Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.
Содержание
Введение
Стиль росписи древнегреческих ваз
Style of painting on ancient Greek vases
Роспись ваз в технике чёрных фигур, также известная как стиль чёрных фигур или чёрнофигурная керамика, является одним из стилей росписи древнегреческих ваз. Особенно широко он был распространён между VII и V веками до нашей эры, хотя существуют экземпляры, датируемые и II веком до нашей эры. Стилистически его можно отличить от предшествующего ориентализирующего периода и последующего стиля росписи ваз с красными фигурами. Фигуры и орнаменты наносились на корпус сосуда, используя формы и цвета, напоминающие силуэты. Тонкие контуры прорезались в краске перед обжигом, а детали могли быть усилены и выделены непрозрачными цветами, обычно белым и красным. Первоначально основными центрами этого стиля были торговый центр Коринф, а затем Афины. Известно, что другие важные центры производства находились в Лаконии, Беотии, восточной Греции и Италии. Особенно в Италии развивались отдельные стили, которые были, по крайней мере частично, предназначены для этрусского рынка. Вазы с чёрными фигурами были очень популярны у этрусков, что подтверждается частыми импортами. Греческие художники создавали изделия, специально предназначенные для этрусского рынка, которые отличались формой и декором от их обычных работ. Этруски также развили собственную чёрнофигурную керамическую промышленность, ориентируясь на греческие образцы. Роспись ваз в технике чёрных фигур стала первым художественным стилем, породившим значительное число идентифицируемых художников. Некоторые известны по своим настоящим именам, другие – только по условным именам, данным им в научной литературе. Особенно в Аттике жили известные художники. Некоторые гончары внедряли различные новшества, которые часто влияли на работы художников; иногда именно художники вдохновляли оригинальность гончаров. Вазы с красными и чёрными фигурами являются одними из важнейших источников по мифологии и иконографии, а также иногда используются для изучения повседневной жизни древних греков. С XIX века эти вазы стали предметом интенсивного изучения.
Black figure pottery painting, also known as the black figure style or black figure ceramic , is one of the styles of painting on antique Greek vases. It was especially common between the 7th and 5th centuries BCE, although there are specimens dating in the 2nd century BCE. Stylistically it can be distinguished from the preceding orientalizing period and the subsequent red figure pottery style. Figures and ornaments were painted on the body of the vessel using shapes and colors reminiscent of silhouettes. Delicate contours were incised into the paint before firing, and details could be reinforced and highlighted with opaque colors, usually white and red. The principal centers for this style were initially the commercial hub Corinth, and later Athens. Other important production sites are known to have been in Laconia, Boeotia, eastern Greece, and Italy. Particularly in Italy individual styles developed which were at least in part intended for the Etruscan market. Greek black figure vases were very popular with the Etruscans, as is evident from frequent imports. Greek artists created customized goods for the Etruscan market which differed in form and decor from their normal products. The Etruscans also developed their own black figure ceramic industry oriented on Greek models. Black figure painting on vases was the first art style to give rise to a significant number of identifiable artists. Some are known by their true names, others only by the pragmatic names they were given in the scientific literature. Attica especially was the home of well known artists. Some potters introduced a variety of innovations which frequently influenced the work of the painters; sometimes it was the painters who inspired the potters’ originality. Red as well as black figure vases are some of the most important sources of mythology and iconography, and sometimes also for researching day to day ancient Greek life. Since the 19th century CE at the latest, these vases have been the subject of intensive investigation.
Методы производства
Основой для росписи керамики является ваза, на которую наносится изображение. Популярные формы менялись вместе с модой. В то время как многие из них возвращались через определенные промежутки времени, другие со временем заменялись. Все они изготавливались по общей методике: после изготовления вазу сначала сушили, прежде чем приступать к росписи. Мастерские находились под контролем гончаров, которые, как владельцы предприятий, занимали высокое социальное положение. Степень отождествления гончаров и художников остается неясной. Вероятно, многие опытные гончары сами вносили основной вклад в производственный процесс как вазописцы, нанимая при этом дополнительных художников. Однако восстановить связь между гончарами и художниками непросто. Во многих случаях, таких как Тлесон и художник Тлесона, Амасис и художник Амасиса или даже Никосфен и художник N, невозможно сделать однозначные атрибуции, хотя в большей части научной литературы этих художников и гончаров считают одним и тем же лицом. Однако такие атрибуции можно сделать с уверенностью только при наличии подписей гончара и художника. Художники, которые были либо рабами, либо ремесленниками, получавшими оплату за роспись керамики, работали на необожженных, кожано-сухих вазах. В технике черных фигур изображение наносилось на вазу глиняной суспензией (шликер, в старой литературе также называемой лаком), которая после обжига становилась черной и блестящей. Это не была "краска" в обычном понимании, поскольку этот поверхностный шликер состоял из того же глиняного материала, что и сама ваза, отличаясь лишь размером частиц, достигаемым в процессе очистки глины перед началом гончарного производства. Область для фигур сначала покрывалась кистью или подобным инструментом. Внутренние контуры и детали рельефа процарапывались в шликер, чтобы под ним была видна основная глина. Для добавления деталей, таких как орнаменты, одежда или ее части, волосы, гривы животных, части оружия и другое снаряжение, использовались два других пигмента на основе земли, дающие красный и белый цвета. Белый цвет также часто применялся для изображения женской кожи. Об успехе всех этих усилий можно было судить только после сложного трехэтапного процесса обжига, который придавал красный цвет телу вазы и черный цвет нанесенному шликеру. Вазу обжигали в печи при температуре около 800 °C, в результате чего окисление придавало ей красновато-оранжевый оттенок. Затем температуру повышали примерно до 950 °C, закрыв вентиляционные отверстия печи и добавляя зеленую древесину для удаления кислорода. В результате ваза полностью чернела. На заключительном этапе вентиляционные отверстия вновь открывали, чтобы в печь поступил кислород, и давали ей остыть. Ваза возвращалась к красновато-оранжевому цвету из-за возобновленного окисления, в то время как спекшийся слой росписи сохранял глянцевый черный цвет, полученный на втором этапе. Хотя прорисовка является одним из основных стилистических признаков, некоторые изделия обходятся без нее. Для них форма технически схожа с ориентализирующим стилем, но репертуар изображений больше не соответствует ориентализирующей практике.
The foundation for pottery painting is the vase onto which an image is painted. Popular shapes alternated with passing fashions. Whereas many recurred after intervals, others were replaced over time. They all had a common method of manufacture: after the vase was made, it was first dried before being painted. The workshops were under the control of the potters, who as owners of businesses had an elevated social position. The extent to which potters and painters were identical is uncertain. It is likely that many master potters themselves made their main contribution in the production process as vase painters, while employing additional painters. It is, however, not easy to reconstruct links between potters and painters. In many cases, such as Tleson and the Tleson Painter, Amasis and the Amasis Painter or even Nikosthenes and Painter N, it is impossible to make unambiguous attributions, although in much of the scientific literature these painters and potters are assumed to be the same person. But such attributions can only be made with confidence if the signatures of potter and painter are at hand. The painters, who were either slaves or craftsmen paid as pottery painters, worked on unfired, leather dry vases. In the case of black figure production the subject was painted on the vase with a clay slurry (a slip, in older literature also designated as varnish) which turned black and glossy after firing. This was not "paint" in the usual sense, since this surface slip was made from the same clay material as the vase itself, only differing in the size of the component particles, achieved during refining the clay before potting began. The area for the figures was first painted with a brush like implement. The internal outlines and structural details were incised into the slip so that the underlying clay could be seen through the scratches. Two other earth based pigments giving red and white were used to add details such as ornaments, clothing or parts of clothing, hair, animal manes, parts of weapons and other equipment. White was also frequently used to represent women's skin. The success of all this effort could only be judged after a complicated, three phase firing process which generated the red color of the body clay and the black of the applied slip. The vessel was fired in a kiln at a temperature of about 800 °C, with the resultant oxidization turning the vase a reddish orange color. The temperature was then raised to about 950 °C with the kiln's vents closed and green wood added to remove the oxygen. The vessel then turned an overall black. The final stage required the vents to be re opened to allow oxygen into the kiln, which was allowed to cool down. The vessel then returned to its reddish orange colour due to renewed oxidization, while the now sintered painted layer remained the glossy black color which had been created in the second stage. Although scoring is one of the main stylistic indicators, some pieces do without. For these, the form is technically similar to the orientalizing style, but the image repertoire no longer reflects orientalizing practice.
События
Эволюция росписи ваз в технике чёрных фигур традиционно описывается в терминах различных региональных стилей и школ. Коринф служил центром, вокруг которого существовали существенные различия в продукции отдельных регионов, хотя они и оказывали влияние друг на друга. Особенно в Аттике, хотя и не только там, работали лучшие и наиболее влиятельные художники своего времени, определившие облик классической греческой керамической живописи. Дальнейшее развитие и качество сосудов как основы для изображения являются предметом рассмотрения в данном разделе.
The evolution of black figure pottery painting is traditionally described in terms of various regional styles and schools. Using Corinth as the hub, there were basic differences in the productions of the individual regions, even if they did influence each other. Especially in Attica, although not exclusively there, the best and most influential artists of their time characterized classical Greek pottery painting. The further development and quality of the vessels as image carrier are the subjects of this section.
Коринф
Техника черных фигур была разработана около 700 г. до н.э. в Коринфе и впервые применена в начале VII века до н.э. коринфскими керамистами, которые все еще работали в ориентализирующем стиле. Новая техника напоминала гравировку по металлу, при этом более дорогие металлические изделия заменялись глиняными вазами с изображенными на них фигурами. К концу века сформировался характерный стиль черных фигур. Большинство ориентализирующих элементов были оставлены, и орнаменты отсутствовали, за исключением точечных розеток (розетки формировались из множества отдельных точек).
The black figure technique was developed around 700 BC in Corinth and used for the first time in the early 7th century BC by Proto Corinthian pottery painters, who were still painting in the orientalizing style. The new technique was reminiscent of engraved metal pieces, with the more costly metal tableware being replaced by pottery vases with figures painted on them. A characteristic black figure style developed before the end of the century. Most orientalizing elements had been given up and there were no ornaments except for dabbed rosettes (the rosettes being formed by an arrangement of small individual dots)
Глина, используемая в Коринфе, была мягкой, желтоватого, иногда зеленоватого оттенка. Неудачи при обжиге были обычным делом, возникая всякий раз, когда сложный процесс обжига не проходил должным образом. В результате часто нежелательно окрашивалась вся ваза или ее части. После обжига глянцевая шликер, нанесенная на вазу, становилась тускло-черной. Дополнительные красный и белый цвета впервые появились в Коринфе, а затем получили широкое распространение. Расписные сосуды обычно небольшого размера, редко превышающие 30 см в высоту. Наиболее часто изображались масляные сосуды (алабастры, арибаллы), пиксиды, кратеры, ойнохои и чаши. Также широко распространены были вазы с рельефными изображениями. В отличие от аттических ваз, надписи встречаются редко, а подписи художников – еще реже. Большинство сохранившихся сосудов, изготовленных в Коринфе, были найдены в Этрурии, Нижней Италии и Сицилии. В VII и первой половине VI веков до н.э. коринфская вазопись доминировала на средиземноморском рынке керамики. Сложно выстроить стилистическую последовательность для коринфской вазописи. В отличие, например, от аттической живописи, пропорции керамического корпуса практически не менялись. Также часто бывает трудно датировать коринфские вазы; нередко приходится полагаться на вторичные даты, такие как основание греческих колоний в Италии. На основе этих данных можно составить приблизительную хронологию, используя стилистические сравнения, но она редко достигает точности датировки аттических ваз. Часто изображаются мифологические сцены, особенно Геракл и персонажи, связанные с Троянской войной. Однако тематический диапазон изображений на коринфских вазах не так широк, как в более поздних работах аттических художников. Боги изображаются редко, Дионис – никогда. Зато в Коринфе тебанский цикл был более популярен, чем позднее в Афинах. Преимущественно изображались сражения, всадники и пиры – наиболее распространенные сцены повседневной жизни, последние из которых впервые появились в ранний коринфский период. Спортивные сцены редки. Сцены с полными танцорами уникальны, и их значение до сих пор остается предметом споров. Это пьяницы, чьи животы и ягодицы подпираются подушками, и они, возможно, представляют собой раннюю форму греческой комедии.
The clay used in Corinth was soft, with a yellow, occasionally green tint. Faulty firing was a matter of course, occurring whenever the complicated firing procedure did not function as desired. The result was often unwanted coloring of the entire vase, or parts of it. After firing, the glossy slip applied to the vase turned dull black. The supplemental red and white colors first appeared in Corinth and then became very common. The painted vessels are usually of small format, seldom higher than 30 cm. Oil flasks (alabastra, aryballos), pyxides, kraters, oenochoes and cups were the most common vessels painted. Sculptured vases were also widespread. In contrast to Attic vases, inscriptions are rare, and painters’ signatures even more so. Most of the surviving vessels produced in Corinth have been found in Etruria, lower Italy and Sicily. In the 7th and first half of the 6th centuries BC, Corinthian vase painting dominated the Mediterranean market for ceramics. It is difficult to construct a stylistic sequence for Corinthian vase painting. In contrast to Attic painting, for example, the proportions of the pottery foundation did not evolve much. It is also often difficult to date Corinthian vases; one frequently has to rely on secondary dates, such as the founding of Greek colonies in Italy. Based on such information an approximate chronology can be drawn up using stylistic comparisons, but it seldom has anywhere near the precision of the dating of Attic vases. Mythological scenes are frequently depicted, especially Heracles and figures relating to the Trojan War. But the imagery on Corinthian vases does not have as wide a thematic range as do later works by Attic painters. Gods are seldom depicted, Dionysus never. But the Theban Cycle was more popular in Corinth than later in Athens. Primarily fights, horsemen and banquets were the most common scenes of daily life, the latter appearing for the first time during the early Corinthian period. Sport scenes are rare. Scenes with fat bellied dancers are unique and their meaning is disputed up to the present time. These are drinkers whose bellies and buttocks are padded with pillows and they may represent an early form of Greek comedy.
Переходный стиль
Переходный стиль (640–625 гг. до н.э.) соединил ориентализирующий (протокоринфский) стиль с вазописью в чернофигурном стиле. Старый стиль живописных фризов периода протокоринфской керамики исчерпал себя, равно как и интерес вазописцев к мифологическим сюжетам. В этот период преобладали изображения животных и гибридных существ. Характерной формой того времени был сферический арибалл, который производился в больших количествах и украшался фризами с животными или сценами из повседневной жизни. Качество изображения уступало ориентализирующему периоду. Среди наиболее выдающихся художников того времени – Художник Шатающегося Быка, чья самая известная работа – арибалл с изображением сцены охоты, Художник Палермо 489 и его ученик, Художник Колумба. Стиль последнего легко узнаваем по изображениям могучих львов. Наряду с арибаллами, наиболее важными формами ваз были котиль и алабастрон. Края котилей были орнаментированы, а остальные украшения состояли из изображений животных и лучей. На двух вертикальных поверхностях ваз часто изображались мифологические сцены. Алабастроны обычно украшались изображениями отдельных фигур.
The transitional style (640 625 BC) linked the orientalizing (Proto Corinthian) with the black figure style. The old animal frieze style of the Proto Corinthian period had run dry, as did the interest of vase painters in mythological scenes. During this period animal and hybrid creatures were dominant. The index form of the time was the spherical aryballos, which was produced in large numbers and decorated with animal friezes or scenes of daily life. The image quality is inferior compared with the orientalizing period. The most distinguished artists of the time were the Shambling Bull Painter, whose most famous work is an aryballos with a hunting scene, the Painter of Palermo 489, and his disciple, the Columbus Painter. The latter's personal style can be most easily recognized in his images of powerful lions. Beside the aryballos, the kotyle and the alabastron are the most important vase shapes. The edges of kotyles were ornamented, and the other decorations consisted of animals and rays. The two vertical vase surfaces frequently have mythological scenes. The alabastrons were usually painted with single figures.
Ранний и средний коринфский
Художник-дуэлянт был самым важным ранним коринфским художником (625–600 гг. до н.э.), изображавшим сцены сражений на арибаллах. Начиная со среднего коринфского периода (600–575 гг. до н.э.), непрозрачные цвета использовались всё чаще для выделения деталей. Фигуры дополнительно расписывались серией белых точек. Арибаллы становились больше и приобретали плоское основание. Художник из Фоло хорошо известен, его самой знаменитой работой является скифос с изображением Геракла. Художник Додвелл продолжал писать фризы с животными, хотя другие художники уже отказались от этой традиции. Его творческий период продолжался вплоть до позднего коринфского периода (575–550 гг. до н.э.), и его влияние на вазопись того времени трудно переоценить. Также высокой репутацией пользовались мастер группы Горгонейон и Кавалькадный художник, получивший это название из-за предпочтения изображать всадников на внутренней стороне чаш; он был активен около 580 г. до н.э. Два его шедевра – чаша с изображением самоубийства Аякса и колончатый кратер с изображением молодоженов в колеснице. Все фигуры на чаше обозначены надписями. Первым художником, известным по имени, является полихромный вазописец, подписавший колбу и пинакс. Имя второго художника, Милонида, также встречается на пинакс. Коринфский винный кувшин-ольпа был заменен аттической версией ойнохоэ с трехлопастным венчиком. В средний коринфский период изображения людей вновь стали более распространёнными. Кратер Еврития, датированный примерно 600 г. до н.э., считается особенно высококачественным; на нём изображён симпосий в главном фризе с Гераклом, Евритием и другими мифическими персонажами.
The Duel Painter was the most important early Corinthian painter (625 600 BC) who depicted fighting scenes on aryballos. Starting in the Middle Corinthian period (600 575 BC), opaque colors were used more and more frequently to emphasize details. Figures were additionally painted using a series of white dots. The aryballos became larger and were given a flat base. The Pholoe Painter is well known, his most famous work being a skyphos with a picture of Heracles. The Dodwell Painter continued to paint animal friezes, although other painters had already given up this tradition. His creative period extended into the Late Corinthian period (575–550 BC) and his influence cannot be overestimated on vase painting of that time. Likewise of exceptional reputation were the master of the Gorgoneion Group and the Cavalcade Painter, given this designation because of his preference for depicting horsemen on cup interiors; he was active around 580 BC. Two of his masterpieces are a cup showing the suicide of Ajax, and a column krater showing a bridal couple in a chariot. All figures shown on the bowl are labeled. The first artist known by name is the polychrome vase painter , who signed a flask and a pinax. A second artist's name of Milonidas also appears on a pinax. The Corinthian olpe wine jug was replaced by an Attic version of the oinochoe with a cloverleaf lip. In Middle Corinthian time, depictions of people again became more common. The Eurytios Krater dated around 600 BC is considered to be of particularly high quality; it shows a symposium in the main frieze with Heracles, Eurytios, and other mythical figures.
Позднекоринфский период
В позднее коринфское время (иногда обозначается поздним коринфским I, 575–550 гг. до н.э.) коринфские вазы покрывались красным цветом, чтобы усилить контраст между большими белыми областями и довольно бледным цветом глиняного сосуда. Это поставило коринфских мастеров в конкуренцию с аттическими керамистами, которые к тому времени взяли на себя ведущую роль в торговле керамикой. Также все чаще копировались аттические формы ваз. Оинохои, форма которых до этого времени оставалась практически неизменной, стали напоминать аттические формы; лекифы также стали производиться все чаще. Колонный кратер, коринфское изобретение, которое по этой причине называлось коринфским по всей Греции, был модифицирован. Укорочение волют над ручками привело к появлению халкидского кратера. Основное поле изображения украшалось различными сценами из повседневной жизни или мифологическими сюжетами, а второстепенное поле содержало фриз из животных. На обратной стороне часто изображались два крупных животных. Чаши стали глубже еще в среднекоринфский период, и эта тенденция сохранилась. Они стали столь же популярны, как котилы. Многие из них украшены мифологическими сценами снаружи и изображением горгоны внутри. Этот тип росписи также был принят аттическими художниками. В свою очередь, коринфские художники переняли у афинян обрамленные поля изображения. Фризы из животных стали менее важными. В это время был активен третий коринфский художник, чье имя известно – Харес. Следует также упомянуть художника Тидея, который около 560 г. до н.э. любил расписывать амфоры с красным фоном. На вазах продолжали наносить вырезанные розетки; они отсутствуют лишь на нескольких кратерах и чашах. Наиболее выдающимся произведением искусства этого периода является кратер Амфиарая, колонный кратер, созданный около 560 г. до н.э. как главное произведение художника Амфиарая. На нем изображены различные события из жизни героя Амфиарая. Около 550 г. до н.э. производство расписных ваз прекратилось. Последующий поздний коринфский стиль II характеризуется вазами, украшенными только орнаментом, обычно выполненным в технике силуэта. За ним последовал стиль красных фигур, который, однако, не достиг в Коринфе особо высокого качества.
In Late Corinthian times (sometimes designated Late Corinthian I, 575–550 BC) Corinthian vases had a red coating to enhance the contrast between the large white areas and the rather pale color of the clay vessel. This put the Corinthian craftsmen in competition with Attic pottery painters, who had in the meantime taken over a leading role in the pottery trade. Attic vase forms were also increasingly copied. Oinochoes, whose form had remained basically unchanged up until that time, began to resemble Attic forms; lekythos also started to be increasingly produced. The column krater, a Corinthian invention which was for that reason called a korinthios in the rest of Greece, was modified. Shortening the volutes above the handles gave rise to the Chalcidic krater. The main image field it was decorated with various representations of daily life or mythological scenes, the secondary field contained an animal frieze. The back often showed two large animals. Cups had become deeper already in Mid Corinthian times and this trend continued. They became just as popular as kotyles. Many of them have mythological scenes on the outside and a gorgon grimace on the inside. This type of painting was also adopted by Attic painters. On their part, Corinthian painters took over framed image fields from Athens. Animal friezes became less important. During this time the third Corinthian painter with a known name, Chares, was active. The Tydeus Painter should also be mentioned, who around 560 BC liked to paint neck amphoras with a red background. Incised rosettes continued to be put on vases; they are lacking on only a few kraters and cups. The most outstanding piece of art in this period is the Amphiaraos Krater, a column krater created around 560 BC as the major work of the Amphiaraos Painter. It shows several events from the life of the hero Amphiaraos. Around 550 BC the production of figured vases came to an end. The following Late Corinthian Style II is characterized by vases only with ornaments, usually painted with a silhouette technique. It was succeeded by the red figure style, which however did not attain a particularly high quality in Corinth.
Аттика
С более чем 20 000 сохранившихся экземпляров, аттические вазы с чёрными фигурами составляют самую большую и одновременно наиболее значимую коллекцию ваз, уступая лишь аттическим вазам с красными фигурами. Аттические гончары использовали превосходную, богатую железом глину, которую можно было найти в Аттике. Высококачественные аттические вазы с чёрными фигурами имеют однородное, глянцевое, иссиня-чёрное покрытие, а основа из терракоты, насыщенного цвета, тщательно отшлифована. Кожа женщин всегда обозначается белым непрозрачным цветом, который также часто используется для деталей, таких как отдельные лошади, одежда или украшения. Выдающиеся аттические художники возвели вазопись до уровня графического искусства, однако было произведено также большое количество ваз среднего качества и массового производства. Исключительная значимость аттической керамики заключается в её практически безграничном репертуаре сцен, охватывающем широкий спектр тем. Эти сцены предоставляют богатые свидетельства, особенно в отношении мифологии, но и о повседневной жизни. С другой стороны, изображения, относящиеся к современным событиям, встречаются в них крайне редко. Такие отсылки проявляются лишь изредка в виде надписей, например, в форме калос-надписей на вазе. Вазы изготавливались как для внутреннего рынка, и использовались в празднествах или в связи с ритуальными действиями. С другой стороны, они являлись важным экспортным товаром, продаваемым по всему Средиземноморью. Поэтому большинство сохранившихся ваз происходят из этрусских некрополей.
With over 20,000 extant pieces, Attic black figure vases comprise the largest and at the same time most significant vase collection, second only to Attic red figure vases. Attic potters benefitted from the excellent, iron rich clay found in Attica. High quality Attic black figure vases have a uniform, glossy, pitch black coating and the color intensive terra cotta clay foundation has been meticulously smoothened. Women's skin is always indicated with a white opaque color, which is also frequently used for details such as individual horses, clothing or ornaments. The most outstanding Attic artists elevated vase painting to a graphic art, but a large number of average quality and mass market products were also produced. The outstanding significance of Attic pottery comes from their almost endless repertoire of scenes covering a wide range of themes. These provide rich testimonials especially in regard to mythology, but also to daily life. On the other hand, there are virtually no images referring to contemporary events. Such references are only occasionally evident in the form of annotations, for example when kalos inscriptions are painted on a vase. Vases were produced for the domestic market on the one hand, and were important for celebrations or in connection with ritual acts. On the other hand, they were also an important export product sold throughout the Mediterranean area. For this reason most of the surviving vases come from Etruscan necropolises.
Пионеры
Техника черных фигур была впервые применена в середине VII века до н.э., в период протоаттической вазописи. Под влиянием керамики из Коринфа, которая в то время отличалась самым высоким качеством, атические вазописцы перешли к новой технологии примерно между 635 и концом века. Поначалу они тесно следовали методам и сюжетам коринфских образцов. Художник Берлин А 34 в начале этого периода – первый идентифицированный индивидуальный мастер. Первым художником с самобытным стилем был Нессосский живописец. Своей амфорой Нессоса он создал первое выдающееся произведение в стиле аттических черных фигур. Одновременно он был одним из первых мастеров аттического стиля живописных фризов с изображениями животных. Одна из его ваз также стала первой известной атической вазой, экспортированной в Этрурию. Ему же принадлежат первые изображения гарпий и сирен в аттическом искусстве. В отличие от коринфских живописцев, он использовал двойные и даже тройные насечки для более точной передачи анатомии животных. Двойная линия плеча стала характерной чертой аттических ваз. Уже в ранний период была осознана возможность использования крупных керамических изделий, таких как брюшные амфоры, в качестве основы для изображений. Другими важными мастерами этого новаторского времени были Пирейский живописец, Живописец Беллерофонта и Живописец Льва.
The black figure technique was first applied in the middle of the 7th century BC, during the period of Proto Attic vase painting. Influenced by pottery from Corinth, which offered the highest quality at the time, Attic vase painters switched to the new technology between about 635 BC and the end of the century. At first they closely followed the methods and subjects of the Corinthian models. The Painter of Berlin A 34 at the beginning of this period is the first identified individual painter. The first artist with a unique style was the Nessos Painter. With his Nessos amphora he created the first outstanding piece in the Attic black figure style. At the same time he was an early master of the Attic animal frieze style. One of his vases was also the first known Attic vase exported to Etruria. He was also responsible for the first representations of harpies and Sirens in Attic art. In contrast to the Corinthian painters he used double and even triple incised lines to better depict animal anatomy. A double scored shoulder line became a characteristic of Attic vases. The possibilities inherent in large pieces of pottery such as belly amphoras as carriers for images were also recognized at an early date. Other important painters of this pioneer time were the Piraeus Painter, the Bellerophon Painter and the Lion Painter.
Ранние аттические вазы
Стиль черных фигур утвердился в Афинах примерно в 600 г. до н.э. Ранним афинским изобретением стала амфора с изображением головы лошади, название которой происходит от изображения конских голов в оконном пространстве. Оконные пространства часто использовались в последующий период и позже были заимствованы даже в Коринфе. С амфорами с изображением головы лошади связаны художники Керамик и Горгона. Коринфское влияние не только сохранялось, но и усиливалось. Фриз с животными считался общеобязательным и обычно использовался. Это было обусловлено экономическими, а также стилистическими причинами, поскольку Афины конкурировали с Коринфом за рынки. Аттические вазы продавались в Причерноморье, Ливии, Сирии, Нижней Италии и Испании, а также на территории самой Греции. Помимо подражания коринфским образцам, афинские вазы демонстрировали и местные новшества. Так, в начале VI в. до н.э. появился «тип Деяниры» лекифа, отличавшийся удлиненной овальной формой. Самым важным художником этого раннего периода был художник Горгона (600–580 гг. до н.э.). Он был очень плодовитым мастером, редко обращавшимся к мифологическим сюжетам или изображениям людей, а если и делал это, то всегда сопровождал их животными или фризами с животными. На некоторых его вазах изображались только животные, как и на многих коринфских вазах. Помимо художника Горгона, следует упомянуть художников группы Комастов (585–570 гг. до н.э.). Эта группа украшала типы ваз, которые были новыми для Афин, а именно леканы, котилы и котоны. Однако самым важным новшеством стало появление чаши комаста, которая вместе с «прекомастными чашами» класса Оксфордской пальметты знаменует начало развития аттических чаш. Важными художниками этой группы были старший художник KX и менее талантливый художник KY, который представил в Афинах кратер-колонну. Эти сосуды предназначались для использования на пирах и поэтому украшались соответствующими сценами комоса, такими как выступления комастов. Другими значительными художниками первого поколения были художник Пантеры, художник Анагируса, художник Дрезденского лекана и художник Полоса. Последним значительным представителем первого поколения художников был Софил (580–570 гг. до н.э.), первый аттический вазописец, имя которого известно. Всего он подписал четыре сохранившиеся вазы, три как художник и одну как гончар, что показывает, что в это время гончары также были художниками ваз в стиле черных фигур. Кажется, что фундаментальное разделение этих двух ремесел произошло только в процессе развития стиля красных фигур, хотя более ранняя специализация не исключена. Софил активно использует пояснения. Он, по-видимому, специализировался на больших вазах, поскольку особенно известны его диносы и амфоры. Гораздо чаще, чем его предшественники, Софил изображает мифологические сцены, такие как погребальные игры в честь Патрокла. С ним начинается упадок фриза с животными, а растительный и другой орнамент также имеет более низкое качество, поскольку он считается менее важным и поэтому получает мало внимания художника. Однако в других отношениях Софил демонстрирует амбициозность. На двух диносах изображена свадьба Пелея и Фетиды. Эти вазы были созданы примерно в то же время, что и ваза Франсуа, изображающая этот сюжет в совершенстве. Однако на одном из своих двух диносов Софил обходится без каких-либо украшений в виде фризов с животными и не объединяет различные мифы в сценах, распределенных по разным поверхностям вазы. Это первая большая греческая ваза, на которой один миф изображен в нескольких взаимосвязанных фрагментах. Особенностью диносов является применение художником непрозрачной белой краски для обозначения женских фигур непосредственно на глиняном основании, а не, как обычно, на черном лоске. Внутренние детали и контуры фигур прорисованы тускло-красным цветом. Эта техника встречается редко и известна только на вазах, выполненных в мастерской Софила, и на деревянных панелях, расписанных в коринфском стиле в VI веке до н.э. Софил также нарисовал один из редких киликов (разновидность чаши) и создал первую сохранившуюся серию вотивных табличек. Он сам или один из его последователей также украсил первую свадебную вазу (известную как лебес гамикос).
The black figure style became generally established in Athens around 600 BC. An early Athenian development was the horse head amphora, the name coming from the depiction of horse heads in an image window. Image windows were frequently used in the subsequent period and were later adopted even in Corinth. The Cerameicus Painter and the Gorgon Painter are associated with the horse head amphoras. The Corinthian influence was not only maintained, but even intensified. The animal frieze was recognized as generally obligatory and customarily used. This had economic as well as stylistic reasons, because Athens competed with Corinth for markets. Attic vases were sold in the Black Sea area, Libya, Syria, lower Italy and Spain, as well as within the Greek homeland. In addition to following Corinthian models, Athens vases also showed local innovations. Thus at the beginning of the 6th century BC a "Deianaira type" of lekythos arose, with an elongated, oval form. The most important painter of this early time was the Gorgon Painter (600–580 BC). He was a very productive artist who seldom made use of mythological themes or human figures, and when he did, always accompanied them with animals or animal friezes. Some of his other vases had only animal representations, as was the case with many Corinthian vases. Besides the Gorgon Painter the painters of the Komast Group (585–570 BC) should be mentioned. This group decorated types of vases which were new to Athens, namely lekanes, kotyles and kothons. The most important innovation was however the introduction of the komast cup, which along with the "prekomast cups" of the Oxford Palmette Class stands at the beginning of the development of Attic cups. Important painters in this group were the elder KX Painter and the somewhat less talented KY Painter, who introduced the column krater to Athens. These vessels were designed for use at banquets and were thus decorated with relevant komos scenes, such as komast performers komos scenes. Other significant painters of the first generation were the Panther Painter, the Anagyrus Painter, the Painter of the Dresden Lekanis and the Polos Painter. The last significant representative of the first generation of painters was Sophilos (580–570 BC), who is the first Attic vase painter known by name. In all, he signed four surviving vases, three as painter and one as potter, revealing that at this date potters were also painters of vases in the black figure style. A fundamental separation of both crafts seems to have occurred only in the course of the development of the red figure style, although prior specialization cannot be ruled out. Sophilos makes liberal use of annotations. He apparently specialized in large vases, since especially dinos and amphoras are known to be his work. Much more frequently than his predecessors, Sophilos shows mythological scenes like the funeral games for Patroclus. The decline of the animal frieze begins with him, and plant and other ornaments are also of lower quality since they are regarded as less important and thus receive scant attention from the painter. But in other respects Sophilos shows that he was an ambitious artist. On two dinos the marriage of Peleus and Thetis is depicted. These vases were produced at about the same time as the François vase, which depicts this subject to perfection. However, Sophilos does without any trimmings in the form of animal friezes on one of his two dinos, and he does not combine different myths in scenes distributed over various vase surfaces. It is the first large Greek vase showing a single myth in several interrelated segments. A special feature of the dinos is the painter's application of the opaque white paint designating women directly on the clay foundation, and not as usual on the black gloss. The figure's interior details and contours are painted in a dull red. This particular technique is rare, only found in vases painted in Sophilos' workshop and on wooden panels painted in the Corinthian style in the 6th century BC. Sophilos also painted one of the rare chalices (a variety of goblet) and created the first surviving series of votive tablets. He himself or one of his successors also decorated the first marriage vase (known as a lebes gamikos) to be found.
Предклассический архаический период
Начиная со второй трети VI века до н.э., аттические художники заинтересовались мифологическими сценами и другими изображениями фигур. Фризы с животными стали менее важными. Лишь немногие художники уделяли им внимание, и они, как правило, перемещались из центра композиции на менее заметные участки ваз. Этот новый стиль особенно ярко представлен вазой Франсуа, подписанной как гончаром Эрготимом, так и художником Клейтиасом (570–560 гг. до н.э.). Этот кратер считается самой известной греческой расписной вазой. Это первый известный волютный кратер, изготовленный из глины. Мифологические события изображены в нескольких фризах, а фризы с животными помещены на второстепенные места. На этой вазе впервые появляются ряд иконографических и технических деталей. Многие из них уникальны, например, изображение опущенного мачта парусного судна, другие же вошли в стандартный репертуар, например, изображение людей, сидящих с ногой, заведенной за другую, вместо традиционного параллельного расположения ног. Еще четыре вазы меньшего размера были подписаны Эрготимом и Клейтиасом, а также им приписываются дополнительные вазы и фрагменты. Они свидетельствуют о других новшествах Клейтиаса, таких как первое изображение рождения Афины или танцев на Крите. Неарх (565–555 гг. до н.э.) подписывался как гончар и художник. Он предпочитал крупные фигуры и первым стал изображать запряжку колесницы. Другим новшеством стало нанесение языковидного орнамента на белом фоне под венчиком вазы. Среди других талантливых художников – Художник Акрополя 606 и Художник Птуна, наиболее известной работой которого является гидрия Херста. Бургонская группа также имеет значение, поскольку является источником первой полностью сохранившейся панафинейской амфоры. Кубок Сианы развился из кубка комастов около 575 г. до н.э. Хотя группа комастов создавала формы, отличные от кубков, некоторые мастера специализировались на производстве кубков после появления первого важного образца кубков Сианы – художника С (575–555 гг. до н.э.). Кубки имеют более высокий венчик, чем раньше, и основание в форме трубы на относительно коротком пористом стебле. Впервые в аттической вазописи внутренняя часть кубка была украшена обрамленными изображениями (тондо). Существовали два типа декора: в стиле «двухъярусном» корпус кубка и венчик украшались отдельно, а в стиле «перекрытие» изображение распространялось как на корпус, так и на венчик. После второй четверти VI века до н.э. возрос интерес к украшению, особенно кубков, изображениями атлетов. Другим важным художником кубков Сианы был Гейдельбергский живописец. Он почти исключительно расписывал кубки Сианы. Его любимым сюжетом был герой Геракл. Гейдельбергский живописец – первый аттический художник, изобразивший Геракла с эриманфским вепрем, с Нереем, с Бусирисом и в саду Гесперид. Кассандровский живописец, украшавший кубки среднего размера с высокими основаниями и венчиками, знаменует собой завершение развития кубка Сианы. Он важен прежде всего как первый известный художник, принадлежавший к так называемым Малым мастерам, большой группе художников, создававших тот же ассортимент сосудов, известных как кубки Малых мастеров. Так называемые кубки Merrythought создавались одновременно с кубками Сианы. Их ручки имеют форму двухзубой вилки и заканчиваются чем-то, напоминающим пуговицу. Эти кубки не имеют четко очерченного венчика. У них также более глубокая чаша с более высокой и узкой ногой. Последним выдающимся художником доклассического архаического периода был Лид (560–540 гг. до н.э.), который подписал две из сохранившихся его работ надписью «Лид». Он или его предки, вероятно, происходили из Малой Азии, но он, несомненно, получил образование в Афинах. В настоящее время ему приписывают более 130 сохранившихся ваз. Одна из его картин на гидрии является первым известным аттическим изображением борьбы между Гераклом и Герионом. Лид первым изобразил Геракла со шкурой льва, которая впоследствии стала распространенным мотивом в аттическом искусстве. Он также изобразил битву между богами и гигантами на диносе, найденном на Афинском акрополе, и Геракла с Цикном. Лид украшал и другие типы сосудов, помимо гидрий и диносов, такие как тарелки, кубки (кубки Сианы с перекрытием), колонные кратеры и псиктеры, а также вотивные таблички. По-прежнему трудно однозначно идентифицировать изделия Лида, поскольку они часто лишь незначительно отличаются от работ его ближайшего окружения. Стиль довольно однороден, но качество изделий значительно варьируется. Рисунки не всегда выполнены тщательно. Вероятно, Лид был бригадиром в очень продуктивной мастерской в гончарном районе Афин. Он, по-видимому, был последним аттическим вазописцем, наносившим фризы с животными на большие вазы. В духе коринфской традиции его изображения фигур являются звеном в цепи вазописцев, тянущейся от Клейтиаса через Лида и художников Амасиса к Эксекию. Вместе с ними он участвовал в развитии этого искусства в Аттике и оказал длительное влияние. Особой формой аттических ваз этого периода была тирренская амфора (550–530 гг. до н.э.). Это были амфоры с яйцевидным горлом, украшенные орнаментом, нетипичным для обычного аттического дизайна того периода. Почти все из сохранившихся около 200 ваз были найдены в Этрурии. Корпус амфоры обычно разделен на несколько параллельных фризов. Верхний или фриз плеча обычно изображает популярную сцену из мифологии. Иногда встречаются менее распространенные сюжеты, например, уникальная сцена жертвоприношения Поликсены. Первые известные эротические изображения на аттических вазах также встречаются на этих вазах. Художники часто наносили на тирренские амфоры надписи, идентифицирующие изображенных персонажей. Другие два или три фриза украшались изображениями животных, иногда один из них заменялся растительным фризом. Горло обычно украшалось лотосным палимпсестом или гирляндами. Амфоры довольно красочны и напоминают коринфские изделия. В этом случае коринфская форма была явно намеренно скопирована для создания особого типа ваз для этрусского рынка, где этот стиль был популярен. Возможно, эта форма не производилась в Афинах, а где-то еще в Аттике или даже за ее пределами. Важными художниками были Кастеллани и Гольтир.
Starting around the second third of the 6th century BC, Attic artists became interested in mythological scenes and other representations of figures. Animal friezes became less important. Only a few painters took care with them, and they were generally moved from the center of attention to less important areas of vases. This new style is especially represented by the François vase, signed by both the potter Ergotimos and the painter Kleitias (570–560 BC). This krater is considered to be the most famous Greek painted vase. It is the first known volute krater made of clay. Mythological events are depicted in several friezes, with animal friezes being shown in secondary locations. Several iconographic and technical details appear on this vase for the first time. Many are unique, such as the representation of a lowered mast of a sailing ship; others became part of the standard repertoire, such as people sitting with one leg behind the other, instead of with the traditional parallel positioning of the legs. Four other, smaller vases were signed by Ergotimos and Kleitias, and additional vases and fragments are attributed to them. They provide evidence for other innovations by Kleitias, like the first depiction of the birth of Athena or of the Dance on Crete. Nearchos (565–555 BC) signed as potter and painter. He favored large figures and was the first to create images showing the harnessing of a chariot. Another innovation was to place a tongue design on a white background under the vase lip. Other talented painters were the Painter of Akropolis 606 and the Ptoon Painter, whose most well known piece is the Hearst Hydria. The Burgon Group is also significant, being the source of the first totally preserved Panathenaic amphora. The Siana cup evolved from the komast cup around 575 BC. While the Komast Group produced shapes other than cups, some craftsmen specialized in cup production after the time of the first important exemplifier of Siana cups, the C Painter (575 555 BC). The cups have a higher rim than previously and a trumpet shaped base on a relatively short hollow stem. For the first time in Attic vase painting the inside of the cup was decorated with framed images (tondo). There were two types of decoration. In the "double decker" style the cup body and the lip each have separate decorations. In the "overlap" style the image extends over both body and lip. After the second quarter of the 6th century BC there was more interest in decorating especially cups with pictures of athletes. Another important Siana cup painter was the Heidelberg Painter. He, too, painted almost exclusively Siana cups. His favorite subject was the hero Heracles. The Heidelberg Painter is the first Attic painter to show him with the Erymanthian boar, with Nereus, with Busiris and in the garden of the Hesperides. The Cassandra Painter, who decorated mid sized cups with high bases and lips, marks the end of the development of the Siana cup. He is primarily significant as the first known painter to belong to the so called Little Masters, a large group of painters who produced the same range of vessels, known as Little master cups. So called Merrythought cups were produced contemporaneously with Siana cups. Their handles are in the form of a two pronged fork and end in what looks like a button. These cups do not have a delineated rim. They also have a deeper bowl with a higher and narrower foot. The last outstanding painter of the Pre Classical Archaic Period was Lydos (560 540 BC), who signed two of his surviving pieces with ho Lydos (the Lydian). He or his immediate ancestors probably came from Asia Minor but he was undoubtedly trained in Athens. Over 130 surviving vases are now attributed to him. One of his pictures on a hydria is the first known Attic representation of the fight between Heracles and Geryon. Lydos was the first to show Heracles with the hide of a lion, which afterward became common in Attic art. He also depicted the battle between the gods and the giants on a dinos found on Athens’ acropolis, and Heracles with Cycnus. Lydos decorated other types of vessels besides hydriai and dinos, such as plates, cups (overlap Siena cups), column kraters and psykters, as well as votive tablets. It continues to be difficult to identify Lydos’ products as such since they frequently differ only slightly from those of his immediate milieu. The style is quite homogenous, but the pieces vary considerably in quality. The drawings are not always carefully produced. Lydos was probably a foreman in a very productive workshop in Athens’pottery district. He was presumably the last Attic vase painter to put animal friezes on large vases. Still in the Corinthian tradition, his figure drawings are a link in the chain of vase painters extending from Kleitias via Lydos and the Amasis Painters to Exekias. Along with them he participated in the evolution of this art in Attica and had a lasting influence. A special form of Attic vases of this period was the Tyrrhenian amphora (550 530 BC). These were egg shaped neck amphora with decorations atypical of the usual Attic design canon of the period. Almost all of the c. 200 surviving vases were found in Etruria. The body of the amphora is usually subdivided into several parallel friezes. The upper or shoulder frieze usually shows a popular scene from mythology. There are sometimes less common subjects, such as a unique scene of the sacrificing of Polyxena. The first known erotic images on Attic vases are also found at this vase location. The painters frequently put annotations on Tyrrhenian amphora which identify the persons shown. The other two or three friezes were decorated with animals; sometimes one of them was replaced with a plant frieze. The neck is customarily painted with a lotus palmette cross or festoons. The amphoras are quite colorful and recall Corinthian products. In this case a Corinthian form was obviously deliberately copied to produce a particular vase type for the Etruscan market, where the style was popular. It is possible that this form was not manufactured in Athens but somewhere else in Attica, or even outside Attica. Important painters were the Castellani Painter and the Goltyr Painter.
Годы мастерства
Период между 560 и началом краснофигурной керамической живописи около 530/520 до н.э. считается абсолютным пиком черной фигурной вазописи. В этот период лучшие и наиболее известные художники использовали все возможности, предоставляемые этим стилем. Первым значительным художником этого времени был художник Амасис (560–525 до н.э.), названный в честь знаменитого гончара Амасиса, с которым он преимущественно работал. Многие исследователи считают их одним и тем же лицом. Он начал свою живописную карьеру примерно одновременно с Лидосом, но был активен почти вдвое дольше. В то время как Лидос демонстрировал способности умелого ремесленника, художник Амасис был талантливым художником. Его образы остроумны, очаровательны и изысканны, а его личное художественное развитие близко к отражению общей эволюции черной фигуры в аттической вазописи того времени. Его ранние работы свидетельствуют о его близости к художникам чаш Сианы. Прогресс легче всего заметить в том, как он изображает складки одежды. Его ранние женские фигуры носят одежду без складок. Позже он рисует плоские, угловатые складки, и в конечном итоге ему удается передать впечатление мягких, струящихся тканей. Изображение одежды было одной из его главных характеристик; он любил изображать одежду с узорами и бахромой. Группы фигур, изображаемые художником Амасисом, были тщательно прорисованы и симметрично скомпонованы. Первоначально они были довольно статичными, а более поздние фигуры передают ощущение движения. Хотя художник Амасис часто изображал мифологические события — он известен своими сатирами с мордами свиней, например, — он более известен своими сценами из повседневной жизни. Он был первым художником, который изобразил их в значительной степени. Его работа оказала решающее влияние на работы художников краснофигурной вазописи. Возможно, он предвосхитил некоторые из их новшеств или подвергся их влиянию к концу своей живописной карьеры: на многих его вазах женщины изображены только контуром, без черного заполнения, и их больше нельзя идентифицировать как женщин с помощью непрозрачной белой краски для кожи. Группа E (550–525 до н.э.) была крупным, самодостаточным объединением ремесленников и считается наиболее важной анонимной группой, производящей черную фигуру аттической керамики. Она решительно порвала со стилистической традицией Лидоса как в отношении изображения, так и формы сосуда. Амфоры яйцевидной формы были полностью отброшены, а колончатые кратеры почти полностью заброшены. Вместо этого эта группа представила амфоры с брюшком типа А, которые затем стали индексной формой. Амфоры с горлом обычно производились только в индивидуальных вариантах. Группа не проявляла интереса к небольшим форматам. Многие сцены, особенно те, что взяты из мифов, воспроизводились снова и снова. Так, на нескольких амфорах этой группы изображены Геракл с Герионом или Немейским львом, а также Тесей и Минотавр, а также рождение Афины. Особая значимость группы, однако, заключается в ее влиянии на Экзекия. Большинство аттических художников того периода копировали стили группы E и Экзекия. Работы Лидоса и художника Амасиса, напротив, не имитировались так часто. Бизли описывает важность группы для Экзекия следующим образом: «Группа E — это плодородная почва, из которой прорастает искусство Экзекия, традиция, которую он принимает и превосходит на своем пути от отличного ремесленника к настоящему художнику». Экзекий (545–520 до н.э.) обычно считается абсолютным мастером стиля черных фигур, который достигает своего апогея с ним. Его значимость обусловлена не только его мастерской вазописью, но и высоким качеством и новаторской керамикой. Он подписал 12 из сохранившихся сосудов как гончар, два — как художник и гончар. Экзекий, вероятно, сыграл большую роль в разработке чаш малого мастера и амфоры типа А, упомянутой выше, и, возможно, изобрел каликсовый кратер, по крайней мере, старейший сохранившийся образец из его мастерской. В отличие от многих других сопоставимых ремесленников, как художник он придавал большое значение тщательной проработке орнаментов. Детали его изображений — лошадиные гривы, оружие, одежда — также исключительно хорошо выполнены. Его сцены обычно монументальны, а фигуры излучают достоинство, ранее не известное в живописи. Во многих случаях он нарушал аттические условности. Для своего самого известного сосуда, чаши Диониса, он первым использовал внутреннее покрытие кораллово-красного цвета вместо обычного красного. Это новшество, а также размещение двух пар глаз на внешней стороне, связывает Экзекия с классическими чашами с глазами. Вероятно, еще более новаторским было его использование всей внутренней поверхности чаши для изображения Диониса, возлежащего на корабле, из которого растут виноградные лозы. В то время было принято украшать внутреннюю поверхность лишь изображением горгоны. Чаша, вероятно, является одним из экспериментов, предпринятых в гончарном районе, чтобы открыть новые горизонты перед появлением краснофигурного стиля. Он первым изобразил корабль, плывущий по краю диноса. Он редко придерживался традиционных схем изображения обычных мифологических сюжетов. Значимо также его изображение самоубийства Аякса. Экзекий не показывает само действие, что было традицией, а скорее приготовления Аякса. Не менее известна, чем чаша Диониса, амфора с его изображением Аякса и Ахилла, играющих в настольную игру. Изображение не только детализировано, но Экзекий передает и исход игры. Почти как в речевом пузыре, оба игрока объявляют числа, выпавшие на их костях — Аякс три, а Ахилл четыре. Это старейшее известное изображение этой сцены, об которой нет упоминания в классической литературе. Не менее 180 других сохранившихся ваз, датируемых версией Экзекия до примерно 480 г. до н.э., изображают эту сцену. Джон Бордман подчеркивает исключительный статус Экзекия, который выделяет его из традиционных вазописцев: «Люди, изображенные более ранними художниками, в лучшем случае — изящные куклы. Амасис (художник Амасис) смог представить людей как людей. Но Экзекий мог представить их как богов и тем самым дать нам предвкушение классического искусства». Признавая, что вазописцы в Древней Греции считались ремесленниками, а не художниками, Экзекий тем не менее считается современными искусствоведами талантливым художником, чьи работы можно сравнить с «значительными» картинами (фресками и панельными картинами) того периода. Его современники, по-видимому, также это признавали. Берлинская коллекция классических древностей в Альтом музее содержит остатки серии его вотивных табличек. Полная серия, вероятно, состояла из 16 отдельных панелей. Размещение такого заказа у гончара и вазописца, вероятно, уникально в древности и является свидетельством высокой репутации этого художника. На табличках изображены скорбь по умершей афинской женщине, а также ее выставляние на всеобщее обозрение и транспортировка на кладбище. Экзекий передает как горе, так и достоинство фигур. Одной из особенностей, например, является то, что вожак похоронной процессии поворачивает лицо, чтобы смотреть прямо на зрителя, так сказать. Уникально также изображение лошадей; у них индивидуальный темперамент, и они не сведены к своей функции благородных животных, как это обычно бывает на вазах. В зрелый классический период произошла дальнейшая специализация среди производителей сосудов и чаш. Большие объемы комастов и чаш Сианы развились через чаши Гордиона в изящные варианты, называемые чашами малого мастера из-за их деликатной живописи. Гончары и художники этой формы соответственно называются малыми мастерами. Они в основном рисовали полосатые чаши и чаши с губой. Чаши с губой получили свое название из-за относительно выраженного и очерченного края. Внешняя сторона чаши сохраняла большую часть глиняного фона и обычно содержала лишь несколько небольших изображений, иногда только надписи, или в некоторых случаях вся чаша была минимально украшена. Также в области г...
The period between 560 and the inception of red figure pottery painting around 530/520 BC is considered to be the absolute pinnacle of black figure vase painting. In this period the best and most well known artists exploited all the possibilities offered by this style. The first important painter of this time was the Amasis Painter (560–525 BC), named after the famous potter Amasis, with whom he primarily worked. Many researchers regard them as the same person. He began his painting career at about the same time as Lydos but was active over a period almost twice as long. Whereas Lydos showed more the abilities of a skilled craftsman, the Amasis Painter was an accomplished artist. His images are clever, charming and sophisticated and his personal artistic development comes close to a reflection of the overall evolution of black figure Attic vase painting at that time. His early work shows his affinity to the painters of Siana cups. Advances can be most easily recognized in how he draws the folds of clothing. His early female figures wear clothes without folds. Later he paints flat, angular folds, and in the end he is able to convey the impression of supple, flowing garments. Drawings of garments were one of his chief characteristics; he liked to depicted patterned and fringed clothing. The groups of figures which the Amasis Painter shows were carefully drawn and symmetrically composed. Initially they were quite static, later figures convey an impression of motion. Although the Amasis Painter often depicted mythological events—he is known for his pig faced satyrs, for example—he is better known for his scenes of daily life. He was the first painter to portray them to a significant extent. His work decisively influenced the work of red figure painters later. He possibly anticipated some of their innovations or was influenced by them toward the end of his painting career: on many of his vases women are only shown in outline, without a black filling, and they are no longer identifiable as women by the application of opaque white as skin color. Group E (550–525 v. Chr.) was a large, self contained collection of artisans, and is considered to be the most important anonymous group producing black figure Attic pottery. It rigorously broke with the stylistic tradition of Lydos both as to image and vessel. Egg shaped neck amphoras were completely given up, column kraters almost entirely abandoned. Instead, this group introduced Type A belly amphoras, which then became an index form. Neck amphoras were usually produced only in customized versions. The group had no interest in small formats. Many scenes, especially those originating in myths, were reproduced again and again. Thus several amphoras of this group show Heracles with Geryon or the Nemean Lion, and increasingly Theseus and the Minotaur, as well as the birth of Athena. The particular significance of the group is, however, in the influence it exerted on Exekias. Most Attic artists of the period copied the styles of Group E and Exekias. The work of Lydos and the Amasis Painter was, by contrast, not imitated as frequently. Beazley describes the importance of the group for Exekias as follows: "Group E is the fertile ground from which the art of Exekias sprouts, the tradition which he takes up and surpasses on his way from an excellent craftsman to a true artist". Exekias (545 520 BC) is generally considered to be the absolute master of the black figure style, which reaches its apex with him. His significance is not only due to his masterful vase painting, but also to his high quality and innovative pottery. He signed 12 of his surviving vessels as potter, two as both painter and potter. Exekias probably had a large role in the development of Little master cups and the Type A belly amphora mentioned above, and he possibly invented the calyx krater, at least the oldest existing piece is from his workshop. In contrast to many other comparable craftsmen, as a painter he attached great importance to the careful elaboration of ornaments. The details of his images—horses’ manes, weapons, clothing—are also outstandingly well executed. His scenes are usually monumental and the figures emanate a dignity previously unknown in painting. In many cases he broke with Attic conventions. For his most famous vessel, the Dionysus cup, he was the first to use a coral red interior coating instead of the customary red color. This innovation, as well as his placing of two pairs of eyes on the exterior, connects Exekias with the classic eye cups. Probably even more innovative was his use of the entire inside of the cup for his picture of Dionysus, reclining on a ship from which grapevines sprout. At this time it was in fact customary to decorate the inside surface merely with a gorgon face. The cup is probably one of the experiments undertaken in the pottery district to break new ground before the red figure style was introduced. He was the first to paint a ship sailing along the rim of a dinos. He only seldom adhered to traditional patterns of depicting customary mythological subjects. His depiction of the suicide of Ajax is also significant. Exekias does not show the act itself, which was in the tradition, but rather Ajax’ preparations. About as famous as the Dionysus cup is an amphora with his visualization of Ajax and Achilles engaged in a board game. Not only is the portrayal detailed, Exekias even conveys the outcome of the game. Almost in the style of a speech balloon he has both players announce the numbers they cast with their dice—Ajax a three and Achilles a four. This is the oldest known depiction of this scene, of which there is no mention in classical literature. No fewer than 180 other surviving vases, dating from the Exekias version up to about 480 BC, show this scene. John Boardman emphasizes the exceptional status of Exekias which singles him out from traditional vase painters: "The people depicted by earlier artist are elegant dolls at best. Amasis (the Amasis Painter) was able to visualize people as people. But Exekias could envision them as gods and thereby give us a foretaste of classical art". Acknowledging that vase painters in ancient Greece were regarded as craftsmen rather than artists, Exekias is nevertheless considered by today's art historians to be an accomplished artist whose work can be compared with "major" paintings (murals and panel paintings) of that period. His contemporaries apparently recognized this as well. The Berlin Collection of Classical Antiquities in the Altes Museum contains the remnants of a series of his votive tablets. The complete series probably had 16 individual panels. Placing such an order with a potter and vase painter is likely to be unique in antiquity and is evidence of the high reputation of this artist. The tablets show grieving for a dead Athenian woman as well as her lying in state and being transported to a gravesite. Exekias conveys both the grief and the dignity of the figures. One special feature, for example, is that the leader of the funeral procession turns his face to look at the viewer directly, so to speak. The depiction of the horses is also unique; they have individual temperaments and are not reduced to their function as noble animals, as is otherwise customary on vases. There was further specialization among producers of vessels and cups during the mature Classical Period. The large volume komast and Siana cups evolved via Gordion cups into graceful variants called Little master cups because of their delicate painting. The potters and painters of this form are accordingly called Little Masters. They chiefly painted band cups and lip cups. The lip cups got their name from their relatively pronounced and delineated lip. The outside of the cup retained much of the clay background and typically bore only a few small images, sometimes only inscriptions, or in some cases the entire cup was only minimally decorated. Also in the area of the handles there are seldom more than palmettes or inscriptions near the attachment points. These inscriptions can be the potter's signature, a drinker's toast, or simply a meaningless sequence of letters. But lip cup interiors are often also decorated with images. Band cups have a softer transition between the body and the rim. The decoration is in the form of a band circling the cup exterior and can frequently be a very elaborate frieze. In the case of this form the rim is coated with a glossy black slip. The interior retains the color of the clay, except for a black dot painted in the center. Variations include Droop cups and Kassel cups. Droop cups have black, concave lips and a high foot. As with classic band cups the rim is left black, but the area below it is decorated with ornaments like leaves, buds, palmettes, dots, nimbuses or animals on the cup exterior. Kassel cups are a small form, squatter than other Little Masters cups, and the entire exterior is decorated. As in the case of Droop cups, primarily ornaments are painted. Famous Little Masters are the potters Phrynos, Sokles, Tleson and Ergoteles, the latter two being sons of the potter Nearchos. Hermogenes invented a Little Master variety of skyphos now known as a Hermogenes skyphos. The Phrynos Painter, Taleides Painter, Xenokles Painter and the Group of Rhodes 12264 should also be mentioned here.
Последняя четверть VI века до н.э.
До конца века качество производства ваз с черными фигурами в основном могло быть сохранено. Но после развития стиля красных фигур около 530 г. до н.э., предположительно, художником Андокидом, все больше и больше художников переходили к стилю красных фигур, который предоставлял гораздо больше возможностей для добавления деталей внутри контуров фигур. Новый стиль также позволил проводить многообещающие эксперименты с укорочиванием перспективы, ракурсными изображениями и новыми композиционными решениями. Содержание сцен, как всегда, отражало тенденции вкуса и дух времени, но стиль красных фигур создал лучшие предпосылки для изображения более сложных сцен, используя новые возможности композиции. Однако в то же время несколько новаторских мастеров могли давать новый импульс производству ваз с черными фигурами. Самым изобретательным гончаром того времени, а также талантливым предпринимателем был Никосфен. Более 120 ваз несут его подпись, указывающую на то, что они были изготовлены им самим или в его мастерской. Он, по-видимому, особенно специализировался на изготовлении ваз для экспорта в Этрурию. В его мастерской производились обычные амфоры с узким горлом, вазы «Малые мастера», вазы типа «Дроп» и килики, а также тип амфоры, напоминающий этрусский букеро, названный никосфенской амфорой в честь его создателя. Эти изделия особенно часто находили в Каэре, другие типы ваз – обычно в Черветери и Вульчи. Многочисленные изобретения в его мастерской не ограничивались формами. В мастерской Никосфена была разработана техника, известная как техника «Шести», в которой фигуры расписывались красновато-коричневым или белым цветом поверх черного лощеного слоя. Неясно, сам ли Никосфен расписывал вазы, в этом случае обычно предполагается, что он тождественен живописцу N. Художник БМН и краснофигурный живописец Никосфен также названы в его честь. В своей мастерской он нанимал многих известных вазописцев, в том числе пожилого Лидоса, Ольтоса и Эпиктета. Традиции мастерской продолжил преемник Никосфена, Памфай. Два художника-вазописца черных фигур считаются маньеристами (540–520 гг. до н.э.). Живописец «Локти наружу» украшал преимущественно килики типа «Малые мастера». Выраженные локти его фигур примечательны, эта характеристика и обусловила его прагматичное имя. Он редко изображал мифологические сцены; эротические сцены гораздо более распространены. Он также украсил редкую форму вазы, известную как лидион. Самым важным из двух художников был «Аффектор», чье имя происходит от преувеличенно искусственного впечатления, производимого его фигурами. Эти фигуры с маленькими головами, кажется, не столько действуют, сколько позируют. В его ранних работах изображены сцены повседневной жизни; позже он обратился к декоративным сценам, в которых фигуры и атрибуты узнаваемы, но действия едва различимы. Если его фигуры одеты, они выглядят так, будто набиты ватой; если они обнажены, они очень угловаты. Аффектор был и гончаром, и живописцем; сохранилось более 130 его ваз. Антименский живописец (530–500 гг. до н.э.) любил украшать гидрии фризами с животными в предделии, а также амфоры с узким горлом. Две гидрии, приписываемые ему, украшены в области горла с использованием техники белого фона. Он первым стал изображать амфоры с маскообразным лицом Диониса. Самая известная из более чем 200 сохранившихся ваз изображает сбор оливок на оборотной стороне. Его рисунки редко бывают очень точными, но и не слишком небрежны. Стилистически живописец Псиакс тесно связан с Антименским живописцем, хотя первый также использовал технику красных фигур. Как учитель живописцев Евфрония и Финтиаса, Псиакс оказал большое влияние на раннее развитие стиля красных фигур. Он часто изображает сцены с лошадьми и колесницами и лучников. Последней важной группой живописцев была группа Леагра (520–500 гг. до н.э.), названная в честь надписи «калос» Леагр, которую они часто использовали. Амфоры и гидрии, последние часто с пальметтами в предделии, – наиболее часто украшаемые сосуды. Поле изображения обычно заполнено полностью, но качество изображений все еще остается очень высоким. Многие из более чем 200 ваз в этой группе были украшены сценами Троянской войны и жизнью Геракла. К группе Леагра принадлежат такие живописцы, как остроумный Ахелой, консервативный живописец из Кьюзи и живописец «Рассвет» с его точной детализацией. Другими известными вазописцами того времени являются живописец Ватиканского плачущего, Принстонский живописец, живописец Мюнхена 1410 и живописец «Качели» (540–520 гг. до н.э.), которым приписывается множество ваз. Он не считается очень хорошим художником, но его фигуры невольно кажутся забавными из-за больших голов, странных носов и часто сжатых кулаков. Работы живописца Райкрофта напоминают краснофигурную вазопись и новые формы выражения. Он любил изображать дионисийские сцены, лошадей и колесницы, а также приключения Геракла. Он часто использует контурный рисунок. Примерно 50 обычно больших сосудов, приписываемых ему, элегантно расписаны. Класс C.M. 218 в основном украшал варианты никосфенской амфоры. Класс «Гипобибазон» работал с новым типом амфоры с округлым животом, ручками и ножками, украшение которой характеризуется меандровым орнаментом над изобразительными полями. Меньший вариант амфоры с узким горлом украшала группа «Три линии». Группа «Перизома» около 520 г. до н.э. переняла новую форму стамноса. К концу века высококачественное производство продолжали поддерживать живописцы Евфилет, Мадридский живописец и изобретательный Приамский живописец. Особенно живописцы киликов, такие как Ольтос, Эпиктет, Фейдипп и Скиф, расписывали вазы как в красных, так и в черных фигурах (двухцветная керамика), преимущественно килики типа «глаз». Внутренняя часть обычно была выполнена в черных фигурах, внешняя – в красных. Есть несколько случаев, когда передняя и задняя стороны амфор украшены в двух разных стилях. Самые известные – работы Андокидского живописца, черные фигуры на которых приписываются живописцу Лисиппида. Ученые расходятся во мнениях относительно того, один и тот же ли это человек. Лишь немногие живописцы, например, живописец Никоксен и живописец Афины, производили большое количество ваз, используя обе техники. Хотя двухцветная керамика была довольно популярна в течение короткого времени, этот стиль вышел из моды уже к концу века.
Until the end of the century the quality of black figure vase production could basically be maintained. But after the development of the red figure style around 530 BC, presumably by the Andokides Painter, more and more painters went over to the red figure style, which provided many more possibilities for adding details within the figure contours. The new style also permitted many more promising experiments with foreshortening, perspective views and new designs for arrangements. Scene contents, as always, reflected trends in taste and the spirit of the times, but the red figure style created better preconditions for presenting more elaborate scenes by exploiting the new arrangement possibilities. But in the meantime, a few innovative craftsmen could still give new impulses to the production of black figure vases. The most imaginative potter of the time, also a talented businessman, was Nikosthenes. Over 120 vases bear his signature, indicating that they were made by him or in his workshop. He seems to have particularly specialized in producing vases for export to Etruria. In his workshop the usual neck amphoras, Little Masters, Droop and eye cups were produced, but also a type of amphora reminiscent of Etruscan bucchero pottery, named the Nikosthenic amphora after its creator. These pieces were found particularly in Caere, the other vase types usually in Cerveteri and Vulci. The many inventions in his workshop were not limited to forms. In Nikosthenes’ workshop what is known as the Six's technique was developed, in which figures were painted in reddish brown or white atop a black glossy slip. It is not clear whether Nikosthenes also painted vases, in which case he is usually presumed to be identical with Painter N. The BMN Painter and the red figure Nikosthenes Painter are also named after Nikosthenes. In his workshop he employed many famous vase painters, including the elderly Lydos, Oltos and Epiktetos. The workshop tradition was continued by Nikosthenes’ successor, Pamphaios. Two black figure vase painters are considered to be mannerists (540 520 BC). The painter Elbows Out decorated primarily Little Masters cups. The extended elbows of his figures are conspicuous, a characteristic responsible for his pragmatic name. He only seldom depicted mythological scenes; erotic scenes are much more common. He also decorated a rare vase form known as a lydion. The most important of the two painters was The Affecter, whose name comes from the exaggeratedly artificial impression made by his figures. These small headed figures do not seem to be acting as much as posing. His early work shows scenes of daily life; later he turned to decorative scenes in which figures and attributes are recognizable, but hardly actions. If his figures are clothed they look as if they were padded; if they are naked they are very angular. The Affecter was both potter and painter; over 130 of his vases have survived. The Antimenes Painter (530–500 BC) liked to decorate hydria with animal friezes in the predella, and otherwise especially neck amphoras. Two hydria attributed to him are decorated on the neck region using a white ground technique. He was the first to paint amphoras with a masklike face of Dionysus. The most famous of his over 200 surviving vases shows an olive harvest on the back side. His drawings are seldom really precise, but neither are they excessively careless. Stylistically, the painter Psiax is closely related to the Antimenes Painter, although the former also used the red figure technique. As the teacher of the painters Euphronius and Phintias, Psiax had a great influence on the early development of the red figure style. He frequently shows horse and chariot scenes and archers. The last important group of painters was the Leagros Group (520 500 BC), named after the kalos inscription they frequently used, Leagros. Amphoras and hydria, the latter often with palmettes in the predella, are the most frequently painted vessels. The image field is usually filled absolutely to capacity, but the quality of the images is still kept very high. Many of the over 200 vases in this group were decorated with scenes of the Trojan War and the life of Heracles Painters like the witty Acheloos Painter, the conventional Chiusi Painter, and the Daybreak Painter with his faithful detailing belong to the Leagros Group. Other well known vase painters of the time are the Painter of the Vatican Mourner, The Princeton Painter, the Painter of Munich 1410 and the Swing Painter (540 520 BC), to whom many vases are attributed. He is not considered to be a very good artist, but his figures are unintentionally humorous because of the figures with their large heads, strange noses and frequently clenched fists. The work of the Rycroft Painter bears a resemblance to red figure vase painting and the new forms of expression. He liked to depict Dionysian scenes, horses and chariots, and the adventures of Heracles. He often uses outline drawings. The approximately 50 usually large size vessels attributed to him are elegantly painted. The Class of C. M. 218 primarily decorated variations of the Nikosthenic amphoras. The Hypobibazon Class worked with a new type of belly amphora with rounded handles and feet, whose decoration is characterized by a key meander above the image fields. A smaller variant of neck amphora was decorated by the Three Line Group. The Perizoma Group adopted around 520 BC the newly introduced form of the stamnos. Toward the end of the century, high quality productions were still being produced by the Euphiletos Painter, the Madrid Painter and the imaginative Priam Painter. Particularly cup painters like Oltos, Epiktetos, Pheidippos and Skythes painted vases in both red and black figure styles (Bilingual Pottery), primarily eye cups. The interior was usually in the black figure style, the exterior in the red figure style. There are several cases of amphoras whose front and back sides are decorated in the two different styles. The most famous are works by the Andokides Painter, whose black figure scenes are attributed to the Lysippides Painter. Scholars are divided on the issue of whether these painters are the same person. Only a few painters, for example the Nikoxenos Painter and the Athena Painter, produced large quantities of vases using both techniques. Although bilingual pottery was quite popular for a short time, the style went out of fashion already toward the end of the century.
Поздний период
В начале V века до н.э. и не позднее 480 года до н.э. все известные художники использовали стиль краснофигурной росписи. Однако вазы в чернофигурной технике продолжали изготавливаться еще около 50 лет, при этом их качество постепенно снижалось. Последними художниками, создававшими изображения приемлемого качества на больших вазах, были художник Евхарид и художник Клеофрад. Только мастерские, производившие более мелкие формы, такие как ольпы, энохои, скифосы, амфоры с узким горлом и особенно лекифы, все чаще использовали старый стиль. Художник Фаниллис использовал технику "Шесть" и другие методы, а Эдинбургский художник и Гела-живописец украсили первые цилиндрические лекифы. Первый преимущественно создавал непринужденные, ясные и простые сцены в чернофигурной технике на белом фоне. Белый грунт ваз был достаточно толстым и больше не наносился непосредственно на глиняную основу – эта техника стала стандартной для всех ваз с белым грунтом. Художник Сапфо специализировался на погребальных лекифах. Мастерская художника Хаймона была особенно продуктивной; сохранилось более 600 их ваз. Художник Афины (который, возможно, тождествен художнику Боудойна в краснофигурной технике) и художник Персея продолжали украшать большие стандартные лекифы. Сцены, созданные художником Афины, до сих пор сохраняют достоинство, свойственное работам группы Леагра. Марафонский художник известен прежде всего погребальными лекифами, найденными в кургане афинян, погибших в битве при Марафоне в 490 году до н.э. Последним значительным художником лекифов был художник Бельдам, работавший примерно с 470 по 450 год до н.э. За исключением панафинейских призовых амфор, в это время в Аттике производство ваз в чернофигурной технике прекратилось.
At the beginning of the 5th century BC until 480 BC at the latest, all painters of repute were using the red figure style. But black figure vases continued to be produced for some 50 additional years, with their quality progressively decreasing. The last painters producing acceptable quality images on large vases were the Eucharides Painter and the Kleophrades Painter. Only workshops which produced smaller shapes like olpes, oenochoes, skyphos, small neck amphoras and particular lekythos increasingly used the old style. The Phanyllis Painter used the Six technique, among other methods, and both the Edinburgh Painter and the Gela Painter decorated the first cylindrical lekythos. The former primarily produced casual, clear and simple scenes using a black figure style on a white ground. The white ground of the vases was quite thick and no longer painted directly on the clay foundation, a technique which became the standard for all white ground vases. The Sappho Painter specialized in funerary lekythos. The workshop of the Haimon Painter was especially productive; over 600 of their vases have survived. The Athena Painter (who is perhaps identical with the red figure Bowdoin Painter) and the Perseus Painter continued to decorate large, standard lekythos. The scenes of the Athena Painter still radiate some of the dignity inherent in the work of the Leagros Group. The Marathon Painter is primarily known for the funerary lekythos found in the tumulus for the Athenians who died in the Battle of Marathon in 490 BC. The last significant lekythos painter, the Beldam Painter, worked from around 470 BC until 450 BC. Except for the Panathenaic prize amphoras, the black figure style came to a close in Attica at this time.
Амфоры с наградами Панафенея
Среди черных фигур аттических ваз особую роль играют панафинейские призные амфоры. После 566 г. до н.э. – когда панафинейские празднества были введены или реорганизованы – они служили призом для победителей спортивных соревнований и наполнялись оливковым маслом, одним из основных экспортных товаров города. На лицевой стороне обычно изображали богиню Афину, стоящую между двумя колоннами, на которых восседали петухи; на оборотной – сцену спортивного состязания. Форма оставалась неизменной, лишь незначительно модифицируясь на протяжении длительного периода производства. Амфора, как следует из названия, изначально имела особенно выпуклый, луковичный корпус, короткое горло и длинное узкое основание. Около 530 г. до н.э. горло стало короче, а тело – несколько уже. Около 400 г. до н.э. плечи вазы значительно сузились, а изгиб корпуса выглядел более сжатым. После 366 г. до н.э. вазы вновь стали более изящными и еще более узкими. Эти вазы в основном производились в ведущих мастерских района Керамейк. По всей видимости, получение заказа на их изготовление считалось честью или особенно выгодным делом. Это объясняет большое количество наградных амфор, созданных выдающимися вазописцами. Помимо мастеров черной фигуры, таких как художник Евфилета, Эксекий, Гипереид и группа Леагра, многие мастера красной фигуры известны как создатели призных амфор. Среди них – художник Евхарида, художник Клеофрада, Берлинский художник, художник Ахиллея и Софил, единственный, подписавший одну из сохранившихся ваз. Первая известная ваза была создана группой Бургона и называется вазой Бургона. Поскольку имя правящего должностного лица (Архонта) иногда встречается на вазе после IV века до н.э., некоторые из них можно датировать с высокой точностью. Поскольку Панафеи были религиозными праздниками, стиль и тип декора не менялись ни в период красной фигуры, ни после того, как вазы с росписью перестали активно торговаться в Афинах. Призные амфоры производились вплоть до II века до н.э., и до наших дней сохранилось около 1000 экземпляров. Поскольку для некоторых дат известно количество амфор, присуждаемых победителю, можно предположить, что сохранилось около одного процента от общего числа афинских ваз. Другие оценки приводят к выводу, что в Афинах было изготовлено около семи миллионов ваз с росписью. Помимо призных амфор, также изготавливались имитационные формы, известные как псевдопанафинейские призные амфоры.
Among black figure Attic vases, the Panathenaic prize amphoras play a special role. After 566 BC—when the Panathenaic celebrations were introduced or reorganized—they were the prize for the winners of sport competitions and were filled with olive oil, one of the city's main export goods. On the front they routinely bore the image of the goddess Athena standing between two pillars on which roosters perched; on the back there was a sports scene. The shape was always the same and was only modified slightly over the long period of its production. The belly amphora was, as its name suggests, originally especially bulbous, with a short neck and a long, narrow foot. Around 530 BC the necks become shorter and the body somewhat narrower. Around 400 BC the vase shoulders were considerably reduced in width and the curve of the vase body looked constricted. After 366 BC the vases were again more elegant and become even narrower. These vases were primarily produced in the leading workshops of the Kerameikos district. It seems to have been an honor or particularly lucrative to be awarded a commission for producing the vases. This also explains the existence of many prize amphoras by excellent vase painters. In addition to superior black figure painters like the Euphiletos Painter, Exekias, Hypereides and the Leagros Group, many red figure master craftsmen are known as creators of prize amphoras. These include the Eucharides Painter, the Kleophrades Painter, the Berlin Painter, the Achilleus Painter and Sophilos, who was the only one to have signed one of the surviving vases. The first known vase was produced by the Burgon Group and is known as the Burgon vase. Since the name of the ruling official (Archon) occasionally appears on the vase after the 4th century BC, some of the vases can be precisely dated. Since the Panathenaia were religious festivals, the style and the type of decoration changed neither during the red figure period nor after figured vases were no longer really traded in Athens. The prize amphoras were produced into the 2nd century BC, and about 1,000 of them have survived. Since for some dates the number of amphorae awarded to a winner is known, it is possible to deduce that about one percent of the total production of Athenian vases has survived. Other projections lead to the conclusion that in all about seven million vases with painted figures were produced in Athens. In addition to the prize amphoras, imitative forms known as Pseudo Panathenaic prize amphoras were also manufactured.
Лакония
Начиная с VII века до н.э. в Спарте производилась расписная керамика для местного потребления, а также на экспорт. Первые изделия высокого качества были изготовлены около 580 года до н.э. Расцвет чернофигурной керамики пришелся на период между 575 и 525 годами до н.э. Помимо Спарты, основными местами находок являются острова Родос и Самос, а также Таранто, этрусские некрополи и Кирена, которую первоначально считали изначальным источником керамики. Качество сосудов очень высокое. Глину тщательно разбавляли и покрывали кремовой глазурью. Расписывали амфоры, гидрии, колончатые кратеры (в античности называемые кратерами лаконическими), волютные кратеры, халкидские кратеры, лебесы, арибаллои и спартанскую чашу для питья – лакайну. Однако наиболее распространенной формой является чаша. В Лаконии глубокие чаши обычно ставили на высокую ножку, чаши на низких ножках встречаются редко. Внешнюю поверхность обычно украшали орнаментом, чаще всего гирляндами гранатов, а внутренняя сцена была достаточно крупной и содержала фигуры. В Лаконии, раньше, чем в остальной Греции, тондо стало основным фоном для росписи чаш. Основное изображение также рано стало разделяться на два сегмента: главную сцену и более мелкую, расположенную ниже. Часто сосуды покрывали лишь глянцевой глазурью или украшали небольшим количеством орнаментов. Надписи встречаются редко, но могут содержать имена. Подписи гончаров и художников неизвестны. Вероятно, лаконские мастера были периоками, занимавшимися росписью керамики. Характерные черты керамики часто соответствуют стилю известных художников. Также возможно, что это были гончары-мигранты из восточной Греции, что объясняет сильное восточногреческое влияние, особенно на художника Бореадов. В настоящее время можно выделить по крайней мере восемь вазописцев. Пять художников – Аркесилас (565–555 гг. до н.э.), Бореады (575–565 гг. до н.э.), Охотник, Наукрат (575–550 гг. до н.э.) и Всадник (550–530 гг. до н.э.) – считаются наиболее значимыми представителями стиля, в то время как другие художники рассматриваются как мастера меньшего таланта. Изображения обычно угловатые и скованные, часто встречаются фризы с животными, сцены из повседневной жизни, особенно симпосии, и многочисленные мифологические сюжеты. Среди последних особенно часто изображаются Посейдон и Зевс, а также Геракл и его двенадцать подвигов, а также фиванский и троянский циклы легенд. Особенно на ранних вазах в тондо чаши помещали гримасу горгоны. Уникальны изображения нимфы Кирены и тондо с всадником, из головы которого растет вьющаяся лоза (название вазы художника Всадника). Важна также чаша с изображением Аркесила II. Чаша Аркесила дала имя художнику Аркесиласу. Это одно из немногих изображений на греческой керамике современных событий или людей. Сюжеты указывают на аттическое влияние. Основным непрозрачным цветом был красновато-фиолетовый. В настоящее время известно более 360 лаконских ваз, почти треть из которых, 116 экземпляров, приписывается художнику Наукрату. Упадок коринфской чернофигурной вазописи около 550 г. до н.э., оказавшей значительное влияние на лаконскую живопись, привел к резкому сокращению производства лаконских ваз с черными фигурами, которое прекратилось около 500 г. до н.э. Керамика была широко распространена, от Марселя до Ионии. На Самосе лаконская керамика встречается чаще, чем коринфская, благодаря тесному политическому союзу со Спартой.
Starting already in the 7th century BC painted pottery was being produced in Sparta for local consumption as well as for export. The first quality pieces were produced around 580 BC. The zenith in black figure pottery was reached between about 575 and 525 BC. Besides Sparta, the main discovery sites are the islands of Rhodes and Samos, as well as Taranto, Etruscan necropolises, and Cyrene, which was at first considered to be the original source of the pottery. The quality of the vessels is very high. The clay was well slurried and was given a cream colored coating. Amphoras, hydriai, column kraters (called krater lakonikos in antiquity), volute kraters, Chalcidic kraters, lebes, aryballoi and the Spartan drinking cup, the lakaina, were painted. But the index form and most frequent find is the cup. In Lakonia the deep bowl was usually put on a high foot; cups on low feet are rare. The exterior is typically decorated with ornaments, usually festoons of pomegranates, and the interior scene is quite large and contains figures. In Laconia earlier than in the rest of Greece the tondo became the main framework for cup scenes. The main image was likewise divided into two segments at an early date, a main scene and a smaller, lower one. Frequently the vessel was only coated with a glossy slip or decorated with just a few ornaments. Inscriptions are uncommon but can appear as name annotations. Signatures are unknown for potters as well as painters. It is probable that the Laconian craftsmen were perioeci pottery painters. Characteristic features of the pottery often match the fashion of known painters. It is also possible that they were migrant potters from eastern Greece, which would explain the strong eastern Greek influence especially on the Boreads Painter. In the meantime at least eight vase painters can be distinguished. Five painters, the Arkesilas Painter (565–555), the Boreads Painter (575–565), the Hunt Painter, the Naucratis Painter (575–550) and the Rider Painter (550–530) are considered to be the more important representatives of the style, while other painters are regarded as craftsmen of lesser ability. The images are usually angular and stiff, and contain animal friezes, scenes of daily life, especially symposia, and many mythological subjects. Of the latter, Poseidon and Zeus are depicted especially frequently, but also Heracles and his twelve labors as well as the Theban and Trojan legend cycles. Especially on the early vases, a gorgon grimace is placed in a cup tondo. A depiction of the nymph Cyrene and a tondo with a rider with a scrolling tendril growing from his head (name vase of the Rider Painter) are exceptional. Also important is a cup with an image of Arcesilaus II. The Arcesilas cup supplied the pragmatic name for the Arcesilas Painter. It is one of the rare depictions on Greek pottery of current events or people. The subjects suggest Attic influence. A reddish purple was the main opaque color. At present over 360 Laconian vases are known, with almost a third of them, 116 pieces, being attributed to the Naucratis Painter. The decline around 550 BC of Corinthian black figure vase painting, which had an important influence on Laconian painting, led to a massive reduction in the Laconian production of black figure vases, which came to an end around 500 BC. The pottery was very widely distributed, from Marseille to Ionian Greece. On Samos, Laconian pottery is more common than Corinthian pottery because of the close political alliance with Sparta.
Беотия
Чернофигурные вазы изготавливались в Беотии с VI по IV век до н.э. Еще в начале VI века до н.э. многие беотийские художники использовали технику ориентального контура. Впоследствии они тесно ориентировались на аттическое производство. Разграничение и атрибуция к одному из двух регионов порой затруднительны, и вазы можно спутать с коринфской керамикой. Вазы низкого качества аттического и коринфского производства часто приписывают беотийским мастерам. Зачастую качественные беотийские вазы принимают за аттические, а некачественные аттические – за беотийские. Вероятно, происходил обмен ремесленниками с Аттикой. По крайней мере, в одном случае достоверно известно, что аттический гончар эмигрировал в Беотию (Художник с изображением птиц и лошади, возможно, также художник Токра, и, безусловно, среди гончаров – Тейсий Афинский). Наиболее распространенными сюжетами были фризы с животными, симпосии и сцены комоса. Мифологические сцены редки, и когда они встречаются, обычно изображают Геракла или Тесея. С конца VI по V век преобладал силуэтный стиль. Особенно часто расписывали кантаросы, леканисы, чаши, тарелки и ойнохой. Как и в Афинах, на вазах встречаются надписи "калос". Беотийские гончары особенно любили изготавливать вазы с рельефным декором, а также кантаросы со скульптурными украшениями и триподы-пиксиды. Формы леканисов, чаш и амфор с узким горлом также были заимствованы из Афин. Стиль живописи часто отличается юмором, предпочтение отдается сценам комоса и сатирам. В период с 425 по 350 год до н.э. кабеирические вазы были основным чернофигурным стилем в Беотии. В большинстве случаев это была гибридная форма между кантаросом и скифосом с глубокой чашей и вертикальными ручками в виде колец, но также встречались лебесы, чаши и пиксиды. Они получили название по основному месту их обнаружения – Святилищу Кабеиров близ Фив. Сцены, обычно изображаемые только на одной стороне вазы, отражают местный культ. Вазы карикатурно изображают мифологические события в юмористической и преувеличенной манере. Иногда встречаются сцены комоса, которые, предположительно, напрямую связаны с культом.
Black figure vases were produced in Boeotia from the 6th to the 4th century BC. As late as the early 6th century BC many Boeotian painters were using the orientalizing outline technique. Afterward they oriented themselves closely on Attic production. Distinctions and attributions to one of the two regions are sometimes difficult and the vases can also be confused with Corinthian pottery. Low quality Attic and Corinthian vases are often declared to be Boeotian works. Frequently, good Boeotian vases are considered to be Attic and poor Attic vases are falsely considered to be Boeotian. There was probably an exchange of craftsmen with Attica. In at least one case it is certain that an Attic potter emigrated to Boeotia (the Horse Bird Painter, and possibly also the Tokra Painter, and among the potters certainly Teisias the Athenian). The most important subjects are animal friezes, symposia and komos scenes. Mythological scenes are rare, and when present usually show Heracles or Theseus. From the late 6th century through the 5th century a silhouette like style predominated. Especially kantharos, lekanis, cups, plates and pitchers were painted. As was the case in Athens, there are kalos inscriptions. Boeotian potters especially liked to produce molded vases, as well as kantharos with sculptured additions and tripod pyxides. The shapes of lekanis, cups and neck amphoras were also taken over from Athens. The painting style is often humorous, and there is a preference for komos scenes and satyrs. Between 425 and 350 BC Kabeiric vases were the main black figure style in Boeotia. In most cases this was a hybrid form between a kantharos and a skyphos with a deep bowl and vertical ring handles, but there were also lebes, cups and pyxides. They are named after the primary place where they were found, the Sanctuary of the Kabeiroi near Thebes. The scenes, usually painted on only one side of the vase, depict the local cult. The vases caricature mythological events in a humorous, exaggerated form. Sometimes komos scenes are shown, which presumably related directly to the cult.
Эвбоя
На черную фигуру вазовой живописи в Эвбее также повлияли Коринф и особенно Аттика. Не всегда легко отличить эти изделия от аттических ваз. Ученые предполагают, что основная часть керамики была произведена в Эретрии. Преимущественно расписывали амфоры, лекифы, гидрии и плоские сосуды. Амфоры большого формата обычно украшались мифологическими сценами, такими как приключения Геракла или Суд Париса. Большие амфоры, восходящие к формам VII века, имеют сужающиеся горлышки и чаще всего изображают сцены, связанные со свадьбами. Вероятно, это погребальные вазы, изготовленные для детей, умерших до вступления в брак. Сдержанное использование насечек и регулярное применение непрозрачного белого для цветочных орнаментов были характерными чертами черной фигуры керамики из Эретрии. Помимо сцен, отражающих аттические образцы, встречались и более динамичные сцены, например, похищение оленя сатиром или Геракл, сражающийся с кентаврами и демонами. Вазы класса «Дельфин» ранее считались аттическими, но теперь признаны эвбойскими. Однако состав их глины не соответствует ни одному из известных источников Эретрии. Возможно, эти изделия были изготовлены в Халкиде. Происхождение некоторых региональных стилей черной фигуры остаётся предметом споров. Например, халкидская вазопись когда-то ассоциировалась с Эвбеей, однако в настоящее время более вероятным считается производство в Италии.
Black figure vase painting in Euboea was also influenced by Corinth and especially by Attica. It is not always easy to distinguish these works from Attic vases. Scholars assume that most of the pottery was produced in Eretria. Primarily amphoras, lekythos, hydria and plates were painted. Large format amphoras were usually decorated with mythological scenes, such as the adventures of Herakles or the Judgment of Paris. The large amphoras, derived from 7th century shapes, have tapering lips and usually scenes relating to weddings. They are apparently funerary vases produced for children who died before they could marry. Restrained employment of incising and regular use of opaque white for the floral ornaments were typical features of black figure pottery from Eretria. In addition to scenes reflecting Attic models, there were also wilder scenes like the rape of a deer by a satyr or Heracles with centaurs and demons. The vases of the Dolphin Class were previously regarded as being Attic, but are now considered to be Euboic. However, their clay does not match any known Eretrian sources. Perhaps the pieces were produced in Chalcis. The origin of some black figure regional styles is disputed. For example, Chalcidian pottery painting was once associated with Euboea; in the meantime production in Italy is considered to be more likely.
Восточная Греция
Вряд ли в каком-либо другом регионе Греции границы между ориентализирующим и чернофигурным стилями столь неопределенны, как в случае ваз из восточной Греции. До 600 г. до н.э. использовались лишь контурные рисунки и незаполненные пространства. Затем, в поздней фазе ориентализирующего стиля, начали появляться гравированные рисунки, новая техника, пришедшая из Северной Ионии. Стиль анималистических фризов, который ранее преобладал, был, безусловно, декоративным, но предоставлял мало возможностей для дальнейшего технического и художественного развития. Возникли региональные стили, особенно в Ионии. К концу стиля «Дикий Козёл» северные ионийские художники довольно неумело имитировали коринфские образцы. Но уже в VII веке в Ионии производились высококачественные вазы. Примерно с 600 г. до н.э. чернофигурный стиль использовался полностью или частично для украшения ваз. Помимо региональных стилей, развивавшихся в Клазоменах, Эфесе, Милете, Хиосе и Самосе, существовали, особенно в Северной Ионии, стили, которые невозможно точно локализовать. Распространены были масляные сосуды, выполненные по лидийскому образцу (лидийские), однако большинство из них украшались лишь полосами. Встречаются также оригинальные сцены, например, скиф с бактрийским верблюдом или сатир с бараном. Атрибуция некоторых стилей вызывает споры. Так, группа Нортгемптон демонстрирует сильное ионийское влияние, но производство, вероятно, осуществлялось в Италии, возможно, иммигрантами из Ионии. В Клазоменах в середине VI века до н.э. (ок. 550–350 гг. до н.э.) в основном расписывали амфоры и гидрии, а также глубокие чаши с плоскими, угловатыми фигурами. Изделия не отличаются особой изящностью. Часто изображались танцующие женщины и животные. Ведущими мастерскими были мастерская Тюбингенского художника, художника Петри и группа Урла. Большинство ваз было найдено в Наукратисе и в Телл-Дефене, который был заброшен в 525 г. до н.э. Их происхождение первоначально было неясно, но Роберт Цан установил источник, сравнив изображения с изображениями на клазоменских саркофагах. Керамика часто украшалась скульптурными женскими масками. Мифологические сцены были редки; популярны были орнаменты в виде рыбьей чешуи, ряды белых точек и застывшие в танце фигуры женщин. Уникальным является изображение вестника, стоящего перед царем и царицей. В целом, мужчин отличали большие, лопатообразные бороды. Начиная с 600 г. до н.э. и продолжаясь примерно до 520 г. до н.э., производились розетчатые чаши, последователи чаш с птицами из восточной Греции, вероятно, в Клазоменах. Самосская керамика впервые появилась около 560/550 г. до н.э. с формами, заимствованными из Аттики. Это чаши «Малые мастера» и кантаросы с изображениями лиц. Живопись отличается точностью и декоративностью. Самос, наряду с Милетом и Родосом, был одним из основных центров производства ваз в стиле «Дикий Козёл». Родосская вазопись известна главным образом по родосским пластинам. Они изготавливались с использованием полихромной техники, при этом многие детали гравировались, как в чернофигурном стиле. Около 560–530 гг. до н.э. получили распространение ситулы, вдохновленные египетскими образцами. На них изображались как греческие сюжеты, такие как Тифон, так и древнеегипетские темы, такие как египетские иероглифы и египетские спортивные дисциплины.
In hardly any other region of Greece are the borders between the orientalizing and black figure styles as uncertain as in the case of vases from eastern Greece. Until about 600 BC only outline drawings and empty spaces were employed. Then during the late phase of the orientalizing style incised drawings began to appear, the new technique coming from northern Ionia. The animal frieze style which had previously predominated was certainly decorative, but offered few opportunities for further technical and artistic development. Regional styles arose, especially in Ionia. Toward the end of the Wild Goat style, northern Ionian artists imitated—rather poorly—Corinthian models. But already in the 7th century high quality vases were being produced in Ionia. Since approximately 600 BC the black figure style was used either entirely or in part to decorate vases. In addition to regional styles which developed in Klazomenai, Ephesus, Milet, Chios and Samos there were especially in northern Ionia styles which cannot be precisely localized. Oil flasks which adhered to the Lydian model (lydions) were common, but most of them were decorated only with stripes. There are also original scenes, for example a Scythian with a Bactrian camel, or a satyr and a ram. For some styles attribution is controversial. Thus the Northampton Group shows strong Ionian influence but production was probably in Italy, perhaps by immigrants from Ionia. In Klazomenai primarily amphoras and hydria were painted in the middle of the 6th century BC (c. 550 to 350 BC), as well as deep bowls with flat, angular looking figures. The vessels are not very elegant in workmanship. Dancing women and animals were frequently depicted. Leading workshops were those of the Tübingen Painter, the Petrie Painter, and the Urla Group. Most of the vases were found in Naukratis and in Tell Defenneh, which was abandoned in 525 BC. Their origin was initially uncertain, but Robert Zahn identified the source by comparison with images on Klazomenian sarcophagi. The pottery was often decorated with sculptured women's masks. Mythological scenes were rare; fishscale ornaments, rows of white dots, and stiff looking dancing women were popular. The depiction of a herold standing in front of a king and a queen is unique. In general, men were characterized by large, spade shaped beards. Starting already in 600 BC and continuing to about 520 BC rosette cups, successor to the eastern Greece bird cups, were produced, probably in Klazomenai. Samian pottery first appeared around 560/550 BC with forms adopted from Attica. These are Little Masters cups and kantharos with facial forms. The painting is precise and decorative. Samos along with Milet and Rhodes was one of the main centers for the production of vases in the Wild Goat style. Rhodian vase painting is primarily known from Rhodian plates. These were produced using a polychrome technique with many of the details being incised as in black figure painting. From about 560 to 530 BC situlas were common, inspired by Egyptian models. These show both Greek subjects, such as Typhon, as well as ancient Egyptian themes like Egyptian hieroglyphics and Egyptian sport disciplines.
Каеретан Гидрия
"Caeretan hydria" – это название, используемое для особо красочного стиля вазописи в технике чёрных фигур. Происхождение этих ваз является предметом споров в научной литературе. Основываясь на анализе росписи, вазы долгое время считались этрусскими или коринфскими, однако в последние годы преобладает мнение, что их создателями были два гончарных мастера, эмигрировавшие из восточной Греции в Кере (современный Черветери) в Этрурии. Надписи на ионическом диалекте греческого языка подтверждают теорию об эмиграции. Мастерская просуществовала всего одно поколение. Сегодня известно около 40 ваз, выполненных этими двумя мастерами в этом стиле. Все – гидрии, за исключением одного алабастра. Ни одна из них не была найдена за пределами Этрурии; большинство происходят из Каэре, что и послужило причиной их названия. Вазы датируются приблизительно 530–510/500 гг. до н.э. За гидриями Каеретанского стиля стилистически следуют амфоры с узким горлом, украшенные полосами. Эти технически менее совершенные гидрии имеют высоту 40–45 см. Корпус этих ваз характеризуется высоким и выразительным горлом, широкими плечами и низким кольцевым основанием в форме перевернутого кубка. Многие гидрии имеют деформации или дефекты обжига. Живописные изображения разделены на четыре зоны: зону плеч, зону живота с фигурами и орнаментальную зону, а также нижнюю часть. Все зоны, кроме зоны живота с фигурами, украшены орнаментом. Существует лишь один случай, когда оба фриза на животе содержат изображения фигур. Их многоцветие отличает их от всех других стилей вазописи в технике чёрных фигур. Стиль напоминает ионийскую вазопись и многоцветные расписные деревянные таблички, найденные в Египте. Мужчины изображаются с красной, чёрной или белой кожей. Женщины почти всегда изображаются непрозрачным белым цветом. Контуры и детали проработаны гравировкой, что типично для техники чёрных фигур. Поверхность чёрного глянцевого лака часто покрывается дополнительным цветным лаком, благодаря чему чёрный лак, проступающий в углублениях, создаёт детализацию изображений. На лицевой стороне изображения всегда динамичны, на оборотной – распространены геральдические композиции. Орнамент является важным элементом гидрий; он не является второстепенным по отношению к другим мотивам. Для нанесения орнамента использовались штампы; он не вырезался. Художником Бусирисом и Художником Орла названы авторы этих ваз. Последний считается ведущим представителем этого стиля. Они проявляли особый интерес к мифологическим сюжетам, которые часто демонстрировали восточное влияние. На вазе-названии, выполненной Художником Бусирисом, Геракл попирает мифического египетского фараона Бусириса. Геракл часто изображается и на других вазах, а также встречаются сцены из повседневной жизни. Существуют также необычные сцены, такие как Кет, сопровождаемый белым тюленем.
"Caeretan hydria" is the name used for an especially colorful style of black figure vase painting. The origin of these vases is disputed in the literature. Based on an assessment of the painting the vases were long considered to be Etruscan or Corinthian, but in recent years the view predominates that the producers were two pottery painters who emigrated from eastern Greece to Caere (modern Cerveteri) in Etruria. Inscriptions in Ionic Greek support the emigration theory. The workshop existed for only one generation. Today about 40 vases produced by the two master craftsmen in this style are known. All are hydriai except for one alabastron. None were found outside of Etruria; most came from Caere, which is the reason for their name. The vases are dated to approximately 530 to 510/500 BC. The Caeretan hydria are followed stylistically by neck amphoras decorated with stripes. These technically rather inferior hydriai are 40–45 cm. high. The bodies of these vases have high and very prominent necks, broad shoulders, and low ring feet in the form of upside down chalices. Many of the hydriai are misshapen or show faulty firing. The painted images are in four zones: a shoulder zone, a belly zone with figures and one with ornaments, and a lower section. All but the belly zone with figures are decorated with ornaments. There is only one case of both belly friezes having figures. Their multiple colors distinguish them from all other black figure styles. The style recalls Ionian vase painting and multicolored painted wooden tablets found in Egypt. Men are shown with red, black or white skin. Women are almost always portrayed with an opaque white color. The contours as well as the details are incised, as is typical for the black figure style. Surfaces of black glossy slip are often covered with an additional colored slip, so that the black slip which becomes visible where there is scoring supplies the various shapes with internal details. On the front side the images are always full of action, on the back heraldic designs are common. Ornaments are an important component of the hydrias; they are not subsidiary to other motifs. Stencils were used to paint the ornaments; they are not incised. The Busiris Painter and the Eagle Painter are named as painters. The latter is considered the leading representative of this style. They were particularly interested in mythological topics which usually revealed an eastern influence. On the name vase by the Busiris painter, Heracles is trampling on the mythical Egyptian pharao Busiris. Heracles is frequently depicted on other vases as well, and scenes of daily life also exist. There are also uncommon scenes, such as Cetus accompanied by a white seal.
Понтические вазы
Понтийские вазы также тесно связаны стилистически с ионийской керамической живописью. Предполагается, что они были изготовлены в этрусских мастерских мастерами, эмигрировавшими из Ионии. Своё обманчивое название вазы получили из-за изображения на одной из них лучников, которых считали скифами, жившими у Чёрного моря (Понта). Большинство ваз было найдено в гробницах в Вульчи, значительное количество – в Черветери. Основной формой была шейная амфора особенно изящной формы, тесно напоминающая тирренские амфоры. Среди других форм – энохои со спиральными ручками, диносы, киафы, тарелки, чаши на высоких ножках и, реже, канфары и другие виды. Оформление понтийских ваз всегда имеет схожий характер. Как правило, на горле присутствует орнамент, затем фигуры на плече, за которыми следует ещё одна полоса орнамента, фриз с изображениями животных и, наконец, кольцо из лучей. Ножка, горло и ручки окрашены в чёрный цвет. Важность орнамента заметна, хотя он часто выполнен довольно небрежно; некоторые вазы украшены исключительно орнаментом. Глина этих ваз имеет желтовато-красный оттенок; покрывающий вазы шликер чёрный или коричневато-красный, высокого качества и с металлическим блеском. Для изображения фигур и орнаментов щедро используются красные и белые непрозрачные краски. Животных обычно украшают белой полосой на животе. На сегодняшний день исследователи выявили шесть мастерских. Самой ранней и лучшей считается мастерская художника, известного как Парижский художник. Он изображал мифологических персонажей, включая безбородого Геракла, что было принято в восточной Греции. Иногда встречаются сцены, не относящиеся к греческой мифологии, например, Геракл, сражающийся с Юноной Соспитой ("Спасительницей") работы Парижского художника, или демон-волк работы художника Тития. Также встречаются сцены из повседневной жизни, сцены комоса и изображения всадников. Вазы датируются периодом между 550 и 500 годами до н.э., известно около 200 экземпляров.
The Pontic vases are also closely related stylistically to Ionian pottery painting. Also in this case it is assumed that they were produced in Etruscan workshops by craftsmen who emigrated from Ionia. The vases got their misleading name from the depiction on a vase of archers thought to be Scythians, who lived at the Black Sea (Pontus). Most of the vases were found in graves in Vulci, a significant number also in Cerveteri. The index form was a neck amphora with a particularly slender shape, closely resembling Tyrrhenian amphoras. Other shapes were oenochoes with spiral handles, dinos, kyathos, plates, beakers with high bases, and, less often, kantharos and other forms. The adornment of Pontic vases is always similar. In general there is an ornamental decoration on the neck, then figures on the shoulder, followed by another band of ornaments, an animal frieze, and finally a ring of rays. Foot, neck and handles are black. The importance of ornaments is noticeable, although they are often rather carelessly formed; some vases are decorated only with ornaments. The clay of these vases is yellowish red; the slip covering the vases is black or brownish red, of high quality, and with a metallic sheen. Red and white opaque colors are generously used for figures and ornaments. Animals are usually decorated with a white stripe on their bellies. Scholars have identified six workshops to date. The earliest and best is considered to be that of the Paris Painter. He shows mythological figures, included a beardless Heracles, as was customary in eastern Greece. Occasionally there are scenes which are not a part of Greek mythology, such as Heracles fighting Juno Sospita ("the Savior") by the Paris Painter, or a wolf demon by the Tityos Painter. There are also scenes of daily life, komos scenes, and riders. The vases are dated to a time between 550 and 500 BC, and about 200 are known.
Этрурия
Этрусские вазы местного производства, вероятно, датируются VII веком до н.э. Первоначально они напоминают вазы в чернофигурном стиле из Коринфа и восточной Греции. Предполагается, что на раннем этапе их производителями были преимущественно греческие иммигранты. Первым значительным стилем была понтийская роспись керамики. Впоследствии, в период между 530 и 500 годами до н.э., за ним последовал художник Микали и его мастерская. В это время этрусские художники, как правило, ориентировались на афинские образцы и производили в основном амфоры, гидрии и ойнохой. Обычно на них изображались сцены комоса и симпосия, а также фризы с животными. Мифологические сцены встречаются реже, но отличаются особой тщательностью исполнения. Чернофигурная техника вышла из употребления около 480 года до н.э. К концу этого периода развился маньеристический стиль, а иногда использовалась довольно небрежная техника силуэта.
Locally produced Etruscan vases probably date from the 7th century BC. At first, they resemble black figure models from Corinth and eastern Greece. It is assumed that in the early phase primarily Greek immigrants were the producers. The first important style was Pontic pottery painting. Afterward, in the period between 530 and 500 BC, the Micali Painter and his workshop followed. At this time Etruscan artists tended to follow Attic models and produced primarily amphoras, hydriai and jugs. They usually had komos and symposia scenes and animal friezes. Mythological scenes are less common, but they are very carefully produced. The black figure style ended around 480 BC. Toward the end a mannerist style developed, and sometimes a rather careless silhouette technique.
Хальцидская керамика
Халкидская вазопись получила своё название от мифологических надписей, которые иногда встречались на изделиях, выполненных халкидским письмом. По этой причине изначально предполагалось, что керамика происходит с Эвбеи. В настоящее время считается, что она производилась в Регионе, возможно, также в Каэре, однако вопрос окончательно не решён. На халкидскую вазопись оказали влияние аттическая, коринфская и особенно ионская живопись. Вазы в основном находили в итальянских городах, таких как Каэри, Вулчи и Регион, а также в других областях западного Средиземноморья. Производство халкидских ваз внезапно началось около 560 г. до н.э. На сегодняшний день предшественники этого стиля не были выявлены. Примерно через 50 лет, около 510 г. до н.э., производство прекратилось. Сохранилось около 600 ваз, и на данный момент идентифицировано 15 художников или групп художников. Эти вазы характеризуются высоким качеством изготовления. Блестящий слой, покрывающий их, после обжига обычно становится угольно-чёрным. Глина имеет оранжевый цвет. В росписи щедро использовались красный и белый непрозрачные цвета, а также процарапывание для создания деталей. Наиболее распространённой формой является шейная амфора, на которую приходится четверть всех известных ваз, но встречаются также чаши с глазками, ойнохои и гидрии; другие типы сосудов встречаются реже. Исключение составляют леканисы и чаши в этрусском стиле. Вазы отличаются экономичностью и строгостью конструкции. Типичной особенностью является "халкидская ножка". Её иногда копировали на вазах с чёрнофигурным аттическим росписом, реже – на краснофигурных. Самым известным художником старшего поколения является Художник надписей, а из представителей молодого поколения – Художник Финея. Первый, предположительно, является основателем стиля; около 170 сохранившихся ваз приписываются весьма продуктивной мастерской второго. Вероятно, он также является последним представителем этого стиля. Изображения обычно носят скорее декоративный, чем повествовательный характер. На них изображают всадников, фризы с животными, геральдические композиции или группы людей. Большой лотосовый палметный крест часто является частью изображения. Мифологические сцены встречаются редко, но когда они присутствуют, то обычно отличаются исключительно высоким качеством. Псевдохалкидская вазопись является преемницей халкидской вазописи. Она близка к халкидской, но также имеет тесные связи с аттической и коринфской вазописью. Поэтому художники использовали ионский, а не халкидский алфавит для надписей. Также отличается структура глины. Известно около 70 ваз этого типа, которые впервые были классифицированы Андреасом Румпфом. Возможно, ремесленники были потомками халкидских вазописцев и гончаров, эмигрировавших в Этрурию. Псевдохалкидская вазопись подразделяется на две группы. Старшая из них – группа Полифема, которая создала большинство сохранившихся сосудов, в основном шейные амфоры и ойнохои. Обычно изображают группы животных, реже – мифологические сцены. Сосуды были найдены в Этрурии, на Сицилии, в Марселе и Виксе. Младшая и менее продуктивная группа Мемнона, которой в настоящее время приписывают 12 ваз, имела гораздо меньшее географическое распространение, ограничиваясь Этрурией и Сицилией. За исключением одного ойнохоэ они производили только шейные амфоры, которые обычно украшались изображениями животных и всадников.
Chalcidian vase painting was named from the mythological inscriptions which sometimes appeared in Chalcidian script. For this reason the origin of the pottery was first suspected to be Euboea. Currently it is assumed that the pottery was produced in Rhegion, perhaps also in Caere, but the issue has not yet been finally decided. Chalcidian vase painting was influenced by Attic, Corinthian and especially Ionian painting. The vases were found primarily in Italian locations like Caeri, Vulci and Rhegion, but also at other locations of the western Mediterranean. The production of Chalcidian vases began suddenly around 560 BC. To date, no precursors have been identified. After 50 years, around 510 BC, it was already over. About 600 vases have survived, and 15 painters or painter groups have been so far identified. These vases are characterized by high quality pottery work. The glossy slip which covers them is usually pitch black after firing. The clay has an orange color. Red and white opaque colores were generously used in the painting, as was scoring to produce interior details. The index form is the neck amphora, accounting for a quarter of all known vases, but there are also eye cups, oinochoes and hydria; other vessel types being less common. Lekanis and cups in the Etruscan style are exceptions. The vases are economical and stringent in construction. The "Chalcidian cup foot" is a typical characteristic. It is sometimes copied in black figure Attic vases, less often in red figured vases. The most important of the known artists of the older generation is the Inscription Painter, of the younger representatives the Phineus Painter. The former is presumably the originator of the style; some 170 of the surviving vases are attributed to the very productive workshop of the latter. He is probably also the last representative of this style. The images are usually more decorative than narrative. Riders, animal friezes, heraldic pictures or groups of people are shown. A large lotus palmette cross is frequently part of the picture. Mythological scenes are seldom, but when they occur they are in general of exceptionally high quality. Pseudo Chalcidian vase painting is the successor to Chalcidian painting. It is close to Chalcidian but also has strong links to Attic and Corinthian vase painting. Thus the artists used the Ionian rather than the Chalcidian alphabet for inscriptions. The structure of the clay is also different. There are about 70 known vases of this type, which were first classified by Andreas Rumpf. It is possible that the artisans were successors to the Chalcidian vase painters and potters who emigrated to Etruria. Pseudo Chalcidian vase painting is classified into two groups. The elder of the two is the Polyphemus Group, which produced most of the surviving vessels, primarily neck amphoras and oinochoes. Groups of animals are usually shown, less seldom mythological scenes. The vessels were found in Etruria, on Sicily, in Marsellle and Vix. The younger and less productive Memnon Group, to which 12 vases are currently attributed, had a much smaller geographical distribution, being limited to Etruria and Sicily. Except for one oinochoe they produced only neck amphoras, which were usually decorated with animals and riders.
Другое
Вазы группы Нортгемптона, за исключением одной амфоры с округлым корпусом, представляли собой небольшие амфоры с узким горлом. Они стилистически очень близки к вазописи северной Ионии, но, вероятно, были изготовлены в Италии, а не в Ионии, возможно, в Этрурии около 540 г. до н.э. Вазы этой группы отличаются очень высоким качеством исполнения. Они украшены богатым орнаментом и сценами, привлекшими внимание исследователей, такими как изображение принца с лошадьми и фигуры всадника на журавле. Они схожи с работами группы Campana Dinoi и так называемой Нортгемптонской амфоры, чей состав глины аналогичен глине Caeretan hydriai. Группа Нортгемптона получила свое название в честь этой амфоры. Круглые Campana hydriai напоминают образцы, созданные в Беотии и Эвбее.
The vases of the Northampton Group were all small neck amphoras with the exception of a single belly amphora. They are stylistically very similar to northern Ionian vase painting, but were probably produced in Italy rather than in Ionia, perhaps in Etruria around 540 BC. The vases of this group are of very high quality. They show rich ornamental decorations and scenes that have captured the interest of scholars, such as a prince with horses and someone riding on a crane. They are similar to the work of the Group of Campana Dinoi and to the so called Northampton Amphora whose clay is similar to that of Caeretan hydriai. The Northampton Group was named after this amphora. The round Campana hydriai recall Boeotian and Euboean models.
Другие регионы
Алабастры с цилиндрическим корпусом из Андроса редки, как и лакани из Тасоса. Они напоминают изделия из Беотии, за исключением того, что украшены двумя фризами с изображениями животных, в то время как для Беотии характерен один фриз. Тасосские пластины скорее подражали афинским образцам и, благодаря своим фигуративным сценам, более амбициозны, чем лаканисы. Известны имитации ваз из Хиоса, выполненные в стиле чёрных фигур. Местная керамика с чёрными фигурами из Халая также встречается редко. После того, как афиняне захватили Элайос на Дарданеллах, там также началось производство керамики в стиле чёрных фигур. Среди скромных изделий были простые лакани с контурными изображениями. Небольшое количество ваз в стиле чёрных фигур было изготовлено в Кельтской Галлии. Они, вероятно, также были вдохновлены греческими вазами.
Alabastrons with cylindrical bodies from Andros are rare, as are lekanis from Thasos. These are reminiscent of Boeotian products except that they have two animal friezes instead of the single frieze common for Boeotia. Thasian plates rather followed Attic models and with their figured scenes are more ambitious than on the lekanis. Imitations of vases from Chios in the black figure style are known. Local black figure pottery from Halai is also rare. After the Athenians occupied Elaious on the Dardanelles, local black figure pottery production began there as well. The modest products included simple lekanis with outline images. A small number of vases in black figure style were produced in Celtic France. They too were almost certainly inspired by Greek vases.
Исследования и прием
Научные исследования этих ваз начались особенно в XIX веке. С этого времени усилилось подозрение, что эти вазы имеют греческое, а не этрусское происхождение. Особенно свидетельством тому послужила панафинейская амфора, найденная Эдвардом Додуэллом в 1819 году в Афинах. Первым, кто представил доказательство, был Густав Крамер в своей работе Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Однако потребовалось несколько лет, чтобы этот вывод был общепринятым. Эдуард Герхард опубликовал статью под названием Rapporto Volcente в Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica, в которой он систематически исследовал вазы; он был первым ученым, сделавшим это. С этой целью в 1830 году он изучал вазы, найденные в Тарквинии, сравнивая их, например, с вазами, найденными в Аттике и Эгине. В ходе этой работы он идентифицировал 31 подпись художника и гончара. Ранее был известен только гончар Талейд. Следующим шагом в исследовании стало научное каталогизирование основных коллекций ваз в музеях. В 1854 году Отто Янн опубликовал вазы из Мюнхенской государственной коллекции древностей. Ранее были опубликованы каталоги музеев Ватикана (1842) и Британского музея (1851). Описание коллекции ваз в Берлинской коллекции классических древностей, составленное в 1885 году Адольфом Фуртвенглером, было особенно влиятельным. Фуртвенглер первым классифицировал сосуды по региону художественного происхождения, технологии, стилю, форме и манере росписи, что оказало длительное влияние на последующие исследования. В 1893 году Пол Хартвиг в своей книге Meisterschalen попытался идентифицировать различных художников на основе надписей kalos, подписей и стилистического анализа. Эдмонд Потье, куратор Лувра, в 1919 году инициировал создание Corpus Vasorum Antiquorum. В этой серии публикуются все крупные коллекции по всему миру, которые к 2009 году насчитывали более 300 томов. Научные исследования аттической вазописи во многом обязаны Джону Д. Бизли. Он начал изучать эти вазы примерно в 1910 году, используя метод, разработанный историком искусства Джованни Морелли для изучения картин, который был усовершенствован Бернардом Беренсоном. Он исходил из того, что каждый художник создавал оригинальные работы, которые всегда можно было безошибочно отнести. Он использовал такие детали, как лица, пальцы, руки, ноги, колени и складки одежды. Бизли изучил 65 000 ваз и фрагментов, из которых 20 000 были выполнены в технике черных фигур. В ходе своих исследований, которые длились почти шесть десятилетий, он смог назвать 17 000 из них по имени или с помощью системы условных имен и классифицировал их по группам художников или мастерских, связям и стилистической близости. Он выявил более 1500 гончарных и живописных мастеров. Ни один другой археолог не оказал такого решающего влияния на исследования в данной области, как Бизли, чьи анализы в значительной степени остаются актуальными и по сей день. После Бизли такие ученые, как Джон Бордман, Эрика Саймон и Дитрих фон Ботмер, исследовали аттические вазы с черными фигурами. Основные исследования коринфской керамики были выполнены Хамфри Пейном, который в 1930-х годах сделал первую стилистическую классификацию, которая, по сути, используется до настоящего времени. Он классифицировал вазы по форме, типу декора и изображаемым сюжетам, и только потом проводил различия между художниками и мастерскими. Он следовал методу Бизли, за исключением того, что придавал меньшее значение определению художников и групп, поскольку для него важнее была хронологическая структура. Джек Л. Бенсон взялся за эту задачу в 1953 году и выделил 109 художников и групп. Наконец, Даррелл Эмикс обобщил исследования до этого момента в своей книге 1988 года "Корринфская вазовая живопись архаического периода". Однако ученые спорят о том, возможно ли в случае коринфской керамики приписывать конкретные работы определенным художникам. Лаконская керамика была известна с XIX века по значительному количеству ваз из этрусских гробниц. Сначала они были ошибочно атрибутированы и долгое время считались продуктом Кирины, где также были найдены некоторые из самых ранних образцов. Благодаря британским раскопкам, проведенным в спартанском святилище Артемиды Орфии, их истинное происхождение было быстро установлено. В 1934 году Артур Лейн собрал все известные материалы и стал первым археологом, который смог идентифицировать различных художников. В 1956 году новые находки были изучены Брайаном Б. Шефтоном. Он сократил число отдельных художников вдвое. В 1958 и 1959 годах были опубликованы другие новые материалы из Таранто. Значительное количество других ваз также было найдено на Самосе. Конрад Михаэль Стиббе заново изучил все 360 известных ему ваз и опубликовал свои результаты в 1972 году. Он выявил пять основных и три второстепенных художников. Помимо исследований аттической, коринфской и лаконской вазописи, археологи часто особенно интересуются менее значительными итальянскими стилями. Каэтанские гидрии были впервые идентифицированы и названы Карлом Хуманном и Отто Пухштейном. Андреас Румпф, Адольф Кирхгоф и другие археологи ошибочно предполагали, что происхождение халкидской керамики связано с Эвбеей. Георг Фердинанд Дюмлер несет ответственность за ошибочное название понтийских ваз, которые, по его мнению, происходили из Причерноморья из-за изображения скифа на одной из ваз. В настоящее время исследования всех стилей проводятся не отдельными учеными, а большой международной группой исследователей.
Scholarly research on these vases started especially in the 19th century. Since this time the suspicion has intensified that these vases have a Greek rather than an Etruscan origin. Especially a Panathenaic prize amphora found by Edward Dodwell in 1819 in Athens provided evidence. The first to present a proof was Gustav Kramer in his work Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). However it took several years for this insight to be generally accepted. Eduard Gerhard published an article entitled Rapporto Volcente in the Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica in which he systematically investigated the vases; he was the first scholar to do so. Toward this end in 1830 he studied vases found in Tarquinia, comparing them, for example, with vases found in Attica and Aegina. During this work he identified 31 painter and potter signatures. Previously, only the potter Taleides was known. The next step in research was scientific cataloging of the major vase collections in museums. In 1854 Otto Jahn published the vases in the Munich State Collection of Antiquities. Previously, catalogs of the Vatican museums (1842) and the British Museum (1851) had been published. The description of the vase collection in the Berlin Collection of Classical Antiquities, put together in 1885 by Adolf Furtwängler, was especially influential. Furtwängler was the first to classify the vessels by region of artistic origin, technology, style, shape, and painting stye, which had a lasting effect on subsequent research. In 1893 Paul Hartwig attempted in his book Meisterschalen to identify various painters based on kalos inscriptions, signatures and style analyses. Edmond Pottier, curator at the Louvre, initiated in 1919 the Corpus Vasorum Antiquorum. All major collections worldwide are published in this series, which as of 2009 amounted to over 300 volumes. Scientific research on Attic vase painting owes a great deal to John D. Beazley. He began studying these vases in about 1910, making use of the method developed by the art historian Giovanni Morelli for studying paintings, which had been refined by Bernard Berenson. He assumed that each painter created original works which could always be unmistakably attributed. He made use of particular details such as faces, fingers, arms, legs, knees, and folds of clothing. Beazley studied 65,000 vases and fragments, of which 20,000 were black figure. In the course of his studies, which lasted almost six decades, he could attribute 17,000 of them by name or by using a system of pragmatic names, and classified them into groups of painters or workshops, relationships and stylistic affinity. He identified over 1,500 potters and painters. No other archaeologist had such a decisive influence on the research of an archaeological field as did Beazley, whose analyses remain valid to a large extent up to the present time. After Beazley, scholars like John Boardman, Erika Simon and Dietrich von Bothmer investigated black figure Attic vases. Basic research on Corinthian pottery was accomplished by Humfry Payne, who in the 1930s made a first stylistic classification which is, in essence, being used up to the present time. He classified the vases according to shape, type of decoration and image subjects, and only afterward did he make distinctions as to painters and workshops. He followed Beazley's method except for attributing less importance to allocating painters and groups since a chronological framework was more important for him. Jack L. Benson took on this allocation task in 1953 and distinguished 109 painters and groups. Last of all, Darrell A. Amyx summarized the research up to that point in his 1988 book Corinthian Vase Painting of the Archaic Period. It is however a matter of scholarly dispute whether it is at all possible in the case of Corinthian pottery to attribute specific painters. Laconian pottery was known since the 19th century from a significant number of vases from Etruscan graves. At first they were erroneously attributed, being considered for a long time to be a product of Cyrene, where some of the earliest pieces were also found. Thanks to British excavations carried out in Sparta's Sanctuary of Artemis Orthia, their true origin was quickly identified. In 1934, Arthur Lane put together all the known material and was the first archaeologist to identify different artists. In 1956 the new discoveries were studied by Brian B. Shefton. He reduced the number of distinct painters by half. In 1958 and 1959 other new material from Taranto was published. A significant number of other vases were also found on Samos. Conrad Michael Stibbe studied anew all 360 vases known to him and published his findings in 1972. He identified five major and three minor painters. In addition to research on Attic, Corinthian and Laconian vase painting, archaeologists are frequently especially interested in minor Italian styles. The Caeretan hydriai were first identified and named by Carl Humann and Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff and other archaeologists erroneously suspected the origin of Chalkidischen Pottery to be Euboea. Georg Ferdinand Dümmler is responsible for the false naming of the Pontic vases, which he assumed to come from the Black Sea area because of the depiction of a Scythian on one of the vases. In the meantime, research on all styles is carried out less by individuals than by a large international group of scientists.