Музыкальная история американских колоний: от истоков к разнообразию.

История музыки США: от духовных песнопений коренных народов и африканских банджо до религиозной музыки Новой Англии и влияния Аппалачей.

23 мин чтения

100%

Источник: Music history of the United States during the colonial era — Wikipedia

Сравнивайте с английским: нажмите на абзац — оригинал откроется в окне. Кнопка EN под абзацем показывает его прямо в тексте.

Содержание

Введение

Колониальная история Соединенных Штатов началась в 1607 году с основания колонии Джеймстаун в штате Вирджиния. По мере формирования Соединенных Штатов развивалась музыка самых разных жанров и происхождения. Музыка в Соединенных Штатах столь же разнообразна, как и её народ – от духовной музыки коренных народов до африканских банджо. В Новой Англии музыка была глубоко религиозной и сыграла ключевую роль в становлении американской музыки. Переселение людей на юг привело к заселению Аппалачских гор, где поселилось множество бедных европейцев, принесших с собой кантри-блюз и игру на скрипке. С распространением музыки религиозные гимны оставались столь же популярными. Получили известность первые музыкальные и танцевальные группы Новой Англии – шейкеры и квакеры, вдохновленные религией. В 1776 году в провинции Южная Каролина было основано Музыкальное общество Святой Сесилии, что положило начало открытию подобных обществ в северных штатах. Африканские рабы, привезенные в Соединенные Штаты, обогатили музыкальный мир инструментами, такими как ксилофон, барабаны и банджо. Разнообразие музыки Соединенных Штатов обусловлено разнообразием людей, которые первыми колонизировали эту страну.

Музыка коренных народов

У коренных американцев в Соединенных Штатах не существовало исконных традиций классической музыки и светской песенной традиции. Их музыка по своей природе духовна и обычно исполняется группами в ритуальной обстановке, имеющей важное значение для религии коренных американцев. Музыка коренных американцев начала проникать в американское общество лишь в 1890-х годах. В это время формировались первые общеплеменные культурные элементы, такие как пау-вау, и композиторы, такие как Эдвард Макдауэлл и Генри Франклин Белкнап Гилберт, использовали мотивы коренных народов в своих произведениях. Однако осознанное представление музыки коренных американцев на американской классической сцене, в рамках индейского движения, появилось лишь в более поздних работах Артура Фарвелла.

Народная музыка Аппалачей

Аппалачи давно стали центром культурных инноваций, несмотря на редкое заселение как коренными американцами, так и европейцами. Сложные геологические условия затрудняли пересечение гор и их отрогов: здесь встречались хребты из непроходимого кварца, перемежающиеся долинами с почвой, непригодной для земледелия. В результате, европейская иммиграция и перемещение африканских рабов происходили преимущественно в южном направлении, вдоль области Пьемонт, а Аппалачский регион заселяли бедные европейцы. Эти европейцы происходили из Англии, Шотландии, Ирландии, Германии и были гугенотами. Основной поток поселенцев приходился на период с 1775 по 1850 год. Английские, англо-ирландские и шотландские мелодии и баллады продолжали эволюционировать, сохраняя связь со своими истоками в Аппалачах, и в конечном итоге стали основой для музыки, исполняемой с использованием кувшинов (jug bands), кантри-блюза, музыки холков и других жанров, которые впоследствии объединились в кантри-музыку. Эти народные мелодии впитали в себя черты из различных источников, включая британские баллады (которые изменили тематику с любовной на характерную для Америки сосредоточенность на мужском труде, таком как добыча полезных ископаемых, или на сенсационных катастрофах и убийствах), африканские народные мелодии (и их лирическую направленность на полуисторические события), а также выступления менстрелей и музыкальных залов. Популярными балладами были "Барбара Аллен" и "Мэтти Гроувз". Банджо также получило распространение, пройдя долгий путь с момента своего изобретения арабами и последующих перемещений по Африке, через Атлантический океан и по всей Америке.

Скрипка

Стили игры на скрипке в Аппалачах в основном восходят к тем, которые английские поселенцы привезли в колонии. Часто утверждается, что "скотч-снэп", популяризированный Нилом Гоу, оказал влияние на игру на скрипке в Аппалачах; однако, по словам историка Майкла Ньютона, это не соответствует действительности. Ньютон утверждает, что английские, шотландские, ирландские и американские стили игры на скрипке развивались примерно одновременно и скорее являются "культурными родственниками" друг другу. Техника игры в Аппалачах претерпела изменения в течение следующего столетия, и наибольшее влияние оказали европейские вальсы и польки. В XIX веке возникли квадратные танцы, основанные на котильоне, кек-уок (cakewalk) – афроамериканская имитация белых танцев, и Вирджиния Риль.

Выстроенная гимнодия

Выстроенное песнопение, религиозный музыкальный стиль, поддерживаемый старыми регулярными баптистами, примитивными баптистами и другими, часто изучается и классифицируется как народная музыка. См. Старый регулярный баптист, Выстроенное песнопение.

Колониальная музыка Новой Англии

Религиозные традиции пения в Новой Англии сыграли важную роль в ранней эволюции американской музыки. Начиная с колонистов-пилигримов, которые привезли с собой Псалтирь Эйнсуорта в Новый Свет, церковные гимны были популярны во всем регионе. Вскоре у жителей Новой Англии появились свои собственные традиции, которые некоторые считали развращенными и небрежными.

Хорные традиции Новой Англии

Первоначальные пуританские иммигранты в Новую Англию пели множество духовных псалмов, но в целом не одобряли светскую музыку, или, по крайней мере, те её виды, которые, по их мнению, поощряли безнравственность и беспорядок. Они также возражали против использования музыкальных инструментов в церквях и сложной вокальной литургии, поскольку обе эти вещи ассоциировались с римским католицизмом. Известный проповедник Коттон Мэзер писал об этом в своей книге «Наставления для кандидата в священники»:

«Псалтирь Эйнсуорта» содержала большинство мелодий, использовавшихся в церковной музыке Новой Англии до конца XVII века, когда общины отказались от неё, считая мелодии слишком сложными и трудными для исполнения. «Книга Псалмов Бея» (The Whole Booke of Psalmes Faithfully Translated into English Metre) была опубликована в Кембридже, штат Массачусетс, в 1640 году; это была первая книга, напечатанная в английских колониях Северной Америки. Она на долгие годы стала стандартом для церквей Новой Англии, хотя сама по себе не содержала музыки, а лишь псалмы и указания на другие известные издания. «Книга Псалмов Бея» была верна своему источнику, но не способствовала красивому пению. В 1651 году было издано третье, значительно переработанное Генри Данстером и Ричардом Лайоном издание, которое получило название «Книга Псалмов Новой Англии»; оно стало стандартом на многие годы. В 1698 году было напечатано девятое издание, в котором впервые использовалась печатная нотация. К этому времени переход от «Псалтири Эйнсуорта» к «Книге Псалмов Новой Англии» постепенно сократил количество используемых мелодий. Практика декламации по строкам была широко распространена, хотя её наличие и полезность зависели от уровня грамотности прихожан – неграмотность была обычным явлением, как и декламация. Этот процесс заключался в том, что ведущий произносил одну строку песни, а затем удерживал первую ноту, чтобы община подстроилась и повторила эту же строку. Этот прием также был распространен в церквях Аппалачей, например, среди регулярных баптистов Кентукки.

Орган и рождение церковной оркестра

Органы были единственным инструментом, использовавшимся в церковной музыке в эту эпоху, и даже это вызывало споры. В колониальную эпоху в церквях кальвинистской традиции, включая большинство пуританских собраний, во время богослужения разрешалось только пение без инструментального сопровождения. Фактически, после смерти Томаса Браттла, казначея Гарвардского колледжа в 1713 году, он завещал свой орган церкви Браттл-сквер в Бостоне, но церковь (которую он основал) посчитала это неуместным и передала его Королевской часовне, которая была англиканской. Тем не менее, органы использовались и в других церквях Новой Англии. Первый орган, специально предназначенный для церковного использования, был установлен в Ньюпорте, штат Род-Айленд, в 1733 году. Однако органы были дорогими и сложными в освоении. Только крупные церкви могли позволить себе орган и органиста, поэтому многие использовали более портативные инструменты, такие как бас-скрипка, которую называли «божьей скрипкой», чтобы отличить её от презираемой «скрипки дьявола» (скрипки). Позже к ним добавились другие инструменты, такие как офиклеид, тромбон, корнет, немецкая флейта, фагот, скрипка и кларнет, таким образом возник церковный ансамбль.

Светская народная музыка

Хотя долгое время считалось, что религиозное неприятие светской музыки сдерживало развитие инструментальной народной музыки в Новой Англии, недавние исследования Барбары Ламберт, посвященные региону Бостона, опровергают это представление. Среди личных инструментов, которые были задокументированы, – цитра, клавикорд, сопрано-кларнет, фагот, труба, флейта-пикколо, флейта, виола, скрипка и виолончель, а также дудка миссис Хили. Несмотря на некоторую враждебность со стороны священнослужителей, таких как Инкрийс Мэтер, танцевальная музыка была популярна в колониальную эпоху Новой Англии, особенно к началу XVIII века, когда местное население быстро росло за счет притока новых поселенцев. Также были распространены баллады, печатавшиеся на широких листах. Как и в британской музыке, это были песни, исполняемые на известные мелодии, в том числе пограничные баллады, такие как "Баллада о Чеви Чейзе". Хотя в первоисточниках содержится множество упоминаний о народной музыке того времени, практически все они написаны людьми, осуждавшими эти песни за их грубость. В связи с этим объективно известно о ней немного. Существовало различие между стилем "правильного пения", практикуемым ревностными реформаторами – в основном священнослужителями, получившими образование в Гарварде, – и "обычным пением", принятым среди народа. Среди реформаторов были известные священники, такие как Томас Уолтер и Натаниэль Чонси, многие из которых считали свой стиль "правильного пения" более изысканным и благочестивым. Однако имеющиеся свидетельства указывают на то, что народная музыка была более сложной и включала в себя такие приемы, как орнаментика. Создание школ и обществ, пропагандировавших "правильное пение", способствовало распространению этой практики, и были опубликованы учебные пособия.

Наследие Джона Уэсли и распространение на юг

В XVIII веке американцы сочинили ряд собственных гимнов, часто основанных на Ветхом Завете; английский нонконформист Исаак Уоттс, особенно его "Гимны и духовные песни", также пользовался большой популярностью. Джон Уэсли, основатель методистской церкви, сыграл важную роль в возрождении гимнологии после поездки в Грузию в 1735 году по приглашению Джеймса Оглторпа. Уэсли и его брат, Чарльз Уэсли, отправились вместе с Оглторпом и двадцатью шестью моравскими миссионерами. Моравское пение вдохновило Джона Уэсли на изучение их музыки. В 1737 году он опубликовал сборник переводов немецких гимнов, "Сборник псалмов и гимнов", а затем вернулся в Англию в 1738 году, посещая собрания Моравских братьев в Лондоне. Там, во время чтения предисловия Лютера к Посланию к римлянам, Уэсли пережил духовный опыт и вновь обрел силу веры во Христа.

Великое пробуждение

После возвращения в Америку Уэсли стал важным проповедником в период подъема ревностного христианства, известного как Великое пробуждение, вместе с Джорджем Уайтфилдом и Джонатаном Эдвардсом, среди прочих. Уэсли и его брат начали писать множество гимнов, сначала только слова, а затем и с музыкой, начиная со сборника, обычно называемого "Коллекция Фаунтери". Уэсли и некоторые другие проповедники выступали против украшения его гимнов. В 1761 году сборник Уэсли "Выбранные гимны с мелодиями: предназначенные главным образом для использования людьми, называемыми методистами", предписывал певчим исполнять мелодии "точно в соответствии с печатным текстом" и "петь в унисон"; оба этих указания были непрактичны, поскольку большинство прихожан, вероятно, не умели читать ноты или петь по нотам. Тем не менее, Великое пробуждение (и другие стили гимнов из Новой Англии) распространились на юг и отошли от строгих формул Уэсли. Джоном Сенником (известным своими широко распространенными гимнами, такими как "Иисус, все мое ушло в небеса") и Джоном Ньютоном, вероятно, являются двумя наиболее важными фигурами в создании гимнов эпохи Великого пробуждения, которые исполнялись на лагерных собраниях. Эти гимны, исполняемые на массовых мероприятиях, особенно на юге, заложили основу для госпела и блюза в конце XIX и начале XX века. К общим особенностям относится инновация Сенника – гимны, исполняемые в форме диалога, а также вклад Ньютона, бывшего торговца рабами, который обратился к вере после прочтения "О подражании Христу" Фомы Кемпийского, написавшего более двухсот гимнов, основанных на его личном опыте борьбы с грехом, и получившего огромную популярность.

Первая школа Новой Англии

По сравнению со старыми песнями, Уэсли и другие новые композиторы писали с простой структурой. Сельские фермеры и рабочие развивали эти структуры, создавая сложные песни, против которых тщетно возражали некоторые музыкальные консерваторы. В этом контексте возникла волна странствующих учителей пения, включая Уильяма Биллингса, создавших гимны, которые до сих пор являются общепринятыми по всей стране. Это направление получило название Первой школы Новой Англии. За Биллингсом последовали пионеры: Сплай Белчер, Эндрю Лоу, Дэниел Рид, Джейкоб Кимбол, Иеремия Ингаллс, Джон Уайет, Джеймс Лайон, Оливер Холден, Джастин Морган и Тимоти Свон. Первая школа Новой Англии обычно считается первым уникальным американским изобретением в музыке. Наиболее характерной особенностью было то, что голоса, мужские и женские, удваивали свои партии в любой октаве для наполнения гармонии; это создавало фактуру близко расположенных аккордов, не известную в европейской традиции. Уильям Биллингс имел особое значение и популярность. Родом из Бостона, Биллингс по профессии был кожевником и в основном занимался самообразованием в музыке. Он не всегда следовал общепринятым правилам композиции в своих произведениях, и поэтому его называют «первым американским композитором, который ярко выразил творческую независимость и не стеснялся демонстрировать свои личные особенности как в музыке, так и (особенно) в опубликованных трудах». В 1774 году он преподавал в известной школе пения в Стоутоне, штат Массачусетс. Некоторые из певцов впоследствии основали Музыкальное общество Стоутона – хоровую организацию, состоящую из 25 мужчин. Сплай Белчер, родившийся в Стоутоне, штат Массачусетс, хотя позже обосновавшийся в Фармингтоне, штат Мэн, также хорошо известен. Его единственным опубликованным сборником мелодий был «Гармония Мэна» 1794 года, в который вошли гимны, фуги, псалмы и гимны, некоторые из которых были светскими. Его песни отличались народным характером и простотой. Его современник Дэниел Рид, музыкант, родившийся в Массачусетсе и позже переехавший в Нью-Хейвен, штат Коннектикут, был популярным музыкантом, который почти полностью обеспечивал себя продажей сборников мелодий. Его первая публикация называлась «Американская песенная книга; или, новое и легкое руководство по искусству псалмопения, разработанное для использования в школах пения в Америке». Использование термина «псалмопение» в названии относится к певческим обществам, распространявшимся по всей стране, и употребляется без религиозного подтекста. Биллингс, Белчер и Рид положили начало цепочке составителей сборников мелодий, которые становились все более светскими, поскольку искусство псалмопения теряло свою религиозную значимость. За ними последовали другие составители, родившиеся в Массачусетсе, начиная с Иеремии Ингаллса из Ньюбери, штат Вермонт. Их песни обычно представляли собой фуги и не одобрялись религиозными властями. Эндрю Лоу также был важным составителем; он считал, что американская музыка должна быть больше похожа на европейскую, и наиболее известен организацией школ пения и сборников мелодий. Кроме того, он сочинил несколько примечательных песен и изобрел разновидность музыкальной нотации, известную как нотация формы.

Compared with the older songs, Wesley and other new composers wrote with a simple structure. Rural farmers and workers expanded on these structures, creating complex songs which some musical conservatives railed against to no avail. It was in this context that a wave of itinerant singing masters, including William Billings, arose, creating hymns that remain standard across the country. This field was called the First New England School. Following Billings' pioneering footsteps were Supply Belcher, Andrew Law, Daniel Read, Jacob Kimball, Jeremiah Ingalls, John Wyeth, James Lyon, Oliver Holden, Justin Morgan and Timothy Swan. The First New England School is usually considered the first uniquely American invention in music. The most characteristic feature was that the voices, male and female respectively, doubled their parts in any octave in order to fill out the harmony; this generated a texture of close position chords that was unknown in European traditions. William Billings was of special importance and popularity. A native of Boston, Billings was a tanner by trade, and was mainly self taught in music. He did not always follow the standard rules of composition in his works, and has thus been called the "first American composer to emphasize strongly a creative independence and to flaunt his personal idiosyncrasies in both his music and (especially) his published writings". He taught a famous singing school in Stoughton, Massachusetts in 1774. A few of the singers later formed the Stoughton Musical Society, a choral organization consisting of 25 men. Supply Belcher, born in Stoughton, Massachusetts, though later based out of Farmington, Maine, is also especially well known. His only published tunebook was 1794's The Harmony of Maine, which included anthems, fuging pieces, psalms and hymns, a number of which were secular. His songs were distinctively folky and down to earth. His contemporary Daniel Read, a Massachusetts born musician who later moved to New Haven, Connecticut, was a popular musician who supported himself almost entirely off the sale of tunebooks. His first publication was entitled The American Singing Book; or, a New and Easy Guide to the Art of Psalmody Devised for the Use of Singing Schools in America. The title's use of psalmody is here referring to singing societies which were spreading across the country, and is used without religious connotations. Billings, Belcher and Read were the beginning of a chain of tunebook compilers that grew increasingly secular, as the art of psalmody lost its religious importance. Other Massachusetts born compilers followed in their footsteps, beginning with Jeremiah Ingalls of Newbury, Vermont. Their songs were generally fugues, and were disapproved of by religious authorities. Andrew Law was an important compiler as well; he felt that American music should be more like European, and is best known for organizing singing schools and tunebooks. In addition, he composed several songs of note, and invented a kind of musical notation called shape note.

Шейкеры

Шейкеры, или Объединенное общество верующих во второе пришествие Христа, были религией, основанной в середине 1700-х годов недалеко от Манчестера, Англия, и получившей известность под руководством Энн Ли (Мать Энн). Ли родилась в бедности и работала на хлопковой фабрике в детстве, прежде чем родители выдали её замуж за кузнеца. После рождения четверых детей, все из которых умерли в младенчестве, Мать Энн стала считать сексуальные отношения злом. Безбрачие стало неотъемлемой частью её религии. В 1772 году она была заключена в тюрьму за нарушение покоя в день субботы. Два года спустя шейкеры начали переселяться в Северную Америку, поселившись в Новой Англии и дойдя до юга штата Нью-Йорк. Ритуалы, разработанные Матерью Энн, которые, по её утверждению, являлись видениями, включали страстные танцы, изображавшие часть битвы между святыми шейкерами и дьяволом и плотью. Несмотря на то, что их странные обычаи и британские манеры вызывали некоторую враждебность у колонистов, по мере приближения американской революционной войны шейкеры увеличивались в численности и в конечном итоге распространились на юг, в Кентукки. Хотя Мать Энн умерла в 1784 году, традиции шейкеров сохранились. Их самая известная танцевальная песня – Simple Gifts, использованная Аароном Копландом в его балетной партитуре «Аппалачская весна».

Европейские специалисты

В 1766 году Чарльстаун (Чарльстон), Южная Каролина, стал местом основания Общества Святой Сесилии – первого музыкального общества в Северной Америке. В то время Чарльстон был культурным центром, привлекавшим множество музыкантов из Европы. В десятилетия после Революции более северные города, такие как Филадельфия, Нью-Йорк и Бостон, во многом заменили Чарльстон. Филадельфия, родина уважаемых Александра Рейнгейла, Джона Кристофера Моллера, Рэйнера Тейлора и Сюзанны Хасвелл Роусон, особенно славилась своим музыкальным развитием. Рейнгейл стал самой влиятельной фигурой в музыкальной жизни Филадельфии, организуя множество концертов, объединений и музыкальных мероприятий. Особенно примечателен был английский певец Бенджамин Карр. Он прибыл в Нью-Йорк в 1793 году вместе со своим братом и отцом. Вскоре они стали известными музыкальными издателями и торговцами, владея магазинами в Нью-Йорке, Филадельфии и Балтиморе. Сам Карр был композитором, органистом, пианистом, издателем и редактором. Они опубликовали в Филадельфии «Марш президента» в 1793 году; написанный Филипом Филом, «Марш президента» – одна из самых известных американских патриотических песен. Марш вскоре был политизирован и принят федералистами в качестве мобилизационного гимна. Британец Джеймс Хьюитт был одним из самых выдающихся музыкантов ранней американской истории. Он уже был известен в Лондоне, прежде чем перебраться через Атлантику в сопровождении бельгийского композитора и скрипача Жана Гехо. Хьюитт обосновался в Нью-Йорке, организуя концерты и другие музыкальные мероприятия. Его опера «Таммани, или Индейский вождь» вызвала споры после премьеры. Это была первая американская опера, посвященная коренным американцам, и была спонсирована Нью-Йоркским обществом Таммани – антифедералистской организацией. В результате Хьюитт стал объектом множества нападок со стороны федералистов. Английский органист, хормейстер и композитор Уильям Селби был видной фигурой в музыкальной жизни Бостона, наряду с голландским органистом, скрипачом и композитором Питером Альбрехтом ван Хагеном и немецким гобоистом Иоганном Кристианом Готтлибом Граупнером.

In 1766, Charlestown (Charleston), South Carolina became the home of the St. Cecilia Society, the first musical society in North America. At the time, Charleston was a cultural center, attracting a number of musicians from Europe. In the decades after the Revolution, more northern cities like Philadelphia, New York and Boston largely took Charleston's place. Philadelphia, home of the esteemed Alexander Reinagle, John Christopher Moller, Rayner Taylor and Susannah Haswell Rowson, was especially renowned for musical development. Reinagle became the most influential figure in Philadelphia's musical life, organizing a number of concerts, organizations and musical events. The English singer Benjamin Carr was especially notable. He arrived in New York in 1793, along with his brother and father. They soon became prominent music publishers and vendors, owning stores in New York, Philadelphia and Baltimore. Carr himself was a composer, organist, pianist and a publisher and editor. They published, in Philadelphia, "The President's March" in 1793; written by Philip Phile, "The President's March" is one of the most enduring of American patriotic songs. The march was soon politicized, adopted by the Federalists as a rallying song. The British James Hewitt was one of the most distinguished musicians of early American history. He was already renowned in London before moving across the Atlantic, accompanied by Belgian composer and violinist Jean Gehot. Hewitt became established in New York, organizing concerts and other musical events. His opera Tammany; or, The Indian Chief became controversial after its first performance. It was the first American opera to deal with Native Americans, and was sponsored by the New York Tammany Society, an anti Federalist organization. Hewitt was the target of much invective from Federalists as a result. The English organist, choirmaster and composer William Selby was a major figure in Boston's musical life, along with the Dutch organist, violinist and composer Peter Albrecht van Hagen and German oboist Johann Christian Gottlieb Graupner.

Джентльмены-любители композиторов

Крупными городскими центрами Средней Атлантики были такие города, как Филадельфия и Балтимор, и именно там европейские классические традиции получили наиболее полное развитие. Филипп Филе, Иоганн Фридрих Петер и Александр Рейнэгл были видными композиторами той эпохи, хотя Фрэнсис Хопкинсон, подписавший Декларацию независимости из Филадельфии, остаётся наиболее известным. Одна из его композиций, "My Days Have Been So Wondrous Free", хорошо запомнилась как первая американская песня (хотя это оспаривается); тем не менее, ей не хватает оригинальности и новаторства, чтобы выделиться среди европейских произведений. В то время профессиональных музыкантов не ценили и считали людьми грубого нрава. Джентльмены часто выступали, преимущественно перед аристократической публикой, и делали это безвозмездно. С развитием Соединённых Штатов Юг стал землёй глубоких социально-экономических разногласий. Владение землёй и рабство стали неотъемлемой частью благосостояния джентльмена, в то время как на Севере идея землевладельческой аристократии не имела столь большого значения.

Лоуэлл Мейсон

Возможно, самым влиятельным ранним композитором был Лоуэлл Мейсон. Родом из Бостона, Мейсон выступал против использования нотации с фигурной нотной записью и за обучение стандартной нотации. Он сотрудничал с местными учреждениями для публикации сборников гимнов и поддержания своего авторитета. Противостоя традиции фигурной нотной записи, Мейсон способствовал сближению американской музыки с европейской моделью.

Сельская музыка Пенсильвании

В колониальной Пенсильвании жили религиозные меньшинства, такие как квакеры, а также значительные моравские и лютеранские общины. Квакеры имели немногочисленные музыкальные традиции, в то время как протестантские церкви часто активно использовали музыку в богослужении. И. Ф. Петер вышел из моравской традиции, а Конрад Бейссель (основатель Эфратовского монастыря) разработал собственную систему гармонической теории. Традиции лютеранской музыки Иоганна Себастьяна Баха, Букстехуде, Иоганна Пахельбеля и Вальтера распространились в Пенсильвании, и город Вифлеем по-прежнему является центром лютеранских музыкальных традиций.

Меннониты

Меннониты, последователи Менно Симонса, поселились в Германтауне после эмиграции из немецкого Пфальца и Швейцарии между 1683 и 1748 годами. Возглавлял их Виллем Риттингхьюзен (дед астронома и математика Дэвида Риттенхауза). Меннониты использовали сборник гимнов из Шаффхаузена, переизданный в Германтауне в 1742 году под названием Der Ausbund Das ist etliche schöne christliche Lieder.

Клостер Ефраты

Клостер Эфрата (Сообщество одиноких) был основан в нынешнем округе Ланкастер на реке Кокалико в 1720 году. Это была группа баптистов седьмого дня во главе с Питером Миллером и Конрадом Бейсселем, которые верили в то, что музыка является неотъемлемой частью богослужения. Бейссель кодифицировал уникальную традицию Клостера Эфрата в своей "Диссертации Бейсселя о гармонии", где он разделил ноты на два типа: "мастера" – ноты, принадлежащие к общему аккорду, и "слуги" – все остальные ноты. Акцентированные слоги в произведениях Бейсселя всегда приходились на "мастерские" ноты, а неакцентированные – на "служащие". Гимнослов Клостера Эфрата был обширным, состоял более чем из 1000 гимнов, многие из которых сопровождались инструментами, включая скрипку. Многие из этих гимнов были опубликованы в 1740-х и 1750-х годах.

Моравская церковь

Основанная в 1457 году, Моравская церковь первоначально распространилась по Моравии, Польше и Богемии, прежде чем преследования вынудили оставшихся верующих в Саксонию, где они жили под защитой графа Николауса Людвига фон Зинцендорфа. Зинцендорф писал гимны и привёл моравян в Америку, где они начали миссионерскую деятельность в Грузии, но без особого успеха. Они перебрались в Пенсильванию и основали город Вифлеем на берегу реки Лехай. Затем группа отправилась в Салем, штат Северная Каролина (ныне часть Уинстон-Салема). В Салеме и Вифлееме моравяне продолжали использовать музыку в своих богослужениях. Инструменты включали органы и тромбоны, а вокал обычно исполнялся хорами. Музыканты обычно играли на крышах по любому случаю, чтобы их было слышно на большом расстоянии. Существует легенда, согласно которой группа воинов коренных американцев приблизилась к моравскому поселению во время Франко-индейской войны, но ушла, услышав хор тромбонов, поскольку они сочли это голосом своего Великого Духа. Моравяне были преданы миссионерской работе, особенно среди африканских рабов и коренных американцев; в 1763 году они опубликовали сборник гимнов на языке делаваров. Моравяне также имели традицию светской художественной музыки, в которую входил известный композитор Иоганн Фридрих Петер, немец по происхождению, родившийся в Нидерландах, эмигрировавший в Вифлеем в 1770 году. Он привез с собой копии сочинений Иосифа Гайдна, Иоганна Кристофа Фридриха Баха, Иоганна Штамица и К. Ф. Абеля. Прожив некоторое время в Вифлееме, Петер переехал в Салем, где основал Collegium Musicum (в 1786 году) и собрал сотни симфоний, гимнов и ораторий. В этот период Петер также сочинил ряд уважаемых инструментальных произведений для двух скрипок, двух альтов и виолончели; он также сочинил духовные гимны, такие как «Это драгоценная вещь» и арии, такие как «Господь в Своем святом храме». Моравская церковь продолжала выпускать ряд известных композиторов в XIX веке, в том числе Джона Антеса, а также Фрэнсиса Ф. Хагена, Иоганна Кристиана Бехлера, Эдварда В. Лайнбаха, Симона Петра, Давида Морица Майкла, Георга Готфрида Мюллера, Питера Волле, Иеремии Денке и Йоханнеса Гербста. Гербст также был известным коллекционером, архивы которого, оставленные церкви Салема после его смерти, были опубликованы в 1977 году; они включали более 11 000 страниц материалов. Салем постепенно стал центром моравских музыкальных инноваций, отчасти благодаря присутствию Моравского музыкального фонда.

Founded in 1457, the Moravian Church originally spread across Moravia, Poland and Bohemia before persecution forced the remaining faithful to Saxony, where they lived under the protection of Count Nikolaus Ludwig von Zinzendorf. Zinzendorf wrote hymns, and led the Moravians to America, where they began missionary work in Georgia but with little success. They moved on to Pennsylvania, and founded the town of Bethlehem on the banks of the Lehigh River. A group then left for Salem, North Carolina (now a part of Winston Salem). Both in Salem and Bethlehem, Moravians continued to use music in their ceremonies. Instruments included organs and trombones, and voices were usually in choirs. Players generally played on rooftops for most any occasion, ensuring that they could be heard for great distances. A legend has arisen claiming that a group of Native American warriors approached a Moravian settlement during the French and Indian War, but left after hearing a trombone choir because they believed it to be the voice of their Great Spirit. Moravians were devoted to missionary work, especially among African slaves and Native Americans; in 1763, they published a collection of hymns in the Delaware language. Moravians also had a tradition of secular art music that included the famed composer Johann Friedrich Peter, who was a German born in the Netherlands who emigrated to Bethlehem in 1770. He brought with him copies of compositions by Joseph Haydn, Johann Christoph Friedrich Bach, Johann Stamitz and C. F. Abel. After living in Bethlehem for a time, Peter moved to Salem, where he founded the Collegium Musicum (in 1786) and collected hundreds of symphonies, anthems and oratorios. It was during this period that Peter also composed a number of well respected instrumental pieces for twio violins, two violas and a cello; he also composed sacred anthems like "It Is a Precious Thing" and arias like "The Lord Is in His Holy Temple". The Moravian Church continued to produce a number of renowned composers into the 19th century, including John Antes as well as Francis F. Hagen, Johann Christian Bechler, Edward W. Leinbach, Simon Peter, David Moritz Michael, Georg Gottfried Müller, Peter Wolle, Jeremiah Dencke and Johannes Herbst. Herbst was also a noted collector, whose archives, left to the Salem church after his death, were made public in 1977; these included more than 11,000 pages of content. Salem has gradually become the center for Moravian musical innovation, partially due to the presence of the Moravian Music Foundation.

Пиетисты

В 1694 году Иоганнес Келпиус привёл группу немецких пиетистов к берегам ручья Виссахикон в юго-восточной Пенсильвании. Они стали известны как Отшельники или Мистики Виссахикона; на этой карте Виссахикон-Крик 1871 года отмечены родник Келпиуса и ущелье Отшельников. Келпиус был музыкантом, и он со своими последователями привёз инструменты, которые стали неотъемлемой частью церковной жизни. Келпиус также был композитором, и его иногда называют первым композитором Пенсильвании, основываясь на неподтверждённом авторстве нескольких гимнов в сборнике "Скорбящий голос сокровенной любви". Вероятно, он написал тексты, хотя мелодии в основном основаны на немецких песнях; английские переводы в сборнике приписываются Кристоферу Витту, англичанину, который иммигрировал и присоединился к мистикам, а также построил для них трубный орган, который считается первым частным органом в Северной Америке. В 1703 году Юстус Фалькнер был рукоположен в пасторы церкви Gloria Dei; Фалькнер, очевидно, полагал, что музыка является важным элементом миссионерской деятельности, и писал в Германию с просьбой прислать орган, который, по его мнению, привлечёт больше коренных американцев. Фалькнер был лютеранином и написал такие гимны, как "Восстаньте, дети спасения".

Общество Гармонии

В 1803 и 1804 годах группа христианских пиетистов во главе с Джорджем Раппом прибыла из Вюртемберга, Германия, поселилась в Гармони, штат Пенсильвания, и в 1805 году основала Общество Гармонии. Члены общества жили общинной жизнью, придерживались пацифизма, проповедовали безбрачие, а музыка занимала важное место в их жизни. Гармониты (или гармонисты) сочиняли собственную музыку и даже имели оркестр. Общество просуществовало до 1906 года, но в их последнем поселении, Олд Экономи Виллидж (ныне Амбридж, штат Пенсильвания), сохранились архивы с нотами, которые до сих пор исполняются на особых общественных мероприятиях.

Афроамериканцы

Привезённые в Соединённые Штаты ещё в 1619 году, порабощённые африканцы происходили из различных племён Западной Африки, включая племена ашанти, йоруба, бини, конго и дагомеев. Они говорили на сотнях языков; некоторые происходили из враждующих племён или изолированных общин, практически не имевших контактов друг с другом до прибытия работорговцев. Некоторые из крупных групп имели обширные контакты с мусульманами Северной Африки и отдалёнными культурами Восточной и Южной Африки. Порабощённые люди привезли с собой рабочие песни, религиозную музыку и танцы, а также широкий спектр инструментов, включая калимбу, ксилофон, флейты и погремушки. Однако, пожалуй, наиболее важной особенностью был вокальный стиль «вопрос-ответ», в котором певец и публика обменивались фразами. Эта практика хорошо сочеталась с развивающейся традицией гимнов Новой Англии, и эти два направления начали смешиваться в начале истории страны. Ещё одна необычная особенность африканской музыки заключается в том, что вместо того, чтобы начинать и заканчивать мелодию или фразу на чистой ноте, как в западной музыке, африканские певцы подходили к ноте сверху или снизу, скользя к ней. Однако наиболее характерной чертой африканской музыки является акцент на ритме. В этом отношении африканские народные стили гораздо сложнее, чем всё, что было разработано где-либо ещё в мире. Африканская музыка обычно полиритмична, создаётся с помощью разнообразных ударных инструментов, как с определённой высотой звука, так и без, с использованием множества видов природных материалов. Полиритмы были завезены вместе с рабами в Новый Свет, где они нашли своё место в жанрах, от афроамериканского госпела до поп-свинга и рок-н-ролла. Многие рабовладельцы поощряли порабощённых людей петь во время работы, полагая, что это поднимает им настроение и заставляет работать усерднее. Чтобы это произошло, они обычно требовали, чтобы все мелодии оставались весёлыми и приятными. Эта музыка, когда она сопровождалась, использовала только один барабан или другой предмет для перкуссии. Поскольку у них часто не было инструментов, хлопки в ладоши и топанье ногами стали неотъемлемой частью музыки порабощённых людей. Банджо и различные виды барабанов были наиболее важными инструментами, но африканцы также использовали разновидности панамок, выдолбленные тыквы, играемые с помощью скребка (похожего на гуиро), и погремушки. Также была известна губная арфа, похожая на африканскую мбира или санзу. Кроме того, афроамериканцы быстро освоили европейские инструменты, такие как кларнет, гобой, валторна и, что наиболее важно, скрипку. Часто видные господа использовали порабощённых афроамериканцев в качестве музыкантов и артистов. Некоторые стали весьма известными, например, Си Гиллиат из Вирджинии, который выступал на государственных балах в Уильямсбурге. Его помощник после переезда столицы в Ричмонд был известен как Лондон Бригс и был известным исполнителем.

Brought to the United States as early as 1619, enslaved Africans were from a variety of tribes from West Africa, including the Ashanti, Yoruba, Bini, Congo and Dahomean tribes. They spoke hundreds of languages; some came from rival tribes, or isolated communities with little connection to anyone else until the arrival of the slave traders. Some of the larger groups had extensive contact with the Muslims of North Africa and the distant cultures of East and Southern Africa. Enslaved individuals brought with them work songs, religious music and dance, and a wide variety of instruments, including kalimba, xylophone, flutes and rattles. Perhaps the most important characteristic, however, was the call and response vocal style, in which a singer and the audience trade lines back and forth. This practice lent itself well to the burgeoning New England hymn tradition, and the two fields began commingling early in the nation's history. Another unusual characteristic of much African music is that, rather than begin and end a tune or phrase on a pure note as in Western music, African singers would slide onto or below the note. The most distinctive component of African music, however, is the focus on the rhythm. In this respect, African folk styles are far more complex than anything developed anywhere else in the world. African music is usually polyrhythmic, made by a wide variety of percussion instruments, both pitched and unpitched, using numerous kinds of natural materials. Polythythms were imported along with slaves to the New World, where it has found its way to genres ranging from African American gospel to pop swing and rock and roll. Many slavers encouraged enslaved individuals to sing as they work, believing that it improved morale and made them work harder. They generally required that all tunes remain cheerful and pleasant in tone to ensure that this occurred. This music, when accompanied, used only a single drum or other object used for percussion. Since they were often without instruments, clapping and foot stomping became an integral part of the music of enslaved people. The banjo and various kinds of drums were the most important instruments, but enslaved Africans also used varieties of panpipes, notched gourds played with a scraper (similar to a güiro) and rattles. The thumb piano was also known, similar to the African mbira or sanza. In addition, Black individuals soon mastered European instruments like the clarinet, oboe, French horn and, most importantly, the violin. Often, prominent gentlemen had enslaved Black people act as musicians and entertainers. Some became quite prominent, like Virginia's Sy Gilliat, who performed at state balls in Williamsburg. His assistant after the capitol moved to Richmond was known as London Brigs and was a renowned player.

Барабаны

Рабы-африканцы в таких местах, как Гаити, Бразилия и Доминиканская Республика, сохранили использование барабанов, и их перкуссия стала неотъемлемой частью афро-карибской и латиноамериканской музыки. Однако в британских колониях Северной Америки барабаны были запрещены, поскольку колониальные рабовладельцы опасались, что они будут использоваться для связи между порабощенными людьми и что использование барабанов может способствовать восстаниям и бунтам. Тем не менее, барабаны оставались важной частью музыки французской колонии Луизиана.

Баньо

Банжо было неотъемлемой частью жизни порабощенных афроамериканцев в Америке, о чем упоминал, например, Томас Джефферсон в своих «Заметках о штате Вирджиния», где он называл его банджаром и отмечал, что инструмент происходит из Африки. Другие названия включали банго, баншо, бангело, банза, бангил и банджер. Инструмент был описан в Западной Африке еще в 1620 году Ричардом Джобсоном, хотя он существовал там и раньше. В Северной Америке банджо обычно изготавливали, вырезая полость в тыкве или кабасе и прикрепляя к ней длинный гриф. Затем порабощенные люди натягивали кусок шкуры животного, чаще всего енота, на корпус и крепили четыре струны. Джефферсон утверждал, что банджар, который ему был знаком, был настроен на E A d g.