Ағылшыншамен салыстырыңыз: абзацты басыңыз — түпнұсқа терезеде ашылады. Абзац астындағы EN түймесі оны мәтін ішінде көрсетеді.
Мазмұны
Кіріспе
Тоналды баспа техникасы
Tonal printmaking technique
Акватинт – интальолық баспа техникасы, ол сызықтардың орнына тондық аймақтарды шығаратын, сызықтан жасаудың бір түрі. Осы себепті, ол көбінесе сызықтар мен көлеңкелі тонды бірге беру үшін сызықтан жасаумен қолданылады. Сонымен қатар, ол тарихи түрде түрлі түсті басып шығару үшін де қолданылған, әр түрлі түстегі бірнеше пластиналармен басып шығару арқылы, немесе су бояуымен қолмен боялған монохромды басып шығару арқылы. Акватинт 18 ғасырдың соңынан бері үздіксіз қолданылып келеді және шамамен 1770-1830 жылдар аралығында ең көп таралды, бұл кезеңде ол көркемдік және декоративтік басылымдар үшін қолданылды. 1830 жылдан кейін литография және басқа техникалар оның орнын басты. Одан бері суретшілер арасында осы техниканы қайта жандандыру жиі болып тұрады. Акватинт пластинасы салыстырмалы түрде жылдам тозығып, басқа интальо пластиналарына қарағанда қайта өңдеу қиын. Гойяның көптеген пластиналары қайтыс болғаннан кейін тым көп басылып, нашар әсер қалдырды. Акватинт техникасын қолданған ең танымал басылымдардың ішінде Гойяның ірі сериялары, Джон Джеймс Одубонның «Америка құстарының» көп бөлігі (түсі қолмен қосылған) және Мэри Кассаттың бірнеше пластиналарды пайдаланып, түрлі түстермен басылған суреттері бар.
Aquatint is an intaglio printmaking technique, a variant of etching that produces areas of tone rather than lines. For this reason it has mostly been used in conjunction with etching, to give both lines and shaded tone. It has also been used historically to print in colour, both by printing with multiple plates in different colours, and by making monochrome prints that were then hand coloured with watercolour. It has been in regular use since the later 18th century, and was most widely used between about 1770 and 1830, when it was used both for artistic prints and decorative ones. After about 1830 it lost ground to lithography and other techniques. There have been periodic revivals among artists since then. An aquatint plate wears out relatively quickly, and is less easily reworked than other intaglio plates. Many of Goya's plates were reprinted too often posthumously, giving very poor impressions. Among the most famous prints using the aquatint technique are the major series by Goya, many of The Birds of America by John James Audubon (with the colour added by hand), and prints by Mary Cassatt printed in colour using several plates.
Техника
Интальиолық гравюра техникаларында, мысалы, гравировка мен офортта, суретші пластинаның бетіне (акватинт жағдайында, мыс немесе мырыш пластинасы) сия ұстай алатын іздер жасайды. Пластинаның бүкіл бетіне сия жағылады, содан кейін оны тазалап, іздерде ғана сия қалдырылады. Пластина қағаз парағымен бірге баспа машинасынан өткізіледі, қағазды іздерге итеріп, күшті қысым жасалады, нәтижесінде сия қағазға көшіріледі. Бұл әрекет бірнеше рет қайталанады. Офорт сияқты, акватинт металл пластинаны кесу үшін мордент (қышқыл) қолданады. Офортта ине қышқылға төзімді жабын арқылы сызықтар жасаса, акватинт тональды эффект алу үшін ұнтақталған розин (шайыртан) қолданады. Розин қышқылға төзімді және әдетте пластинаға бақыланатын қыздыру арқылы жабысады; розин дәндері орналасқан жерлер ақ болып басылады, ал айналасы қара болады. Тональдық өзгешулер үлкен аумақтарда морденттің әсер ету деңгейімен реттеледі, сондықтан сурет бірден үлкен бөліктермен қалыптасады. Басу алдында розин пластинадан жуылып алынады. Мезотинт деп аталатын тағы бір тональды техника, біркелкі және қараңғы түсті сияны шығару үшін тегіс кеуекті және дөңгеленген пластина бетінен басталады. Мезотинт пластинасы содан кейін тегістеліп, жылтыратылады, осылайша бояудың мөлшері азайып, түсі ашық болады. Керісінше, тегіс пластинадан бастап, кейбір аймақтар қараңғырақ болу үшін кедір-бұдыр етіледі. Кейде акватинт және мезотинт техникалары біріктіріледі.
In intaglio printmaking techniques such as engraving and etching, the artist makes marks into the surface of the plate (in the case of aquatint, a copper or zinc plate) that are capable of holding ink. The plate is inked all over then wiped clean to leave ink only in the marks. The plate is passed through a printing press together with a sheet of paper, and strong pressure applied pushing the paper into the marks, so that a transfer of the ink to the paper occurs. This is repeated many times. Like etching, aquatint uses the application of a mordant (acid) to etch into the metal plate. Where etching uses a needle to scratch through an acid proof resist and make lines, aquatint uses powdered rosin (resin) to create a tonal effect. The rosin is acid resistant and typically adhered to the plate by controlled heating; where the grains are will print white, with black areas around. The tonal variation is controlled by the level of mordant exposure over large areas, and thus the image is shaped by large sections at a time. The rosin is then washed off the plate before printing. Another tonal technique, mezzotint, begins with a plate surface that is evenly indented and roughened so that it will print as an even and fairly dark tone of ink. The mezzotint plate is then smoothed and polished to make areas carry less ink and thus print a lighter shade. Alternatively, beginning with a smooth plate, areas are roughened to make them darker. Occasionally the two techniques of aquatint and mezzotint are combined.
Ерте тарих
Этчтеудің тоналды әсерін қосуға бағытталған алғашқы тәжірибелердің бірі – 1650 жылдар шамасында Амстердамда суретші және гравер Ян ван де Вельде IV-нің алғаш рет шайыр ұнтағын қолдануы болды. Дегенмен, ешқайсысы басқа граверлерге кең таралған техниканы әкеп соқпады. Шамамен 1750 жылдан кейін бірнеше суретшілердің әртүрлі техникалық тәжірибелері өрге жетуімен, ал олар бастапқыда құпия сақтағандықтан, стандартты техниканың қалай пайда болғаны әлі де нақты емес. 1761 жылы француз Франсуа Филипп Шарпентьемен бірге жұмыс істеген швед Пер Флодинг, 1766 жылы Дж. Б. Делафоссе, 1766 жылы әуесқой Жан Клод Ришар (көбінесе қате түрде Сен-Нон аббаты деп аталады) және 1768–69 жылдары Жан Батист Ле Принс осы техниканы қолдануға талпынғандардың қатарында болды. Ле Принс өзінің әдісін жариялауда ең табысты болды, 1780 жылы «Découverte du procédé de graver au lavis» атты еңбегін шығарды, бірақ өмірінде оның құпиясын сата алмады. Оның еңбегі 1782 жылы қайтыс болғаннан кейін Корольдік сурет және мүсіншілік академиясы сатып алып, еркін қолдануға рұхсат берді. Англия осы техниканы кеңінен қолданушы елдердің бірі болғанымен, ең алғашқы ағылшын акватинттері 1772 жылға дейін картограф Питер Перес Бурдеттің жұмыстарынан басқа көрмеге қойылмады. Акварель суретшісі Пол Сэндби осы техниканы қабылдап қана қоймай, техникалық жақсартулар енгізіп, «акватинт» деген атауды да тапты. Англияда Сэндби және Томас Гейнсборо сияқты суретшілер ағылшын пейзаж акварелін көшіру үшін акватинт пен этчтеудің үйлесімін пайдалануға қызығушылық танытты, мұндай акварельдер көбінесе алдымен сызбамен белгіленген болатын. Осы кездегі маңызды британдық нарықтар – қымбат кітаптарға арналған иллюстрациялар мен гравюралар жасаушылар да осы техниканы қабылдады. Осы салалардың барлығында, этчтеу және акватинттің комбинациясы, модельді көшіруші, білімі аз суретшілердің акварельмен бояуымен, акватинттің әртүрлі тоннарының үстіне тегіс түс жағу арқылы өте қанағаттанарлық нәтижелер берді. Француз революциясынан кейін Лондондағы ең табысты баспагерлердің бірі, неміс Рудольф Акерманның The Strand көшесіндегі дүкенінің үстінде француздық босқындар жұмыс істеді, олардың әрқайсысы бір түс жағып, жапырақты ұзын үстел бойымен бір-біріне жеткізіп отырды. Осы кезеңде Францияда көп плиталы түсті баспа техникаларына қызығушылық күшейді, мұнда акватинт (немесе мезотинт) тон үшін жиі қолданылды. Суретшілердің қатарында Жан-Франсуа Жанинет және Филип Луи Дебукур болды, олардың «Жалпы серуендеуі» туындысы осы стильдің шедеврі саналады. Бұл француздық қозғалыстың тағы бір саласы тон үшін мезотинтті көбінесе қолданды және медициналық оқулықтарды суреттеуде маманданған. Бұл бастаманы алғаш Жакоб Кристоф Ле Блон (1667–1741) бастады, ол қазіргі CMYK түс ажыратуын дерлік болжады, содан кейін оның шәкірті Жак Фабиен Готье д'Аготи және кейін д'Аготи отбасының мүшелері 1800 жылға дейін осы жұмысты жалғастырды. Акватинтті қолданып жасаған ең ұлы гравюралардың авторы Гойя бұл техниканы Генуядан келген Джованни Давидтен білген болуы мүмкін. Гойя оны әдетте этчтеумен, жиі жылтырату және басқа да техникалармен бірге өзінің «Los Caprichos» (1799), «Los Desastres de la Guerra» (1810–1819), «La Tauromaquia» (1816) және «Los disparates» (шамамен 1816–1823) сияқты гравюра серияларында қолданды.
A variety of early experiments aimed to add tonal effects to etching included the first use of a resin dust ground by the painter and printmaker Jan van de Velde IV in Amsterdam, around 1650. However none of these developed a technique that caught on with other printmakers. Experimentation by several artists with somewhat different techniques reached a peak after about 1750, and as they were initially very secretive, the history of the emergence of the standard technique remains unclear. Various claimants include the Swede Per Floding working with the Frenchman François Philippe Charpentier in 1761, J. B. Delafosse in 1766, working with the amateur Jean Claude Richard (often rather misleadingly known as the Abbé de Saint Non) in 1766, and Jean Baptiste Le Prince in 1768–69. Le Prince was more effective than the others in publicizing his technique, publishing Découverte du procédé de graver au lavis in 1780, though he failed to sell his secret in his lifetime. It was bought posthumously by the Académie royale de peinture et de sculpture in 1782, who released it on an open basis. Though England was to become one of the countries using the technique most, the earliest English aquatints were not exhibited until 1772, by the cartographer Peter Perez Burdett. It was taken up by the watercolourist Paul Sandby, who also seems to have introduced technical refinements as well as inventing the name "aquatint". In England artists such as Sandby and Thomas Gainsborough were attracted by the suitability of etched outlines with aquatint for reproducing the popular English landscape watercolours, which at this period usually also had been given an initial outline drawing in ink. Publishers of prints and illustrations for expensive books, both important British markets at the time, also adopted the technique. In all these areas, a print with etching and aquatint gave very satisfactory results when watercolour was added by relatively low skilled painters copying a model, with a flat wash of colour on top of the varied tones of the aquatint. After the French Revolution, one of the most successful publishers in London, the German Rudolf Ackermann, had numbers of French refugees working on the floor above his shop in The Strand in London, each brushing a single colour and then passing the sheet down a long table. Over the same period in France there was sustained interest in techniques for true colour printing using multiple plates, which used multiple printmaking techniques which often included aquatint (or mezzotint) for tone. Artists included Jean François Janinet and Philibert Louis Debucourt, whose La Promenade Publique is often thought the masterpiece of the style. Another branch of this French movement mostly used mezzotint for tone and came to specialize in illustrating medical textbooks. This was at first led by Jacob Christoph Le Blon (1667–1741), who very nearly anticipated modern CMYK colour separation and then carried on by his pupil Jacques Fabien Gautier d'Agoty and later members of the d'Agoty family until around 1800. Goya, maker of incontestably the greatest prints using aquatint, probably learned of the technique through Giovanni David from Genoa, the first significant Italian to use it. Goya used it, normally with etching and often burnishing and other techniques, in his great print series Los Caprichos (1799), Los Desastres de la Guerra (1810–1819), La Tauromaquia (1816) and Los disparates (c. 1816–1823).
Жаңғыру
ХІХ ғасырдың ортасында бірнеше онжылдықтар бойы аз қолданылғаннан кейін, және коммерциялық мақсаттар үшін толығымен ескіргеннен соң, бұл техника ғасыр соңында Францияда Эдуард Мане, Фелисьен Ропс, Дега, Писсарро, Жак Вильон және басқа суретшілердің еңбектерінде қайта жанданды. 1891 жылы Парижде тұратын Мэри Кассат өте ерекше түсті құрғақ мүре және акватинттен жасалған баспалар сериясын ұсынды, олардың ішінде "Әйел жуынып жатыр" және "The Coiffure" туындылары бар. Бұл баспалар, алдыңғы жылы көрсетілген жапон ағаш кесінділерінен шабыттанды. Ол әртүрлі түстер үшін бірнеше блоктарды қолданды. Кассатты жапондық дизайнның қарапайымдылығы мен айқындығы, сондай-ақ түстердің блоктарын тиімді пайдалану тартып алды. Ол өзінің интерпретациясында негізінен ашық, нәзік пастельді түстерді қолданды және қара түстен (импрессионистер арасында "тыйым салынған" түс) аулақ болды. Бұл техника 20-ғасырда да қолданыла берді, оны ерекше чех Т. Ф. Шимон мен неміс Джонни Фридлендер жиі пайдаланды. Америка Құрама Штаттарында баспагер Педро Жозеф де Лемос өзінің жарияланымдарымен (1919–1940) және жүлделі баспаларының жылжымалы көрмелері арқылы суретшілер мектептерінде акватинтті танымал етті, соның арқасында күрделі техниканы жеңілдетуге қол жеткізді.
After a period of several decades in the central 19th century when the technique was little used, and definitively superseded for commercial uses, it was revived near the end of the century in France, by Édouard Manet, Félicien Rops, Degas, Pissarro, Jacques Villon and other artists. In 1891, Mary Cassatt, based in Paris, exhibited a series of highly original coloured drypoint and aquatint prints, including Woman Bathing and The Coiffure, inspired by an exhibition of Japanese woodblock prints shown there the year before. These used multiple blocks for the different colours. Cassatt was attracted to the simplicity and clarity of Japanese design, and the skillful use of blocks of colour. In her interpretation, she used primarily light, delicate pastel colours and avoided black (a "forbidden" colour among the Impressionists). It continued to be used in the 20th century, with the Czech T. F. Šimon and the German Johnny Friedlaender notably frequent users. In the United States the printmaker Pedro Joseph de Lemos popularized aquatints in art schools with his publications (1919–1940), which simplified the cumbersome techniques, and with traveling exhibitions of his award winning prints.
Қазіргі заманғы процесс
Акватинтке металл пластина, қышқыл және қышқылға төзімді зат қажет. Дәстүрлі түрде мыс немесе мырыш пластиналар қолданылды. Суретші қышқылға төзімді жабын (ground) жағады. Жабын ұнтақталған шайырды спиртте ерітіп, ұнтақты тікелей пластинаның бетіне немесе сұйық акрилді жабын ретінде қолдану арқылы жасалады. Барлық түптеу (etching) түрлерінде қышқылға қарсы тұруды әдетте "жабын" деп атайды. Резин ұнтағын жағу үшін акватинт қорабы қолданылады. Ұнтақ қораптың түбінде болады, оны қораптың ауасына үрлеу үшін кран немесе домбыра пайдаланылады. Терезе арқылы гравер ұнтақтың тығыздығын көріп, суретке орнатуға арналған лоток арқылы пластинаны қорапқа орналастырады. Ұнтақ пластинаны жауып алғаннан кейін, оны келесі операциялар үшін қораптан алуға болады. Содан кейін пластина қыздырылады; егер пластина ұнтақпен қапталса, шайыр ериді және жұқа, тегіс қабат түзеді; егер ол спиртте болса, спирт буланады, нәтижесі шамамен бірдей болады. Енді пластинаны қышқылға батырады, нәтижесінде бояуды ұстауға жеткілікті мөлшерде жеңіл коррозия ("тұзу") пайда болады. Осы кезде пластина шамамен 50% жарты тонға (halftone) ие болады. Яғни, егер пластинаны одан әрі тұзбаламай басып шығарса, қағаз ақ (сия жоқ) және қара (толық сия) арасында сұр түс көрсетеді. Кейін суретші сызбаның белгілі бір бөліктерін сызықпен белгілеуге кіріседі, бұл кейінірек тондық жұмыстың негізін және бағытын береді. Олар сондай-ақ (бастапқыда, кез келген тұзбалаудың алдында) қышқылға төзімді "қорғау" (stop out) (асфальтум немесе қатты жабын деп те аталады) қолдануы мүмкін, егер олар кез келген аймақты, мысалы, жарқыраған жерлерді мүлдем ақ және сиясыз қалдыруды жоспарласа. Содан кейін суретші пластинаны қышқыл ваннасына батырады, жоспарланған тоналдылыққа жеткен кез келген аймақты біртіндеп қорғайды (қышқылдан қорғайды). Бұл тондық өрнектер, шектеулі сызық элементтерімен бірігіп, акватинттерге ерекше, сулы көрініс береді. Сондай-ақ, акватинттер, мезотинттер сияқты, үлкен тондарды еңбектеп жасамай-ақ оңай жасауға мүмкіндік береді; бірақ акватинт пластиналары, әдетте, мезотинт пластиналарына қарағанда берік болады. Алғашқы тұзбалау қысқа уақытқа (30 секундтан 1 минутқа дейін, ең ақ тонның қалай болуына байланысты үлкен ауытқулармен) жасалуы керек. Тұзбалау уақытын көрсететін сынақ үлгісі жасалуы мүмкін, өйткені тұзбалаудың күші әртүрлі болуы мүмкін. Отыз минуттан астам тұзбалау өте қараңғы аймаққа әкеледі. Көп сағаттық (24 сағатқа дейін) тұзбалау бір сағаттық тұзбалау сияқты қараңғы болады, бірақ терең тұзбалау қағазға көтерілген сияны тудырады. Заманауи баспагерлер көбінесе ұнтақ орнына спрей бояуды қолданады, әсіресе "қантты көтеру" (sugar lift) деп аталатын техниканы қолданғанда. "Қантты көтеру" арқылы басу бетін жасау үшін суретші қантты қыздырып, оны сияға араластырады. Бұл қоспа пластинаға щеткамен жағылады, бұл басқа тұзбалау әдістерімен мүмкін емес ерекше экспрессияға мүмкіндік береді. Сия/қант қоспасы құрғағаннан кейін пластина асфальтуммен (сұйық жабын) қапталады; содан кейін пластина қантты ерітетін жылы суға батырылады, нәтижесінде сурет пластинадан "көтеріледі". Ашық қалған жерлер бояуды ұстау үшін акватинтпен тұзбаланады және пластина басуға дайын болады.
An aquatint requires a metal plate, an acid, and something to resist the acid. Traditionally copper or zinc plates were used. The artist applies a ground that will resist acid. Ground is applied by dissolving powdered resin in spirits, by applying the powder directly to the surface of the plate, or by using a liquid acrylic resist. In all forms of etching the acid resist is commonly referred to as "the ground." An aquatint box is used to apply resin powder. The powder is at the bottom of the box, a crank or a bellows is used to blow the powder up into the air of the box. A window allows the engraver to see the density of flowing powder and to place the plate in the box using a drawer. When the powder covers the plate, it can be extracted from the box for the next operations. The plate is then heated; if the plate is covered with powder, the resin melts forming a fine and even coat; if it is in spirits, the spirits evaporate and the result is essentially the same. Now the plate is dipped in acid, producing an even and fine level of corrosion (the "bite") sufficient to hold ink. At this point, the plate is said to carry about a 50% halftone. This means that, were the plate printed with no further biting, the paper would display a gray color more or less directly in between white (no ink) and black (full ink). At some point the artist will then etch an outline of any aspects of the drawing they wish to establish with line; this provides the basis and guide for the later tone work. They may also have applied (at the very start, before any biting occurs) an acid resistant "stop out" (also called an asphaltum or hard ground) if they intend to keep any areas totally white and free of ink, such as highlights. The artist then begins immersing the plate in the acid bath, progressively stopping out (protecting from acid) any areas that have achieved the designed tonality. These tones, combined with the limited line elements, give aquatints a distinctive, watery look. Also, aquatints, like mezzotints, provide ease in creating large areas of tone without laborious cross hatching; but aquatint plates, it is noted, are generally more durable than mezzotint plates. The first etch should be for a short period (30 seconds to 1 minute, with a wide variation depending on how light the lightest tones are meant to be). A test piece may be made with etching times noted, as the strength of the etchant will vary. More than thirty minutes should produce a very dark area. Etching for many hours (up to 24) will be as dark as etching for one hour, but the deep etch would produce raised ink on the paper. Contemporary printmakers often use spraypaint instead of a powder, particularly when using the technique known as sugar lift. To produce a printing surface using sugar lift, the artist makes a solution of India ink and sugar by melting sugar into heated ink. This mixture is then applied to a prepared plate with a brush, allowing for a bold expression not possible with the most etching techniques. When the ink/sugar mixture is dry the plate is coated with asphaltum (liquid ground); the plate is then submerged in warm water which dissolves the sugar so that the image "lifts off" the plate. The exposed areas are then aquatinted to hold ink and the plate is ready to be printed from.
Танымал мысалдар
Франсиско Гоя өзінің "Лос Капричос" (1799) сериясында, "Лос Дезастрес де ла Гуэрра" (1810–1819), "Ла Тауромакия" (1816) және "Лос Диспаратес" (1816–1823 жж.) туындыларында акватинт техникасын шеберлікпен пайдаланды. Шебер гравёр Роберт Хавелл Джон Джеймс Аудубонның "Америка құстары" (1826–1838) атты еңбегі үшін акватинтті қолданды. 1960-шы жылдарда Лос-Анджелес өміріне арналған көптеген суреттерімен танымал Дэвид Хокни, өзінің "Көк гитара" сериясындағы гравюраларында акватинт және офорт техникаларын түрлі түстермен үйлестірді. 1806–1837 жылдары жарық көрген британдық әйелдер журналы "La Belle Assemblée" акватинтпен түсті гравюраларға толы болды.
Francisco Goya famously took great advantage of aquatint printmaking, in his Los Caprichos series (1799); Los Desastres de la Guerra (1810–1819); La Tauromaquia (1816); and Los disparates (c. 1816–1823). Master engraver Robert Havell used aquatint for John James Audubon's Birds of America (1826–1838). David Hockney, known for his many paintings of the Los Angeles lifestyle in the 1960s, has created a number of aquatints and etchings used with color in his "The Blue Guitar" series of prints. La Belle Assemblée, a British women's magazine published from 1806 to 1837 had many aquatint colored plates.