Симфония: История и Развитие

Введение

Тип расширенной музыкальной композиции
расширенная музыкальная композиция

Симфония – это расширенная музыкальная композиция в западной классической музыке, чаще всего для оркестра. Хотя термин имел множество значений с момента своего возникновения в древнегреческую эпоху, к концу XVIII века слово приобрело современное значение: произведение, обычно состоящее из нескольких отдельных частей или движений, часто четырех, при этом первая часть написана в сонатной форме. Симфонии почти всегда инструментированы для оркестра, состоящего из струнной секции (скрипки, альты, виолончели и контрабаса), духовых (медных и деревянных) и ударных инструментов, общее количество музыкантов в котором составляет от 30 до 100 человек. Симфонии записываются в партитуре, содержащей все инструментальные партии. Оркестровые музыканты играют по партиям, содержащим только ноты для своего инструмента. Некоторые симфонии также включают вокальные партии (например, Девятая симфония Бетховена или Вторая симфония Малера).

Эпоха романтизма

В начале XIX века Бетховен возвысил симфонию из обыденного жанра, производимого в больших количествах, до высшей формы, в которой композиторы стремились достичь наивысшего потенциала музыки лишь в нескольких произведениях. Из симфоний Шуберта две составляют основу репертуара и часто исполняются. Из Восьмой симфонии (1822) Шуберт завершил только первые два движения; это глубоко романтичное произведение обычно называют по прозвищу «Незаконченная». Его последняя завершенная симфония, Девятая (1826), – масштабное произведение в классической манере. Среди ранних романтиков Феликс Мендельсон (пять симфоний и тринадцать струнных симфоний) и Роберт Шуман (четыре) продолжали писать симфонии в классическом стиле, используя при этом свой собственный музыкальный язык. В отличие от них, Берлиоз отдавал предпочтение программным произведениям, включая его «драматическую симфонию» «Ромео и Джульетта», симфонию для альта «Гарольд в Италии» и весьма оригинальную «Фантастическую симфонию». Последняя также является программной и включает в себя марш, вальс и пять частей вместо обычных четырех. Его четвертая и последняя симфония, «Grande symphonie funèbre et triomphale» (первоначально названная «Symphonie militaire»), была написана в 1840 году для военного оркестра из 200 человек, предназначенного для исполнения на открытом воздухе, и является ранним примером симфонии для духового оркестра. Берлиоз позже добавил опциональные струнные партии и хоровой финал. В 1851 году Рихард Вагнер заявил, что все эти симфонии, написанные после Бетховена, не более чем эпилог, не предлагающий ничего принципиально нового. Действительно, после последней симфонии Шумана, «Рейнской», написанной в 1850 году, на два десятилетия симфоническая поэма Листа, казалось, вытеснила симфонию как ведущую форму крупномасштабной инструментальной музыки. Однако в это же время Лист также сочинил две программные хоровые симфонии – «Фауст» и «Данте». Если симфония и была временно затмена, то вскоре она возродилась во «второй эпохе» в 1870-х и 1880-х годах, с симфониями Брукнера, Брамса, Чайковского, Сен-Санса, Бородина, Дворжака и Франка, которые в значительной степени избегали программности Берлиоза и Листа и доминировали в концертном репертуаре на протяжении как минимум столетия. На протяжении XIX века композиторы продолжали увеличивать состав симфонического оркестра. Около начала века полномасштабный оркестр состоял из струнной секции, а также пар флейт, гобоев, кларнетов, фаготов, валторн, труб и, наконец, набора литавр. Такая инструментовка, например, использована в симфониях Бетховена под номерами 1, 2, 4, 7 и 8. Тромбоны, ранее ограничивавшиеся церковной и театральной музыкой, стали добавляться в симфонический оркестр, особенно в 5-й, 6-й и 9-й симфониях Бетховена. Сочетание большого барабана, треугольника и тарелок (иногда также: пикколо), которое композиторы XVIII века использовали как колористический эффект в так называемой «турецкой музыке», стало все чаще использоваться во второй половине XIX века без каких-либо жанровых ассоциаций. К моменту творчества Малера (см. ниже) композитор мог написать симфонию с оркестровкой, представляющей собой «настоящий сборник оркестровых инструментов». Помимо увеличения разнообразия инструментов, симфонии XIX века постепенно дополнялись большим количеством струнных и духовых инструментов, так что оркестр значительно увеличился в численности, как и концертные залы.

At the beginning of the 19th century, Beethoven elevated the symphony from an everyday genre produced in large quantities to a supreme form in which composers strove to reach the highest potential of music in just a few works. Of the symphonies by Schubert, two are core repertory items and are frequently performed. Of the Eighth Symphony (1822), Schubert completed only the first two movements; this highly Romantic work is usually called by its nickname "The Unfinished". His last completed symphony, the Ninth (1826) is a massive work in the Classical idiom. Of the early Romantics, Felix Mendelssohn (five symphonies, plus thirteen string symphonies) and Robert Schumann (four) continued to write symphonies in the classical mould, though using their own musical language. In contrast, Berlioz favored programmatic works, including his "dramatic symphony" Roméo et Juliette, the viola symphony Harold en Italie and the highly original Symphonie fantastique. The latter is also a programme work and has both a march and a waltz and five movements instead of the customary four. His fourth and last symphony, the Grande symphonie funèbre et triomphale (originally titled Symphonie militaire) was composed in 1840 for a 200 piece marching military band, to be performed out of doors, and is an early example of a band symphony. Berlioz later added optional string parts and a choral finale. In 1851, Richard Wagner declared that all of these post Beethoven symphonies were no more than an epilogue, offering nothing substantially new. Indeed, after Schumann's last symphony, the "Rhenish" composed in 1850, for two decades the Lisztian symphonic poem appeared to have displaced the symphony as the leading form of large scale instrumental music. However, Liszt also composed two programmatic choral symphonies during this time, Faust and Dante. If the symphony had otherwise been eclipsed, it was not long before it re emerged in a "second age" in the 1870s and 1880s, with the symphonies by Bruckner, Brahms, Tchaikovsky, Saint Saëns, Borodin, Dvořák, and Franck—works which largely avoided the programmatic elements of Berlioz and Liszt and dominated the concert repertory for at least a century. Over the course of the 19th century, composers continued to add to the size of the symphonic orchestra. Around the beginning of the century, a full scale orchestra would consist of the string section plus pairs of flutes, oboes, clarinets, bassoons, horns, trumpets, and lastly a set of timpani. This is, for instance, the scoring used in Beethoven's symphonies numbered 1, 2, 4, 7, and 8. Trombones, which had previously been confined to church and theater music, came to be added to the symphonic orchestra, notably in Beethoven's 5th, 6th, and 9th symphonies. The combination of bass drum, triangle, and cymbals (sometimes also: piccolo), which 18th century composers employed as a coloristic effect in so called "Turkish music", came to be increasingly used during the second half of the 19th century without any such connotations of genre. By the time of Mahler (see below), it was possible for a composer to write a symphony scored for "a veritable compendium of orchestral instruments". In addition to increasing in variety of instruments, 19th century symphonies were gradually augmented with more string players and more wind parts, so that the orchestra grew substantially in sheer numbers, as concert halls likewise grew.

Позднеромантическая, модернистская и постмодернистская эпохи

К концу XIX века Густав Малер начал писать длинные, масштабные симфонии, которые он продолжал сочинять в начале XX века. Его Третья симфония, завершенная в 1896 году, является одной из самых длинных регулярно исполняемых симфоний, продолжительностью около 100 минут для большинства исполнений. Восьмая симфония была написана в 1906 году и получила прозвище «Симфония тысячи» из-за большого количества голосов, необходимых для исполнения произведения. В XX веке наблюдалась дальнейшая диверсификация стиля и содержания произведений, которые композиторы обозначали как симфонии. Некоторые композиторы, в том числе Дмитрий Шостакович, Сергей Рахманинов и Карл Нильсен, продолжали писать в традиционной форме из четырех частей, в то время как другие композиторы использовали иные подходы: Симфония № 7 Жана Сибелиуса, его последняя, состоит из одного движения, Альпийская симфония Рихарда Штрауса, также в одном движении, разделена на двадцать две части, детально описывая одиннадцатичасовой поход по горам, а Симфония № 9 Алана Хованесса, «Сент-Вартан» (первоначально Op. 80, затем изменена на Op. 180), созданная в 1949–50 годах, состоит из двадцати четырех частей. В конце XIX века возникла тенденция к объединению традиционной симфонии из четырех частей в единую, всеобъемлющую формальную концепцию. Это получило название «двумерной симфонической формы» и нашло свой ключевой поворотный момент в Камерной симфонии № 1 Арнольда Шёнберга, Op. 9 (1909), за которой в 1920-х годах последовали другие известные немецкие симфонии с одним движением, включая Первую симфонию Курта Вайля (1921), Камерную симфонию Макса Бутинга, Op. 25 (1923), и Симфонию Пола Дессау 1926 года. Наряду с этими экспериментами, другие симфонии XX века намеренно стремились воссоздать XVIII-вечное происхождение жанра в отношении формы и даже музыкального стиля, яркими примерами являются Симфония № 1 Сергея Прокофьева «Классическая» (1916–17) и Симфония до мажор Игоря Стравинского (1938–40). Однако сохранялись определенные тенденции. Присвоение произведению названия «симфония» по-прежнему подразумевало определенную степень изысканности и серьезности замысла. Слово «симфониетта» стало использоваться для обозначения произведения, которое короче, имеет более скромные цели или является «легче» симфонии, как, например, «Симфониетта для оркестра» Сергея Прокофьева. В первой половине века композиторы, включая Эдварда Элгара, Густава Малера, Жана Сибелиуса, Карла Нильсена, Игоря Стравинского, Богуслава Мартину, Роджера Сешнса, Сергея Прокофьева, Руда Лангаара и Дмитрия Шостаковича, сочинили симфонии «необычайные по масштабу, богатству, оригинальности и выразительности». Одной из мер значимости симфонии является степень, в которой она отражает представления о временной форме, характерные для эпохи ее создания. Пять композиторов XX века, отвечающих этому критерию, – Жан Сибелиус, Игорь Стравинский, Лучано Берио (в его «Симфонии», 1968–69), Эллиотт Картер (в его «Симфонии трех оркестров», 1976) и Пелле Гудмундсен Хольмгрин (в «Симфонии/Антифонии», 1980). Со второй половины XX века и в XXI веке наблюдается возрождение интереса к симфонии, и многие постмодернистские композиторы значительно пополнили ее канон, особенно в Соединенном Королевстве: Питер Максвелл Дэвис (10), Робин Холлоуэй (1), Дэвид Мэтьюс (9), Джеймс Макмиллан (5), Питер Сибурн (5) и Филипп Сойерс (3). Британский композитор Дерек Буржуа превзошел по количеству написанных симфоний Гайдна, создав 116 симфоний. Наибольшее количество симфоний на сегодняшний день написал финн Лейф Сегерстам, в список произведений которого входят 352 симфонии.

Towards the end of the 19th century, Gustav Mahler began writing long, large scale symphonies that he continued composing into the early 20th century. His Third Symphony, completed in 1896, is one of the longest regularly performed symphonies at around 100 minutes in length for most performances. The Eighth Symphony was composed in 1906 and is nicknamed the "Symphony of a Thousand" because of the large number of voices required to perform the work. The 20th century saw further diversification in the style and content of works that composers labeled symphonies. Some composers, including Dmitri Shostakovich, Sergei Rachmaninoff, and Carl Nielsen, continued to write in the traditional four movement form, while other composers took different approaches: Jean Sibelius' Symphony No. 7, his last, is in one movement, Richard Strauss' Alpine Symphony, in one movement, split into twenty two parts, detailing an eleven hour hike through the mountains and Alan Hovhaness's Symphony No. 9, Saint Vartan—originally Op. 80, changed to Op. 180—composed in 1949–50, is in twenty four. A concern with unification of the traditional four movement symphony into a single, subsuming formal conception had emerged in the late 19th century. This has been called a "two dimensional symphonic form", and finds its key turning point in Arnold Schoenberg's Chamber Symphony No. 1, Op. 9 (1909), which was followed in the 1920s by other notable single movement German symphonies, including Kurt Weill's First Symphony (1921), Max Butting's Chamber Symphony, Op. 25 (1923), and Paul Dessau's 1926 Symphony. Alongside this experimentation, other 20th century symphonies deliberately attempted to evoke the 18th century origins of the genre, in terms of form and even musical style, with prominent examples being Sergei Prokofiev's Symphony No. 1 "Classical" of 1916–17 and the Symphony in C by Igor Stravinsky of 1938–40. There remained, however, certain tendencies. Designating a work a "symphony" still implied a degree of sophistication and seriousness of purpose. The word sinfonietta came into use to designate a work that is shorter, of more modest aims, or "lighter" than a symphony, such as Sergei Prokofiev's Sinfonietta for orchestra. In the first half of the century, composers including Edward Elgar, Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky, Bohuslav Martinů, Roger Sessions, Sergei Prokofiev, Rued Langgaard and Dmitri Shostakovich composed symphonies "extraordinary in scope, richness, originality, and urgency of expression". One measure of the significance of a symphony is the degree to which it reflects conceptions of temporal form particular to the age in which it was created. Five composers from across the span of the 20th century who fulfil this measure are Jean Sibelius, Igor Stravinsky, Luciano Berio (in his Sinfonia, 1968–69), Elliott Carter (in his Symphony of Three Orchestras, 1976), and Pelle Gudmundsen Holmgreen (in Symphony/Antiphony, 1980). From the mid 20th century into the 21st there has been a resurgence of interest in the symphony with many postmodernist composers adding substantially to the canon, not least in the United Kingdom: Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (5), Peter Seabourne (5), and Philip Sawyers (3) British composer Derek Bourgeois has surpassed the number of symphonies written by Haydn, with 116 symphonies. The greatest number of symphonies to date has been composed by the Finn Leif Segerstam, whose list of works includes 352 symphonies.

Симфонии для концертного оркестра

Гектор Берлиоз первоначально написал Grande symphonie funèbre et triomphale для военного оркестра в 1840 году. Антон Рейха сочинил свою симфонию «Память» (также известную как Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française) для большого духового ансамбля еще раньше, в 1815 году, для церемоний, связанных с перезахоронением Людовика XVI и Марии Антуанетты. После этих ранних попыток, симфоний для духовых оркестров было написано немного до XX века, когда для духовых оркестров было создано больше симфоний, чем за предыдущие столетия. Хотя примеры существуют начиная с 1932 года, первой значимой симфонией является Симфония № 19 Николая Мясковского, соч. 46, написанная в 1939 году. Другие примеры включают Симфонию в си-бемоль для духового оркестра Пауля Хиндемита, написанную в 1951 году; Симфонию № 4 Мортона Гулда «Вест-Пойнт», написанную в 1952 году; Симфонию № 6 Винсента Персикетти, соч. 69, написанную в 1956 году; Симфонию № 3 Витторио Джаннини, написанную в 1958 году; Симфонии № 4, соч. 165, № 7 «Нанга Парват», соч. 175, № 14 «Арарат», соч. 194 и № 23 «Ани», соч. 249 Алана Хованесса, написанные в 1958, 1959, 1961 и 1972 годах соответственно; Симфонию № 2 Джона Барнса Ченса, написанную в 1972 году; 2-ю, 3-ю, 4-ю и 5-ю симфонии Альфреда Рида, написанные в 1979, 1988, 1992 и 1994 годах соответственно; восемь из десяти пронумерованных симфоний Дэвида Масланки; пять симфоний, написанных на сегодняшний день Джули Жиру (хотя она в настоящее время работает над шестой); Симфонию № 1 Йохана де Мейя «Властелин колец», написанную в 1988 году, и его Симфонию № 2 «Большое яблоко», написанную в 1993 году; Симфонию Ясухиде Ито в трех сценах «La Vita», написанную в 1998 году, которая является его третьей симфонией для духового оркестра; Симфонию № 3 Джона Корильяно «Circus Maximus», написанную в 2004 году; Симфонию «PachaMama» Дениса Левайона, написанную в 2014 и 2015 годах, и Симфонию № 2 Джеймса М. Стивенсона, премьера которой состоялась в исполнении оркестра морской пехоты США («The President's Own») и которая получила награды Национальной ассоциации оркестров имени Уильяма Д. Ревелли (2017) и Американской ассоциации оркестров имени Соузы/Оствальда (2018).

Hector Berlioz originally wrote the Grande symphonie funèbre et triomphale for military band in 1840. Anton Reicha had composed his four movement 'Commemoration' Symphony (also known as Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française) for large wind ensemble even earlier, in 1815, for ceremonies associated with the reburial of Louis XVI and Marie Antoinette

After those early efforts, few symphonies were written for wind bands until the 20th century when more symphonies were written for concert band than in past centuries. Although examples exist from as early as 1932, the first such symphony of importance is Nikolai Myaskovsky's Symphony No. 19, Op. 46, composed in 1939. Some further examples are Paul Hindemith's Symphony in B flat for Band, composed in 1951; Morton Gould's Symphony No. 4 "West Point", composed in 1952; Vincent Persichetti's Symphony No. 6, Op. 69, composed in 1956; Vittorio Giannini's Symphony No. 3, composed in 1958; Alan Hovhaness's Symphonies No. 4, Op. 165, No. 7, "Nanga Parvat", Op. 175, No. 14, "Ararat", Op. 194, and No. 23, "Ani", Op. 249, composed in 1958, 1959, 1961, and 1972 respectively; John Barnes Chance's Symphony No. 2, composed in 1972; Alfred Reed's 2nd, 3rd, 4th, and 5th symphonies, composed in 1979, 1988, 1992, and 1994 respectively; eight of the ten numbered symphonies of David Maslanka; five symphonies to date by Julie Giroux (although she is currently working on a sixth); Johan de Meij's Symphony No. 1 "The Lord of the Rings", composed in 1988, and his Symphony No. 2 "The Big Apple", composed in 1993; Yasuhide Ito's Symphony in Three Scenes 'La Vita', composed in 1998, which is his third symphony for wind band; John Corigliano's Symphony No. 3 'Circus Maximus, composed in 2004; Denis Levaillant's PachaMama Symphony, composed in 2014 and 2015, and James M. Stephenson's Symphony No. 2 which was premiered by the United States Marine Band ("The President's Own") and received both the National Band Association's William D. Revelli (2017) and the American Bandmasters Association's Sousa/Ostwald (2018) awards.

Другие современные значения слова "симфония"

В некоторых вариантах английского языка слово "симфония" также используется для обозначения оркестра – большого ансамбля, который часто исполняет эти произведения. Слово "симфония" встречается в названии многих оркестров, например, Лондонского симфонического оркестра, Бостонского симфонического оркестра, Симфонического оркестра Сент-Луиса, Хьюстонского симфонического оркестра или Симфонического оркестра "Новый мир" Майами. Для некоторых оркестров "(название города) Симфония" является сокращенной версией полного названия; например, в Оксфордском словаре английского языка приводится "Симфония Ванкувера" как возможная сокращенная форма Симфонического оркестра Ванкувера. Кроме того, в разговорной речи человек может сказать, что идет послушать симфонию, имея в виду оркестр, а не произведения, которые будут исполняться. Такие употребления не характерны для британского английского.