19 ғасырдағы Еуропа және АҚШ театр өнері: Романтизм, мелодрама, реализм, символизм тағы басқалары. Театр тарихы, қозғалыстар мен драматургия туралы ақпарат.
Ағылшыншамен салыстырыңыз: абзацты басыңыз — түпнұсқа терезеде ашылады. Абзац астындағы EN түймесі оны мәтін ішінде көрсетеді.
Мазмұны
Кіріспе
XIX ғасырдағы Еуропа мен АҚШ театр мәдениеті
19th century European and US theatre culture
XIX ғасырдағы театр Еуропа мен Америка Құрама Штаттарының театр мәдениетіндегі кең ауқымды әртүрлі бағыттарды қамтиды. Батыста романтизм, мелодрама, Скриб пен Сардудың жақсы құрылған пьесалары, Фейдоның фарстары, натурализм мен реализмнің проблемалық пьесалары, Вагнердің опералық «Gesamtkunstwerk» туындысы, Гилберт пен Салливанның пьесалары мен опералары, Уайльдтың тұрмыстық комедиялары, символизм, сондай-ақ Август Стриндберг пен Хенрик Ибсеннің кейінгі туындыларындағы экспрессионизм алғышарттары бар.
Nineteenth century theatre describes a wide range of movements in the theatrical culture of Europe and the United States in the 19th century. In the West, they include Romanticism, melodrama, the well made plays of Scribe and Sardou, the farces of Feydeau, the problem plays of Naturalism and Realism, Wagner's operatic Gesamtkunstwerk, Gilbert and Sullivan's plays and operas, Wilde's drawing room comedies, Symbolism, and proto Expressionism in the late works of August Strindberg and Henrik Ibsen.
Мелодрама
Француз төңкерісінен кейін Францияда театр монополиясы жойылғаннан бастап, мелодрама ғасырдың ең танымал театр түріне айналды. Мелодраманың тамыры классикалық Грекияға дейін жетеді, бірақ «мелодрама» термині 1766 жылға дейін пайда болмады және 1800 жылдан кейін ғана кеңінен қолданысқа енді. Август фон Коцебуе мен Рене Шарль Гилберт де Пиксерекурттың пьесалары мелодраманы 19 ғасырдың басында басым драмалық форма ретінде орнықтырды. Коцебуе әсіресе өз заманының ең танымал драматургі болды, ол бүкіл әлемде қойылған 215-тен астам пьеса жазды. Оның «Шет елдік» (1789) пьесасы классикалық мелодрамалық туынды саналады. Наполеон тұсында монополиялар мен субсидиялар қайта орнатылса да, театрлық мелодрама одан да танымал болды және мемлекеттік қолдау көрген драма мен опералардан гөрі көбірек көрермендерді тартты. Мелодрама көптеген сахналық эффектілерді, өте эмоционалды, бірақ қалыптасқан актерлік стильді және театр өнерін әсем сахналауға қарай дамытатын жаңа технологияларды қамтыды. Бұл сонымен қатар өте динамикалық театр түрі болды, ол үнемі өзгеріп, жаңа әлеуметтік ортаға, жаңа көрермендерге және жаңа мәдени ықпалдарға бейімделді. Осының ішінде оның 19 ғасырдағы кең таралғандығын түсіндіруге болады. Дэвид Гримстед өзінің «Ашылған мелодрама» (1968) кітабында былай деп мәлімдейді: Оның қағидалары жалған, тілі сұрқыраған және әдеттегідей, кейіпкерлері стереотиптер, ал моралі мен дінтануы – қарапайымдылық. Дегенмен, оның тартымдылығы зор және түсінікті болды. Ол қарапайым халықтың өмірін қадір тұтып, олардың тазалығы мен даналығына үлкен құрмет көрсетті. [ ] Оның моральдық тұрғыданғы әңгімесі әлеуметтік қорқыныштар мен өмірдің ұлылығын абсолютті моральдық нормалармен, адамның өркендеуімен және тазалардың жеңісін қамтамасыз ететін игі ниетті құдаймен үйлестіруге тырысты. Парижде 19 ғасырда танымал Бульвар дю Кримде, әсіресе Гайтте орналасқан көптеген театрларда мелодрама гүлденді. Бірақ 1862 жылы Барон Хаусманның Парижді қайта құруы кезінде осы театрлардың көпшілігі бұзылып, бәрі аяқталды. 19 ғасырдың соңына қарай «мелодрама» термині негізінен салондық ойын-сауық жанрына дейін тарылды: көбінесе ырғақты айтылатын сөздер (көбінесе поэзия) – ән емес, кейде белгілі бір драмалық құрылыммен немесе сюжетпен, кем дегенде, музыканың (әдетте фортепианоның) сүйемелдеуімен үйлестірілген. Ол төмен деңгейдегі авторлар мен композиторларға арналған жанр ретінде қарастырылды (демек, осы жанрдың нақты реализацияларының ешқайсысы қазірге дейін есте қалмаған).
Beginning in France after the theatre monopolies were abolished during the French Revolution, melodrama became the most popular theatrical form of the century. Melodrama itself can be traced back to classical Greece, but the term mélodrame did not appear until 1766 and only entered popular usage sometime after 1800. The plays of August von Kotzebue and René Charles Guilbert de Pixérécourt established melodrama as the dominant dramatic form of the early 19th century. Kotzebue in particular was the most popular playwright of his time, writing more than 215 plays that were produced all around the world. His play The Stranger (1789) is often considered the classic melodramatic play. Although monopolies and subsidies were reinstated under Napoleon, theatrical melodrama continued to be more popular and brought in larger audiences than the state sponsored drama and operas. Melodrama involved a plethora of scenic effects, an intensely emotional but codified acting style, and a developing stage technology that advanced the arts of theatre towards grandly spectacular staging. It was also a highly reactive form of theatre which was constantly changing and adapting to new social contexts, new audiences and new cultural influences. This, in part, helps to explains its popularity throughout the 19th century. David Grimsted, in his book Melodrama Unveiled (1968), argues that:Its conventions were false, its language stilted and commonplace, its characters stereotypes, and its morality and theology gross simplifications. Yet its appeal was great and understandable. It took the lives of common people seriously and paid much respect to their superior purity and wisdom. [ ] And its moral parable struggled to reconcile social fears and life's awesomeness with the period's confidence in absolute moral standards, man's upward progress, and a benevolent providence that insured the triumph of the pure. In Paris, the 19th century saw a flourishing of melodrama in the many theatres that were located on the popular Boulevard du Crime, especially in the Gaîté. All this was to come to an end, however, when most of these theatres were demolished during the rebuilding of Paris by Baron Haussmann in 1862. By the end of the 19th century, the term melodrama had nearly exclusively narrowed down to a specific genre of salon entertainment: more or less rhythmically spoken words (often poetry)—not sung, sometimes more or less enacted, at least with some dramatic structure or plot—synchronized to an accompaniment of music (usually piano). It was looked down on as a genre for authors and composers of lesser stature (probably also the reason why virtually no realisations of the genre are still remembered).
Германия мен Францияда романтизм
Германияда костюмдер мен декорацияларда тарихи дәлдікке ұмтылыс, театр архитектурасындағы революция және неміс романтизмінің театрлық түрінің пайда болуы орын алды. 20 ғасыр философиясы мен көркем өнердегі тенденциялардың ықпалымен неміс жазушылары өз тевтондық тарихына қызығушылық танытып, романтикалық ұлтшылдық сезімдерін күшейтті. Готтфрид Ефрайм Лессинг, Иоганн Вольфганг фон Гете, Фридрих Шиллер және басқа Штурм унд Дранг драматургтерінің пьесалары, адамгершілік мінез-құлыққа басшылық ету үшін сезім мен инстинктке сенімділікті арттырды. Романтиктер «романтикалық» өнердің теориялық негізін қалыптастыру үшін Иммануил Канттың философиясынан үйренді. Романтиктердің пікірінше, өнердің зор маңызы бар, себебі ол мәңгілік шындықтарға нақты, материалдық форма береді, оны шектеулі адамдық сезім мүшелері қабылдай алады. Осы кезеңде өзін романтиктер деп атағандардың ішінде Август Вильгельм Шлегель мен Людвиг Тик театрға ең көп көңіл бөлді. Біраз уақыттан кейін Францияда Виктор Гюго, Александр Дюма, Альфред де Мюссе және Жорж Сандтың пьесалары арқылы романтизм қабылданады. 1830 жылдарға дейін Францияда театр, репертуарда неоклассикалық бағытты сақтап, жаңа драматургтерде трагедия жазудың дәстүрлі әдістерін қолдаған Comédie Française-мен күресті. Бұл қақтығыс 1830 жылы Виктор Гюгоның «Эрнани» пьесасының премьерасымен аяқталды. Премьераға келген көпшілік консерваторлар мен цензура өкілдерінен құралды, олар классикалық нормаларды бұзғандықтан қойылымды сынап, оның жалғасуын тоқтатуға тырысты. Бірақ Гюго богемиялық және радикал жазушылардан Романтика армиясын құрып, премьераның өтуін қамтамасыз етті. Нәтижесінде болған тәртіпсіздік Францияда классикалық дәстүрлерден бас тартуды және романтизмнің жеңісін білдірді. Алайда 1840 жылдары Францияда романтикалық драмаға деген ынта мұңға айналды және оның орнына жаңа «Ақыл-ойының театры» келді.
In Germany, there was a trend toward historical accuracy in costumes and settings, a revolution in theatre architecture, and the introduction of the theatrical form of German Romanticism. Influenced by trends in 20th century philosophy and the visual arts, German writers were increasingly fascinated with their Teutonic past and had a growing sense of romantic nationalism. The plays of Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller, and other Sturm und Drang playwrights, inspired a growing faith in feeling and instinct as guides to moral behavior. Romantics borrowed from the philosophy of Immanuel Kant to formulate the theoretical basis of "Romantic" art. According to Romantics, art is of enormous significance because it gives eternal truths a concrete, material form that the limited human sensory apparatus may apprehend. Among those who called themselves Romantics during this period, August Wilhelm Schlegel and Ludwig Tieck were the most deeply concerned with theatre. After a time, Romanticism was adopted in France with the plays of Victor Hugo, Alexandre Dumas, Alfred de Musset, and George Sand. Through the 1830s in France, the theatre struggled against the Comédie Française, which maintained a strong neo classical hold over the repertory and encouraged traditional modes of tragic writing in new playwrights. This clash culminated in the premiere of Hernani by Victor Hugo in 1830. The large crowd that attended the premiere was full of conservatives and censors who booed the show for disobeying the classical norms and who wanted to stop the performance from going forward. But Hugo organized a Romantic Army of bohemian and radical writers to ensure that the opening would have to go ahead. The resulting riot represented the rejection in France of the classical traditions and the triumph of Romanticism. By the 1840s, however, enthusiasm for Romantic drama had faded in France and a new "Theatre of Common Sense" replaced it.
Жақсы ойнаған ойын
Францияда Эжен Скрибтың (1791–1861) «жақсы жасалған пьесасы» драматургтер мен көрермендер арасында кең танымал болды. 1825 жылы Скрибпен алғаш әзірленген бұл форма, тығыз сюжетімен және пьеса соңына жақын болатын кульминациясымен неоклассикалық сипатқа ие. Оқиға кейбір кейіпкерлерден жасырылған, бірақ басқаларына (және көрермендерге) белгілі болған маңызды мәліметке байланысты. «Жақсы жасалған пьесаның» жиі қолданылатын тәсілі – сюжеттік бұрылыстар мен кульминацияны тудыру үшін қаламаған қолдарға түскен хаттар немесе құжаттар. Күтпелілік пен қарқындылық кейіпкердің күтпеген оқиғалар салдарынан жеңіске жететін кульминациялық сахнаға қарай дамиды. Скрибтің өзі осы типтегі 400-ден астам пьеса жазды, бұл, әдетте, жазушылар оқиғаны, тағы біреуі – диалогты, үшіншісі – әзіл-қалжыңдарды және т.б. жасайтын әдеби «фабрикаға» тең болды. Ол өте өнімді және танымал болғанымен, оның қарсыластары да болды: Теофил Готье «поэзиясы, лирикасы, стилі, философиясы, шындығы немесе натурализмі жоқ автор әдебиет пен сыншылардың қарсылығына қарамастан, өз дәуірінің ең табысты жазушысы бола ала ма?» деп сұрақ қойды. Оның құрылымын реалистік драматургтар Александр Дюма, Эмиль Ожие және Викториен Сарду қолданды. Сарду 1860–1900 жылдар аралығында әлемдегі ең танымал драматургтардың бірі болды. Ол «жақсы жасалған пьесаны» комедиядан бастап тарихи спектакльдерге дейін әр түрлі драмалық жанрға бейімдеді. Ұлыбританияда Уилки Коллинз, Генри Артур Джонс және Артур Пинеро сияқты драматургтар осы жанрды қабылдады, ал Коллинз «жақсы жасалған пьесаны» былай сипаттады: «Оларды күлдіріңіз; оларды жылатыңыз; оларды күтіріңіз». Джордж Бернард Шоу Сардудың пьесалары 19 ғасырдың соңындағы театрдың төмендеуі мен ақылсыздығын бейнелейді деп есептеді, бұл жағдайды ол «Сардодледом» деп атады. Шектеулерден құтылу үшін Странд бойындағы патентсіз театрлар, мысалы, Санс-Парейль, Лорд Чемберленнің кеңсесі оларға бурлетталар қоюға рұқсат бергеннен кейін, музыкалық интерлюдиялар мен комедиялық этюдтармен драмалық көріністерді ұштастырды. Лондонның айналасындағы театрлар, мысалы, Астли амфитеатры мен Кобург та ережелерден тыс жұмыс істей алды. Бұл формалардың үлкен танымалдылығы патенттік жүйені тиімсіз етіп, 1830 жылдары екеуінің арасындағы шекараны бұзды, содан кейін 1843 жылы Театрлар заңымен Лицензиялау заңы жойылды. Парламент бұл көрермендерді өркениеттендіріп, сауатты драматургияны дамытады деп үміттене білді, бірақ керісінше, музыкалық залдардың, комедиялардың және сенсациялық мелодрамалардың өркендеуіне себеп болды. Перси Биш Шелли мен Лорд Байрон өз заманының ең маңызды әдеби драматургтары болды (Шеллидің пьесалары ғасыр соңына дейін қойылмаған болса да). Шекспир өте танымал болды және 17 және 18 ғасырлардағы театрлық нұсқаларын қайта жазу тоқтатылғаннан кейін, түпнұсқа мәтінге жақын нұсқаларымен қойыла бастады. Коцебуэдің пьесалары ағылшын тіліне аударылды, ал Томас Холкрофттың «Айнала сыр» романы көптеген ағылшын мелодрамаларының біріншісі болды. Пирс Иган, Дуглас Уильям Джеррольд, Эдвард Фитцболл, Джеймс Роланд Макларен және Джон Болдвин Бакстоун тарихи немесе фантастикалық мелодрамаларға қарағанда қазіргі заманғы және ауылдық оқиғаларға басымдық беру үрдісін бастады. Джеймс Шеридан Ноулз және Эдвард Булвер-Литтон аристократиямен бұрынғы беделін қайта орнатуға көмектесетін «жантәсілдік» драманы құрды. Ғасыр бойы театрлардың көпшілігі актер-директорлердің басқаруында болды, олар мекемені басқарды және көбінесе басты рөлдерде ойнады. Генри Ирвинг, Чарльз Кин және Герберт Бербом Три – өзі жұлдыз болған қойылымдарды жасаған директорлердің мысалы. Ирвинг 1871 жылдан 1899 жылға дейін Лицей театрына 30 жылға жуық уақыт бойы үстемдік етті және көрермендердің сүйіктісі болды. Ол 1905 жылы қайтыс болғанда король Эдуард VII және Теодор Рузвельт көңіл айтуын білдірді. Осы актер-директорлардың арасында Шекспир көбінесе ең танымал жазушы болды, өйткені оның пьесалары оларға үлкен драмалық мүмкіндіктер мен танымалдық әкелді. Бұл қойылымдардың сахналық әсері көбінесе пьесадан маңыздырақ болды және басты рөлдерге барынша назар аудару үшін мәтіндер жиі қысқартылды. Дегенмен, олар театр процесіне маңызды реформалар енгізді. Мысалы, Уильям Чарльз МакКреди процеске дұрыс репетицияларды енгізген алғашқы адам болды. Бұрын басты актерлер көбінесе қалған актерлермен репетиция жасамайтын: Эдмунд Киннің әріптестеріне берген ең танымал нұсқаулары «Менің алдымда тұрыңыз және ең нашар нәрсені жасаңыз» болды. Бұл, сондай-ақ, Лондон мен Нью-Йоркте көшелерде жарықтандырудың және көлік құралдарының жақсаруы нәтижесінде 19 ғасырдың соңы мен 20 ғасырдың басында Батыс Эндте және Бродвейде театрлардың қарқынды дамуына әкелді. Ғасыр соңында Эдвардтық музыкалық комедия музыкалық сахнада үстемдік құрды. 1890 жылдары Оскар Уайльд пен Джордж Бернард Шоудың комедиялары күрделі әлеуметтік мәселелерді көтеріп, өте танымал болды.
In France, the "well made play" of Eugene Scribe (1791–1861) became popular with playwrights and audiences. First developed by Scribe in 1825, the form has a strong Neoclassical flavour, involving a tight plot and a climax that takes place close to the end of the play. The story depends upon a key piece of information kept from some characters, but known to others (and to the audience). A recurrent device that the well made play employs is the use of letters or papers falling into unintended hands, to bring about plot twists and climaxes. The suspense and pace builds towards a climactic scene, in which the hero triumphs in an unforeseen reversal of fortune. Scribe himself wrote over 400 plays of this type, using what essentially amounted to a literary factory with writers who supplied the story, another the dialogue, a third the jokes and so on. Although he was highly prolific and popular, he was not without detractors: Théophile Gautier questioned how it could be that, "an author without poetry, lyricism, style, philosophy, truth or naturalism could be the most successful writer of his epoch, despite the opposition of literature and the critics?" Its structure was employed by realist playwrights Alexandre Dumas, fils, Emile Augier, and Victorien Sardou. Sardou in particular was one of the world's most popular playwrights between 1860 and 1900. He adapted the well made play to every dramatic type, from comedies to historical spectacles. In Britain, playwrights like Wilkie Collins, Henry Arthur Jones and Arthur Pinero took up the genre, with Collins describing the well made play as: “Make ’em laugh; make ’em weep; make ’em wait.” George Bernard Shaw thought that Sardou's plays epitomized the decadence and mindlessness into which the late 19th century theatre had descended, a state that he labeled "Sardoodledom". To escape the restrictions, non patent theatres along the Strand, like the Sans Pareil, interspersed dramatic scenes with musical interludes and comic skits after the Lord Chamberlain's Office allowed them to stage Burlettas—leading to the formation of the modern West End. Outside of the metropolitan area of London, theatres like Astley's Amphitheatre and the Coburg were also able to operate outside of the rules. The exploding popularity of these forms began to make the patent system unworkable and the boundaries between the two began to blur through the 1830s until finally the Licensing Act was dropped in 1843 with the Theatres Act. Parliament hoped that this would civilize the audiences and lead to more literate playwrighting—instead, it created an explosion of Music halls, comedies and sensationalist melodramas. Percy Bysshe Shelley and Lord Byron were the most important literary dramatists of their time (although Shelley's plays were not performed until later in the century). Shakespeare was enormously popular, and began to be performed with texts closer to the original, as the drastic rewriting of 17th and 18th century performing versions for the theatre were gradually removed over the first half of the century. Kotzebue's plays were translated into English and Thomas Holcroft's A Tale of Mystery was the first of many English melodramas. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball, James Roland MacLaren and John Baldwin Buckstone initiated a trend towards more contemporary and rural stories in preference to the usual historical or fantastical melodramas. James Sheridan Knowles and Edward Bulwer Lytton established a "gentlemanly" drama that began to re establish the former prestige of the theatre with the aristocracy. Theatres throughout the century were dominated by actor managers who managed the establishments and often acted in the lead roles. Henry Irving, Charles Kean and Herbert Beerbohm Tree are all examples of managers who created productions in which they were the star performer. Irving especially dominated the Lyceum Theatre for almost 30 years from 1871 to 1899 and was hero worshipped by his audiences. When he died in 1905, King Edward VII and Theodore Roosevelt send their condolences. Among these actor managers, Shakespeare was often the most popular writer as his plays afforded them great dramatic opportunity and name recognition. The stage spectacle of these productions was often more important than the play and texts were often cut to give maximum exposure to the leading roles. However, they also introduced significant reforms into the theatrical process. For example, William Charles Macready was the first to introduce proper rehearsals to the process. Before this lead actors would rarely rehearse their parts with the rest of the cast: Edmund Kean's most famous direction to his fellow actors being, "stand upstage of me and do your worst." This, together with much improved street lighting and transportation in London and New York led to a late Victorian and Edwardian theatre building boom in the West End and on Broadway. At the end of the century, Edwardian musical comedy came to dominate the musical stage. In the 1890s, the comedies of Oscar Wilde and George Bernard Shaw offered sophisticated social comment and were very popular.
АҚШ-тағы театр
АҚШ-та Филадельфия 1820 жылдарға дейін театрдың басты орталығы болды. Онда Томас Вигнелл «Честнат-стрит» театрын құрып, Уильям Уоррен, Сусанна Роусон және кейін Солтүстік Американың жетекші актері саналған Томас Абторп Купер сияқты актерлер мен драматургтер тобын жинады. Америка революциясынан кейінгі алғашқы жылдары көптеген американдықтар «туған драманың» жетіспеуіне қайғырды, бірақ Ройалл Тайлер, Уильям Данлап, Джеймс Нельсон Баркер, Джон Говард Пэйн және Сэмюэл Вудворт сияқты драматургтер Ұлыбританиядан бөлек американдық драманың негізін қалады. Осы кезеңде түпнұсқа пьесалардың аздығының себебі драматургтерге жұмысы үшін сирек ақы төленгендігі және менеджерлер үшін шетелдік туындыларды бейімдеу немесе аудару әлдеқайда арзан болғандығы болуы мүмкін. Дәстүр бойынша, жазушыға сыйақы үшін көрсетілімнің үшінші түніне арналған пайда көрсетілімі қарастырылған, бірақ көптеген менеджерлер үшінші көрсетілімге дейін қойылымды жауып, осы әдеттен қашып өткен. «Америкалық драманың әкесі» атанған Данлап британдық офицерлердің пьесаларын көріп өсті және революциядан кейін Лондонда тұрғанда театр мәдениетіне толыққанды енді. Нью-Йорктегі Джон Стрит театры мен Парк театрының директоры ретінде ол елге көрген пьесаларын және театрлық құндылықтарын әкелді. Заманының көптеген драматург-директорлары сияқты, Данлап француз немесе неміс драматургтарының мелодрамалық туындыларын бейімдеді немесе аударды, сонымен қатар «Әке» (1789), «Андре» (1798) және «Италиялық әке» (1799) сияқты 29 түпнұсқа пьеса жазды. 1820-1830 жылдары американдықтардың тұрмыстық жағдайының жақсаруы және өсіп келе жатқан орта таптың ойын-сауыққа деген сұранысының артуы Нью-Йорк, Филадельфия, Бостон және Вашингтонда Чатэм Гарден, Федерал Стрит, Тремонт, Ниблоның бақшасы және Боури сияқты жаңа театрлардың салынуына әкелді. Осы кезеңнің басында Филадельфия ірі театр орталығы болып қала берді: пьесалар көбінесе қыркүйек немесе қазан айында Балтиморда ашылып, сәуір немесе мамыр айларына дейін Филадельфиядағы үлкен театрларға ауыстырылып, содан кейін Вашингтон немесе Александрияда жазғы маусым өткізілді. Алайда, бәсекелестік пен экономикалық қиындықтар 1828 жылдың 1 қазаны мен 1829 жылдың 27 мамыры аралығында сегіз ай ішінде бес ірі театр компаниясының банкротқа ұшырауына себеп болды. Осыған және Клара Фишер сияқты жұлдызды актерлердің шақырылуына байланысты Нью-Йорк американдық театрдың басты қаласы болды. Форрест 1872 жылға дейін әлем бойынша мыңнан астам қойылымда рөл ойнауын жалғастырды. Бёрд пен Форрест алғашқы ынтымақтастығының табысынан кейін «Ораллоса», «Инкалардың ұлы» және «Боготаның брокері» пьесаларының премьерасында бірге жұмыс істеді. Бірақ «Гладиатордың» табысы келісімшарт бойынша келіспеушіліктерге әкелді, Бёрд Форрестке, оның пьесаларынан ондаған мың доллар тапқан, оған 2000 доллардан астам қарыз болды деп мәлімдеді. Миньстрель шоулары 1830 жылдардың басында қысқа бурлесктер мен әзіл-сықақтар ретінде пайда болды. Олар келесі онжылдықта толыққанды формаға келді. 1848 жылға қарай қара жүзді миньстрель шоулары ұлттық өнер түріне айналды, опера сияқты формалды өнерді жалпы көрермен үшін танымал тілге аударды. Әр шоуда әзіл-сықақ, әртүрлі қойылымдар, билер мен музыкалық өнерлер болды, олар африкалық текті адамдарды мазақ етті. Шоуларда қара нәсілді адамдар рөлін ойнау үшін ақ нәсілділер макияж жасап немесе жүзін қаралатып өнер көрсетті. Миньстрель әндері мен эскиздерінде бірнеше тұрақты кейіпкерлер болды, ең танымалдары – құл мен денди. Бұлар одан әрі мама, оның қарсыласы – қарт қараңғы, қозушы мулат қыз және қара солдат сияқты кіші топтарға бөлінді. Миньстрельдер өз әндері мен билерінің нағыз қара нәсілділер екенін мәлімдеді, бірақ қара нәсілділердің ықпалының ауқымы әлі де даулы. Жұлдызды актерлер қазіргі атақтылар мен спортшыларға ұқсас, өте адал жандардың қатарына қосылды. Сонымен қатар, көрермендер театрларды актерлерге ғана емес, сонымен қатар әртүрлі сыныптар мен саяси көзқарастағы театрға қатысатын әріптестеріне де өз сезімдерін білдіретін орын ретінде қарады, ал театрлардағы тәртіпсіздіктер Нью-Йоркте жиі кездесетін. Бұл жұлдыздардың күшінің мысалы – 1849 жылы америкалық жұлдыз Эдвин Форрест пен ағылшын актері Уильям Чарльз Макриди арасындағы қақтығыстан туындаған Астор-плейс көтерілісі. Көтерілісте иммигранттар мен туған жершілдер қақтығысты, кемінде 25 адам қаза тауып, 120-дан астам адам жарақаттанды. Азамат соғысынан бұрынғы кезеңде АҚШ-та саяси маңызы бар пьесалар да көп қойылды. Америка 1830-1840 жылдары батысқа қарай жылжу кезінде театрлар Покахонтас, Пауни басшысы, Де Сото және Метамора немесе Вампаноагтардың соңғысы сияқты американдық индейлердің бейнесін романтикалық түрде көрсетіп, оларға жасалған қатыгездікті жасырды. 1825-1860 жылдар аралығында мұндай пьесалардың елуге жуығы қойылды, соның ішінде Джон Броухемнің «асыл жабайының» пародийлік қойылымдары да болды. Ағымдағы оқиғаларға ден қойып, көптеген драматургтер күннің маңызды мәселелерін қамтитын қысқа комедиялар жазды. Мысалы, «Депозиттерді алып тастау» Эндрю Джексонның банктермен және вигтермен және демократтармен болған шайқасына реакция ретінде 1835 жылы Боуриде қойылған фарс болды, ал «Саясатқа махаббат жоқ» Американың екі саяси партиясы арасындағы күресті қамтыған пьеса болды. 1852 жылы Гарриет Бичер Стоу «Том қабіненің құлы» атты құлдыққа қарсы роман жариялады және күшті авторлық құқық заңдары болмағандықтан, ол бірден елдің барлық театрларында қойылды. Нью-Йорктегі Ұлттық театрда ол үлкен табысқа ие болды және 1854 жылға дейін аптасына он екі ретке дейін екі жүзден астам қойылымдар өткізді. Джордж Эйкеннің қойған пьесасы жеке тұрған, басқа ойын-сауықтар немесе қосымша қойылымдарсыз алты актілі қойылым болды. Миньстрельдің «Том қабіненің құлына» реакциясы сол кездегі плантациялық мазмұнды көрсетеді. Томның кейіпкерлері басқа плантациялық әңгімелердің орнына келді, әсіресе үшінші актіде. Бұл эскиздер кейде Стоудың романын қолдады, бірақ көбінесе оны кері қайтарды немесе авторын сынады. Ниет етілген хабарламасы қандай болса да, ол көбінесе қойылымның қуанышты, әзіл-сықақ атмосферасында жоғалып кетті. Саймон Лигри сияқты кейіпкерлер кейде жоғалып кететін, ал атауы жиі «Қуанышты Том» немесе «Дәдінің қабіненің құлы» сияқты көңіл көтерушірек нәрсеге өзгертілетін. Томның өзі жиі қызықтап, мазақ етуге болатын зиянсыз құл ретінде бейнеленетін. Томмеркомпаниялары деп аталатын труппалар мұндай пародийлерге маматанды, ал театрлық Том шоулары миньстрель шоуларының элементтерін біріктіріп, бір кезде олармен бәсекелестікке түсті. Азамат соғысынан кейін американдық сахна мелодрамалармен, миньстрель шоуларымен, комедиялармен, фарстармен, цирктермен, водевильдермен, бурлесктермен, опералармен, оперетталармен, мюзиклдермен, музыкалық шоулармен, медициналық шоулармен, ойын-сауық орталықтарымен және Батыс шоуларымен басым болды. Остин Дейли, Эдвард Харриган, Дион Бусико және Бронсон Ховард сияқты көптеген американдық драматургтер мен театр қызметкерлері «американдық драматургтің сәтсіздігіне» қайғырды. Алайда, 19 ғасырдың соңында иммиграциядан туындаған қалалар мен қалалық аймақтардың өркендеуі, әлеуметтік өзгерістер және технология, коммуникация және көліктегі инновациялар американдық театрға зор әсер етті. Бостонда, Алтын ғасыр қоғамынан шеттетілгеніне қарамастан, ирланд-американдық актерлер сәттілікке жетті, соның ішінде Лоуренс Барретт, Джеймс О'Нил, Дэн Эмметт, Тони Харт, Энни Йеманс, Джон Маккалоу, Джордж М. Кохан және Лоретта Тейлор, ал ирланд драматургтері сахнаны басып алды, соның ішінде Дейли, Харриган және Джеймс Херн. 1883 жылы Киральфи ағалары Нью-Йорктегі Ниблоның бақшасында көрсетуге тиіс «Excelsior» атты музыкалық балетке электр шамдарын қосу мүмкіндігін білу үшін Менло-парктегі Томас Эдисонмен кездесті. Өзі шоумен болған Эдисон бұл кәсіптің сұранысты тудыру әлеуетін түсінді...
In the United States, Philadelphia was the dominant theatrical centre until the 1820s. There, Thomas Wignell established the Chestnut Street Theatre and gathered a group of actors and playwrights that included William Warren, Susanna Rowson, and Thomas Abthorpe Cooper, who later was considered the leading actor in North America. In its infancy after the American Revolution, many Americans lamented the lack of a 'native drama', even while playwrights such as Royall Tyler, William Dunlap, James Nelson Barker, John Howard Payne, and Samuel Woodworth laid the foundations for an American drama separate from Britain. Part of the reason for the dearth of original plays in this period may be that playwrights were rarely paid for their work and it was much cheaper for managers to adapt or translate foreign work. Tradition held that remuneration was mainly in the form of a benefit performance for the writer on the third night of a run, but many managers would skirt this custom by simply closing the show before the third performance. Known as the "Father of the American Drama", Dunlap grew up watching plays given by British officers and was heavily immersed in theatrical culture while living in London just after the Revolution. As the manager of the John Street Theatre and Park Theatre in New York City, he brought back to his country the plays and theatrical values that he had seen. Like many playwright managers of his day, Dunlap adapted or translated melodramatic works by French of German playwrights, but he also wrote some 29 original works including The Father (1789), André (1798), and The Italian Father (1799). From 1820 to 1830, improvements in the material conditions of American life and the growing demand of a rising middle class for entertainment led to the construction of new theatres in New York, Philadelphia, Boston and Washington, including Chatham Garden, Federal Street , the Tremont, Niblo's Garden and the Bowery. During the early part of this period, Philadelphia continued to be the major theatrical centre: plays would often open in Baltimore in September or October before transferring to larger theatres in Philadelphia until April or May, followed by a summer season in Washington or Alexandria. However, rivalries and larger economic forces led to a string of bankruptcies for five major theatre companies in just eight months between 1 October 1828 and 27 May 1829. Due to this and the import of star system performers like Clara Fisher, New York took over as the dominant city in American theatre. Forrest would continue to play the role for over one thousand performances around the world until 1872. Following the success of their early collaboration, Bird and Forrest would work together on further premieres of Oralloosa, Son of the Incas and The Broker of Bogota. But the success of The Gladiator led to contract disagreements, with Bird arguing that Forrest, who had made tens of thousands from Bird's plays, owed him more than the $2,000 he had been paid. Minstrel shows emerged as brief burlesques and comic Entr'actes in the early 1830s. They were developed into full fledged form in the next decade. By 1848, blackface minstrel shows were the national art form, translating formal art such as opera into popular terms for a general audience. Each show consisted of comic skits, variety acts, dancing, and music performances that mocked people specifically of African descent. The shows were performed by Caucasians in make up or blackface for the purpose of playing the role of black people. Minstrel songs and sketches featured several Stock characters, most popularly the slave and the dandy. These were further divided into sub archetypes such as the mammy, her counterpart the old darky, the provocative mulatto wench, and the black soldier. Minstrels claimed that their songs and dances were authentically black, although the extent of the black influence remains debated. Star actors amassed an immensely loyal following, comparable to modern celebrities or sports stars. At the same time, audiences had always treated theaters as places to make their feelings known, not just towards the actors, but towards their fellow theatergoers of different classes or political persuasions, and theatre Riots were a regular occurrence in New York. An example of the power of these stars is the Astor Place riot in 1849, which was caused by a conflict between the American star Edwin Forrest and the English actor William Charles Macready. The riot pitted immigrants and nativists against each other, leaving at least 25 dead and more than 120 injured. In the pre Civil War era, there were also many types of more political drama staged across the United States. As America pushed west in the 1830s and 40s, theatres began to stage plays that romanticized and masked treatment of Native Americans like Pocahontas, The Pawnee Chief, De Soto and Metamora or the Last of the Wampanoags. Some fifty of these plays were produced between 1825 and 1860, including burlesque performances of the "noble savage" by John Brougham. Reacting off of current events, many playwrights wrote short comedies that dealt with the major issues of the day. For example, Removing the Deposits was a farce produced in 1835 at the Bowery in reaction to Andrew Jackson's battle with the banks and Whigs and Democrats, or Love of No Politics was a play that dealt with the struggle between America's two political parties. In 1852, Harriet Beecher Stowe published the anti slavery novel Uncle Tom's Cabin and, without any strong copyright laws, was immediately dramatized on stages across the country. At the National Theatre in New York, it was a huge success and ran for over two hundred performances up to twelve times per week until 1854. The adaptation by George Aiken was a six act production that stood on its own, without any other entertainments or afterpiece. Minstrelsy's reaction to Uncle Tom's Cabin is indicative of plantation content at the time. Tom acts largely came to replace other plantation narratives, particularly in the third act. These sketches sometimes supported Stowe's novel, but just as often they turned it on its head or attacked the author. Whatever the intended message, it was usually lost in the joyous, slapstick atmosphere of the piece. Characters such as Simon Legree sometimes disappeared, and the title was frequently changed to something more cheerful like "Happy Uncle Tom" or "Uncle Dad's Cabin". Uncle Tom himself was frequently portrayed as a harmless bootlicker to be ridiculed. Troupes known as Tommercompanies specialized in such burlesques, and theatrical Tom shows integrated elements of the minstrel show and competed with it for a time. After the Civil War, the American stage was dominated by melodramas, minstrel shows, comedies, farces, circuses, vaudevilles, burlesques, operas, operettas, musicals, musical revues, medicine shows, amusement arcades, and Wild West shows. Many American playwrights and theatre workers lamented the "failure of the American playwright", including Augustin Daly, Edward Harrigan, Dion Boucicault, and Bronson Howard. However, as cities and urban areas boomed from immigration in the late nineteenth century, the social upheaval and innovation in technology, communication and transportation had a profound effect on the American theatre. In Boston, although ostracized from Gilded Age society, Irish American performers began to find success, including Lawrence Barrett, James O'Neill, Dan Emmett, Tony Hart, Annie Yeamans, John McCullough, George M. Cohan, and Laurette Taylor, and Irish playwrights came to dominate the stage, including Daly, Harrigan, and James Herne. In 1883, the Kiralfy brothers met with Thomas Edison at Menlo Park to see if the electric light bulb could be incorporated into a musical ballet called Excelsior that they were to present at Niblo's Gardens in New York City. A showman himself, Edison realized the potential of this venture to create demand for his invention, and together they designed a finale to the production that would be illuminated by more than five hundred light bulbs attached to the costumes of the dancers and to the scenery. When the show opened on 21 August, it was an immediate hit, and would subsequently be staged in Buffalo, Chicago, Denver and San Francisco. Thus, electric lighting in the theatre was born and would radically change not just stage lighting, but the principles of scenic design. This culminated in the founding of the Theatre Syndicate in 1896. New York City's importance as a theatrical center grew in the 1870s around Union Square until it became the primary theatre center, and the Theater District slowly moved north from lower Manhattan until it finally arrived in midtown at the end of the century. On the musical stage, Harrigan and Hart innovated with comic musical plays from the 1870s, but London imports came to dominate, beginning with Victorian burlesque, then Gilbert and Sullivan from 1880, and finally (in competition with George M. Cohan and musicals by the Gershwins) Edwardian musical comedies at the turn of the century and into the 1920s. The Meiningen Ensemble traveled throughout Europe from 1874 to 1890 and met with unparalleled success wherever they went. Audiences had grown tired with regular, shallow entertainment theatre and were beginning to demand a more creatively and intellectually stimulating form of expression that the Ensemble was able to provide. Therefore, the Meiningen Ensemble can be seen as the forerunners of the art theatre movement which appeared in Europe at the end of the 1880s. Richard Wagner (1813–1883) rejected the contemporary trend toward realism and argued that the dramatist should be a myth maker who portrays an ideal world through the expression of inner impulses and aspirations of a people. Wagner used music to defeat performers' personal whims. The melody and tempo of music allowed him to have greater personal control over performance than he would with spoken drama. As with the Meininger Ensemble, Wagner believed that the author composer should supervise every aspect of production to unify all the elements into a "master art work." Wagner also introduced a new type of auditorium that abolished the side boxes, pits, and galleries that were a prominent feature of most European theatres and replaced them with a 1,745 seat fan shaped auditorium that was 50 feet (15 m) wide at the proscenium and 115 feet (35 m) at the rear. This allowed every seat in the auditorium to enjoy a full view of the stage and meant that there were no "good" seats.
Реализмнің Ресейдегі өрлеуі
Ресейде Александр Грибоедов, Александр Пушкин және Николай Полевой ең көрнекті драматургтар болды. Басқа елдердегідей, Ресейде де мелодрама мен музыкалық театр үстемдік құрды. Николай Гогольдің пьесалары мен Михаил Щепкиннің актерлік өнерінің арқасында реалистік драмалық жанр қалыптаса бастады. Үкіметтің қатаң бақылауымен ресейлік театр едәуір кеңейді. Принц Александр Шаховский мемлекеттік театрлар мен оқу орындарын ашты, Париж сапарынан кейін ресейлік қойылымдардың деңгейін көтеруге тырысты және 1917 жылға дейін қолданыста болған труппаларды басқару ережелерін енгізді. Реализм Еуропаның басқа аймақтарына қарағанда Ресейде XIX ғасырда ертерек пайда болды және одан да қатаң форма алды. Иван Тургеневтің (ішкі толқуды көрсету үшін "күнделікті тұрмыстың егжей-тегжейін" пайдаланған), Александр Островскийдің (Ресейдің алғашқы кәсіби драматургы), Алексей Писемскийдің (оның "Ащы тағдыры" (1859) натурализмнің пайда болуын болжаған) және Лев Толстойдың ("Қараңғылық күші" (1886) - "натуралистік пьесалардың ең әсерлілерінің бірі") пьесаларынан басталып, Ресейдегі психологиялық реализм дәстүрі Константин Станиславский мен Владимир Немирович-Данченконың Мәскеу өнер театрын құруымен аяқталды. Островскийге ерекше орыс драмасын жасауда зор үлес қосылғандығы жиі айтылады. Оның "Ербір данада ақымақтық жетерлік" (1868) және "Дауыл" (1859) пьесалары оның жақсы білген орта таптың өмірінен алынған. XIX ғасырдың басқа да маңызды орыс драматургтары Александр Сухово-Кобылин (оның "Тарлькиннің өлімі" (1869) абсурд театрының алға басуы болды) және Михаил Салтыков-Щедрин.
In Russia, Aleksandr Griboyedov, Alexander Pushkin, and Nikolai Polevoy were the most accomplished playwrights. As elsewhere, Russia was dominated by melodrama and musical theatre. More realistic drama began to emerge with the plays of Nikolai Gogol and the acting of Mikhail Shchepkin. Under close government supervision, the Russian theatre expanded considerably. Prince Alexander Shakhovskoy opened state theatres and training schools, attempted to raise the level of Russian production after a trip to Paris, and put in place regulations for governing troupes that remained in effect until 1917. Realism began earlier in the 19th century in Russia than elsewhere in Europe and took a more uncompromising form. Beginning with the plays of Ivan Turgenev (who used "domestic detail to reveal inner turmoil"), Aleksandr Ostrovsky (who was Russia's first professional playwright), Aleksey Pisemsky (whose A Bitter Fate (1859) anticipated Naturalism), and Leo Tolstoy (whose The Power of Darkness (1886) is "one of the most effective of naturalistic plays"), a tradition of psychological realism in Russia culminated with the establishment of the Moscow Art Theatre by Konstantin Stanislavski and Vladimir Nemirovich Danchenko. Ostrovsky is often credited with creating a peculiarly Russian drama. His plays Enough Stupidity in Every Wise Man (1868) and The Storm (1859) draw on the life that he knew best, that of the middle class. Other important Russian playwrights of the 19th century include Alexander Sukhovo Kobylin (whose Tarelkin's Death (1869) anticipated the Theatre of the Absurd) and Mikhail Saltykov Shchedrin.
Натурализм және реализм
Натурализм, Чарльз Дарвиннің "Түрлердің шығу тегі" (1859) және заманауи саяси және экономикалық жағдайлардың нәтижесінде туған театрлық қозғалыс, өзінің басты қолдаушысын Эмиль Зола тұлғасында тапты. Оның "Театрдағы натурализм" (1881) атты эссесінде поэзияның өткенге немесе абстракцияға емес, барлық жерде бар екендігі айтылды: "Буржуаның шағын пәтерінде тарихтың тозығы жеткен, құрт жеген сарайларынан гөрі поэзия көп". Золаның идеяларын іске асыруға қабілетті натуралистік драма жазатын драматургтардың жетіспеуі кедергі келтірді. Андре Антуан 1880-ші жылдары өз Théâtre Libre-ін құрды, ол тек мүшелерге ғана ашық болғандықтан цензурадан босатылды. Ол тез арада Золаның қолдауын алды және натуралистік және басқа да шетелдік реалистік туындыларды сахналауға кірісті. Антуанның декорация жасау ерекшелігі – ол "төртінші қабырғасы" сақталған декорацияларды құрап, кейін қай қабырғаны алып тастау керектігін шешетін. Осы кезеңдегі маңызды француз драматургтарының алғашқы оқылуы Антуанға тиесілі болды, олардың ішінде Жорж Порто-Риш, Франсуа де Кюрель және Эжен Брю болды. Генри Артур Джонс пен Артур Уинг Пинероның туындылары ағылшын сахнасында жаңа бағыт ашты. Олардың еңбегі жол ашса да, драматургияның дамуы драматург Хенрик Ибсенге көп қарызды. Ибсен 1828 жылы Норвегияда дүниеге келді. Ол 25 пьеса жазды, олардың ең танымалдары – "Қуыршақ үйі" (1879), "Үлгірсіздер" (1881), "Жабайы қаз" (1884) және "Хедда Габлер" (1890). "Қуыршақ үйі" мен "Үлгірсіздер" консерваторларды дүрліктірді: "Қуыршақ үйі" пьесасындағы Нораның кетуі отбасы мен үйге жасалған шабуыл ретінде қарастырылды, ал "Үлгірсіздер" пьесасындағы венериялық аурулар мен жарамсыз мінез-құлыққа жасалған сілтемелер қоғамдық әдеп нормаларын бұзу деп есептелді. Ибсен Скрибтің жақсы жасалған пьеса формуласын реалистік стильге сәйкес ету үшін жетілдірді. Ол реалистік мектептің жазушыларына үлгі болды. Сонымен қатар, оның "Росмерсхольм" (1886) және "Біз өлгендер оянғанда" (1899) туындылары адам тағдырында жұмыс істейтін құпия күштерді сезіндіреді, бұл символизмнің және "Абсурд театры" деп аталатын театрдың маңызды тақырыбы болды. Ибсеннен кейін британдық театр Джордж Бернард Шоу, Оскар Уайльд және (іс жүзінде 1900 жылдан бастап) Джон Галсуортидің туындыларының арқасында қайта жанданды. Өз замандастарының көңіл көтерілмейтін және өте тұңғыш туындыларынан айырмашылығы, Шоу мен Уайльд негізінен комедиялық жанрда жазды.
Naturalism, a theatrical movement born out of Charles Darwin's The Origin of Species (1859) and contemporary political and economic conditions, found its main proponent in Émile Zola. His essay "Naturalism in the Theatre" (1881) argued that poetry is everywhere instead of in the past or abstraction: "There is more poetry in the little apartment of a bourgeois than in all the empty worm eaten palaces of history." The realisation of Zola's ideas was hindered by a lack of capable dramatists writing naturalist drama. André Antoine emerged in the 1880s with his Théâtre Libre that was only open to members and therefore was exempt from censorship. He quickly won the approval of Zola and began to stage Naturalistic works and other foreign realistic pieces. Antoine was unique in his set design as he built sets with the "fourth wall" intact, only deciding which wall to remove later. The most important French playwrights of this period were given first hearing by Antoine including Georges Porto Riche, François de Curel, and Eugène Brieux. The work of Henry Arthur Jones and Arthur Wing Pinero initiated a new direction on the English stage. While their work paved the way, the development of more significant drama owes itself most to the playwright Henrik Ibsen. Ibsen was born in Norway in 1828. He wrote 25 plays, the most famous of which are A Doll's House (1879), Ghosts (1881), The Wild Duck (1884), and Hedda Gabler (1890). A Doll's House and Ghosts shocked conservatives: Nora's departure in A Doll's House was viewed as an attack on family and home, while the allusions to venereal disease and sexual misconduct in Ghosts were considered deeply offensive to standards of public decency. Ibsen refined Scribe's well made play formula to make it more fitting to the realistic style. He provided a model for writers of the realistic school. In addition, his works Rosmersholm (1886) and When We Dead Awaken (1899) evoke a sense of mysterious forces at work in human destiny, which was to be a major theme of symbolism and the so called "Theatre of the Absurd". After Ibsen, British theatre experienced revitalization with the work of George Bernard Shaw, Oscar Wilde, and (in fact from 1900) John Galsworthy. Unlike most of the gloomy and intensely serious work of their contemporaries, Shaw and Wilde wrote primarily in the comic form.
Сахна жарығы
XVIII ғасырдағы театрлар шамдар мен май шамдарымен жарықтандырылды, олардың негізгі мақсаты – көрермендердің қойылымды көруіне мүмкіндік беру болған, басқа еш мақсаты болмаған. Бұл 19-ғасырдың басында газ жарығының енгізілуімен өзгерді, оны 1810-1820 жылдары ірі театрлар үй мен сахнаны жарықтандыру үшін біртіндеп қабылдады. Газ жарығының пайда болуы сахна жарығында революция жасады. Ол ойынға және проскуниум аркасының алдындағы сахналық кеңістікке жақын, табиғирақ және жеткілікті жарық берді. Газ шамдарын басқару мүмкіндігі болмаса да, бұл жақын арада өзгеретін еді. Ұлыбританиядағы Лондон театрлары 1830-шы жылдардың соңында сахнаға лайм жарығын (прожектор) енгізді. Парижде көміртекті электр доғасынан тұратын шам 1840 жылдары қолданыла бастады. Бұл екі түрлі жарықтандыруды қолмен басқаруға және қосымша линза арқылы шоғырландыруға болады, соның арқасында театрға алғаш рет белгілі бір актерлерге жарықты бағыттау мүмкіндігі туды. 1880 жылдардан бастап театрлар біртіндеп электрлендіріле бастады, ал 1881 жылы Савой театры толық электрлендірілген жарық жүйесіне ие болған әлемдегі алғашқы театр атанды. Савой театрын салған Ричард Д'Ойли Карт электр жарығын неге енгізгенін былай түсіндірді: "Театрлық қойылымдардың тамашалануына ең үлкен кедергі, сөзсіз, барлық театрларды билеп тұрған лас ауа мен ыстық. Әрбір газ шамдығы көптеген адамдар сияқты оттегіні жұтып, үлкен жылу шығарады. Ал шамдар оттегіні жұтпайды және сезілетін жылу да бермейді". Электр жарығының пайда болуы реализмнің өрлеуімен бірге жүрді: жарықтың жаңа түрлері көріністердегі шұғылалы бөлшектерді және нәзік, шынайы актерлік шеберлікті ынталандырды.
The eighteenth century theatre had been lit by candles and oil lamps which were mainly provided for illumination so that the audience could see the performance, with no further purpose. This changed in the early 19th century with the introduction of gas lighting which was slowly adopted by the major theatres throughout the 1810s and 1820s to provide illumination for the house and the stage. The introduction of gas lighting revolutionized stage lighting. It provided a somewhat more natural and adequate light for the playing and the scenic space upstage of the proscenium arch. While there was no way to control the gas lights, this was soon to change as well. In Britain, theatres in London developed limelight for the stage in the late 1830s. In Paris, the electric carbon arc lamp first came into use in the 1840s. Both of these types of lighting were able to be hand operated and could be focused by means of an attached lens, thus giving the theatre an ability to focus light on particular performers for the first time. From the 1880s onwards, theatres began to be gradually electrified with the Savoy Theatre becoming the first theatre in the world to introduce a fully electrified theatrical lighting system in 1881. Richard D'Oyly Carte, who built the Savoy, explained why he had introduced electric light: "The greatest drawbacks to the enjoyment of the theatrical performances are, undoubtedly, the foul air and heat which pervade all theatres. As everyone knows, each gas burner consumes as much oxygen as many people, and causes great heat beside. The incandescent lamps consume no oxygen, and cause no perceptible heat." Notably, the introduction of electric light coincided with the rise of realism: the new forms of lighting encouraged more realistic scenic detail and a subtler, more realistic acting style.
Сценалық дизайн
Ғасырдың басындағы маңызды көркем өзгерістердің бірі – жиі қолданылатын екі өлшемді сахна фондарынан үш өлшемді декорацияларға көшу болды. Бұрын екі өлшемді орта болғандықтан, сахнадағы драмалық оқиғаларға толыққанды, физикалық кеңістік берілмейтін. Ғасырдың бірінші жартысында үш өлшемді декорациялар енгізілген кезде бұл өзгерді. Көрермендер мен сахна динамикасының өзгеруімен, сондай-ақ театр архитектурасының дамуы, сахна өзгертулерді жасыруға мүмкіндік берді. Осының нәтижесінде театр көбінесе көрсетуге емес, реалистік бейнелеуге бағытталды және көрермендерді ойдағы "басқа" әлемге саяхаттауға шақырды. 19 ғасырдың басында жылжымалы панорама да пайда болды: ұзын матаға салынған сурет, айналмалы дөңгелектердің көмегімен сахнада ашылып, қозғалыс және орын ауысу иллюзиясын тудыратын.
One of the most important scenic transition into the century was from the often used two dimensional scenic backdrop to three dimensional sets. Previously, as a two dimensional environment, scenery did not provide an embracing, physical environment for the dramatic action happening on stage. This changed when three dimensional sets were introduced in the first half of the century. This, coupled with change in audience and stage dynamic as well as advancement in theatre architecture that allowed for hidden scene changes, the theatre became more representational instead of presentational, and invited audience to be transported to a conceived 'other' world. The early 19th century also saw the innovation of the moving panorama: a setting painted on a long cloth, which could be unrolled across the stage by turning spools, created an illusion of movement and changing locales.