді. Амазис суретшісі мифологиялық оқиғаларды жиі бейнелегенімен, ол шошқа беті бар сатирлермен де танымал, бірақ күнделікті өмірдің көріністерімен одан да жақсы таныс. Ол оларды кең көлемде бейнелеген алғашқы суретші болды. Оның туындылары кейінірек қызыл фигуралы суретшілердің жұмысына әсер етті. Ол олардың кейбір жаңалықтарын болжаған болуы мүмкін немесе суретшілік мансабының соңында олардың ықпалына түскен: оның көптеген вазаларында әйелдер тек контурмен, қара түссіз бейнеленген, және олар енді тері түсі ретінде мөлдір емес ақ түспен анықталмайды. E тобы (б.з.д. 550–525 ж.) – өзіндік қолөнершілер тобы, және қара фигуралы аттикалық қыш өндірісіндегі ең маңызды анонимді топ саналады. Ол Лидостың стильдік дәстүрінен бейне және ыдыс жағынан қатаң түрде бас тартты. Жұмыртқа тәрізді мойынды амфоралар толығымен тоқтатылды, бағаналы кратерлерге көбінесе қолданылмады. Оның орнына бұл топ А типті құрсақ амфораларын енгізді, ол кейіннен индекстік формаға айналды. Мойын амфоралары әдетте жекешелендірілген нұсқаларда ғана жасалатын. Топ шағын форматтарға қызығушылық танытпады. Көптеген көріністер, әсіресе мифтерден алынғандар, қайта-қайта қайталанды. Осы топтың бірнеше амфоралары Геракл Герионмен немесе Немей арыстанымен, сондай-ақ Тесей мен Минотавр, Афинаның тууы бейнеленген. Алайда, топтың ерекше маңызы Экзекияға тигізген ықпалында. Бұл кезеңдегі аттикалық суретшілердің көпшілігі E тобы мен Экзекияның стильдерін көшірді. Лидос пен Амазис суретшісінің туындылары жиі еліктеліп үлгермеді. Бизли бұл топтың Экзекия үшін маңыздылығын былайша сипаттайды: "E тобы – Экзекияның өнері өсіп-өнетін құнарлы топырақ, ол керемет шеберден шынайы суретшіге дейінгі жолда алатын және асып түсетін дәстүр". Экзекия (б.з.д. 545–520 ж.) қара фигуралы стильдің абсолютті шебері саналады, ол онымен шыңына жетеді. Оның маңыздылығы тек шеберлікпен ваза суреттемесімен ғана емес, сонымен қатар оның жоғары сапалы және инновациялық қыш бұйымдарымен де байланысты. Ол 12 құмыраның құмырашы ретінде, екеуін суретші және құмырашы ретінде қол қойған. Экзекияның Кішкентай шебер тостағандары мен жоғарыда аталған А типті амфораны әзірлеуде үлкен рөлі болған, және ол, мүмкін, каликс кратерін ойлап тапқан, кем дегенде ең көне данасы оның шеберханасынан шыққан. Көптеген басқа қолөнершілерден айырмашылығы, суретші ретінде ол әшекейлерді мұқият өңдеуге үлкен мән берді. Оның суреттерінің – жылқылардың, қару-жарақтың, киімнің – бөлшектері де өте жақсы орындалған. Оның суреттері әдетте монументалды болып келеді және суреттерінде бұрын-соңды болмаған қадір-қасиет бар. Көп жағдайда ол аттикалық конвенциялардан бас тартты. Ол өзінің ең танымал ыдысы – Дионис тостағаны үшін дәстүрлі қызыл түстің орнына алғаш рет маржан қызыл түсті ішкі бояуды қолданды. Бұл жаңалық, сондай-ақ оның сыртқы жағына екі жұп көзді орналастыруы Экзекияны классикалық көз тостағандарымен байланыстырады. Оның ең жаңалығы – тостағанның ішкі жағын Дионис суретіне арнауы, жүзіп бара жатқан кемеден жүзім шоғырлары шығып тұрады. Осы уақытта ішкі бетті әдетте тек горгона бетімен безендіру қалыпты болған. Тостаған, мүмкін, қызыл фигуралы стиль енгізілгенге дейін қыш өндіріс ауданында жаңа мүмкіндіктерді іздеу үшін жасалған тәжірибелік туындылардың бірі болып табылады. Ол динос ыдысының жиегімен жүзіп бара жатқан кемені суреттеген алғашқы суретші болды. Ол дәстүрлі мифологиялық сюжеттерді бейнелеудің қалыпты үлгілеріне сирек мойын бұрды. Оның Аякс өзіне-өзі қол жұмсауының бейнелеуі де маңызды. Экзекия осы әрекетті көрсетпейді, бұл дәстүрге қайшы, бірақ Аякс дайындықтарын көрсетеді. Дионис тостағанымен бірдей танымал амфора Аякс пен Ахиллдің ойынға қатысуын бейнелейді. Сурет емес, Экзекия ойындың нәтижесін де көрсетеді. Шамамен сөз тіркесіндей, ол екі ойыншы да олардың кіселерімен тастаған сандарды жариялайды – Аякс үш, ал Ахилл төрт. Бұл осы көріністің ең ерте белгілі бейнесі, классикалық әдебиетте осы туралы ешқандай айтылмаған. Бұл көріністі бейнелейтін 180-нен астам басқа да сақталған вазалар бар, олар Экзекия нұсқасынан б.з.д. 480 ж. дейін жасалған. Джон Бордман Экзекияның ерекше статусын, оны дәстүрлі ваза суретшілерінен ерекшелейтінін атап көрсетеді: "Ертедегі суретшілер бейнелеген адамдар ең жақсы жағдайда әдемі қуыршақтар. Амазис (Амазис суретшісі) адамдарды адам ретінде бейнелей алды. Бірақ Экзекия оларды құдайлар ретінде көре алды, соның арқасында бізге классикалық өнердің алдын ала талғамын сыйлады". Ежетек гректерде ваза суретшілері қолөнершілер ретінде қарастырылғанын ескере отырып, Экзекия қазіргі заманғы өнер тарихшылары тарапынан шебер суретші деп есептеледі, оның туындыларын сол кезеңдегі "маңызды" суреттермен (қабырға суреттерімен және панельдік суреттермен) салыстыруға болады. Оның замандастары да оны мойындаған сияқты. Берлиндегі Ежетек антикалық жинақ Алт жастағы мұражайда оның құрбандық тақталарының қалдықтарын сақтайды. Толық серияда, мүмкін, 16 жеке панель болған. Мұндай тапсырысты құмырашы мен ваза суретшісінен жасау ежетекте бірегей болып табылады және бұл суретшінің жоғары беделінің дәлелі. Тақталарда қайтыс болған афиналық әйелге аза тұру, оның жатқан жері және зиратқа тасымалдану бейнеленген. Экзекия суреттердегі қайғы мен қадір-қасиетті көрсетеді. Мысалы, ерекшеліктердің бірі – азалау процесінің жетекшісі көрерменге тікелей қарап тұрғандай көрінеді. Жылқылардың бейнеленуі де ерекше; олардың әрқайсысының мінезі бар және олар, әдетте вазалардағыдай, тек асыл жануарлар ретінде бейнеленбейді. Кеш классикалық кезеңде ыдыстар мен тостағандарды өндірушілер арасында мамандану одан әрі дамыды. Үлкен көлемді комаст және Сиана тостағандары Гордион тостағандары арқылы олардың нәзік суреттеріне байланысты Кішкентай шебер тостағандарына айналды. Осы форманың құмырашылары мен суретшілері Кішкентай шеберлер деп аталады. Олар негізінен жолақты тостағандар мен ернек тостағандарын суреттеді. Ернек тостағандары олардың салыстырмалы түрде айқын және шекараланған ернегінен аталды. Тостағанның сыртында көбінесе топырақ фоны сақталды және әдетте тек бірнеше шағын суреттер, кейде тек жазулар немесе кейбір жағдайларда тостаған толығымен минималды түрде безендірілді. Сонымен қатар, h...
The period between 560 and the inception of red figure pottery painting around 530/520 BC is considered to be the absolute pinnacle of black figure vase painting. In this period the best and most well known artists exploited all the possibilities offered by this style. The first important painter of this time was the Amasis Painter (560–525 BC), named after the famous potter Amasis, with whom he primarily worked. Many researchers regard them as the same person. He began his painting career at about the same time as Lydos but was active over a period almost twice as long. Whereas Lydos showed more the abilities of a skilled craftsman, the Amasis Painter was an accomplished artist. His images are clever, charming and sophisticated and his personal artistic development comes close to a reflection of the overall evolution of black figure Attic vase painting at that time. His early work shows his affinity to the painters of Siana cups. Advances can be most easily recognized in how he draws the folds of clothing. His early female figures wear clothes without folds. Later he paints flat, angular folds, and in the end he is able to convey the impression of supple, flowing garments. Drawings of garments were one of his chief characteristics; he liked to depicted patterned and fringed clothing. The groups of figures which the Amasis Painter shows were carefully drawn and symmetrically composed. Initially they were quite static, later figures convey an impression of motion. Although the Amasis Painter often depicted mythological events—he is known for his pig faced satyrs, for example—he is better known for his scenes of daily life. He was the first painter to portray them to a significant extent. His work decisively influenced the work of red figure painters later. He possibly anticipated some of their innovations or was influenced by them toward the end of his painting career: on many of his vases women are only shown in outline, without a black filling, and they are no longer identifiable as women by the application of opaque white as skin color. Group E (550–525 v. Chr.) was a large, self contained collection of artisans, and is considered to be the most important anonymous group producing black figure Attic pottery. It rigorously broke with the stylistic tradition of Lydos both as to image and vessel. Egg shaped neck amphoras were completely given up, column kraters almost entirely abandoned. Instead, this group introduced Type A belly amphoras, which then became an index form. Neck amphoras were usually produced only in customized versions. The group had no interest in small formats. Many scenes, especially those originating in myths, were reproduced again and again. Thus several amphoras of this group show Heracles with Geryon or the Nemean Lion, and increasingly Theseus and the Minotaur, as well as the birth of Athena. The particular significance of the group is, however, in the influence it exerted on Exekias. Most Attic artists of the period copied the styles of Group E and Exekias. The work of Lydos and the Amasis Painter was, by contrast, not imitated as frequently. Beazley describes the importance of the group for Exekias as follows: "Group E is the fertile ground from which the art of Exekias sprouts, the tradition which he takes up and surpasses on his way from an excellent craftsman to a true artist". Exekias (545 520 BC) is generally considered to be the absolute master of the black figure style, which reaches its apex with him. His significance is not only due to his masterful vase painting, but also to his high quality and innovative pottery. He signed 12 of his surviving vessels as potter, two as both painter and potter. Exekias probably had a large role in the development of Little master cups and the Type A belly amphora mentioned above, and he possibly invented the calyx krater, at least the oldest existing piece is from his workshop. In contrast to many other comparable craftsmen, as a painter he attached great importance to the careful elaboration of ornaments. The details of his images—horses’ manes, weapons, clothing—are also outstandingly well executed. His scenes are usually monumental and the figures emanate a dignity previously unknown in painting. In many cases he broke with Attic conventions. For his most famous vessel, the Dionysus cup, he was the first to use a coral red interior coating instead of the customary red color. This innovation, as well as his placing of two pairs of eyes on the exterior, connects Exekias with the classic eye cups. Probably even more innovative was his use of the entire inside of the cup for his picture of Dionysus, reclining on a ship from which grapevines sprout. At this time it was in fact customary to decorate the inside surface merely with a gorgon face. The cup is probably one of the experiments undertaken in the pottery district to break new ground before the red figure style was introduced. He was the first to paint a ship sailing along the rim of a dinos. He only seldom adhered to traditional patterns of depicting customary mythological subjects. His depiction of the suicide of Ajax is also significant. Exekias does not show the act itself, which was in the tradition, but rather Ajax’ preparations. About as famous as the Dionysus cup is an amphora with his visualization of Ajax and Achilles engaged in a board game. Not only is the portrayal detailed, Exekias even conveys the outcome of the game. Almost in the style of a speech balloon he has both players announce the numbers they cast with their dice—Ajax a three and Achilles a four. This is the oldest known depiction of this scene, of which there is no mention in classical literature. No fewer than 180 other surviving vases, dating from the Exekias version up to about 480 BC, show this scene. John Boardman emphasizes the exceptional status of Exekias which singles him out from traditional vase painters: "The people depicted by earlier artist are elegant dolls at best. Amasis (the Amasis Painter) was able to visualize people as people. But Exekias could envision them as gods and thereby give us a foretaste of classical art". Acknowledging that vase painters in ancient Greece were regarded as craftsmen rather than artists, Exekias is nevertheless considered by today's art historians to be an accomplished artist whose work can be compared with "major" paintings (murals and panel paintings) of that period. His contemporaries apparently recognized this as well. The Berlin Collection of Classical Antiquities in the Altes Museum contains the remnants of a series of his votive tablets. The complete series probably had 16 individual panels. Placing such an order with a potter and vase painter is likely to be unique in antiquity and is evidence of the high reputation of this artist. The tablets show grieving for a dead Athenian woman as well as her lying in state and being transported to a gravesite. Exekias conveys both the grief and the dignity of the figures. One special feature, for example, is that the leader of the funeral procession turns his face to look at the viewer directly, so to speak. The depiction of the horses is also unique; they have individual temperaments and are not reduced to their function as noble animals, as is otherwise customary on vases. There was further specialization among producers of vessels and cups during the mature Classical Period. The large volume komast and Siana cups evolved via Gordion cups into graceful variants called Little master cups because of their delicate painting. The potters and painters of this form are accordingly called Little Masters. They chiefly painted band cups and lip cups. The lip cups got their name from their relatively pronounced and delineated lip. The outside of the cup retained much of the clay background and typically bore only a few small images, sometimes only inscriptions, or in some cases the entire cup was only minimally decorated. Also in the area of the handles there are seldom more than palmettes or inscriptions near the attachment points. These inscriptions can be the potter's signature, a drinker's toast, or simply a meaningless sequence of letters. But lip cup interiors are often also decorated with images. Band cups have a softer transition between the body and the rim. The decoration is in the form of a band circling the cup exterior and can frequently be a very elaborate frieze. In the case of this form the rim is coated with a glossy black slip. The interior retains the color of the clay, except for a black dot painted in the center. Variations include Droop cups and Kassel cups. Droop cups have black, concave lips and a high foot. As with classic band cups the rim is left black, but the area below it is decorated with ornaments like leaves, buds, palmettes, dots, nimbuses or animals on the cup exterior. Kassel cups are a small form, squatter than other Little Masters cups, and the entire exterior is decorated. As in the case of Droop cups, primarily ornaments are painted. Famous Little Masters are the potters Phrynos, Sokles, Tleson and Ergoteles, the latter two being sons of the potter Nearchos. Hermogenes invented a Little Master variety of skyphos now known as a Hermogenes skyphos. The Phrynos Painter, Taleides Painter, Xenokles Painter and the Group of Rhodes 12264 should also be mentioned here.
Б. з. б . VI ғасырдың соңғы ширегі
Ғасыр соңына дейін қара фигуралы вазалардың сапасы сақталып келді. Бірақ шамамен б.з.д. 530 жылы қызыл фигуралы стильдің пайда болуымен, болжам бойынша Андокид суретшісінің еңбегімен, суретшілер көбінесе осы стильге көшті, ол фигура контурларында егжей-тегжейлі сурет салуға көбірек мүмкіндік берді. Жаңа стиль сонымен қатар қысқарту, перспектива және композицияның жаңа жолдары бойынша тәжірибелер жасауға мүмкіндік берді. Көріністердің мазмұны әдеттегідей, соңғы талғамдар мен уақыттың рухын көрсететін болды, бірақ қызыл фигуралы стиль жаңа композициялық мүмкіндіктерді пайдаланып, күрделі көріністерді бейнелеуге қолайлы жағдай жасады. Дегенмен, сол кезде бірнеше шеберлер қара фигуралы вазалар өндірісіне жаңа серпін берді. Сол кездегі ең талантты қыш өндіруші, сонымен қатар іскер кәсіпкер Никосфен болды. 120-дан астам вазада оның қолы қойылған, яғни олар өзі немесе оның шеберханасында жасалған. Ол Этрурияға экспортқа арналған вазалар жасаумен ерекше көзге түсті. Оның шеберханасында әдеттегі мойын амфоралары, «Кішкентай шеберлер», Дроп және көзді тостағандар жасалды, сондай-ақ этрус букеро қыштарын еске түсіретін амфоралар да жасалды, олар жасаушысының құрметіне Никостен амфорасы деп аталды. Мұндай бұйымдар әсіресе Каэреде, ал басқа ваза түрлері Серветери мен Вулчиде табылған. Оның шеберханасындағы көптеген жаңалықтар тек формалармен ғана шектелмеді. Никосфеннің шеберханасында «Алты» техникасы деп аталатын әдіс пайда болды, онда фигуралар қара жылтыр жабынның үстіне қызыл қоңыр немесе ақ түспен салынды. Никосфеннің өзі вазаларды сурет салған-салмағаны белгісіз, егер ол суретші болса, оны әдетте N суретшісі деп есептейді. БМН суретшісі және қызыл фигуралы Никосфен суретшісі де Никосфеннің есімімен аталды. Ол шеберханасында көптеген белгілі ваза суретшілерін жұмысқа алды, олардың ішінде қарт Лидос, Олтос және Эпиктетос та бар. Бұл дәстүрді Никосфеннің ізбасары Памфай жалғастырды. Екі қара фигуралы ваза суретшісі манершіл деп саналады (б.з.д. 540-520). «Кеуіндер сыртқа» суретшісі негізінен «Кішкентай шеберлер» тостағандарын безендірді. Оның суреттеріндегі кеңейтілген кеуделер көзге түседі, бұл оның прагматикалық атына себеп болған ерекшелік. Ол мифологиялық көріністерді сирек бейнелейді, эротикалық көріністер жиірек кездеседі. Сондай-ақ ол лидион деп аталатын сирек кездесетін ваза түрін де безендірді. Екі суретшінің ең маңыздысы – «Аффектор», оның есімі оның фигураларының жасалған өрескел жасанды әсерінен шыққан. Бұл кішкентай басты фигуралар көбінесе әрекет ете бермейді, керісінше поза береді. Оның ерте туындыларында күнделікті өмірдің көріністері бейнеленген, кейіннен ол фигуралар мен атрибуттары танылатын, бірақ іс-қимылдары жоқ сәндік көріністерге көшті. Егер оның фигуралары киінген болса, олар төсенішпен толтырылғандай көрінеді, ал жалаңаш болса, өте бұрышты болады. Аффектор қыш өндіруші де, суретші де болған, оның 130-дан астам вазасы сақталған. Антимен суретшісі (б.з.д. 530-500) гидрияларды предэлладағы жануарлар фризімен және әсіресе мойын амфораларын безендіруді ұнататын. Оған тиесілі екі гидрияның мойын бөлігі ақ топырақпен боялған. Ол Дионистің бетпердесі бар амфораларды суретке түсірген алғашқы суретші болды. Оның 200-ден астам сақталған вазасының ең танымал бөлігі артында зәйтүн жинауды көрсетеді. Оның суреттері тым нақты болмаса да, тым бейсауат та емес. Стильдік тұрғыдан Псиакс суретшісі Антимен суретшісімен тығыз байланысты, бірақ ол қызыл фигуралы техниканы да қолданған. Псиакс Евфроний мен Пинтий суретшілерінің ұстазы ретінде қызыл фигуралы стильдің ерте дамуына үлкен әсер етті. Ол жиі ат пен соғыс күймелерін және садақшыларды бейнелейді. Соңғы маңызды суретшілер тобы – Леагрос тобы (б.з.д. 520-500), олар жиі қолданатын калос жазуы бойынша аталған. Амфоралар мен гидриялар, соңғылары көбінесе предэлладағы пальметталармен, ең көп боялған ыдыстар болып табылады. Сурет өрісі әдетте толық толтырылады, бірақ суреттердің сапасы жоғары деңгейде сақталады. Бұл топтағы 200-ден астам вазалардың көбі Троя соғысы мен Гераклдің өміріне арналған көріністермен безендірілген. Ахелоус суретшісі, Киуси суретшісі және таңертеңгі суретші сияқты суретшілер Леагрос тобына жатады. Сол кездегі басқа да танымал ваза суретшілері Ватикан қайғылы суретшісі, Принстон суретшісі, Мюнхен суретшісі 1410 және көптеген вазаларға авторлық құқығы бар Суйқалып суретші (б.з.д. 540-520). Ол өте жақсы суретші болып саналмайды, бірақ оның фигуралары үлкен бас, таңғажайып мұрын және жиі қысқан жұдырықтардың арқасында әдемі емес. Рикрофт суретшісінің туындылары қызыл фигуралы ваза суреттеріне және жаңа өрнектерге ұқсас. Ол Дионис көріністерін, аттар мен соғыс күймелерін және Гераклдің ерліктерін ұнататын. Ол жиі контурлық суреттерді қолданады. Оған тиесілі деп саналатын 50-ге жуық, көбінесе үлкен ыдыстар әдемі безендірілген. C.M. 218 класы негізінен Никостен амфораларының нұсқаларын безендірді. Гипобибазон класы дөңгелек тұтқалары мен аяқтары бар жаңа типтегі амфорамен жұмыс істеді, оның безендірілуі сурет өрісінің үстіндегі тізбектей өрнекпен сипатталады. Үш жол тобы мойын амфорасының кішкентай нұсқасын безендірді. Перизома тобы б.з.д. 520 жылы жаңа енгізілген стамнос формасын қабылдады. Ғасыр соңына қарай, Эуфилет суретшісі, Мадрид суретшісі және фантазиялық Приам суретшісі жоғары сапалы туындыларды жасауды жалғастырды. Олтос, Эпиктетос, Фейдипп және Скиф сияқты тостаған суретшілері қызыл және қара фигуралы стильде вазалар салған (екі стильді қыш), негізінен көзді тостағандар. Ішкі бөлігі әдетте қара фигуралы стильде, ал сыртқы бөлігі қызыл фигуралы стильде болды. Амфоралардың алдыңғы және артқы жағы әртүрлі стильдерде безендірілген мысалдары да бар. Ең танымалдары – Андокид суретшісінің туындылары, оның қара фигуралы көріністері Лисиппид суретшісіне жатқызылады. Ғалымдар осы суретшілердің бір адам екеніне қатысты пікірталас жүргізуде. Тек бірнеше суретшілер, мысалы, Никоксен суретшісі және Афина суретшісі екі техниканы қолданып көптеген вазалар жасады. Екі стильді қыш қысқа ғана уақытқа танымал болғанымен, ғасыр соңына қарай сәннен шықты.
Until the end of the century the quality of black figure vase production could basically be maintained. But after the development of the red figure style around 530 BC, presumably by the Andokides Painter, more and more painters went over to the red figure style, which provided many more possibilities for adding details within the figure contours. The new style also permitted many more promising experiments with foreshortening, perspective views and new designs for arrangements. Scene contents, as always, reflected trends in taste and the spirit of the times, but the red figure style created better preconditions for presenting more elaborate scenes by exploiting the new arrangement possibilities. But in the meantime, a few innovative craftsmen could still give new impulses to the production of black figure vases. The most imaginative potter of the time, also a talented businessman, was Nikosthenes. Over 120 vases bear his signature, indicating that they were made by him or in his workshop. He seems to have particularly specialized in producing vases for export to Etruria. In his workshop the usual neck amphoras, Little Masters, Droop and eye cups were produced, but also a type of amphora reminiscent of Etruscan bucchero pottery, named the Nikosthenic amphora after its creator. These pieces were found particularly in Caere, the other vase types usually in Cerveteri and Vulci. The many inventions in his workshop were not limited to forms. In Nikosthenes’ workshop what is known as the Six's technique was developed, in which figures were painted in reddish brown or white atop a black glossy slip. It is not clear whether Nikosthenes also painted vases, in which case he is usually presumed to be identical with Painter N. The BMN Painter and the red figure Nikosthenes Painter are also named after Nikosthenes. In his workshop he employed many famous vase painters, including the elderly Lydos, Oltos and Epiktetos. The workshop tradition was continued by Nikosthenes’ successor, Pamphaios. Two black figure vase painters are considered to be mannerists (540 520 BC). The painter Elbows Out decorated primarily Little Masters cups. The extended elbows of his figures are conspicuous, a characteristic responsible for his pragmatic name. He only seldom depicted mythological scenes; erotic scenes are much more common. He also decorated a rare vase form known as a lydion. The most important of the two painters was The Affecter, whose name comes from the exaggeratedly artificial impression made by his figures. These small headed figures do not seem to be acting as much as posing. His early work shows scenes of daily life; later he turned to decorative scenes in which figures and attributes are recognizable, but hardly actions. If his figures are clothed they look as if they were padded; if they are naked they are very angular. The Affecter was both potter and painter; over 130 of his vases have survived. The Antimenes Painter (530–500 BC) liked to decorate hydria with animal friezes in the predella, and otherwise especially neck amphoras. Two hydria attributed to him are decorated on the neck region using a white ground technique. He was the first to paint amphoras with a masklike face of Dionysus. The most famous of his over 200 surviving vases shows an olive harvest on the back side. His drawings are seldom really precise, but neither are they excessively careless. Stylistically, the painter Psiax is closely related to the Antimenes Painter, although the former also used the red figure technique. As the teacher of the painters Euphronius and Phintias, Psiax had a great influence on the early development of the red figure style. He frequently shows horse and chariot scenes and archers. The last important group of painters was the Leagros Group (520 500 BC), named after the kalos inscription they frequently used, Leagros. Amphoras and hydria, the latter often with palmettes in the predella, are the most frequently painted vessels. The image field is usually filled absolutely to capacity, but the quality of the images is still kept very high. Many of the over 200 vases in this group were decorated with scenes of the Trojan War and the life of Heracles Painters like the witty Acheloos Painter, the conventional Chiusi Painter, and the Daybreak Painter with his faithful detailing belong to the Leagros Group. Other well known vase painters of the time are the Painter of the Vatican Mourner, The Princeton Painter, the Painter of Munich 1410 and the Swing Painter (540 520 BC), to whom many vases are attributed. He is not considered to be a very good artist, but his figures are unintentionally humorous because of the figures with their large heads, strange noses and frequently clenched fists. The work of the Rycroft Painter bears a resemblance to red figure vase painting and the new forms of expression. He liked to depict Dionysian scenes, horses and chariots, and the adventures of Heracles. He often uses outline drawings. The approximately 50 usually large size vessels attributed to him are elegantly painted. The Class of C. M. 218 primarily decorated variations of the Nikosthenic amphoras. The Hypobibazon Class worked with a new type of belly amphora with rounded handles and feet, whose decoration is characterized by a key meander above the image fields. A smaller variant of neck amphora was decorated by the Three Line Group. The Perizoma Group adopted around 520 BC the newly introduced form of the stamnos. Toward the end of the century, high quality productions were still being produced by the Euphiletos Painter, the Madrid Painter and the imaginative Priam Painter. Particularly cup painters like Oltos, Epiktetos, Pheidippos and Skythes painted vases in both red and black figure styles (Bilingual Pottery), primarily eye cups. The interior was usually in the black figure style, the exterior in the red figure style. There are several cases of amphoras whose front and back sides are decorated in the two different styles. The most famous are works by the Andokides Painter, whose black figure scenes are attributed to the Lysippides Painter. Scholars are divided on the issue of whether these painters are the same person. Only a few painters, for example the Nikoxenos Painter and the Athena Painter, produced large quantities of vases using both techniques. Although bilingual pottery was quite popular for a short time, the style went out of fashion already toward the end of the century.
Соңғы кезең
Б.з.б. V ғасырдың басында, б.з.б. 480 жылға дейін барлық беделді суретшілер қызыл сурет стилін қолданды. Бірақ, қара фигуралы вазалар тағы да 50 жылға жуық жасалып, сапасы бірте-бірте төмендеді. Үлкен вазаларға қанағаттанарлық сапада сурет салған соңғы суретшілер – Евхарид суретшісі мен Клеофрад суретшісі болды. Тек ольпе, энохо, скифос, кішкентай мойынды амфоралар және әсіресе лекитос сияқты кішкентай формаларды шығаратын шеберханалар ғана ескі стильді жиі қолданды. Фениллис суретшісі басқа әдістермен қатар алты техниканы пайдаланды, ал Эдинбург суретшісі мен Гела суретшісі алғашқы цилиндрлі лекитосты безендірді. Біріншісі негізінен ақ фонда қара фигура стилін қолданып, қарапайым, айқын және жеңіл көріністер жасады. Вазалардың ақ фоны тым қалың болғандықтан, енді оны саз негізіне тікелей бояумен жағудан бас тартты, бұл әдіс барлық ақ фонды вазалар үшін стандартқа айналды. Сапфо суретшісі жерлеу лекитосына мамандандырылды. Хаймон суретшісінің шеберханасы өте өнімді болды; олардың 600-дан астам вазалары сақталған. Афина суретшісі (бәлкім, қызыл суретші Боудоин суретшісімен бірдей) және Персей суретшісі үлкен, стандартты лекитосты безендіруді жалғастырды. Афина суретшісінің суреттерінде Леагрос тобының туындыларына тән мәртебелілік сақталған. Марафон суретшісі негізінен б.з.б. 490 жылы Марафон шайқасында қаза тапқан афиналықтардың обасында табылған жерлеу лекитосымен танымал. Соңғы маңызды лекитос суретшісі – Белдам суретшісі – шамамен б.з.б. 470 жылдан б.з.б. 450 жылға дейін жұмыс істеді. Панафиналық жүлделік амфораларды есептемегенде, осы кезде Аттикада қара фигура стилі аяқталды.
At the beginning of the 5th century BC until 480 BC at the latest, all painters of repute were using the red figure style. But black figure vases continued to be produced for some 50 additional years, with their quality progressively decreasing. The last painters producing acceptable quality images on large vases were the Eucharides Painter and the Kleophrades Painter. Only workshops which produced smaller shapes like olpes, oenochoes, skyphos, small neck amphoras and particular lekythos increasingly used the old style. The Phanyllis Painter used the Six technique, among other methods, and both the Edinburgh Painter and the Gela Painter decorated the first cylindrical lekythos. The former primarily produced casual, clear and simple scenes using a black figure style on a white ground. The white ground of the vases was quite thick and no longer painted directly on the clay foundation, a technique which became the standard for all white ground vases. The Sappho Painter specialized in funerary lekythos. The workshop of the Haimon Painter was especially productive; over 600 of their vases have survived. The Athena Painter (who is perhaps identical with the red figure Bowdoin Painter) and the Perseus Painter continued to decorate large, standard lekythos. The scenes of the Athena Painter still radiate some of the dignity inherent in the work of the Leagros Group. The Marathon Painter is primarily known for the funerary lekythos found in the tumulus for the Athenians who died in the Battle of Marathon in 490 BC. The last significant lekythos painter, the Beldam Painter, worked from around 470 BC until 450 BC. Except for the Panathenaic prize amphoras, the black figure style came to a close in Attica at this time.
Панафиналық сыйлық амфоралары
Қара фигуралы аттикалық вазалардың арасында Панафеналық сыйлық амфоралары ерекше орын алады. 566 жылдан кейін – Панафеналық тойлар енгізілген немесе қайта ұйымдастырылған кезде – олар спорт жарыстарының жеңімпаздарына сыйлық ретінде беріліп, қаланың маңызды экспорт тауарының бірі – зәйтүн майымен толтырылатын. Алдыңғы жағында әдетте екі бағананың арасында тұрған құдайша Афинаның бейнесі, ал артқы жағында спорт көрінісі бейнеленген. Пішіні әрқашан бірдей болды және ұзақ өндіріс кезеңінде аз ғана өзгеріске ұшырады. Ауыртпа амфора, аты айтқандай, бастапқыда дөңгелек, қысқа мойынды және ұзын, тар табаны бар болды. Шамамен 530 жылға қарай мойны қысқарып, денесі біраз тарлайды. 400 жылға таяу вазаның иықтары айтарлықтай кішірейіп, ваза денесінің қисығы тарсылдағандай көрінеді. 366 жылдан кейін вазалар қайтадан әсемделді және одан да тар болды. Бұл вазалар негізінен Керамейкос ауданындағы жетекші шеберханаларда жасалған. Ваза жасауға тапсырыс алу – құрметтің немесе жоғары табысқа ие болудың белгісі саналған. Сондықтан көптеген көрнекті ваза суретшілерінің сыйлық амфоралары сақталған. Эвфилет суретшісі, Экзекий, Гиперейд және Леагрос тобы сияқты шебер қара фигуралы суретшілерден басқа, қызыл фигуралы шеберлер де сыйлық амфораларын жасаған. Олардың қатарында Эвхарид суретшісі, Клеофрад суретшісі, Берлин суретшісі, Ахиллеус суретшісі және Софилос бар, ол сақталған вазалардың біреуіне қол қойған жалғыз суретші. Алғашқы табылған ваза Бургон тобының туындысы және Бургон вазасы деп аталады. 4-ші ғасырдан кейін вазада биліктегі лауазымды тұлғаның (Архонның) аты кездесетін болғандықтан, кейбір вазалардың жасалған мерзімін дәл анықтауға болады. Панафеялар діни мереке болғандықтан, олардың стилі мен әшекейлеу түрі қызыл фигуралы кезеңде де, фигуралы вазалар Афинада саудаға шығарылмағаннан кейін де өзгерген жоқ. Бұл амфоралар б.з.д. 2-ші ғасырына дейін жасалған, және олардың шамамен 1000 данасы бүгінгі күнге жеткен. Кейбір жағдайларда жеңімпазға берілген амфоралардың саны белгілі болғандықтан, афиналық вазалардың жалпы санының шамамен бір пайызы сақталған деген тұжырым жасауға болады. Басқа да есептеулер Афинада суреттелген фигуралары бар шамамен жеті миллион ваза жасалғанын көрсетеді. Сыйлық амфораларынан басқа, Псевдо-Панафеналық сыйлық амфоралары деп аталатын ұқсас формадағы вазалар да өндірілген.
Among black figure Attic vases, the Panathenaic prize amphoras play a special role. After 566 BC—when the Panathenaic celebrations were introduced or reorganized—they were the prize for the winners of sport competitions and were filled with olive oil, one of the city's main export goods. On the front they routinely bore the image of the goddess Athena standing between two pillars on which roosters perched; on the back there was a sports scene. The shape was always the same and was only modified slightly over the long period of its production. The belly amphora was, as its name suggests, originally especially bulbous, with a short neck and a long, narrow foot. Around 530 BC the necks become shorter and the body somewhat narrower. Around 400 BC the vase shoulders were considerably reduced in width and the curve of the vase body looked constricted. After 366 BC the vases were again more elegant and become even narrower. These vases were primarily produced in the leading workshops of the Kerameikos district. It seems to have been an honor or particularly lucrative to be awarded a commission for producing the vases. This also explains the existence of many prize amphoras by excellent vase painters. In addition to superior black figure painters like the Euphiletos Painter, Exekias, Hypereides and the Leagros Group, many red figure master craftsmen are known as creators of prize amphoras. These include the Eucharides Painter, the Kleophrades Painter, the Berlin Painter, the Achilleus Painter and Sophilos, who was the only one to have signed one of the surviving vases. The first known vase was produced by the Burgon Group and is known as the Burgon vase. Since the name of the ruling official (Archon) occasionally appears on the vase after the 4th century BC, some of the vases can be precisely dated. Since the Panathenaia were religious festivals, the style and the type of decoration changed neither during the red figure period nor after figured vases were no longer really traded in Athens. The prize amphoras were produced into the 2nd century BC, and about 1,000 of them have survived. Since for some dates the number of amphorae awarded to a winner is known, it is possible to deduce that about one percent of the total production of Athenian vases has survived. Other projections lead to the conclusion that in all about seven million vases with painted figures were produced in Athens. In addition to the prize amphoras, imitative forms known as Pseudo Panathenaic prize amphoras were also manufactured.
Лакония
Б.з.д. VII ғасырдан бастап Спартада суреттелген қыш ыдыстар жергілікті тұтынуға және экспортқа арналған өндірілді. Алғашқы сапалы бұйымдар б.з.д. 580 жыл шамасында жасалған. Қара фигуралы қыш ыдыстардың өркендеуі шамамен б.з.д. 575 және 525 жылдар аралығында жетті. Спартадан басқа, ең маңызды табылған орындар – Родос және Самос аралдары, сондай-ақ Таранто, этрус некропольдері және Кирена, ол бастапқыда қыш ыдыстардың бастапқы көзі деп есептелді. Ыдыстардың сапасы өте жоғары. Саз жақсы араластырылып, қаймақ түсті жабынға ие болды. Амфоралар, гидриялар, бағаналы кратерлер (көне заманда лаконикалық кратерлер деп аталған), волюталық кратерлер, халкидтік кратерлер, лебе, арибалдар және спарталық ішімдік тостаған – лакина суреттелген. Бірақ ең көп таралған нысан – тостаған. Лаконияда терең тостаған әдетте биік тұғырға қойылған, ал төмен тұғырлы тостағандар сирек кездеседі. Сыртқы беті әдетте әшекейлермен, көбінесе нар гүлдерінің шоғырларымен безендірілген, ал ішкі көрініс өте үлкен және фигураларды қамтиды. Лаконияда, Грекияның басқа аймақтарына қарағанда, тондо тостаған суреттерінің негізгі шеңберіне айналды. Басты сурет де ертеде екі бөлікке бөлінді: негізгі көрініс және кіші, төменгі көрініс. Көп жағдайда ыдыс тек жылтыр жабынмен немесе аздаған әшекейлермен ғана жабылған. Жазулар сирек кездеседі, бірақ есімдердің жазбалары ретінде кездесуі мүмкін. Қыш жасаушылар мен суретшілердің қолтаңбалары белгісіз. Лакондық шеберлер периоектердің қыш суретшілері болған болуы мүмкін. Қыш ыдыстардың ерекшеліктері көбінесе белгілі суретшілердің стиліне сәйкес келеді. Олар Шығыс Грекиядан келген көшпелі қыш жасаушылар болған деуге болады, бұл әсіресе Бореады суретшісіне Шығыс Грекияның күшті ықпалын түсіндіреді. Осы уақытқа дейін кем дегенде сегіз ваза суретшісін ажыратуға болады. Бес суретші – Аркесилас суретшісі (б.з.д. 565–555), Бореады суретшісі (б.з.д. 575–565), Аңшы суретшісі, Наукратис суретшісі (б.з.д. 575–550) және Атты суретшісі (б.з.д. 550–530) – стильдің маңызды өкілдері саналады, ал басқа суретшілер аз дағдылы шеберлер деп есептеледі. Суреттер көбінесе тік және қатаң болып келеді, жануарлар фризі, күнделікті өмір көріністері, әсіресе симпозиумдар және көптеген мифологиялық сюжеттер бейнеленген. Соңғыларының ішінде Посейдон мен Зевс ең көп бейнеленеді, сондай-ақ Геракл мен оның он екі еңбегі, сонымен қатар Фиван және Троя жырлары да бар. Әсіресе ертедегі вазаларда горгонаның қабақ шырышы тондоға орналастырылған. Нимфа Киренаның суреті және басынан өсіп шыққан жүзікпен (Атты суретшінің атынан белгілі) атқа отырған суреті ерекше. Аркесила II-нің суреті бар тостаған да маңызды. Аркесила тостағаны Аркесила суретшісіне есім берді. Бұл грек қыш ыдыстарындағы қазіргі оқиғалар мен адамдардың сирек бейнеленгенінің бірі. Суреттер Аттикалық ықпалды көрсетеді. Қызыл-күлгін түс негізгі опак түс болды. Қазіргі уақытта 360-тан астам лакондық ваза белгілі, олардың үштен бірі, 116 данасы Наукратис суретшісіне жатқызылған. Б.з.д. 550 жыл шамасындағы коринфтік қара фигуралы вазалар өнерінің төмендеуі, лакондық суретке маңызды әсер еткен, б.з.д. 500 жыл шамасында лакондықтардың қара фигуралы вазалар өндірісінің күрт азаюына әкелді. Қыш ыдыстар Марсельден Иониялық Грекияға дейін кеңінен таралған. Самоста лакондық қыш ыдыстары Спартаменғы тығыз саяси одақтастық болғандықтан, коринфтік қыш ыдыстардан гөрі көп таралған.
Starting already in the 7th century BC painted pottery was being produced in Sparta for local consumption as well as for export. The first quality pieces were produced around 580 BC. The zenith in black figure pottery was reached between about 575 and 525 BC. Besides Sparta, the main discovery sites are the islands of Rhodes and Samos, as well as Taranto, Etruscan necropolises, and Cyrene, which was at first considered to be the original source of the pottery. The quality of the vessels is very high. The clay was well slurried and was given a cream colored coating. Amphoras, hydriai, column kraters (called krater lakonikos in antiquity), volute kraters, Chalcidic kraters, lebes, aryballoi and the Spartan drinking cup, the lakaina, were painted. But the index form and most frequent find is the cup. In Lakonia the deep bowl was usually put on a high foot; cups on low feet are rare. The exterior is typically decorated with ornaments, usually festoons of pomegranates, and the interior scene is quite large and contains figures. In Laconia earlier than in the rest of Greece the tondo became the main framework for cup scenes. The main image was likewise divided into two segments at an early date, a main scene and a smaller, lower one. Frequently the vessel was only coated with a glossy slip or decorated with just a few ornaments. Inscriptions are uncommon but can appear as name annotations. Signatures are unknown for potters as well as painters. It is probable that the Laconian craftsmen were perioeci pottery painters. Characteristic features of the pottery often match the fashion of known painters. It is also possible that they were migrant potters from eastern Greece, which would explain the strong eastern Greek influence especially on the Boreads Painter. In the meantime at least eight vase painters can be distinguished. Five painters, the Arkesilas Painter (565–555), the Boreads Painter (575–565), the Hunt Painter, the Naucratis Painter (575–550) and the Rider Painter (550–530) are considered to be the more important representatives of the style, while other painters are regarded as craftsmen of lesser ability. The images are usually angular and stiff, and contain animal friezes, scenes of daily life, especially symposia, and many mythological subjects. Of the latter, Poseidon and Zeus are depicted especially frequently, but also Heracles and his twelve labors as well as the Theban and Trojan legend cycles. Especially on the early vases, a gorgon grimace is placed in a cup tondo. A depiction of the nymph Cyrene and a tondo with a rider with a scrolling tendril growing from his head (name vase of the Rider Painter) are exceptional. Also important is a cup with an image of Arcesilaus II. The Arcesilas cup supplied the pragmatic name for the Arcesilas Painter. It is one of the rare depictions on Greek pottery of current events or people. The subjects suggest Attic influence. A reddish purple was the main opaque color. At present over 360 Laconian vases are known, with almost a third of them, 116 pieces, being attributed to the Naucratis Painter. The decline around 550 BC of Corinthian black figure vase painting, which had an important influence on Laconian painting, led to a massive reduction in the Laconian production of black figure vases, which came to an end around 500 BC. The pottery was very widely distributed, from Marseille to Ionian Greece. On Samos, Laconian pottery is more common than Corinthian pottery because of the close political alliance with Sparta.
Беотия
Қара фигуралы вазалар Беотияда б.з.д. 6-4 ғасырларда жасалған. Б.з.д. 6 ғасырдың басында көптеген беотиялық суретшілер шығыстық контур салу әдісін қолданды. Кейін олар аттикалық өндіріске жақын болды. Екі аймақтың бірін анықтау және оған жатқызу кейде қиын, ал вазаларды коринфтік керамикасымен шатастыру мүмкін. Төмен сапалы аттикалық және коринфтік вазалар көбінесе беотиялық туындылар деп есептеледі. Көбінесе жақсы беотиялық вазалар аттикалық деп саналады, ал нашар аттикалық вазалар теріс түрде беотиялық деп жіктеледі. Атикамен шеберлер алмасып тұрған болуы керек. Кем дегенде бір жағдайда аттикалық қыш құмырашысы Беотияға көшіп келгені белгілі (Ат құсы суретшісі, сондай-ақ Токра суретшісі болуы мүмкін, ал қыш құмырашыларының арасында афиналық Тейсий де бар). Ең маңызды сюжеттер – жануарлар фризі, симпозиумдар және комос сахналары. Мифологиялық сахналар сирек кездеседі, және олар көбінесе Геракл немесе Тесейді бейнелейді. Б.з.д. 6 ғасырдың соңынан бастап 5 ғасырға дейін силуэт стилі басым болды. Әсіресе кантарос, леканис, кеселер, табақтар және құмыралар боялған. Афинадағыдай, онда да калос жазулары кездеседі. Беотиялық қыш құмырашыларына әсіресе қалыпты вазалар жасау ұнады, сондай-ақ мүсіндік безендірілген кантарос және үш аяқты пиксидтер. Леканис, кеселер және мойын амфораларының пішіндері де Афинадан алынған. Сурет салу стилі көбінесе ойнақы, комос сахналары мен сатирлерге бейімділік байқалады. Б.з.д. 425-350 жылдар аралығында Кабеиралық вазалар Беотиядағы қара фигуралы стильдің басты түрі болды. Көбінесе бұл терең ыдысы мен тік сақиналы тұтқалары бар кантарос пен скифос арасындағы гибридтік форма, бірақ лебес, кеселер және пиксидтер де болды. Олар табылған негізгі орынның атымен аталады – Теба қаласының жанындағы Кабеирой қасиетті орны. Вазалардағы суреттер, әдетте, тек бір жағына салынған, жергілікті культті бейнелейді. Вазалар мифологиялық оқиғаларды әзіл-қалжыңмен, шамадан тыс бейнелейді. Кейде комос сахналары көрсетіледі, олардың культке тікелей қатысы болған деп есептеледі.
Black figure vases were produced in Boeotia from the 6th to the 4th century BC. As late as the early 6th century BC many Boeotian painters were using the orientalizing outline technique. Afterward they oriented themselves closely on Attic production. Distinctions and attributions to one of the two regions are sometimes difficult and the vases can also be confused with Corinthian pottery. Low quality Attic and Corinthian vases are often declared to be Boeotian works. Frequently, good Boeotian vases are considered to be Attic and poor Attic vases are falsely considered to be Boeotian. There was probably an exchange of craftsmen with Attica. In at least one case it is certain that an Attic potter emigrated to Boeotia (the Horse Bird Painter, and possibly also the Tokra Painter, and among the potters certainly Teisias the Athenian). The most important subjects are animal friezes, symposia and komos scenes. Mythological scenes are rare, and when present usually show Heracles or Theseus. From the late 6th century through the 5th century a silhouette like style predominated. Especially kantharos, lekanis, cups, plates and pitchers were painted. As was the case in Athens, there are kalos inscriptions. Boeotian potters especially liked to produce molded vases, as well as kantharos with sculptured additions and tripod pyxides. The shapes of lekanis, cups and neck amphoras were also taken over from Athens. The painting style is often humorous, and there is a preference for komos scenes and satyrs. Between 425 and 350 BC Kabeiric vases were the main black figure style in Boeotia. In most cases this was a hybrid form between a kantharos and a skyphos with a deep bowl and vertical ring handles, but there were also lebes, cups and pyxides. They are named after the primary place where they were found, the Sanctuary of the Kabeiroi near Thebes. The scenes, usually painted on only one side of the vase, depict the local cult. The vases caricature mythological events in a humorous, exaggerated form. Sometimes komos scenes are shown, which presumably related directly to the cult.
Еубоя
Евбеядағы қара фигуралы ваза суреті де Коринф пен әсіресе Аттиканың ықпалына түсті. Бұл туындыларды аттикалық вазалардан ажырату әрқашан оңай емес. Ғалымдар көптеген қыш құмыралардың Эретрияда жасалғанын болжайды. Көбінесе амфоралар, лекиттер, гидриялар және табақтар суреттелген. Ірі амфоралар көбінесе мифологиялық сахналармен безендірілген, мысалы, Гераклдың ерліктері немесе Париж сотталуы. VII ғасырдан бастау алатын ірі амфоралардың мойны тарылып, көбінесе тойға қатысты суреттер бейнеленген. Бұл үйленуге үлкермей қайтыс болған балаларға арналған жерлеу ыдыстары. Гүлдік өрнектерде кесудің сирек қолданылуы және опақ ақ түстің тұрақты пайдаланылуы – Эретрияның қара фигуралы қыш ыдыстарының ерекше белгілері. Аттикалық үлгілерді бейнелейтін сахналармен қатар, сатирдің бұғыны зорлағаны немесе Гераклдың кентаврлар мен демонмен күресі сияқты қатал көріністер де болған. Дельфин класының вазалары бұрын аттикалық деп есептелген, бірақ қазір Евбоик деп саналады. Дегенмен, олардың саз балшығы белгілі бір Эретриялық көздерге сәйкес келмейді. Мүмкін, бұл туындылар Халкисте жасалған. Кейбір қара фигуралы аймақтық стильдердің шығу тегі даулы. Мысалы, Халкидтік керамика бір кезде Евбеямен байланысты болған, бірақ қазір Италияда өндірілген болуы мүмкін деп есептеледі.
Black figure vase painting in Euboea was also influenced by Corinth and especially by Attica. It is not always easy to distinguish these works from Attic vases. Scholars assume that most of the pottery was produced in Eretria. Primarily amphoras, lekythos, hydria and plates were painted. Large format amphoras were usually decorated with mythological scenes, such as the adventures of Herakles or the Judgment of Paris. The large amphoras, derived from 7th century shapes, have tapering lips and usually scenes relating to weddings. They are apparently funerary vases produced for children who died before they could marry. Restrained employment of incising and regular use of opaque white for the floral ornaments were typical features of black figure pottery from Eretria. In addition to scenes reflecting Attic models, there were also wilder scenes like the rape of a deer by a satyr or Heracles with centaurs and demons. The vases of the Dolphin Class were previously regarded as being Attic, but are now considered to be Euboic. However, their clay does not match any known Eretrian sources. Perhaps the pieces were produced in Chalcis. The origin of some black figure regional styles is disputed. For example, Chalcidian pottery painting was once associated with Euboea; in the meantime production in Italy is considered to be more likely.
Шығыс Грекия
Грекияның басқа бірде-бір аймағында шығысталану және қара фигура стильдері арасындағы шекаралар Шығыс Грекия вазаларындағыдай анық емес. 600 жылға дейін тек контурлық суреттер мен бос кеңістіктер қолданылған. Содан кейін, шығысталану стилінің соңғы кезеңінде, солтүстік Иониядан келген кесу әдісімен суреттер пайда бола бастады. Бұрын басым болған жануарлар фризі стилі әрине сәндік болған, бірақ техникалық және көркемдік дамуға көп мүмкіндік бермеді. Аймақтық стильдер пайда болды, әсіресе Ионияда. Жабайы ешкі стилінің соңына қарай, солтүстік Иония суретшілері Коринф үлгілерін еліктеді, бірақ бұл еліктеу өте нашар болды. Дегенмен, VII ғасырда Ионияда жоғары сапалы вазалар жасала бастады. Шамамен б.з.д. 600 жылдан бастап, қара фигура стилі вазаларды толығымен немесе ішінара безендіру үшін қолданылды. Клазоменаи, Эфес, Милет, Хиос және Самос қалаларында дамыған аймақтық стильдерге қоса, әсіресе солтүстік Ионияда нақты орналасқан жерін анықтау қиын стильдер де болды. Лидия үлгісінде (лидион) жасалған май құюға арналған құмыралар көп кездесті, бірақ олардың көпшілігі тек жолақтармен безендірілген. Сондай-ақ, скиф пен Бактрия түйесі немесе сатир мен қошқар сияқты түпнұсқалық көріністер де бар. Кейбір стильдердің авторлығы даулы. Мысалы, Нортгемптон тобының Иониялық ықпалы күшті, бірақ өндіріс Италияда болған, мүмкін Иониядан келген иммигранттардың еңбегімен жасалған. Клазоменаиде б.з.д. 6-ғасырдың ортасында (б.з.д. 550-350 жж.) негізінен амфоралар мен гидриялар, сондай-ақ жазық, бұрышты пішіндегі фигуралары бар терең ыдыстар суреттелген. Бұл ыдыстар өте әсем жасалмаған. Билеп-өрілген әйелдер мен жануарлар жиі бейнеленген. Тюбинген суретшісі, Петри суретшісі және Урла тобының шеберханалары жетекші болып саналды. Көптеген вазалар б.з.д. 525 жылы тасталып кеткен Наукратис және Телл Дефеннехтен табылған. Олардың шығу тегі бастапқыда белгісіз болды, бірақ Роберт Зан Клаузомен саркофагтарындағы суреттермен салыстыра отырып, оның бастауын анықтады. Керамикаға көбінесе әйелдердің бетперделері салынған. Мифологиялық көріністер сирек кездеседі, балық қабықтары сияқты ою-өрнектер, ақ нүктелердің тізбегі және қатты билеп-өрілген әйелдер кең таралған. Патша мен патшайымның алдында тұрған жаршының бейнесі ерекше. Әдетте, ер адамдардың сақалдары үлкен, қашақ пішіндес болып кескен. Б.з.д. 600 жылдан басталып, б.з.д. 520 жылға дейін шығыс Грекиядағы құс тостағандарының ізбасары – розетка тостағандары жасалды, бұл, әдетте, Клазоменаиде болды. Сами керамикасы б.з.д. 560/550 жылдары Аттикадан алынған формалармен пайда болды. Бұл кішкентай шеберлер тостағандары және бет пішіндері бар кантаростар. Сурет өте дәл және сәнді. Самос, Милет және Родоспен бірге, Жабайы ешкі стилінде ваза жасаудың негізгі орталықтарының бірі болды. Родос ваза суреті негізінен Родос тақташаларынан белгілі. Бұл суреттер полихромды техникамен жасалған, көптеген бөлшектері қара фигура сияқты кесілген. Б.з.д. 560-530 жылдар аралығында египет үлгілерінен шабыттанған ситулалар кең таралды. Бұл суреттерде гректердің Тифон сияқты тақырыптары, сондай-ақ ежелгі Египеттің иероглифтері мен спорт түрлері бейнеленген.
In hardly any other region of Greece are the borders between the orientalizing and black figure styles as uncertain as in the case of vases from eastern Greece. Until about 600 BC only outline drawings and empty spaces were employed. Then during the late phase of the orientalizing style incised drawings began to appear, the new technique coming from northern Ionia. The animal frieze style which had previously predominated was certainly decorative, but offered few opportunities for further technical and artistic development. Regional styles arose, especially in Ionia. Toward the end of the Wild Goat style, northern Ionian artists imitated—rather poorly—Corinthian models. But already in the 7th century high quality vases were being produced in Ionia. Since approximately 600 BC the black figure style was used either entirely or in part to decorate vases. In addition to regional styles which developed in Klazomenai, Ephesus, Milet, Chios and Samos there were especially in northern Ionia styles which cannot be precisely localized. Oil flasks which adhered to the Lydian model (lydions) were common, but most of them were decorated only with stripes. There are also original scenes, for example a Scythian with a Bactrian camel, or a satyr and a ram. For some styles attribution is controversial. Thus the Northampton Group shows strong Ionian influence but production was probably in Italy, perhaps by immigrants from Ionia. In Klazomenai primarily amphoras and hydria were painted in the middle of the 6th century BC (c. 550 to 350 BC), as well as deep bowls with flat, angular looking figures. The vessels are not very elegant in workmanship. Dancing women and animals were frequently depicted. Leading workshops were those of the Tübingen Painter, the Petrie Painter, and the Urla Group. Most of the vases were found in Naukratis and in Tell Defenneh, which was abandoned in 525 BC. Their origin was initially uncertain, but Robert Zahn identified the source by comparison with images on Klazomenian sarcophagi. The pottery was often decorated with sculptured women's masks. Mythological scenes were rare; fishscale ornaments, rows of white dots, and stiff looking dancing women were popular. The depiction of a herold standing in front of a king and a queen is unique. In general, men were characterized by large, spade shaped beards. Starting already in 600 BC and continuing to about 520 BC rosette cups, successor to the eastern Greece bird cups, were produced, probably in Klazomenai. Samian pottery first appeared around 560/550 BC with forms adopted from Attica. These are Little Masters cups and kantharos with facial forms. The painting is precise and decorative. Samos along with Milet and Rhodes was one of the main centers for the production of vases in the Wild Goat style. Rhodian vase painting is primarily known from Rhodian plates. These were produced using a polychrome technique with many of the details being incised as in black figure painting. From about 560 to 530 BC situlas were common, inspired by Egyptian models. These show both Greek subjects, such as Typhon, as well as ancient Egyptian themes like Egyptian hieroglyphics and Egyptian sport disciplines.
Каеретан гидриясы
"Caeretan hydria" – бұл қара фигуралы вазалардың ерекше түрлі-түсті стилі. Бұл вазалардың шығу тегі әдебиетте даулы. Суреттемелерге сүйенсек, вазалар бұрын этрусктік немесе Коринфтік деп есептелген, бірақ соңғы жылдары оларды шығыс Грекиядан Этруриядағы Каэреге (қазіргі Черветери) көшіп келген екі қыш суретші жасаған деген пікір басым. Иониялық грек тіліндегі жазулар көшпелілер теориясын қолдайды. Бұл шеберхана бір ғана ұрпақ бойы жұмыс істеді. Бүгінде осы стильде жасалған екі шебердің шамамен 40 вазасы белгілі. Олардың барлығы гидрия, бір ғана алабастроннан басқа. Вазалар Этруриядан тыс жерде табылған жоқ; көбінесе Каэреде табылған, сондықтан олардың осы аталуы. Вазалар шамамен б.з.д. 530-510/500 жылдарға датыланады. "Caeretan hydria" стиліне жолақтармен әшекейленген мойын амфоралары тән. Бұл техникалық жағынан нашар гидриялардың биіктігі 40–45 см. Вазалардың денелері жоғары және айқын мойын, кең иық және төңкерілген келіш формасындағы төменгі сақиналы тұғырға ие. Көптеген гидриялардың пішіні бұзылған немесе дұрыс қабылдамаған. Суреттелген бейнелер төрт аймаққа бөлінген: иық аймағы, фигуралармен безендірілген құрсақ аймағы, әшекейлермен және төменгі бөлім. Фигуралар бар құрсақ аймағынан басқа барлық аймақтар әшекейлермен безендірілген. Екі құрсақ фризінде де фигуралар бейнеленген жағдай бір ғана. Олардың көп түсті болуы оларды қара фигуралы стильдің басқа түрлерінен ерекшелейді. Бұл стиль Иониялық ваза суреттемесін және Мысырда табылған көп түсті боялған ағаш тақташаларын еске салады. Ерлер қызыл, қара немесе ақ түспен бейнеленеді. Әйелдер көбінесе ақ түспен суреттеледі. Контурлар мен егжей-тегжейлер қара фигура стиліне тән кесіктермен жасалған. Қара жылтыр жабынның беті көбінесе қосымша түсті жабынмен жабылады, сондықтан ойылып жасалған жерде көрінетін қара жабын әртүрлі пішіндерге ішкі егжей-тегжейлермен толықтырады. Алдыңғы жағындағы суреттер әрқашан қозғалысқа толы, ал артқы жағында геральдикалық бейнелер жиі кездеседі. Әшекейлер гидриялардың маңызды бөлігі болып табылады және олар басқа мотивтерге бағынышты емес. Әшекейлерді бояу үшін трафареттер қолданылған, олар кесілмеген. Бусирис суретшісі мен Бүркіт суретшісі осы стильдегі суретшілер ретінде белгілі. Соңғысы осы стильдің ең көрнекті өкілі саналады. Олар мифологиялық сюжеттерге қызығушылық танытқан, олар көбінесе шығыс ықпалын көрсетеді. Бусирис суретшісінің вазасында Геракл мифтік египеттік фараон Бусиристі басып тұр. Геракл басқа вазаларда да жиі бейнеленеді, сондай-ақ күнделікті өмірден көріністер де бар. Сондай-ақ, Cetus сияқты ақ итшабақпен бірге бейнеленген сирек кездесетін көріністер де бар.
"Caeretan hydria" is the name used for an especially colorful style of black figure vase painting. The origin of these vases is disputed in the literature. Based on an assessment of the painting the vases were long considered to be Etruscan or Corinthian, but in recent years the view predominates that the producers were two pottery painters who emigrated from eastern Greece to Caere (modern Cerveteri) in Etruria. Inscriptions in Ionic Greek support the emigration theory. The workshop existed for only one generation. Today about 40 vases produced by the two master craftsmen in this style are known. All are hydriai except for one alabastron. None were found outside of Etruria; most came from Caere, which is the reason for their name. The vases are dated to approximately 530 to 510/500 BC. The Caeretan hydria are followed stylistically by neck amphoras decorated with stripes. These technically rather inferior hydriai are 40–45 cm. high. The bodies of these vases have high and very prominent necks, broad shoulders, and low ring feet in the form of upside down chalices. Many of the hydriai are misshapen or show faulty firing. The painted images are in four zones: a shoulder zone, a belly zone with figures and one with ornaments, and a lower section. All but the belly zone with figures are decorated with ornaments. There is only one case of both belly friezes having figures. Their multiple colors distinguish them from all other black figure styles. The style recalls Ionian vase painting and multicolored painted wooden tablets found in Egypt. Men are shown with red, black or white skin. Women are almost always portrayed with an opaque white color. The contours as well as the details are incised, as is typical for the black figure style. Surfaces of black glossy slip are often covered with an additional colored slip, so that the black slip which becomes visible where there is scoring supplies the various shapes with internal details. On the front side the images are always full of action, on the back heraldic designs are common. Ornaments are an important component of the hydrias; they are not subsidiary to other motifs. Stencils were used to paint the ornaments; they are not incised. The Busiris Painter and the Eagle Painter are named as painters. The latter is considered the leading representative of this style. They were particularly interested in mythological topics which usually revealed an eastern influence. On the name vase by the Busiris painter, Heracles is trampling on the mythical Egyptian pharao Busiris. Heracles is frequently depicted on other vases as well, and scenes of daily life also exist. There are also uncommon scenes, such as Cetus accompanied by a white seal.
Понт сауыттары
Понт құмыралары стильдік жағынан Иония керамикасының суреттерімен тығыз байланысты. Бұл жағдайда да оларды Иониядан көшіп келген шеберлер этруск шеберханаларында жасаған деп есептеледі. Құмыралар шатастыратын атауын Қара теңізде (Понт) өмір сүрген скифтер деп саналатын садақшылар бейнеленген құмырадан алған. Көптеген құмыралар Вулчидегі қабірлерде табылды, сондай-ақ қып-қызыл көптеген құмыралар Церветериде де табылған. Басты түрі – әсіресе жіңішке пішіндес, Тиррен амфораларына ұқсас мойын амфорасы. Басқа пішіндері – спиральді тұтқалары бар энохо, динос, киатос, табақтар, биік тұғырлары бар кеселер және сирек кездесетін кантарос және басқа да пішіндер. Понт құмыраларының әшекейлері әрқашан бір-біріне ұқсас. Жалпы, мойында әшекейлік безендіру, содан кейін иықтағы суреттер, одан кейін тағы бір әшекей жолағы, жануарлар фризі және соңында сәулелер шеңбері болады. Тұғыры, мойны және тұтқалары қара түсті. Әшекейлердің маңыздылығы байқалады, бірақ олар көбінесе абайсызда жасалған; кейбір құмыралар тек әшекейлермен безендірілген. Бұл құмыралардың қышы сары-қызыл түсті, ал беткі қабығы қара немесе қоңыр-қызыл түсті, жоғары сапалы және металл жылтыры бар. Суреттер мен әшекейлер үшін қызыл және ақ опак түстер кеңінен қолданылады. Жануарлардың қарнындағы ақ жолақ әдетте безендіріледі. Ғалымдар бүгінгі күнге дейін алты шеберхананы анықтады. Ең ерте және ең жақсысы – Париж суретшісінің шеберханасы. Ол мифологиялық кейіпкерлерді, соның ішінде шығыс Грециядағы дәстүр бойынша сақалсыз Геракл бейнесін көрсетеді. Кейде грек мифологиясына жатпайтын көріністер де кездеседі, мысалы, Париж суретшісінің салған Геракл Юнона Соспитамен ("Құтқарушы") немесе Титий суретшісінің салған қасқыр жынмен күресі. Сондай-ақ күнделікті өмір, комос сахналары және аттылар бейнеленген. Құмыралар б.з.д. 550-500 жылдар аралығында жасалған, және шамамен 200 данасы белгілі.
The Pontic vases are also closely related stylistically to Ionian pottery painting. Also in this case it is assumed that they were produced in Etruscan workshops by craftsmen who emigrated from Ionia. The vases got their misleading name from the depiction on a vase of archers thought to be Scythians, who lived at the Black Sea (Pontus). Most of the vases were found in graves in Vulci, a significant number also in Cerveteri. The index form was a neck amphora with a particularly slender shape, closely resembling Tyrrhenian amphoras. Other shapes were oenochoes with spiral handles, dinos, kyathos, plates, beakers with high bases, and, less often, kantharos and other forms. The adornment of Pontic vases is always similar. In general there is an ornamental decoration on the neck, then figures on the shoulder, followed by another band of ornaments, an animal frieze, and finally a ring of rays. Foot, neck and handles are black. The importance of ornaments is noticeable, although they are often rather carelessly formed; some vases are decorated only with ornaments. The clay of these vases is yellowish red; the slip covering the vases is black or brownish red, of high quality, and with a metallic sheen. Red and white opaque colors are generously used for figures and ornaments. Animals are usually decorated with a white stripe on their bellies. Scholars have identified six workshops to date. The earliest and best is considered to be that of the Paris Painter. He shows mythological figures, included a beardless Heracles, as was customary in eastern Greece. Occasionally there are scenes which are not a part of Greek mythology, such as Heracles fighting Juno Sospita ("the Savior") by the Paris Painter, or a wolf demon by the Tityos Painter. There are also scenes of daily life, komos scenes, and riders. The vases are dated to a time between 550 and 500 BC, and about 200 are known.
Этрурия
Жергілікті жерде жасалған этруск вазалары б.з.д. 7 ғасырында жасалған болуы мүмкін. Бастапқыда олар Қорынт және Шығыс Грекияның қара фигуралы үлгілеріне ұқсас. Алғашқы кезеңде негізінен грек көшпенділері оларды жасаған деп есептеледі. Ең алғашқы маңызды стиль – Понт керамикасының суреттелуі. Содан кейін, б.з.д. 530 және 500 жылдар аралығында Микали суретшісі мен оның шеберханасы жұмыс істеді. Осы кезеңде этруск суретшілері аттикалық үлгілерді ұстанды және негізінен амфоралар, гидриялар және құмыралар жасады. Олар көбінесе комос пен симпозиум сахналарын, сондай-ақ жануарлар фриздерін бейнелейтін. Мифологиялық сахналар сирек кездеседі, бірақ олар өте сақтықпен орындалған. Қара фигура стилі б.з.д. 480 жылы тоқтады. Соңында манерлі стиль дамыды, кейде өте бейсауат силуэт техникасы қолданылды.
Locally produced Etruscan vases probably date from the 7th century BC. At first, they resemble black figure models from Corinth and eastern Greece. It is assumed that in the early phase primarily Greek immigrants were the producers. The first important style was Pontic pottery painting. Afterward, in the period between 530 and 500 BC, the Micali Painter and his workshop followed. At this time Etruscan artists tended to follow Attic models and produced primarily amphoras, hydriai and jugs. They usually had komos and symposia scenes and animal friezes. Mythological scenes are less common, but they are very carefully produced. The black figure style ended around 480 BC. Toward the end a mannerist style developed, and sometimes a rather careless silhouette technique.
Хальцид керамикасы
Халкидтік вазалар оларға кейде халкид жазуымен жазылған мифологиялық жазулардың себебінен аталды. Осы себепті керамиканың шығу тегі Эвбея деп күдіктелді. Қазіргі уақытта бұл қыш ыдыстар Регионда, мүмкін Каэреде жасалған деп есептеледі, бірақ мәселе әлі толық шешілген жоқ. Халкидтік вазалар аттикалық, коринфтік және әсіресе иониялық сурет өнерінің ықпалында болды. Вазалар негізінен Италиядағы Каэри, Вулчи және Регион сияқты жерлерде, сондай-ақ Батыс Жерорта теңізінің басқа да аймақтарында табылған. Халкидтік вазалардың өндірісі шамамен б.з.д. 560 жылы күрт басталды. Күніне дейін оның алдын қорғандары анықталған жоқ. 50 жыл өткен соң, б.з.д. 510 жылы, олардың өндірісі тоқтады. Шамамен 600 ваза сақталған, және 15 суретші немесе суретшілер тобы анықталды. Бұл вазалардың ерекшелігі – жоғары сапалы қыштан жасалуы. Оларды жабатын жылтыр қабат оттан кейін көбінесе қара түсті болады. Саз қыш қызғылт сары түсті. Сурет салуда қызыл және ақ опак түстер кеңінен қолданылды, сондай-ақ ішкі бөлшектерді жасау үшін сызықтар пайдаланылды. Индекс нысаны – мойын амфорасы, ол барлық белгілі вазалардың төрттен бірін құрайды, бірақ көздік жүздер, ойнохоэ және гидриялар да бар; басқа ыдыс түрлері сирек кездеседі. Этруск стиліндегі лекани және тостағандар ерекшеліктерге жатады. Вазалар экономикалық тұрғыдан да, құрылымдық тұрғыдан да қатаң жасалған. "Халкидтік тостаған аяғы" – олардың ерекше белгісі. Ол кейде қара фигуралы аттикалық вазаларда, сирек қызыл фигуралы вазаларда көшіріледі. Ескі буын суретшілерінің ең маңыздысы – Жазу суретшісі, ал жас өкілдерінің ішінде Финей суретшісі ерекше көзге түседі. Біріншісі стильдің негізін қалаушы деп саналады, ал екіншісінің өте өнімді шеберханасына шамамен 170 сақталған ваза жатқызылады. Ол осы стильдің соңғы өкілі болуы мүмкін. Суреттер көбінесе әңгімелі емес, декоративтік сипатқа ие. Оларда атшылар, жануарлар фризі, геральдикалық суреттер немесе адамдар тобы бейнеленген. Суретте үлкен лотос пальметтасының айқасы жиі кездеседі. Мифологиялық көріністер сирек, бірақ олар кездескен жағдайда, әдетте өте жоғары сапалы болады. Псевдохалкидтік вазалар – халкидтік сурет өнерінің жалғасы. Олар халкидтік суреттерге жақын, сонымен қатар аттикалық және коринфтік вазалармен де байланысты. Сондықтан суретшілер жазу үшін халкид әліпбиін емес, иония әліпбиін қолданды. Саз құрамы да өзгеше. Бұл типтегі шамамен 70 белгілі ваза бар, оларды алғаш рет Андреас Румпф жіктеді. Мүмкін, бұл қолөнершілер Этрурияға көшіп келген халкидтік ваза суретшілері мен қыш құмырашыларының мұрагерлері болған. Псевдохалкидтік вазалар екі топқа бөлінеді. Екеуінің үлкені – Полифем тобы, ол сақталған ыдыстардың көп бөлігін, негізінен мойын амфораларын және ойнохоэларын жасады. Әдетте жануарлар тобы бейнеленеді, мифологиялық көріністер сирек кездеседі. Ыдыстар Этрурияда, Сицилияда, Марсель және Викс қалаларында табылған. Кіші және аз өнімді Мемнон тобына қазіргі уақытта 12 ваза жатқызылады, оның географиялық таралуы шектеулі – Этрурия және Сицилия. Олар бір ойнохоэден басқа, әдетте жануарлар мен атшылармен безендірілген мойын амфораларын ғана жасады.
Chalcidian vase painting was named from the mythological inscriptions which sometimes appeared in Chalcidian script. For this reason the origin of the pottery was first suspected to be Euboea. Currently it is assumed that the pottery was produced in Rhegion, perhaps also in Caere, but the issue has not yet been finally decided. Chalcidian vase painting was influenced by Attic, Corinthian and especially Ionian painting. The vases were found primarily in Italian locations like Caeri, Vulci and Rhegion, but also at other locations of the western Mediterranean. The production of Chalcidian vases began suddenly around 560 BC. To date, no precursors have been identified. After 50 years, around 510 BC, it was already over. About 600 vases have survived, and 15 painters or painter groups have been so far identified. These vases are characterized by high quality pottery work. The glossy slip which covers them is usually pitch black after firing. The clay has an orange color. Red and white opaque colores were generously used in the painting, as was scoring to produce interior details. The index form is the neck amphora, accounting for a quarter of all known vases, but there are also eye cups, oinochoes and hydria; other vessel types being less common. Lekanis and cups in the Etruscan style are exceptions. The vases are economical and stringent in construction. The "Chalcidian cup foot" is a typical characteristic. It is sometimes copied in black figure Attic vases, less often in red figured vases. The most important of the known artists of the older generation is the Inscription Painter, of the younger representatives the Phineus Painter. The former is presumably the originator of the style; some 170 of the surviving vases are attributed to the very productive workshop of the latter. He is probably also the last representative of this style. The images are usually more decorative than narrative. Riders, animal friezes, heraldic pictures or groups of people are shown. A large lotus palmette cross is frequently part of the picture. Mythological scenes are seldom, but when they occur they are in general of exceptionally high quality. Pseudo Chalcidian vase painting is the successor to Chalcidian painting. It is close to Chalcidian but also has strong links to Attic and Corinthian vase painting. Thus the artists used the Ionian rather than the Chalcidian alphabet for inscriptions. The structure of the clay is also different. There are about 70 known vases of this type, which were first classified by Andreas Rumpf. It is possible that the artisans were successors to the Chalcidian vase painters and potters who emigrated to Etruria. Pseudo Chalcidian vase painting is classified into two groups. The elder of the two is the Polyphemus Group, which produced most of the surviving vessels, primarily neck amphoras and oinochoes. Groups of animals are usually shown, less seldom mythological scenes. The vessels were found in Etruria, on Sicily, in Marsellle and Vix. The younger and less productive Memnon Group, to which 12 vases are currently attributed, had a much smaller geographical distribution, being limited to Etruria and Sicily. Except for one oinochoe they produced only neck amphoras, which were usually decorated with animals and riders.
Басқа
Нортгемптон тобының вазалары бір құрсақ амфораны қоспағанда, барлығы кішкентай мойынды амфоралар болды. Олар стильдік тұрғыдан солтүстік Иони ваза суретіне өте ұқсас, бірақ олар Иони емес, Италияда, шамамен б.з.д. 540 жылы Этрурияда жасалған болуы мүмкін. Осы топтың вазалары өте жоғары сапалы. Олар бай безендірулермен және ғалымдардың қызығушылығын тудырған көріністермен әсемделген, мысалы, аттармен бірге келе жатқан ханзада мен қазға мініп бара жатқан адам бейнеленген. Олар Кампана Диной тобының жұмысына және «Нортгемптон амфорасына» ұқсас, оның саз балшығы Каеретан гидриясының саз балшығына ұқсас. Нортгемптон тобы осы амфораның атымен аталады. Дөңгелек Кампана гидриялары Боэотия және Эвбея үлгілерін еске түсіреді.
The vases of the Northampton Group were all small neck amphoras with the exception of a single belly amphora. They are stylistically very similar to northern Ionian vase painting, but were probably produced in Italy rather than in Ionia, perhaps in Etruria around 540 BC. The vases of this group are of very high quality. They show rich ornamental decorations and scenes that have captured the interest of scholars, such as a prince with horses and someone riding on a crane. They are similar to the work of the Group of Campana Dinoi and to the so called Northampton Amphora whose clay is similar to that of Caeretan hydriai. The Northampton Group was named after this amphora. The round Campana hydriai recall Boeotian and Euboean models.
Басқа өңірлер
Андростың цилиндрлі денелі алабастрондары, сондай-ақ Тасостан шыққан лаканилер сирек кездеседі. Бұл Беотия өнімдерін еске түсіреді, алайда Беотиядағы бір ғана фриздің орнына оларда екі жануарлық фриз бар. Тазиан тақталары көбінесе аттикалық үлгілерге еліктеген, ал олардың суреттері лаканистерге қарағанда әлдеқайда амбициялы. Хиостан шыққан вазалардың қара фигура стилінде жасалған көшірмелері белгілі. Халайдан шыққан жергілікті қара фигуралы керамика да сирек. Афиналықтар Дарданеллдегі Элайосты басып алғаннан кейін, онда да жергілікті қара фигуралы керамика өндірісі басталды. Шағын өнімдердің ішінде контурлы суреттері бар қарапайым лаканистер де болды. Кельт Франциясында қара фигура стиліндегі аз ғана вазалар жасалды. Олар да грек вазаларынан шабыттанғаны сөзсіз.
Alabastrons with cylindrical bodies from Andros are rare, as are lekanis from Thasos. These are reminiscent of Boeotian products except that they have two animal friezes instead of the single frieze common for Boeotia. Thasian plates rather followed Attic models and with their figured scenes are more ambitious than on the lekanis. Imitations of vases from Chios in the black figure style are known. Local black figure pottery from Halai is also rare. After the Athenians occupied Elaious on the Dardanelles, local black figure pottery production began there as well. The modest products included simple lekanis with outline images. A small number of vases in black figure style were produced in Celtic France. They too were almost certainly inspired by Greek vases.
Зерттеу және қабылдау
Бұл құмыраларды зерттеу 19 ғасырда басталды. Осы уақыттан бастап бұл вазалардың этрусктік емес, гректік шығу тегі бар деген күдік күшейді. 1819 жылы Эдвард Додвелл Афинада тапқан Панафиналық амфора дәлел келтірді. Бірінші болып дәлел келтірген Густав Крамер өзінің «Стиль және грек суреттерінің шығу тегі» (1837) атты еңбегінде болды. Алайда, бұл түсініктің қабылдануына бірнеше жыл кетті. Эдуард Герхард «Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica» журналында «Rapporto Volcente» атты мақала жариялады, онда ол вазаларды жүйелі түрде зерттеді; ол мұны жасаған алғашқы ғалым болды. Осы мақсатта 1830 жылы ол Таркинияда табылған вазаларды зерттеді, мысалы, оларды Аттика мен Эгинада табылған вазалармен салыстырды. Бұл жұмыста ол 31 суретші мен қыш құмырашының қолтаңбаларын анықтады. Бұрын тек қыш құмырашы Талейд ғана белгілі болған. Зерттеудің келесі кезеңі музейлердегі ірі вазалар жинақтарын ғылыми каталогтауға айналды. 1854 жылы Отто Ян Мюнхендегі Көнеліктердің мемлекеттік жинағындағы вазаларды жариялады. Бұрын Ватикан мұражайларының (1842) және Британ мұражайының (1851) каталогтары жарық көрген. 1885 жылы Адольф Фуртвенглер жинаған Берлин классикалық көнеліктер жинағындағы вазалар жинағының сипаттамасы ерекше әсерлі болды. Фуртвенглер су қоймаларын көркемдік шығу тегі, технологиясы, стилі, пішіні және бояу стилі бойынша бірінші болып жіктеді, бұл кейінгі зерттеулерге ұзақ уақыт әсер етті. 1893 жылы Пол Хартвиг өзінің «Мейстершален» кітабында калос жазулары, қолтаңбалары және стильдік талдаулары негізінде әртүрлі суретшілерді анықтауға тырысты. 1919 жылы Лувр мұражайының мұрағатшысы Эдмонд Поттье «Corpus Vasorum Antiquorum» құрды. Әлемдегі барлық ірі жинақтар осы серияда шығарылады, 2009 жылы 300-ден астам томды құрады. Аттик вазасы туралы ғылыми зерттеулер Джон Д. Бизлиге көп қарыз. Ол бұл вазаларды 1910 жылы зерттеуді бастады, бұл Bernard Berenson суреттерді зерттеу үшін өнер тарихшысы Джованни Морелли әзірлеген әдісті пайдаланды. Ол әр суретшінің әрқашан анық сипатталатын түпнұсқалық туындыларын жасағанын болжады. Ол адамның бет-әлпеті, саусақтары, қол-аяқтары, аяқтары, тізелері және киімдерінің бүгілуін сипаттады. Бизли 65 000 ваза мен фрагменттерді зерттеді, оның ішінде 20 000-ы қара фигуралар болды. Ол алты онжылдыққа созылған зерттеулер барысында олардың 17 000-ын атымен немесе прагматикалық атаулар жүйесін қолдану арқылы атай алды және оларды суретшілер немесе шеберханалар, қарым-қатынастар және стильдік жақындық топтарына жіктеді. Ол 1500-ден астам қыш құмырашы мен суретшілерді анықтады. Ешбір археологтың археологиялық саланы зерттеуге Бейзли сияқты шешуші ықпалы болған жоқ, оның талдаулары қазіргі уақытқа дейін үлкен дәрежеде жарамды болып табылады. Бизлиден кейін Джон Бордман, Эрика Саймон және Дитрих фон Ботмер сияқты ғалымдар қара фигуралы аттик вазаларды зерттеді. Коринф керамикасы бойынша негізгі зерттеулерді Хэмфри Пэйн жүргізді, ол 1930 жылдары қазіргі уақытқа дейін қолданылып жүрген алғашқы стилистикалық жіктелімді жасады. Ол вазаларды пішініне, безендіру түріне және бейнелеу субъектілеріне сәйкес жіктеді, содан кейін ғана суретшілер мен шеберханаларға ерекшелік жасады. Ол Бизлидің әдісін ұстанды, бірақ суретшілер мен топтарды бөлуге аз мән берді, өйткені хронологиялық жүйе оған маңызды болды. Джек Л. Бенсон 1953 жылы осы бөлу жұмысын қолға алып, 109 суретші мен топты ерекшеленді. Соңында, Даррел А. Эмикс 1988 жылы шыққан «Архаикалық кезеңдегі Коринф вазасының суреті» атты кітабында осы уақытқа дейінгі зерттеулерді қорытындылады. Алайда, коринфтік қыш құмырасы жағдайында нақты суретшілерді белгілеу мүмкін бе, жоқ па, бұл ғалымдардың талас-тартысы. Лакондық қыш бұйымдары 19-шы ғасырдан бастап этрус қабірлеріндегі көптеген вазалардан белгілі болды. Алғашында олар қате түрде Сиренаның өнімі деп саналды, өйткені оларда ең көне бөлшектер де табылды. Спартадағы Артемида Орфия ғибадатханасында жүргізілген британдық қазба жұмыстарының арқасында олардың шынайы шығу тегі тез анықталды. 1934 жылы Артур Лейн барлық белгілі материалдарды жинап, әр түрлі суретшілерді анықтаған алғашқы археолог болды. 1956 жылы жаңа табылғандарды Брайан Б. Шефтон зерттеді. Ол суретшілердің санын екі есеге қысқартты. 1958 және 1959 жылдары Тарантодан басқа жаңа материалдар жарияланды. Самос аралында басқа да көптеген құмыралар табылған. Конрад Майкл Стиббе өзіне белгілі 360 вазаның барлығын қайтадан зерттеді және өзінің тұжырымдамаларын 1972 жылы жариялады. Ол бес негізгі және үш екінші суретшіні анықтады. Аттик, коринфтік және лакондық вазалар зерттеуіне қоса, археологтар көбінесе шағын итальяндық стильдерге ерекше қызығушылық танытады. Каеретан гидриялары алғаш рет Карл Хуманн мен Отто Пухштейн анықтады және атады. Андреас Румпф, Адольф Кирхгоф және басқа археологтар Халкидтік қыш құмырасының шығу тегі Эвбея екенін қате жорамалдады. Георг Фердинанд Дүмлер Понт вазаларының қате атауына жауапты, ол вазалардың бірінде скифтің бейнеленгеніне байланысты олардың Қара теңіз аймағынан келгенін болжады. Қазіргі уақытта барлық стильдерді зерттеу жеке адамдар емес, үлкен халықаралық ғалымдар тобы жүргізеді.
Scholarly research on these vases started especially in the 19th century. Since this time the suspicion has intensified that these vases have a Greek rather than an Etruscan origin. Especially a Panathenaic prize amphora found by Edward Dodwell in 1819 in Athens provided evidence. The first to present a proof was Gustav Kramer in his work Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). However it took several years for this insight to be generally accepted. Eduard Gerhard published an article entitled Rapporto Volcente in the Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica in which he systematically investigated the vases; he was the first scholar to do so. Toward this end in 1830 he studied vases found in Tarquinia, comparing them, for example, with vases found in Attica and Aegina. During this work he identified 31 painter and potter signatures. Previously, only the potter Taleides was known. The next step in research was scientific cataloging of the major vase collections in museums. In 1854 Otto Jahn published the vases in the Munich State Collection of Antiquities. Previously, catalogs of the Vatican museums (1842) and the British Museum (1851) had been published. The description of the vase collection in the Berlin Collection of Classical Antiquities, put together in 1885 by Adolf Furtwängler, was especially influential. Furtwängler was the first to classify the vessels by region of artistic origin, technology, style, shape, and painting stye, which had a lasting effect on subsequent research. In 1893 Paul Hartwig attempted in his book Meisterschalen to identify various painters based on kalos inscriptions, signatures and style analyses. Edmond Pottier, curator at the Louvre, initiated in 1919 the Corpus Vasorum Antiquorum. All major collections worldwide are published in this series, which as of 2009 amounted to over 300 volumes. Scientific research on Attic vase painting owes a great deal to John D. Beazley. He began studying these vases in about 1910, making use of the method developed by the art historian Giovanni Morelli for studying paintings, which had been refined by Bernard Berenson. He assumed that each painter created original works which could always be unmistakably attributed. He made use of particular details such as faces, fingers, arms, legs, knees, and folds of clothing. Beazley studied 65,000 vases and fragments, of which 20,000 were black figure. In the course of his studies, which lasted almost six decades, he could attribute 17,000 of them by name or by using a system of pragmatic names, and classified them into groups of painters or workshops, relationships and stylistic affinity. He identified over 1,500 potters and painters. No other archaeologist had such a decisive influence on the research of an archaeological field as did Beazley, whose analyses remain valid to a large extent up to the present time. After Beazley, scholars like John Boardman, Erika Simon and Dietrich von Bothmer investigated black figure Attic vases. Basic research on Corinthian pottery was accomplished by Humfry Payne, who in the 1930s made a first stylistic classification which is, in essence, being used up to the present time. He classified the vases according to shape, type of decoration and image subjects, and only afterward did he make distinctions as to painters and workshops. He followed Beazley's method except for attributing less importance to allocating painters and groups since a chronological framework was more important for him. Jack L. Benson took on this allocation task in 1953 and distinguished 109 painters and groups. Last of all, Darrell A. Amyx summarized the research up to that point in his 1988 book Corinthian Vase Painting of the Archaic Period. It is however a matter of scholarly dispute whether it is at all possible in the case of Corinthian pottery to attribute specific painters. Laconian pottery was known since the 19th century from a significant number of vases from Etruscan graves. At first they were erroneously attributed, being considered for a long time to be a product of Cyrene, where some of the earliest pieces were also found. Thanks to British excavations carried out in Sparta's Sanctuary of Artemis Orthia, their true origin was quickly identified. In 1934, Arthur Lane put together all the known material and was the first archaeologist to identify different artists. In 1956 the new discoveries were studied by Brian B. Shefton. He reduced the number of distinct painters by half. In 1958 and 1959 other new material from Taranto was published. A significant number of other vases were also found on Samos. Conrad Michael Stibbe studied anew all 360 vases known to him and published his findings in 1972. He identified five major and three minor painters. In addition to research on Attic, Corinthian and Laconian vase painting, archaeologists are frequently especially interested in minor Italian styles. The Caeretan hydriai were first identified and named by Carl Humann and Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff and other archaeologists erroneously suspected the origin of Chalkidischen Pottery to be Euboea. Georg Ferdinand Dümmler is responsible for the false naming of the Pontic vases, which he assumed to come from the Black Sea area because of the depiction of a Scythian on one of the vases. In the meantime, research on all styles is carried out less by individuals than by a large international group of scientists.