Народная музыка: история и современность

Введение

Народная музыка – музыкальный жанр, включающий в себя традиционную народную музыку и современный жанр, который развился из неё во время фолк-возрождения XX века. Некоторые виды народной музыки могут относиться к мировой музыке. Традиционную народную музыку определяют по-разному: как музыку, передаваемую устно, музыку с неизвестными авторами, музыку, исполняемую на традиционных инструментах, музыку о культурной или национальной идентичности, музыку, изменяющуюся из поколения в поколение (фолк-процесс), музыку, связанную с фольклором народа, или музыку, исполняемую по традиции на протяжении длительного времени. Она противопоставляется коммерческой и классической музыке. Термин возник в XIX веке, однако народная музыка существует и до этого периода. Начиная с середины XX века, из традиционной народной музыки сформировался новый вид популярной народной музыки. Этот процесс и период называется (вторым) фолк-возрождением и достиг своего пика в 1960-х годах. Эта форма музыки иногда называется современной народной музыкой или музыкой фолк-возрождения, чтобы отличать её от более ранних форм народной музыки. Небольшие, аналогичные возрождения происходили в других странах мира в разное время, но термин «народная музыка» обычно не применялся к новой музыке, созданной в ходе этих возрождений. Этот тип народной музыки также включает в себя такие жанры-гибриды, как фолк-рок, фолк-метал и другие. Хотя современная народная музыка в целом отличается от традиционной народной музыки, в американском английском языке они обозначаются одним и тем же термином и часто имеют одних и тех же исполнителей и площадки.

Определение

Термины народная музыка, народная песня и народный танец — сравнительно недавние выражения. Они являются расширением термина «фольклор», который был введен в 1846 году английским антикваром Уильямом Томсом для описания «традиций, обычаев и суеверий необразованных слоев населения». Этот термин восходит к немецкому выражению Volk, в значении «народ в целом», которое использовалось Иоганном Готфридом Гердером и немецкими романтиками более полувека назад по отношению к популярной и национальной музыке. Хотя общепринято, что народная музыка — это музыка народа, наблюдателям трудно дать более точное определение. Некоторые даже не согласны с тем, что термин «народная музыка» следует использовать. Другие определяют её как музыку, прошедшую эволюционный «процесс устной передачи, формирование и переосмысление музыки сообществом, которое и придает ей народный характер». Такие определения опираются на «(культурные) процессы, а не на абстрактные музыкальные типы», на «непрерывность и устную передачу, рассматриваемые как характеристика одной стороны культурной дихотомии, другая сторона которой встречается не только в низших слоях феодальных, капиталистических и некоторых восточных обществ, но и в «примитивных» обществах и в частях «популярных культур». Одно из широко используемых определений гласит: «Фолк-музыка — это то, что поет народ». Для Скоулза музыка деревни отличалась от музыки города. Народная музыка уже воспринималась как «подлинное выражение образа жизни, ушедшего в прошлое или находящегося на грани исчезновения (или, в некоторых случаях, подлежащего сохранению или возрождению)», особенно в «сообществе, не подверженном влиянию академической музыки».

Музыка этого жанра также часто называется традиционной музыкой. Хотя термин обычно носит описательный характер, в некоторых случаях люди используют его как название жанра. Например, премия «Грэмми» ранее использовала термины «традиционная музыка» и «традиционный фолк» для обозначения фольклорной музыки, не относящейся к современной фольклорной музыке. Народная музыка может включать в себя большую часть исконной музыки. Совокупность мелодий со структурными сходствами известна как мелодическая семья. В издании «Американский музыкальный ландшафт» говорится, что «наиболее распространенной формой мелодий в народной музыке является AABB, также известная как бинарная форма». В некоторых традициях мелодии могут объединяться в медли или «сеты».

Происхождение

На протяжении большей части доисторической и исторической истории человечества прослушивание записанной музыки было невозможно. Музыку создавали обычные люди как во время работы, так и в свободное время, а также во время религиозных обрядов. Производственный труд часто был ручным и коллективным. Ручной труд нередко сопровождался пением, которое служило нескольким практическим целям: уменьшало скуку от однообразных задач, задавало ритм при синхронных совместных усилиях и определяло темп многих видов деятельности, таких как посадка, прополка, жатва, молотьба, ткачество и помол зерна. В свободное время пение и игра на музыкальных инструментах были распространенными формами развлечения и повествования – даже более распространенными, чем сегодня, когда электрические технологии и широкая грамотность предлагают другие, конкурирующие формы развлечений и обмена информацией. Некоторые полагают, что народная музыка возникла как академическая музыка, которая изменялась и, вероятно, упрощалась в процессе устной передачи, отражая характер общества, её создавшего. Разные культуры могут по-разному понимать разграничение между «народной» музыкой, с одной стороны, и «академической» и «дворцовой» музыкой – с другой. В процессе распространения популярных музыкальных жанров некоторые традиционные народные песни стали также называться «музыкой мира» или «музыкой корней». Английский термин «фольклор», используемый для описания традиционной народной музыки и танца, вошел в лексикон многих континентальных европейских стран, в каждой из которых были свои собиратели и возродители народных песен. В определении Международного совета по народной музыке указано, что этот термин может также применяться к музыке, «возникшей у отдельного композитора и впоследствии усвоенной неписаной, живой традицией общины». Однако этот термин не распространяется на песню, танец или мелодию, которые были заимствованы в готовом виде и остались неизменными. Послевоенное возрождение интереса к народной музыке в Америке и Великобритании породило новый жанр – современную народную музыку и привнесло дополнительное значение в термин «народная музыка»: вновь сочиненные песни, зафиксированные в форме и принадлежащие известным авторам, которые имитировали ту или иную форму традиционной музыки. Популярность записей «современной народной музыки» привела к появлению категории «Фолк» на премии «Грэмми» в 1959 году; в 1970 году этот термин был заменен на «Лучшая этническая или традиционная запись (включая традиционный блюз)», а в 1987 году было проведено различие между «Лучшей традиционной фольклорной записью» и «Лучшей современной фольклорной записью». После этого появилась категория «Традиционная музыка», которая впоследствии трансформировалась в другие. К началу XXI века термин «фолк» мог охватывать авторов-исполнителей, таких как шотландец Донован и американец Боб Дилан, появившихся в 1960-х годах и многих других. Это завершило процесс, в результате которого «народная музыка» перестала означать исключительно традиционную народную музыку. Она включает в себя такие формы, как традиционная эпическая поэзия, большая часть которой изначально предназначалась для устного исполнения, иногда под аккомпанемент инструментов. Многие эпические поэмы различных культур были составлены из более коротких фрагментов традиционного повествовательного стиха, что объясняет их эпизодическую структуру, повторяющиеся элементы и частое использование приема in medias res. Другие формы традиционного повествовательного стиха рассказывают об исходах сражений или оплакивают трагедии и стихийные бедствия. Иногда, как в торжественной Песне Деворы, содержащейся в библейской Книге Судей, эти песни прославляют победу. Плачи о проигранных битвах и войнах, и о жизнях, потерянных в них, также широко распространены во многих традициях; эти плачи сохраняют память о причине, ради которой велась битва. В повествованиях традиционных песен часто вспоминаются народные герои, такие как Джон Генри или Робин Гуд. Некоторые традиционные песни повествуют о сверхъестественных событиях или загадочных смертях. Гимны и другие формы религиозной музыки часто имеют традиционное и неизвестное происхождение. Западная музыкальная нотация была первоначально создана для сохранения линий григорианского пения, которое до своего изобретения преподавалось как устная традиция в монастырских общинах. Традиционные песни, такие как «Зелёные тростники растут», представляют собой религиозные знания в мнемонической форме, как и западные рождественские колядки и подобные традиционные песни. Рабочие песни часто имеют структуру «вопрос-ответ» и предназначены для того, чтобы помогать работникам координировать свои усилия в соответствии с ритмом песен. Они часто, но не всегда, сочиняются. В вооруженных силах США существует живая устная традиция, сохраняющая «джоди-коллы» («песни Дакворта»), которые поются во время маршей солдат. Профессиональные моряки аналогичным образом использовали обширный корпус морских шанти. Любовная поэзия, часто трагического или сожалеющего характера, занимает видное место во многих фольклорных традициях. Считалки, детские песни и бессмысленные стихи, используемые для развлечения или успокоения детей, также часто являются предметом традиционных песен.

Throughout most of human prehistory and history, listening to recorded music was not possible. Music was made by common people during both their work and leisure, as well as during religious activities. The work of economic production was often manual and communal. Manual labor often included singing by the workers, which served several practical purposes. It reduced the boredom of repetitive tasks, it kept the rhythm during synchronized pushes and pulls, and it set the pace of many activities such as planting, weeding, reaping, threshing, weaving, and milling. In leisure time, singing and playing musical instruments were common forms of entertainment and history telling—even more common than today when electrically enabled technologies and widespread literacy make other forms of entertainment and information sharing competitive. Some believe that folk music originated as art music that was changed and probably debased by oral transmission while reflecting the character of the society that produced it. Different cultures may have different notions concerning a division between "folk" music on the one hand and of "art" and "court" music on the other. In the proliferation of popular music genres, some traditional folk music became also referred to as "World music" or "Roots music". The English term "folklore", to describe traditional folk music and dance, entered the vocabulary of many continental European nations, each of which had its folk song collectors and revivalists. The International Folk Music Council definition allows that the term can also apply to music that, " has originated with an individual composer and has subsequently been absorbed into the unwritten, living tradition of a community. But the term does not cover a song, dance, or tune that has been taken over ready made and remains unchanged." The post–World War II folk revival in America and in Britain started a new genre, Contemporary Folk Music, and brought an additional meaning to the term "folk music": newly composed songs, fixed in form and by known authors, which imitated some form of traditional music. The popularity of "contemporary folk" recordings caused the appearance of the category "Folk" in the Grammy Awards of 1959; in 1970 the term was dropped in favor of "Best Ethnic or Traditional Recording (including Traditional Blues)", while 1987 brought a distinction between "Best Traditional Folk Recording" and "Best Contemporary Folk Recording". After that, they had a "Traditional music" category that subsequently evolved into others. The term "folk", by the start of the 21st century, could cover singer songwriters, such as Donovan from Scotland and American Bob Dylan, who emerged in the 1960s and much more. This completed a process to where "folk music" no longer meant only traditional folk music. This encompasses such forms as traditional epic poetry, much of which was meant originally for oral performance, sometimes accompanied by instruments. Many epic poems of various cultures were pieced together from shorter pieces of traditional narrative verse, which explains their episodic structure, repetitive elements, and their frequent in medias res plot developments. Other forms of traditional narrative verse relate the outcomes of battles or lament tragedies or natural disasters. Sometimes, as in the triumphant Song of Deborah found in the Biblical Book of Judges, these songs celebrate victory. Laments for lost battles and wars, and the lives lost in them, are equally prominent in many traditions; these laments keep alive the cause for which the battle was fought. The narratives of traditional songs often also remember folk heroes such as John Henry or Robin Hood. Some traditional song narratives recall supernatural events or mysterious deaths. Hymns and other forms of religious music are often of traditional and unknown origin. Western musical notation was originally created to preserve the lines of Gregorian chant, which before its invention was taught as an oral tradition in monastic communities. Traditional songs such as Green grow the rushes, O present religious lore in a mnemonic form, as do Western Christmas carols and similar traditional songs. Work songs frequently feature call and response structures and are designed to enable the laborers who sing them to coordinate their efforts in accordance with the rhythms of the songs. They are frequently, but not invariably, composed. In the American armed forces, a lively oral tradition preserves jody calls ("Duckworth chants") which are sung while soldiers are on the march. Professional sailors made similar use of a large body of sea shanties. Love poetry, often of a tragic or regretful nature, prominently figures in many folk traditions. Nursery rhymes, children’s songs and nonsense verse used to amuse or quiet children also are frequent subjects of traditional songs.

Трансформации и вариации народных песен

Музыка, передаваемая устно в сообществе, со временем развивается в множество вариантов, поскольку такая передача не позволяет добиться точности в каждом слове и ноте. Кроме того, народные исполнители могут изменять песни, которые они слышат. Например, слова песни "Я человек, которого не встретишь каждый день" (Roud 975) были записаны на листовке в XVIII веке и, по-видимому, имеют ирландское происхождение. В 1958 году эта песня была записана в Канаде под названием "My Name is Pat and I'm Proud of That". Шотландская странствующая певица Джинни Робертсон из Абердина сделала следующую запись в 1961 году. Она изменила текст, чтобы упомянуть "Джока Стюарта", одного из своих родственников, и в нем больше нет ирландских мотивов. В 1976 году шотландский музыкант Арчи Фишер намеренно изменил песню, убрав упоминание о застреленной собаке. В 1985 году группа The Pogues вернула песне ирландские корни. Поскольку вариантов возникает множество естественным образом, обычно не существует "авторитетной" версии песни. Исследователи традиционных песен обнаружили бесчисленные версии баллады о Барбаре Аллен по всему англоязычному миру, и эти версии часто сильно различаются. Оригинал неизвестен, и многие версии могут претендовать на одинаковую подлинность. Влиятельный фольклорист Сесил Шарп полагал, что конкурирующие варианты традиционной песни подвергаются процессу улучшения, подобному естественному отбору в биологии: только те новые варианты, которые наиболее привлекательны для обычных исполнителей, будут подхвачены другими и передаваться дальше во времени. Таким образом, со временем каждая традиционная песня должна становиться более эстетически привлекательной благодаря постепенному улучшению, осуществляемому сообществом. Литературный интерес к форме народной баллады восходит, по крайней мере, ко временам Томаса Перси и Уильяма Вордсворта. Английские композиторы эпохи Тюдоров и Стюартов часто развивали свою музыку из народных мотивов, классическая сюита основывалась на стилизованных народных танцах, а использование народных мелодий Джозефом Гайдном также известно. Однако появление термина "народ" совпало с "всплеском национального чувства по всей Европе", который был особенно силен на окраинах Европы, где национальная идентичность проявлялась наиболее ярко. Композиторы-националисты появились в Центральной Европе, России, Скандинавии, Испании и Великобритании: музыка Дворжака, Сметаны, Грига, Римского-Корсакова, Брамса, Листа, де Фальи, Вагнера, Сибелиуса, Вогана Уильямса, Бартока и многих других вдохновлялась народными мелодиями.

Music transmitted by word of mouth through a community, in time, develops many variants, since this transmission cannot produce word for word and note for note accuracy. In addition, folk singers may choose to modify the songs they hear. For example, the words of "I'm a Man You Don't Meet Every Day" (Roud 975) were written down in a broadside in the 18th century, and seem to have an Irish origin. In 1958 the song was recorded in Canada (My Name is Pat and I'm Proud of That). Scottish traveler Jeannie Robertson from Aberdeen, made the next recorded version in 1961. She has changed it to make reference to "Jock Stewart", one of her relatives, and there are no Irish references. In 1976 Scottish artist Archie Fisher deliberately altered the song to remove the reference to a dog being shot. In 1985 The Pogues took it full circle by restoring the Irish references. Because variants proliferate naturally, there is generally no "authoritative" version of song. Researchers in traditional songs have encountered countless versions of the Barbara Allen ballad throughout the English speaking world, and these versions often differ greatly from each other. The original is not known; many versions can lay an equal claim to authenticity. Influential folklorist Cecil Sharp felt that these competing variants of a traditional song would undergo a process of improvement akin to biological natural selection: only those new variants that were the most appealing to ordinary singers would be picked up by others and transmitted onward in time. Thus, over time we would expect each traditional song to become more aesthetically appealing, due to incremental community improvement. Literary interest in the popular ballad form dates back at least to Thomas Percy and William Wordsworth. English Elizabethan and Stuart composers had often evolved their music from folk themes, the classical suite was based upon stylised folk dances, and Joseph Haydn's use of folk melodies is noted. But the emergence of the term "folk" coincided with an "outburst of national feeling all over Europe" that was particularly strong at the edges of Europe, where national identity was most asserted. Nationalist composers emerged in Central Europe, Russia, Scandinavia, Spain and Britain: the music of Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók, and many others drew upon folk melodies.

Региональные формы

Хотя утрата традиционной народной музыки под влиянием распространения популярной музыки – всемирное явление, она не происходит с одинаковой скоростью во всех странах мира. Этот процесс наиболее выражен там, где индустриализация и коммерциализация культуры достигли наибольшего развития, но происходит более медленно даже в регионах с менее развитыми технологиями. Тем не менее, утрата традиционной музыки замедляется в тех странах или регионах, где народная музыка является символом культурной или национальной идентичности.

Ранняя народная музыка, полевая работа и научные исследования

Большая часть знаний о народной музыке, существовавших до появления технологий звукозаписи в XIX веке, получена благодаря полевым исследованиям и записям ученых, собирателей и энтузиастов.

Европа XIX века

Начиная с XIX века, ученые и любители, заметив утрату музыкальных традиций, предприняли различные усилия по сохранению народной музыки. Одним из таких усилий стал сборник, составленный Фрэнсисом Джеймсом Чайлдом в конце XIX века, включающий тексты более трехсот баллад английской и шотландской традиций (известных как Child Ballads), некоторые из которых датируются периодом до XVI века. Шарп с определенным успехом добивался преподавания английских традиционных песен (в его собственных сильно отредактированных и исправленных версиях) в школах, надеясь возродить и продлить их популярность. На протяжении 1960-х и в начале – середине 1970-х годов американский ученый Бертран Харрис Бронсон опубликовал исчерпывающий четырехтомный сборник известных на тот момент вариантов текстов и мелодий, связанных с тем, что впоследствии стало известно как «Канон Чайлда». Он также выдвинул ряд значительных теорий, касающихся функционирования устной традиции. Аналогичная деятельность разворачивалась и в других странах. Одной из наиболее масштабных была работа, проделанная в Риге Крисянисом Бароном, который в период с 1894 по 1915 год опубликовал шесть томов, содержащих тексты 217 996 латвийских народных песен – Latvju dainas. В Норвегии работы таких собирателей, как Людвиг Матиас Линдеман, широко использовались Эдвардом Григом в его «Лирических пьесах» для фортепиано и других произведениях, получивших огромную популярность. В это же время композиторы классической музыки проявили живой интерес к сбору традиционных песен, и многие из них проводили собственные полевые исследования традиционной музыки. Среди них были Перси Грейнджер и Ральф Вон Уильямс в Англии и Бела Барток в Венгрии. Эти композиторы, как и многие их предшественники, создавали аранжировки народных песен и включали традиционные мотивы в свои оригинальные классические композиции.

Северная Америка

Появление технологии звукозаписи предоставило фольклористам революционный инструмент для сохранения исчезающих музыкальных форм. Первые американские исследователи народной музыки работали в Американском фольклорном обществе (AFS), которое возникло в конце 1800-х годов. Их исследования расширились и включили музыку коренных американцев, однако народную музыку по-прежнему рассматривали как исторический феномен, сохранившийся в изолированных обществах. В Северной Америке в 1930-х и 1940-х годах Библиотека Конгресса, через отделы традиционных музыкальных коллекционеров Роберта Уинслоу Гордона, Алана Ломакса и других, стремилась собрать как можно больше полевых материалов со всей Северной Америки. Джон Ломакс (отец Алана Ломакса) был первым видным ученым, изучавшим специфически американскую народную музыку, такую как музыка ковбоев и афроамериканцев юга. Его первая крупная опубликованная работа вышла в 1911 году и называлась «Ковбойские песни и другие баллады границы». Он, вероятно, был самым известным американским исследователем народной музыки своего времени, особенно в начале возрождения народной музыки в 1930-х и начале 1940-х годов. Сесил Шарп также работал в Америке, записывая традиционные песни Аппалачей в 1916–1918 годах в сотрудничестве с Мод Карпелс и Олив Дам Кэмпбелл, и считается первым крупным ученым, исследовавшим американскую народную музыку. Кэмпбелл и Шарп представлены под другими именами актерами в современном фильме «Ловец песен». Важной темой среди исследователей народной музыки в первые десятилетия XX века был регионализм – анализ разнообразия народной музыки (и связанных с ней культур) на основе регионов США, а не исторических корней конкретной песни. Позже к этому добавился учет классовой принадлежности и обстоятельств. Наиболее видными регионалистами были писатели и поэты, проявлявшие особый интерес к фольклору. Карл Сэндбург часто путешествовал по США как писатель и поэт. Он также собирал песни во время своих путешествий и опубликовал их в 1927 году в книге «Американский сборник песен». Историк Рэйчел Дональдсон, работавшая в Университете Вандербильта, позже проанализировала эту книгу в контексте возрождения народной музыки и заявила: «В своих сборниках народных песен Сэндбург добавил классовый аспект к общепринятому пониманию американской народной музыки. Это был последний элемент фундамента, на котором ранние возродители народной музыки построили свое собственное представление об американизме. Американцы рабочего класса, представленные Сэндбургом, присоединились к этнически, расово и регионально разнообразным гражданам, чьи определения американского фольклора отмечали другие ученые, общественные деятели и фольклористы, определения, которые возродители народной музыки использовали для формирования своего понимания американской народной музыки и всеобъемлющей американской идентичности». До 1930-х годов изучение народной музыки было в основном прерогативой ученых и коллекционеров. В 1930-х годах началось осознание более масштабных тем, общих черт и связей в народной музыке, которые развивались и в самой народной среде, и среди ее исполнителей, часто в связи с Великой депрессией. Регионализм и культурный плюрализм стали влиятельными темами. В это время народная музыка начала тесно переплетаться с темами и движениями политической и социальной активности, а политически активные музыканты и ученые рассматривали коммунизм как возможную лучшую систему, особенно в свете последствий Великой депрессии. Вуди Гатри является ярким примером авторов песен и исполнителей с подобными взглядами. В 1930-х годах стало появляться множество фестивалей народной музыки. Президент Франклин Рузвельт был поклонником народной музыки, организовывал народные концерты в Белом доме и часто поддерживал народные фестивали. Одним из известных фестивалей был Национальный фольклорный фестиваль, основанный Сарой Гертрудой Кнотт в Сент-Луисе, штат Миссури, в 1934 году. Под спонсорством газеты Washington Post фестиваль проводился в Вашингтоне, округ Колумбия, в Constitution Hall с 1937 по 1942 год. Движение народной музыки, фестивали и военные усилия рассматривались как силы, способствующие социальному благу, такие как демократия, культурный плюрализм и устранение культурных и расовых барьеров. Американские возродители народной музыки 1930-х годов подходили к народной музыке по-разному. К концу 1930-х годов они и другие превратили американскую народную музыку в социальное движение. Ричи, жившая во времена, когда Аппалачи открылись для внешних влияний, получила университетское образование и в конечном итоге переехала в Нью-Йорк, где сделала ряд классических записей семейного репертуара и опубликовала важный сборник этих песен. В январе 2012 года Американский центр фольклора при Библиотеке Конгресса совместно с Ассоциацией культурного равенства объявили о выпуске обширного архива записей Ломакса 1946 года и более поздних лет в цифровом формате. Ломакс последние 20 лет своей жизни посвятил работе над интерактивным мультимедийным образовательным компьютерным проектом, который он назвал «Глобальная музыкальная шкатулка», включавшим 5000 часов звукозаписей, 400 000 футов кинопленки, 3000 видеокассет и 5000 фотографий. По состоянию на март 2012 года это было завершено. Примерно 17 400 записей Ломакса, сделанных в 1946 году и позже, стали доступны в Интернете бесплатно. Этот материал из независимого архива Алана Ломакса, начатого в 1946 году, который был оцифрован и предложен Ассоциацией культурного равенства, «отличается от тысяч более ранних записей на ацетатных и алюминиевых дисках, сделанных им с 1933 по 1942 год под эгидой Библиотеки Конгресса. Эта более ранняя коллекция — включающая известные сессии с Джелли Роллом Мортоном, Вуди Гатри, Лид Белли и Мадди Уотерсом, а также обширные коллекции Ломакса, сделанные на Гаити и в Восточном Кентукки (1937 г.) — находится в ведении Американского центра фольклора», и регионы и народы имеют различные музыкальные традиции. Музыка Северной Африки в основном имеет другую историю, чем музыка африканских традиций к югу от Сахары. Музыкальные и танцевальные формы африканской диаспоры, включая афроамериканскую музыку и многие карибские жанры, такие как сока, калипсо и зук, а также латиноамериканские музыкальные жанры, такие как самба, кубинская румба, сальса, и другие жанры, основанные на ритме клаве, в разной степени основывались на музыке порабощенных африканцев, которая, в свою очередь, оказала влияние на популярную африканскую музыку.

The advent of audio recording technology provided folklorists with a revolutionary tool to preserve vanishing musical forms. The earliest American folk music scholars were with the American Folklore Society (AFS), which emerged in the late 1800s. Their studies expanded to include Native American music, but still treated folk music as a historical item preserved in isolated societies as well. In North America, during the 1930s and 1940s, the Library of Congress worked through the offices of traditional music collectors Robert Winslow Gordon, Alan Lomax and others to capture as much North American field material as possible. John Lomax (the father of Alan Lomax) was the first prominent scholar to study distinctly American folk music such as that of cowboys and southern blacks. His first major published work was in 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. and was arguably the most prominent US folk music scholar of his time, notably during the beginnings of the folk music revival in the 1930s and early 1940s. Cecil Sharp also worked in America, recording the traditional songs of the Appalachian Mountains in 1916–1918 in collaboration with Maud Karpeles and Olive Dame Campbell and is considered the first major scholar covering American folk music. Campbell and Sharp are represented under other names by actors in the modern movie Songcatcher. One strong theme amongst folk scholars in the early decades of the 20th century was regionalism, the analysis of the diversity of folk music (and related cultures) based on regions of the US rather than based on a given song's historical roots. Later, a dynamic of class and circumstances was added to this. The most prominent regionalists were literary figures with a particular interest in folklore. Carl Sandburg often traveled the U. S. as a writer and a poet. He also collected songs in his travels and, in 1927, published them in the book The American Songbag. Rachel Donaldson, a historian who worked for Vanderbilt, later stated this about The American Songbird in her analysis of the folk music revival. "In his collections of folk songs, Sandburg added a class dynamic to popular understandings of American folk music. This was the final element of the foundation upon which the early folk music revivalists constructed their own view of Americanism. Sandburg's working class Americans joined with the ethnically, racially, and regionally diverse citizens that other scholars, public intellectuals, and folklorists celebrated their own definitions of the American folk, definitions that the folk revivalists used in constructing their own understanding of American folk music, and an overarching American identity". Prior to the 1930s, the study of folk music was primarily the province of scholars and collectors. The 1930s saw the beginnings of larger scale themes, commonalities, and linkages in folk music developing in the populace and practitioners as well, often related to the Great Depression. Regionalism and cultural pluralism grew as influences and themes. During this time folk music began to become enmeshed with political and social activism themes and movements. and politically active prominent folk musicians and scholars seeing communism as a possible better system, through the lens of the Great Depression. Woody Guthrie exemplifies songwriters and artists with such an outlook. Folk music festivals proliferated during the 1930s. President Franklin Roosevelt was a fan of folk music, hosted folk concerts at the White House, and often patronized folk festivals. One prominent festival was Sarah Gertrude Knott's National Folk Festival, established in St. Louis, Missouri in 1934. Under the sponsorship of the Washington Post, the festival was held in Washington, DC at Constitution Hall from 1937 to 1942. The folk music movement, festivals, and the wartime effort were seen as forces for social goods such as democracy, cultural pluralism, and the removal of culture and race based barriers. The American folk music revivalists of the 1930s approached folk music in different ways. By the end of the 1930s these and others had turned American folk music into a social movement. Ritchie, living in a time when the Appalachians had opened up to outside influence, was university educated and ultimately moved to New York City, where she made a number of classic recordings of the family repertoire and published an important compilation of these songs. In January 2012, the American Folklife Center at the Library of Congress, with the Association for Cultural Equity, announced that they would release Lomax's vast archive of 1946 and later recording in digital form. Lomax spent the last 20 years of his life working on an Interactive Multimedia educational computer project he called the Global Jukebox, which included 5,000 hours of sound recordings, 400,000 feet of film, 3,000 videotapes, and 5,000 photographs. As of March 2012, this has been accomplished. Approximately 17,400 of Lomax's recordings from 1946 and later have been made available free online. This material from Alan Lomax's independent archive, begun in 1946, which has been digitized and offered by the Association for Cultural Equity, is "distinct from the thousands of earlier recordings on acetate and aluminum discs he made from 1933 to 1942 under the auspices of the Library of Congress. This earlier collection—which includes the famous Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly, and Muddy Waters sessions, as well as Lomax's prodigious collections made in Haiti and Eastern Kentucky (1937) — is the provenance of the American Folklife Center" and its regions and nations have distinct musical traditions. The music of North Africa for the most part has a different history from Sub Saharan African music traditions. The music and dance forms of the African diaspora, including African American music and many Caribbean genres like soca, calypso and Zouk; and Latin American music genres like the samba, Cuban rumba, salsa; and other clave (rhythm) based genres, were founded to varying degrees on the music of enslaved Africans, which has in turn influenced African popular music.

Азия

Многие азиатские цивилизации различают искусство, придворную и классическую музыку и "народную" музыку. Например, покойный Алам Лохар – пример южноазиатского певца, которого классифицировали как исполнителя народной музыки. Khunung Eshei/Khuland Eshei – древняя народная песня из Индии, азиатской страны, исполняемая меитеями из Манипура, которая является примером азиатской народной музыки и демонстрирует, как она выделилась в отдельный жанр.

Китайская народная музыка

Археологические находки датируют китайскую народную музыку периодом в 7000 лет; она в значительной степени основана на пентатоническом ладе. Традиционные ханьские свадьбы и похороны обычно включают в себя разновидность гобоя, называемую суона, и перкуссионные ансамбли, называемые чуйгушоу. Ансамбли, состоящие из губных органов (шэн), шаомей (суона), флейт (дицзы) и ударных инструментов (особенно гонгов юньлуо) популярны в северных деревнях; их музыка происходит от императорской придворной музыки Пекина, Сианя, горы Утайшань и Тяньцзиня. Музыка барабанов из Сианя, состоящая из духовых и ударных инструментов, популярна в окрестностях Сианя и приобрела некоторую коммерческую популярность за пределами Китая. Другой важный инструмент – шэн, разновидность китайской дудки, древний инструмент, являющийся предком всех западных язычковых инструментов, таких как аккордеон. Парады с участием духовых оркестров западного типа – обычное явление, часто конкурируя по громкости с ансамблем шаомей/чуйгушоу. В южном Фуцзяне и на Тайване Наньинь или Нангуань – это жанр традиционных баллад. Их исполняет женщина в сопровождении сяо и пипа, а также других традиционных инструментов. Музыка обычно печальна и часто посвящена несчастной любви. Южнее, в Шаньтоу, среди хакка и чаочжоу, популярны ансамбли чжэн. В ансамблях сычжу используются флейты и смычковые или щипковые струнные инструменты для создания гармоничной и мелодичной музыки, которая стала популярной на Западе среди некоторых слушателей. Они популярны в Нанкине и Ханчжоу, а также в других местах вдоль южной части Янцзы. Цзяннань сычжу (музыка из шелка и бамбука из Цзяннань) – это стиль инструментальной музыки, часто исполняемый музыкантами-любителями в чайных домах Шанхая. Гуандунская музыка или кантонская музыка – это инструментальная музыка из Гуанчжоу и окрестностей. Музыка из этого региона оказала влияние на музыку Юэцзюй (кантонской оперы), которая позже приобрела популярность во время так называемого «золотого века» Китая при КНР. Народные песни записывались в Китае с древних времен. Термин «юэфу» использовался для обозначения широкого спектра песен, таких как баллады, плачи, народные песни, любовные песни и песни, исполняемые при дворе. Китай – огромная страна с множеством лингвистических и географических регионов. Народные песни классифицируются по географическому региону, языку, этнической принадлежности, социальной функции (например, трудовая песня, ритуальная песня, песня ухаживания) и музыкальному типу. Современные антологии, собранные китайскими фольклористами, различают традиционные песни, революционные песни и песни, написанные недавно. Песни северо-западного Китая известны как «песни цветов» (хуа’эр), в честь красивых женщин, хотя в прошлом они были печально известны своим эротическим содержанием. Деревенские «горные песни» (шаньгэ) провинции Цзянсу также были известны своими любовными темами. Другие региональные песенные традиции включают в себя «напеваемые стихи» (танцы) дельты Нижнего Янцзы, кантонскую традицию деревянной рыбки (муюй или мук ю) и барабанные песни (гуци) северного Китая. В двадцать первом веке многие любимые китайские народные песни были включены в Репрезентативный список нематериального культурного наследия человечества ЮНЕСКО. В результате песни, которые раньше считались вульгарными, теперь переосмысливаются как романтические песни для ухаживания. Региональные песенные конкурсы, популярные во многих общинах, способствуют развитию профессионального народного пения как карьеры, и некоторые отдельные народные певцы получили национальное признание.

Archaeological discoveries date Chinese folk music back 7000 years; it is largely based on the pentatonic scale. Han traditional weddings and funerals usually include a form of oboe called a suona, and apercussive ensembles called a chuigushou. Ensembles consisting of mouth organs (sheng), shawms (suona), flutes (dizi) and percussion instruments (especially yunluo gongs) are popular in northern villages; their music is descended from the imperial temple music of Beijing, Xi'an, Wutai shan and Tianjin. Xi'an drum music, consisting of wind and percussive instruments, is popular around Xi'an, and has received some commercial popularity outside of China. Another important instrument is the sheng, a type of Chinese pipe, an ancient instrument that is ancestor of all Western free reed instruments, such as the accordion. Parades led by Western type brass bands are common, often competing in volume with a shawm/chuigushou band. In southern Fujian and Taiwan, Nanyin or Nanguan is a genre of traditional ballads. They are sung by a woman accompanied by a xiao and a pipa, as well as other traditional instruments. The music is generally sorrowful and typically deals with love stricken people. Further south, in Shantou, Hakka and Chaozhou, zheng ensembles are popular. Sizhu ensembles use flutes and bowed or plucked string instruments to make harmonious and melodious music that has become popular in the West among some listeners. These are popular in Nanjing and Hangzhou, as well as elsewhere along the southern Yangtze area. Jiangnan Sizhu (silk and bamboo music from Jiangnan) is a style of instrumental music, often played by amateur musicians in tea houses in Shanghai. Guangdong Music or Cantonese Music is instrumental music from Guangzhou and surrounding areas. The music from this region influenced Yueju (Cantonese Opera) music, which would later grow popular during the self described "Golden Age" of China under the PRC. Folk songs have been recorded since ancient times in China. The term Yuefu was used for a broad range of songs such as ballads, laments, folk songs, love songs, and songs performed at court. China is a vast country, with a multiplicity of linguistic and geographic regions. Folk songs are categorized by geographic region, language type, ethnicity, social function (e. g. work song, ritual song, courting song) and musical type. Modern anthologies collected by Chinese folklorists distinguish between traditional songs, revolutionary songs, and newly invented songs. The songs of northwest China are known as "flower songs" (hua'er), a reference to beautiful women, while in the past they were notorious for their erotic content. The village "mountain songs" (shan'ge) of Jiangsu province were also well known for their amorous themes. Other regional song traditions include the "strummed lyrics" (tanci) of the Lower Yangtze Delta, the Cantonese Wooden Fish tradition (muyu or muk yu) and the Drum Songs (guci) of north China. In the twenty first century many cherished Chinese folk songs have been inscribed in the UNESCO Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity. In the process, songs once seen as vulgar are now being reconstructed as romantic courtship songs. Regional song competitions, popular in many communities, have promoted professional folk singing as a career, with some individual folk singers having gained national prominence.

Австралия

Традиции народных песен были завезены в Австралию ранними поселенцами из Англии, Шотландии и Ирландии и прочно укоренились в сельской местности австралийского буша. Рифмованные песни, стихи и рассказы, написанные в форме баллад о жизни в кустарнике, часто отражают вольный и мятежный дух Австралии в буше, а их авторов и исполнителей нередко называют «буш-бардами». XIX век стал золотым веком баллад о жизни в кустарнике. Несколько исследователей каталогизировали эти песни, в том числе Джон Мередит, чья запись 1950-х годов легла в основу коллекции Национальной библиотеки Австралии. Типичные темы включают добычу полезных ископаемых, разведение и перегон скота, стрижку овец, странствия, военные истории, австралийскую забастовку стригалей 1891 года, классовые конфликты между безземельными рабочими и землевладельцами (сквоттерами), а также истории о разбойниках, таких как Нед Келли, любовные переживания и более современные темы, например, грузоперевозки. Самая известная баллада о жизни в кустарнике – «Вальсинг Матильда», которую называют «неофициальным национальным гимном Австралии». Музыка коренных австралийцев включает в себя музыку аборигенов Австралии и жителей островов Торресова пролива, которые вместе называются коренными австралийцами; она охватывает множество самобытных традиционных музыкальных стилей, практикуемых коренными народами Австралии, а также различные современные музыкальные стили и их сочетание с европейскими традициями, которые интерпретируются и исполняются коренными австралийскими исполнителями. Музыка на протяжении тысячелетий играла неотъемлемую роль в социальных, культурных и церемониальных обрядах этих народов – от их индивидуальной и коллективной истории до наших дней. Традиционные формы включают в себя множество аспектов исполнения и музыкальных инструментов, уникальных для определенных регионов или групп коренных австралийцев. Общие элементы музыкальной традиции распространены по всему австралийскому континенту и даже за его пределами. Культура жителей островов Торресова пролива связана с культурой прилегающих районов Новой Гвинеи, поэтому их музыка также имеет сходство. Музыка является жизненно важной частью сохранения культуры коренных австралийцев.

Folk song traditions were taken to Australia by early settlers from England, Scotland and Ireland and gained particular foothold in the rural outback. The rhyming songs, poems and tales written in the form of bush ballads often relate to the itinerant and rebellious spirit of Australia in The Bush, and the authors and performers are often referred to as bush bards. The 19th century was the golden age of bush ballads. Several collectors have catalogued the songs including John Meredith whose recording in the 1950s became the basis of the collection in the National Library of Australia. Typical subjects include mining, raising and droving cattle, sheep shearing, wanderings, war stories, the 1891 Australian shearers' strike, class conflicts between the landless working class and the squatters (landowners), and outlaws such as Ned Kelly, as well as love interests and more modern fare such as trucking. The most famous bush ballad is "Waltzing Matilda", which has been called "the unofficial national anthem of Australia". Indigenous Australian music includes the music of Aboriginal Australians and Torres Strait Islanders, who are collectively called Indigenous Australians; it incorporates a variety of distinctive traditional music styles practiced by Indigenous Australian peoples, as well as a range of contemporary musical styles of and fusion with European traditions as interpreted and performed by indigenous Australian artists. Music has formed an integral part of the social, cultural and ceremonial observances of these peoples, down through the millennia of their individual and collective histories to the present day. The traditional forms include many aspects of performance and musical instruments unique to particular regions or Indigenous Australian groups. Equal elements of musical tradition are common through much of the Australian continent, and even beyond. The culture of the Torres Strait Islanders is related to that of adjacent parts of New Guinea and so their music is also related. Music is a vital part of Indigenous Australians' cultural maintenance.

Кельтская традиционная музыка

Кельтская музыка – это термин, используемый музыкантами, звукозаписывающими компаниями, музыкальными магазинами и журналами для обозначения широкого спектра музыкальных жанров, возникших из народных музыкальных традиций кельтских народов. К этим традициям относятся ирландская, шотландская, мэнская, корнуоллская, валлийская и бретонская. Музыка Астурии и Галисии часто включается в этот перечень, хотя существенных исследований, подтверждающих тесную музыкальную связь, нет. Возрождение фольклора в Бретани началось в 1950-х годах с появлением "багаду" и "кан ха дискан", а затем приобрело всемирную известность благодаря творчеству Алана Стивелла с середины 1960-х годов. В Ирландии The Clancy Brothers и Tommy Makem (хотя все участники группы родились в Ирландии, известность пришла к ней, когда она базировалась в Гринвич-Виллидж, Нью-Йорк), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers и множество других фолк-групп внесли значительный вклад в последние десятилетия в возрождение и популяризацию ирландской традиционной музыки. Эти группы, в большей или меньшей степени, опирались на ирландские музыкальные традиции и извлекли пользу из работы таких исполнителей, как Симус Эннис и Питер Кеннеди. Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough и The Silencers поддерживают живость и свежесть шотландского фольклора, сочетая традиционные шотландские и гэльские народные песни с более современными жанрами. Эти исполнители также добились коммерческого успеха в континентальной Европе и Северной Америке. На шотландской традиционной музыкальной сцене наблюдается расцвет талантов: группы Mànran, Skipinnish, Barluath и Breabach, а также сольные исполнители Patsy Reid, Robyn Stapleton и Mischa MacPherson добились значительных успехов в последние годы.

Центральная и Восточная Европа

В эпоху Восточного блока государственные народные танцы активно продвигались. Танцевальные труппы из России и Польши гастролировали по некоммунистической Европе примерно с 1937 по 1990 год. Хор Красной Армии записал множество альбомов, став самой популярной военной группой. Восточная Европа также является родиной еврейской традиции клезмер. Полька — это танец Центральной Европы и одновременно жанр танцевальной музыки, знакомый во всей Европе и Америке. Она возникла в середине XIX века в Богемии. Полька до сих пор является популярным жанром народной музыки во многих европейских странах и исполняется фольклорными коллективами в Польше, Латвии, Литве, Чехии, Нидерландах, Хорватии, Словении, Германии, Венгрии, Австрии, Швейцарии, Италии, Украине, Беларуси, России и Словакии. Местные варианты этого танца встречаются также в скандинавских странах, Великобритании, Ирландии, Латинской Америке (особенно в Мексике) и в Соединенных Штатах. Немецкие народные песни, увековеченные рукописями Liederhandschriften, такими как Carmina Burana, восходят к средневековым традициям миннезанга и мейстерзингеров. Эти песни возродились в конце XVIII века в эпоху немецкого романтизма, впервые поддержанные Иоганном Готфридом Гердером и другими сторонниками Просвещения, а затем собранные Ахимом фон Арнимом и Клеменсом Брентано (Des Knaben Wunderhorn), а также Людвигом Уландом. Жанр фольклорной музыки и народных танцев, особенно в альпийских регионах Баварии, Австрии, Швейцарии (Kuhreihen) и Южного Тироля, и по сей день сохраняется в сельских общинах на фоне индустриализации, примечательными исключениями являются низменные немецкие морские песни и венская песня (Schrammelmusik). Словенская народная музыка в Верхней Карниоле и Штирии также берет начало в альпийских традициях, как и плодотворный ансамбль Лойзе Слака. Традиционную народную музыку не следует путать с коммерческой фольклорной музыкой (Volkstümliche Musik), которая является ее производной. Венгерская группа Muzsikás совершила множество гастролей по Америке и участвовала в голливудском фильме «Английский пациент», а певица Марта Себестьен сотрудничала с группой Deep Forest. Венгерское движение танцхаз, начавшееся в 1970-х годах, предполагает тесное сотрудничество между музыковедами и энтузиастами-любителями. Однако традиционная венгерская народная музыка и культура едва выжили в некоторых сельских районах Венгрии и также начали исчезать среди этнических венгров в Трансильвании. Движение танцхаз возродило более широкие народные традиции музыки, танца и костюма, создав новый тип музыкального клуба. Движение распространилось на венгерские общины по всему миру. Оно включает в себя музыку Боснии и Герцеговины, Болгарии, Хорватии, Греции, Черногории, Сербии, Румынии, Северной Македонии, Албании, некоторых исторических государств Югославии или Сербии и Черногории, а также географических регионов, таких как Фракия. Некоторые музыкальные произведения характеризуются сложным ритмом. Заметным примером является коллектив «Мистерия болгарских голосов», получивший премию «Грэмми» за лучшую традиционную фольклорную запись на 32-й ежегодной церемонии. Важной частью всей балканской народной музыки является музыка местного цыганского этнического меньшинства, известная как таллава и музыка духовых оркестров.

During the Eastern Bloc era, national folk dancing was actively promoted by the state. Dance troupes from Russia and Poland toured non communist Europe from about 1937 to 1990. The Red Army Choir recorded many albums, becoming the most popular military band. Eastern Europe is also the origin of the Jewish Klezmer tradition. The polka is a central European dance and also a genre of dance music familiar throughout Europe and the Americas. It originated in the middle of the 19th century in Bohemia. Polka is still a popular genre of folk music in many European countries and is performed by folk artists in Poland, Latvia, Lithuania, Czech Republic, Netherlands, Croatia, Slovenia, Germany, Hungary, Austria, Switzerland, Italy, Ukraine, Belarus, Russia and Slovakia. Local varieties of this dance are also found in the Nordic countries, United Kingdom, Republic of Ireland, Latin America (especially Mexico), and in the United States. German Volkslieder perpetuated by Liederhandschriften manuscripts like Carmina Burana date back to medieval Minnesang and Meistersinger traditions. Those folk songs revived in the late 18th century period of German Romanticism, first promoted by Johann Gottfried Herder and other advocates of the Enlightenment, later compiled by Achim von Arnim and Clemens Brentano (Des Knaben Wunderhorn) as well as by Ludwig Uhland. The Volksmusik and folk dances genre, especially in the Alpine regions of Bavaria, Austria, Switzerland (Kuhreihen) and South Tyrol, up to today has lingered in rustic communities against the backdrop of industrialisation—Low German shanties or the Wienerlied (Schrammelmusik) being notable exceptions. Slovene folk music in Upper Carniola and Styria also originated from the Alpine traditions, like the prolific Lojze Slak Ensemble. Traditional Volksmusik is not to be confused with commercial Volkstümliche Musik, which is a derivation of that. The Hungarian group Muzsikás played numerous American tours and participated in the Hollywood movie The English Patient while the singer Márta Sebestyén worked with the band Deep Forest. The Hungarian táncház movement, started in the 1970s, involves strong cooperation between musicology experts and enthusiastic amateurs. However, traditional Hungarian folk music and folk culture barely survived in some rural areas of Hungary, and it has also begun to disappear among the ethnic Hungarians in Transylvania. The táncház movement revived broader folk traditions of music, dance, and costume together and created a new kind of music club. The movement spread to ethnic Hungarian communities elsewhere in the world. It comprises the music of Bosnia and Herzegovina, Bulgaria, Croatia, Greece, Montenegro, Serbia, Romania, North Macedonia, Albania, some of the historical states of Yugoslavia or Serbia and Montenegro and geographical regions such as Thrace. Some music is characterised by complex rhythm. A notable act is the Mystery of the Bulgarian Voices, which won the Grammy Award for Best Traditional Folk Recording at the 32nd annual ceremony. An important part of the whole Balkan folk music is the music of the local Romani ethnic minority, which is called tallava and brass band music.

Северная народная музыка

Северная народная музыка включает в себя ряд традиций в странах Северной Европы, особенно в Скандинавии. К скандинавским странам обычно относят Исландию, Норвегию, Финляндию, Швецию, Данию и Гренландию. Иногда к ним причисляют и страны Балтии – Эстонию, Латвию и Литву. Многие регионы скандинавских стран разделяют определенные общие традиции, однако многие из них значительно разошлись, как, например, псалмодикон в Дании, Швеции и Норвегии. Возможно объединить страны Балтии (или иногда только Эстонию) и части северо-западной России, поскольку они имеют культурные сходства, хотя в последние годы эти связи ослабли. В отличие от Норвегии, Швеции, Дании и атлантических островов Исландии и Фарерских островов, которые практически не имеют подобных связей. Культура инуитов Гренландии обладает своими уникальными музыкальными традициями. Финляндия имеет много общего в культуре как со странами Балтии, так и со Скандинавией. Саамы, проживающие в Швеции, Норвегии, Финляндии и России, имеют свою уникальную культуру, связанную с культурами соседних народов. Шведская народная музыка – это жанр, основанный преимущественно на фольклорных записях, начатых в Швеции в начале XIX века. Основным инструментом шведской народной музыки является скрипка. Другой распространенный инструмент, уникальный для шведских традиций, – это никельхарпа. Большая часть шведской инструментальной народной музыки – это танцевальная музыка, а полька является характерной формой музыки и танца в шведской народной музыке. Вокальные и инструментальные традиции в Швеции исторически часто использовали одни и те же мелодии, хотя исполнялись они раздельно. С возрождения народной музыки в 1970-х годах вокалисты и инструменталисты стали выступать вместе в фольклорных ансамблях.

Латинская Америка

Народная музыка Америки сформировалась в результате встречи и объединения трех основных музыкальных типов: европейской традиционной музыки, традиционной музыки коренных народов Америки и племенной африканской музыки, завезенной с этим континентом рабами. Особый случай музыки Латинской и Южной Америки указывает на андскую музыку, наряду с другими местными музыкальными стилями (такими как карибский и пампейский), иберийскую музыку Испании и Португалии и, в целом, африканскую племенную музыку, которые слились вместе, развиваясь в дифференцированные музыкальные формы в Центральной и Южной Америке. Андская музыка происходит из региона, населенного народом кечуа, аймара и другими народами, обитавшими на территории империи инков до европейского контакта. Она включает в себя фольклорную музыку Боливии, Эквадора, Чили, Колумбии, Перу и Венесуэлы. Андская музыка пользуется разной степенью популярности в Латинской Америке, имея свою основную аудиторию в сельских районах и среди коренного населения. Движение Nueva Canción 1970-х годов возродило этот жанр по всей Латинской Америке и принесло его в места, где он был неизвестен или забыт. Nueva canción (исп. «новая песня») – это движение и жанр в латиноамериканской и иберийской народной музыке, музыке, вдохновленной фольклором, и социально значимой музыке. В некоторых аспектах его развитие и роль схожи со вторым возрождением народной музыки в Северной Америке. Это включает в себя эволюцию этого нового жанра из традиционной народной музыки, по сути, современной народной музыки, за исключением того, что этот английский терминологический термин к ней обычно не применяется. Nueva canción признана сыгравшей важную роль в социальных потрясениях в Португалии, Испании и Латинской Америке в 1970-х и 1980-х годах. Впервые Nueva canción появилась в 1960-х годах в Чили под названием «Чилианская новая песня». Вскоре после этого музыкальный стиль возник в Испании и районах Латинской Америки, где он стал известен под аналогичными названиями. Nueva canción обновила традиционную латиноамериканскую народную музыку, и благодаря своим политическим текстам вскоре стала ассоциироваться с революционными движениями, латиноамериканской новой левой, теологией освобождения, движениями хиппи и движениями за права человека. Она приобрела огромную популярность во всей Латинской Америке и считается предшественником Rock en español. Cueca – это семейство музыкальных стилей и связанных с ними танцев из Чили, Боливии и Перу. Trova и Son – это стили традиционной кубинской музыки, возникшие в провинции Ориенте, которые включают в себя влияние испанской песни и танца, таких как болеро и контраданса, а также афрокубинские ритмы и элементы перкуссии. Moda de viola – это название, присвоенное бразильской народной музыке. Она часто исполняется с 6-струнной нейлоновой акустической гитарой, но наиболее традиционным инструментом является виола кайпира. Песни в основном повествуют о трудностях жизни тех, кто работает в сельской местности. Темы обычно связаны с землей, животными, фольклором, несчастной любовью и разлукой. Хотя есть и бодрые песни, большинство из них ностальгические и меланхоличные.

The folk music of the Americas consists of the encounter and union of three main musical types: European traditional music, traditional music of the American natives, and tribal African music that arrived with slaves from that continent. The particular case of Latin and South American music points to Andean music among other native musical styles (such as Caribbean and pampean), Iberian music of Spain and Portugal, and generally speaking African tribal music, the three of which fused together evolving in differentiated musical forms in Central and South America. Andean music comes from the region of the Quechuas, Aymaras, and other peoples that inhabit the general area of the Inca Empire prior to European contact. It includes folklore music of parts of Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Peru and Venezuela. Andean music is popular to different degrees across Latin America, having its core public in rural areas and among indigenous populations. The Nueva Canción movement of the 1970s revived the genre across Latin America and brought it to places where it was unknown or forgotten. Nueva canción (Spanish for 'new song') is a movement and genre within Latin American and Iberian folk music, folk inspired music, and socially committed music. In some respects its development and role is similar to the second folk music revival in North America. This includes evolution of this new genre from traditional folk music, essentially contemporary folk music except that that English genre term is not commonly applied to it. Nueva cancion is recognized as having played a powerful role in the social upheavals in Portugal, Spain and Latin America during the 1970s and 1980s. Nueva cancion first surfaced during the 1960s as "The Chilean New Song" in Chile. The musical style emerged shortly afterwards in Spain and areas of Latin America where it came to be known under similar names. Nueva canción renewed traditional Latin American folk music, and with its political lyrics it was soon associated with revolutionary movements, the Latin American New Left, Liberation Theology, hippie and human rights movements. It would gain great popularity throughout Latin America, and it is regarded as a precursor to Rock en español. Cueca is a family of musical styles and associated dances from Chile, Bolivia and Peru. Trova and Son are styles of traditional Cuban music originating in the province of Oriente that includes influences from Spanish song and dance, such as Bolero and contradanza as well as Afro Cuban rhythm and percussion elements. Moda de viola is the name designated to Brazilian folk music. It is often performed with a 6 string nylon acoustic guitar, but the most traditional instrument is the viola caipira. The songs basically detailed the difficulties of life of those who work in the country. The themes are usually associated with the land, animals, folklore, impossible love and separation. Although there are some upbeat songs, most of them are nostalgic and melancholic.

Канада

Традиционная народная музыка Канады особенно разнообразна. «Знание истории Канады, – писала Изабель Миллс в 1974 году, – необходимо для понимания мозаики канадской народной песни. Часть этой мозаики составляют народные песни, которые европейские и англосаксонские поселенцы принесли в Канаду». Она описывает, как французская колония в Квебеке привлекла французских иммигрантов, за которыми вскоре последовали волны иммигрантов из Великобритании, Германии и других европейских стран, каждый из которых привозил музыку из своей родины, часть которой сохранилась и по сей день. Этнограф и фольклорист Мариус Барбо оценил, что в Канаде было собрано более десяти тысяч французских народных песен и их вариантов. Многие из них к тому времени уже исчезли во Франции. Музыка как профессиональное платное развлечение развивалась в Канаде относительно медленно, особенно в отдаленных сельских районах, на протяжении XIX и начала XX веков. В то время как в городских музыкальных клубах стали популярны танцевальные залы и водевиль, а затем джаз, сельская Канада в основном оставалась землей традиционной музыки. Однако, когда в 1920-х и 1930-х годах американские радиосети начали вещание в Канаду, аудитория канадской традиционной музыки постепенно сокращалась в пользу американской кантри-музыки в стиле Нэшвилл и городских стилей, таких как джаз. Американское влияние на канадскую музыку привело к тому, что в 1930-х годах Канадская радиолига стала добиваться создания национальной общественной вещательной компании, что в конечном итоге привело к созданию Канадской радиовещательной корпорации (CBC) в 1936 году. CBC продвигала канадскую музыку, включая традиционную, на своих радио- и впоследствии телевизионных каналах, но увлечение всем «современным» в середине века привело к упадку народной музыки по сравнению с роком и поп-музыкой. Тем не менее, Канада испытала влияние возрождения народной музыки в 1960-х годах, когда местные площадки, такие как Монреальская народная мастерская, и другие фолк-клубы и кафе по всей стране стали кузницей для начинающих авторов песен и исполнителей, а также для обмена опытом с артистами, приезжавшими из-за рубежа.

Canada's traditional folk music is particularly diverse. "Knowledge of the history of Canada", wrote Isabelle Mills in 1974, "is essential in understanding the mosaic of Canadian folk song. Part of this mosaic is supplied by the folk songs of Canada brought by European and Anglo Saxon settlers to the new land." She describes how the French colony at Québec brought French immigrants, followed before long by waves of immigrants from Great Britain, Germany, and other European countries, all bringing music from their homelands, some of which survives into the present day. Ethnographer and folklorist Marius Barbeau estimated that well over ten thousand French folk songs and their variants had been collected in Canada. Many of the older ones had by then died out in France. Music as professionalized paid entertainment grew relatively slowly in Canada, especially remote rural areas, through the 19th and early 20th centuries. While in urban music clubs of the dance hall/vaudeville variety became popular, followed by jazz, rural Canada remained mostly a land of traditional music. Yet when American radio networks began broadcasting into Canada in the 1920s and 1930s, the audience for Canadian traditional music progressively declined in favour of American Nashville style country music and urban styles like jazz. The Americanization of Canadian music led the Canadian Radio League to lobby for a national public broadcaster in the 1930s, eventually leading to the creation of the Canadian Broadcasting Corporation (CBC) in 1936. The CBC promoted Canadian music, including traditional music, on its radio and later television services, but the mid century craze for all things "modern" led to the decline of folk music relative to rock and pop. Canada was however influenced by the folk music revival of the 1960s, when local venues such as the Montreal Folk Workshop, and other folk clubs and coffee houses across the country, became crucibles for emerging songwriters and performers as well as for interchange with artists visiting from abroad.

Соединенные Штаты

Американскую традиционную музыку также называют музыкой корней. Музыка корней – широкая категория музыки, включающая блюграсс, кантри-музыку, госпел, старинную музыку, джаг-бэнды, народную музыку Аппалачей, блюз, музыку каджунов и музыку коренных американцев. Музыка считается американской либо потому, что она возникла в Соединенных Штатах, либо потому, что она развилась там из иностранных источников до такой степени, что показалась музыковедам чем-то совершенно новым. Она называется «музыкой корней», поскольку послужила основой для музыки, которая позже развивалась в Соединенных Штатах, включая рок-н-ролл, современную народную музыку, ритм-энд-блюз и джаз. Некоторые из этих жанров считаются традиционной народной музыкой. Музыка каджунов, являющаяся символом Луизианы, уходит корнями в баллады франкоязычных акадийцев из Канады. Музыка каджунов часто упоминается вместе с зидеко, креольским стилем, испытавшим влияние каджунской музыки, оба происходят из Акадианы. Эти звуки французской Луизианы на протяжении десятилетий влияли на американскую популярную музыку, особенно на кантри-музыку, а также на поп-культуру через средства массовой информации, такие как телевизионная реклама. Аппалачская музыка – это традиционная музыка региона Аппалачи на востоке Соединенных Штатов. Она происходит из различных европейских и африканских влияний, включая английские баллады, ирландскую и шотландскую традиционную музыку (особенно скрипичную музыку), гимны и афроамериканский блюз. Впервые записанная в 1920-х годах, аппалачская музыка оказала ключевое влияние на раннее развитие старинной музыки, кантри-музыки и блюграсса и была важной частью возрождения американской народной музыки. Инструменты, обычно используемые для исполнения аппалачской музыки, включают банджо, американскую скрипку, фретный дульцимер и гитару. Среди ранних исполнителей аппалачской музыки были Фиддлин’ Джон Карсон, Генри Уиттер, Баском Ламар Лансфорд, семья Картер, Кларенс Эшли, Фрэнк Проффитт и Док Боггс, все они были впервые записаны в 1920-х и 1930-х годах. Несколько музыкантов из Аппалачей получили известность во время народного возрождения 1950-х и 1960-х годов, включая Джин Ричи, Роско Холкомба, Олу Белл Рид, Лили Мэй Ледфорд и Дока Уотсона. На кантри- и блюграсс-исполнителей, таких как Лоретта Линн, Рой Акуфф, Долли Партон, Эрл Скруггс, Чет Аткинс и Дон Рено, оказала сильное влияние традиционная аппалачская музыка. Оклахома и южные равнины США: до появления письменной истории американские индейцы в этом регионе использовали песни и музыкальные инструменты; музыка и танец остаются основой церемониальной и социальной деятельности. «У других юго-восточных народов есть свои собственные комплексы священных и обрядовых песен, в том числе песни для танцев животных и танцев дружбы, а также песни, сопровождающие игры в лакросс. Центральным элементом музыки южных равнинных индейцев является барабан, который называют сердцебиением музыки равнинных индейцев. Большинство произведений этого жанра восходят к охоте и войне, на которых была основана культура равнин». «Возрождение народной музыки» относится либо к периоду возобновленного интереса к традиционной народной музыке, либо к событию или периоду, который ее преобразует; последнее обычно включает компонент социальной активности. Ярким примером первого является британское народное возрождение примерно 1890–1920 годов. Самым известным и влиятельным примером последнего (в той степени, что его обычно называют «возрождением народной музыки») является народное возрождение середины XX века, сосредоточенное в англоязычном мире, которое дало начало современной народной музыке. Подробное описание этого возрождения можно найти в статье «Современная народная музыка». Одно из ранних возрождений повлияло на западную классическую музыку. Такие композиторы, как Перси Грейнджер, Ральф Воан-Уильямс и Бела Барток, делали полевые записи или транскрипции народных певцов и музыкантов. В Испании Исаак Альбенис (1860–1909) создал фортепианные произведения, отражающие его испанское наследие, включая Suite Iberia (1906–1909). Энрике Гранадос (1867–1918) сочинял сарсуэлу, испанскую легкую оперу, и Danzas Españolas – испанские танцы. Мануэль де Фалья (1876–1946) заинтересовался канте-хондо андалузского фламенко, влияние которого сильно ощущается во многих его работах, включая «Ночи в садах Испании» и «Семь испанских народных песен» (для голоса и фортепиано). Композиторы, такие как Фернандо Сор и Франсиско Таррега, утвердили гитару как национальный инструмент Испании. Современные испанские народные исполнители (Mil i Maria, Russian Red и др.) модернизируют традиции своих предков, сохраняя к ним уважение. Фламенко приобрело популярность в течение XX века, как и северные стили, такие как кельтская музыка Галисии. Французские классические композиторы, от Бизе до Равеля, также черпали вдохновение в испанских темах, и отличительные испанские жанры стали всемирно известными. Возрождения народной музыки или возрождения музыки корней также охватывают широкий спектр явлений по всему миру, где наблюдается возобновленный интерес к традиционной музыке. Это часто происходит среди молодежи, часто в традиционной музыке своей страны, и часто включает в себя новые элементы социальной осведомленности, идеи и эволюцию новой музыки в том же стиле. Nueva canción, подобная эволюция новой социально ориентированной музыки, произошла в нескольких испаноязычных странах.

American traditional music is also called roots music. Roots music is a broad category of music including bluegrass, country music, gospel, old time music, jug bands, Appalachian folk, blues, Cajun and Native American music. The music is considered American either because it is native to the United States or because it developed there, out of foreign origins, to such a degree that it struck musicologists as something distinctly new. It is considered "roots music" because it served as the basis of music later developed in the United States, including rock and roll, contemporary folk music, rhythm and blues, and jazz. Some of these genres are considered to be traditional folk music. Cajun music, an emblematic music of Louisiana, is rooted in the ballads of the French speaking Acadians of Canada. Cajun music is often mentioned in tandem with the Creole based, Cajun influenced zydeco form, both of Acadiana origin. These French Louisiana sounds have influenced American popular music for many decades, especially country music, and have influenced pop culture through mass media, such as television commercials. Appalachian music is the traditional music of the region of Appalachia in the Eastern United States. It derives from various European and African influences, including English ballads, Irish and Scottish traditional music (especially fiddle music), hymns, and African American blues. First recorded in the 1920s, Appalachian musicians were a key influence on the early development of Old time music, country music, and bluegrass, and were an important part of the American folk music revival. Instruments typically used to perform Appalachian music include the banjo, American fiddle, fretted dulcimer, and guitar. Early recorded Appalachian musicians include Fiddlin' John Carson, Henry Whitter, Bascom Lamar Lunsford, the Carter Family, Clarence Ashley, Frank Proffitt, and Dock Boggs, all of whom were initially recorded in the 1920s and 1930s. Several Appalachian musicians obtained renown during the folk revival of the 1950s and 1960s, including Jean Ritchie, Roscoe Holcomb, Ola Belle Reed, Lily May Ledford, and Doc Watson. Country and bluegrass artists such as Loretta Lynn, Roy Acuff, Dolly Parton, Earl Scruggs, Chet Atkins, and Don Reno were heavily influenced by traditional Appalachian music. Oklahoma and southern US plains: Before recorded history American Indians in this area used songs and instrumentation; music and dance remain the core of ceremonial and social activities. "Other southeastern nations have their own complexes of sacred and social songs, including those for animal dances and friendship dances, and songs that accompany stickball games. Central to the music of the southern Plains Indians is the drum, which has been called the heartbeat of Plains Indian music. Most of that genre can be traced back to activities of hunting and warfare, upon which plains culture was based. "|source=— Ketch Secor
"Folk music revival" refers to either a period of renewed interest in traditional folk music, or to an event or period which transforms it; the latter usually includes a social activism component. A prominent example of the former is the British folk revival of approximately 1890–1920. The most prominent and influential example of the latter (to the extent that it is usually called "the folk music revival") is the folk revival of the mid 20th century, centered in the English speaking world which gave birth to contemporary folk music. See the "Contemporary folk music" article for a description of this revival. One earlier revival influenced western classical music. Such composers as Percy Grainger, Ralph Vaughan Williams, and Béla Bartók made field recordings or transcriptions of folk singers and musicians. In Spain, Isaac Albéniz (1860–1909) produced piano works reflect his Spanish heritage, including the Suite Iberia (1906–1909). Enrique Granados (1867–1918) composed zarzuela, Spanish light opera, and Danzas Españolas – Spanish Dances. Manuel de Falla (1876–1946) became interested in the cante jondo of Andalusian flamenco, the influence of which can be strongly felt in many of his works, which include Nights in the Gardens of Spain and Siete canciones populares españolas ("Seven Spanish Folksongs", for voice and piano). Composers such as Fernando Sor and Francisco Tarrega established the guitar as Spain's national instrument. Modern Spanish folk artists abound (Mil i Maria, Russian Red, et al.) modernizing while respecting the traditions of their forebears. Flamenco grew in popularity through the 20th century, as did northern styles such as the Celtic music of Galicia. French classical composers, from Bizet to Ravel, also drew upon Spanish themes, and distinctive Spanish genres became universally recognized. Folk music revivals or roots revivals also encompass a range of phenomena around the world where there is a renewed interest in traditional music. This is often by the young, often in the traditional music of their own country, and often included new incorporation of social awareness, causes, and evolutions of new music in the same style. Nueva canción, a similar evolution of a new form of socially committed music occurred in several Spanish speaking countries.

Соединенные Штаты

Иногда утверждается, что самым ранним фестивалем народной музыки в Соединенных Штатах был фестиваль горных танцев и народного творчества 1928 года в Ашвилле, Северная Каролина, основанный Баском Ламаром Лансфордом. Национальный фольклорный фестиваль (США) – это кочующий фольклорный фестиваль в Соединенных Штатах. С 1934 года он проводится под эгидой Национального совета по традиционным искусствам (NCTA) и был представлен в 26 городах и общинах по всей стране. После завершения работы в некоторых из этих мест Национальный фольклорный фестиваль послужил основой для создания нескольких местных фольклорных фестивалей, включая фестиваль в Лоуэлле, фестиваль в Ричмонде, Американский фольклорный фестиваль и, недавно, фестиваль в Монтане. Фестиваль народного творчества Ньюпорта – ежегодный фестиваль, проходящий недалеко от Ньюпорта, Род-Айленд. Он проводился большую часть лет с 1959 по 1970 год и с 1985 года по настоящее время, собирая около 10 000 посетителей каждый год. Четырехдневный Филадельфийский фолк-фестиваль начался в 1962 году. Его спонсирует некоммерческая организация Филадельфийское фольклорное общество. На мероприятии выступают современные и традиционные исполнители в жанрах World/Fusion, Celtic, Singer Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer и Dance. Он проводится ежегодно в третьи выходные августа. В настоящее время фестиваль принимает около 12 000 посетителей и представляет группы на 6 сценах. Праздник охотничьей луны в Индиане привлекает около 60 000 посетителей в год.

Великобритания

Фестиваль в Сидмуте начался в 1954 году, а Кембриджский фолк-фестиваль – в 1965 году. Кембриджский фолк-фестиваль, проходящий в Кембридже, Англия, известен своим широким подходом к определению того, кого можно считать фолк-музыкантом. В "клубных шатрах" посетители могут открыть для себя множество неизвестных исполнителей, которые по 10-15 минут каждый представляют свое творчество публике фестиваля.

Австралия

Национальный фольклорный фестиваль – главный фольклорный фестиваль Австралии, который посещают более 50 000 человек. Фестивали Вудфорда и Порт-Фейри также входят в число крупнейших ежегодных мероприятий Австралии, привлекая ведущих международных исполнителей фольклорной музыки и множество местных артистов.

Канада

Стэн Роджерс навсегда остался в истории канадского фольклорного фестиваля Summerfolk, который ежегодно проходит в Оуэн-Саунд, Онтарио. Главная сцена и амфитеатр фестиваля носят название "Мемориальный навес Стэн Роджерса". Фестиваль чтит традиции, и песня Роджерса "The Mary Ellen Carter" традиционно исполняется всеми – и участниками, и зрителями, и разными коллективами. Канморский фестиваль народной музыки – старейший фольклорный фестиваль в провинции Альберта.

Другое

Urkult Näsåker, Ångermanland, проводимый в августе каждого года, считается крупнейшим в Швеции фестивалем мировой музыки.