Кинетическое искусство: Искусство движения

Введение

Жанр произведений искусства, содержащих движение.

Кинетическое искусство – это искусство в любой форме, содержащее движение, воспринимаемое зрителем, или зависящее от движения для достижения своего эффекта. Самые ранние примеры кинетического искусства – это картины на холсте, расширяющие перспективу зрителя и включающие многомерное движение. Более точно говоря, кинетическое искусство сегодня чаще всего относится к трехмерным скульптурам и фигурам, таким как мобили, которые движутся естественным образом или приводятся в действие механизмами (см., например, видео на этой странице с работами Джорджа Рики и Ули Ашенборна). Движущиеся части обычно приводятся в действие ветром, мотором или наблюдателем. Кинетическое искусство охватывает широкий спектр перекрывающихся техник и стилей. Существует также часть кинетического искусства, включающая виртуальное движение, то есть движение, воспринимаемое только с определенных углов или участков работы. Этот термин часто соотносится с термином «кажущееся движение», который многие используют, говоря о произведениях искусства, движение которых создается моторами, машинами или электрическими системами. И кажущееся, и виртуальное движение – это стили кинетического искусства, которые лишь недавно стали рассматриваться как стили оп-арта. Степень пересечения между кинетическим и оп-артом недостаточно велика, чтобы художники и искусствоведы рассматривали возможность объединения этих двух стилей под одним общим термином, однако различия между ними еще предстоит уточнить. Название «кинетическое искусство» возникло из нескольких источников. Истоки кинетического искусства лежат в конце XIX века, у художников-импрессионистов, таких как Клод Моне, Эдгар Дега и Эдуард Мане, которые первоначально экспериментировали с подчеркиванием движения человеческих фигур на холсте. Эта троица импрессионистов стремилась создать искусство, более реалистичное, чем у их современников. Портреты танцовщицы и скаковой лошади, написанные Дега, являются примерами того, что он считал «фотографическим реализмом». В конце XIX века художники, такие как Дега, почувствовали необходимость бросить вызов развитию фотографии яркими, ритмичными пейзажами и портретами. К началу 1900-х годов некоторые художники все больше склонялись к тому, чтобы приписывать свое искусство динамическому движению. Наум Габо, один из двух художников, которым приписывают название этого стиля, часто писал о своих работах как о примерах «кинетического ритма». Он считал, что его движущаяся скульптура «Кинетическая конструкция» (также известная как «Стоячая волна», 1919–20) была первой в своем роде в XX веке. С 1920-х по 1960-е годы стиль кинетического искусства был переосмыслен рядом других художников, которые экспериментировали с мобилями и новыми формами скульптуры.

Kinetic art is art from any medium that contains movement perceivable by the viewer or that depends on motion for its effects. Canvas paintings that extend the viewer's perspective of the artwork and incorporate multidimensional movement are the earliest examples of kinetic art. More pertinently speaking, kinetic art is a term that today most often refers to three dimensional sculptures and figures such as mobiles that move naturally or are machine operated (see e. g. videos on this page of works of George Rickey and Uli Aschenborn). The moving parts are generally powered by wind, a motor or the observer. Kinetic art encompasses a wide variety of overlapping techniques and styles. There is also a portion of kinetic art that includes virtual movement, or rather movement perceived from only certain angles or sections of the work. This term also clashes frequently with the term "apparent movement", which many people use when referring to an artwork whose movement is created by motors, machines, or electrically powered systems. Both apparent and virtual movement are styles of kinetic art that only recently have been argued as styles of op art. The amount of overlap between kinetic and op art is not significant enough for artists and art historians to consider merging the two styles under one umbrella term, but there are distinctions that have yet to be made. "Kinetic art" as a moniker developed from a number of sources. Kinetic art has its origins in the late 19th century impressionist artists such as Claude Monet, Edgar Degas, and Édouard Manet who originally experimented with accentuating the movement of human figures on canvas. This triumvirate of impressionist painters all sought to create art that was more lifelike than their contemporaries. Degas’ dancer and racehorse portraits are examples of what he believed to be "photographic realism";. During the late 19th century artists such as Degas felt the need to challenge the movement toward photography with vivid, cadenced landscapes and portraits. By the early 1900s, certain artists grew closer and closer to ascribing their art to dynamic motion. Naum Gabo, one of the two artists attributed to naming this style, wrote frequently about his work as examples of "kinetic rhythm". He felt that his moving sculpture Kinetic Construction (also dubbed Standing Wave, 1919–20) was the first of its kind in the 20th century. From the 1920s until the 1960s, the style of kinetic art was reshaped by a number of other artists who experimented with mobiles and new forms of sculpture.

Истоки и раннее развитие

Усилия художников "по отрыву фигур и пейзажей от страницы и неоспоримому доказательству того, что искусство не является застывшим" (Кальдер, 1954) никогда не скрывали его стремления к созданию динамичного искусства. В своей работе 1860 года "Jeunes Spartiates s'exerçant à la lutte" он опирается на классические импрессионистские обнажённые фигуры, но расширяет общую концепцию. Он помещает их на плоский пейзаж и наделяет их выразительными жестами, что для него стало отражением новой темы – "юность в движении". Одно из его самых революционных произведений, "Оркестр оперы" (1868), интерпретирует формы определённого движения, придавая им многомерность, выходящую за пределы плоскости холста. Он располагает оркестр непосредственно в пространстве зрителя, а танцоры полностью заполняют задний план. Дега отсылает к импрессионистскому стилю передачи движения, но почти переосмысливает его, что было редкостью в конце 1800-х годов. В 1870-х годах Дега продолжает эту тенденцию, проявляя интерес к запечатлению мгновения в скачках лошадей, как, например, в работе "Voiture aux Courses" (1872). Однако лишь в 1884 году, с работой "Chevaux de Course", его попытки создать динамичное искусство увенчались успехом. Эта работа входит в серию изображений скачек и матчей по поло, где фигуры органично вписаны в ландшафт. Лошади и их наездники изображены так, словно застигнуты в момент напряжённой концентрации, а затем небрежно удаляются в других кадрах. Импрессионисты и художественное сообщество были впечатлены этой серией, но испытали шок, узнав, что он создал её на основе реальных фотографий. Критика использования фотографии не обескуражила Дега, а наоборот, вдохновила Моне прибегнуть к аналогичным технологиям.

Огюст Роден

Август Роден поначалу был очень впечатлен «вибрирующими работами» Моне и уникальным пониманием пространственных отношений Дега. Как художник и автор искусствоведческих статей, Роден опубликовал множество работ в поддержку этого направления. Он утверждал, что работы Моне и Дега создают иллюзию «того, что искусство передает жизнь посредством хорошей моделировки и движения». Благодаря поддержке таких художников, как Альберт Глейз, другие художники авангарда, такие как Джексон Поллок и Макс Билл, почувствовали, что обрели новое вдохновение для открытия необычных явлений, которые стали основой кинетического искусства.

Альберт Глейз

Глейз считался идеальным философом искусства конца XIX и начала XX века в Европе, и особенно во Франции. Его теории и трактаты о кубизме, начиная с 1912 года, принесли ему известную репутацию в любой художественной дискуссии. Эта репутация позволила ему оказывать значительное влияние, поддерживая пластический стиль или ритмическое направление в искусстве в 1910-х и 1920-х годах. Глейз опубликовал теорию движения, в которой более подробно изложил свои взгляды на психологическое и художественное использование движения в связи с мышлением, возникающим при его восприятии. Глейз неоднократно утверждал в своих публикациях, что человеческое творчество предполагает полный отказ от внешних ощущений.

Владимир Татлин

Русский художник и один из основателей русского конструктивизма Владимир Татлин многими художниками и искусствоведами считается первым автором мобильной скульптуры. Термин "мобиль" появился позже, во времена Родченко, но он вполне применим к работам Татлина. Его мобиль представляет собой серию подвесных рельефов, которым для существования достаточно стены или постамента, и они остаются в состоянии постоянной подвешенности. Этот ранний мобиль, Contre Reliefs Libérés Dans L'espace (1915), рассматривается как незавершенное произведение. Он представлял собой ритм, во многом схожий с ритмическими стилями Поллока, основанный на математическом соединении плоскостей, создающем произведение, свободно парящее в воздухе. Башня Татлина, или проект "Монумента Третьему Интернационалу" (1919–20), был замыслом монументального здания кинетической архитектуры, который так и не был реализован. Планировалось возвести его в Петрограде (ныне Санкт-Петербург) после Октябрьской революции 1917 года в качестве штаб-квартиры и памятника Коминтерну (Третьему Интернационалу). Татлин никогда не воспринимал свое искусство как объект или продукт, требующий четкого начала или завершения. Он прежде всего считал свою работу непрерывно развивающимся процессом. Многие художники, состоявшие с ним в дружеских отношениях, полагали, что мобиль был окончательно завершен в 1936 году, однако он с этим категорически не соглашался.

Александр Родченко

Русский художник Александр Родченко, друг и современник Татлина, который настаивал на завершенности своего творчества, продолжил изучение подвесных мобилей и создал то, что он назвал "необъективизмом". В этой работе Кальдер допускает случайное движение головы и хвоста кошки, в то время как её тело остается неподвижным. Кальдер не был инициатором создания подвесных мобилей, но именно он стал известен своей кажущейся оригинальностью в их конструкции. Одна из его первых подвесных мобилей, McCausland Mobile (1933), отличается от многих других современных работ просто формой двух объектов. Большинство художников, работавших с мобилями, таких как Родченко и Татлин, вряд ли подумали бы об использовании подобных форм, поскольку они не кажутся пластичными и даже отдаленно аэродинамичными. Несмотря на то, что Кальдер не раскрывал большинство методов, которые он использовал при создании своих работ, он признался, что применял математические соотношения. Он лишь упомянул, что добивался баланса в мобилях, используя пропорциональную зависимость между весом и расстоянием. Формулы Кальдера менялись с каждой новой мобилью, поэтому другие художники не могли точно повторить его работы.

Виртуальные движения

К 1940-м годам новые стили мобилей, а также многие виды скульптур и живописи стали включать в себя воздействие на зрителя. Художники, такие как Кальдер, Татлин и Родченко, продолжали создавать произведения искусства вплоть до 1960-х годов, но одновременно конкурировали с другими художниками, ориентированными на иную аудиторию. Когда такие художники, как Виктор Вазарели, разработали ряд первых элементов, создающих иллюзию движения в своих работах, кинетическое искусство столкнулось с резкой критикой. Эта критика сохранялась на протяжении многих лет и продолжалась до 1960-х, когда кинетическое искусство переживало период застоя.

Материалы и электроэнергия

Вазарели создал множество работ, которые считались интерактивными в 1940-х годах. Одно из его произведений, Gordes/Cristal (1946), представляет собой серию кубических фигур, приводимых в действие электричеством. Когда он впервые демонстрировал эти фигуры на ярмарках и художественных выставках, он приглашал людей подойти к кубическим формам и нажать на выключатель, чтобы запустить световое и цветовое представление. Виртуальное движение – это направление в кинетическом искусстве, которое можно сопоставить с мобилями, однако от этого направления движения выделяются еще два более специфических аспекта кинетического искусства.

Видимое движение и операционная техника

Явное движение — термин, приписываемый кинетическому искусству, который сформировался лишь в 1950-х годах. Историки искусства полагали, что любое кинетическое искусство, которое приводилось в движение независимо от зрителя, обладает явным движением. Этот стиль охватывает работы, варьирующиеся от техники капельной живописи Поллока до первого мобиля Татлина. К 1960-м годам другие искусствоведы ввели термин «оп-арт» для обозначения оптических иллюзий и любого визуально стимулирующего искусства, выполненного на холсте или представляющего собой стационарные объекты. Этот термин часто вступает в противоречие с некоторыми аспектами кинетического искусства, включающими мобили, которые обычно неподвижны. В 1955 году на выставке «Mouvements» в галерее Дениз Рене в Париже Виктор Вазарели и Понтус Хюльтен в своем «Жёлтом манифесте» представили новые кинетические выражения, основанные на оптических и световых явлениях, а также на живописном иллюзионизме. Термин «кинетическое искусство» в этой современной форме впервые появился в Музее дизайна Цюриха в 1960 году и получил основное развитие в 1960-х годах. В большинстве европейских стран он обычно включал в себя форму оптического искусства, в основном использующую оптические иллюзии, такую как оп-арт, представленный Бриджит Райли, а также искусство, основанное на движении, представленное Яковом Агамом, Карлосом Крузом Диесом, Хесусом Рафаэлем Сото, Грегорио Варданегой, Мартой Бото или Николасом Шёффером. С 1961 по 1968 год GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), основанная Франсуа Морелле, Хулио Ле Парком, Франсиско Собрино, Горасио Гарсиа Росси, Иваралом, Жоэлем Штайном и Верой Молнар, представляла собой коллектив оптико-кинетических художников. Согласно манифесту 1963 года, GRAV призывала к непосредственному участию публики, оказывающему влияние на её поведение, в частности, посредством использования интерактивных лабиринтов.

Современная работа

В ноябре 2013 года в Музее МТИ открылась выставка кинетического искусства «5000 движущихся частей», на которой были представлены работы Артура Гансона, Энн Лилли, Рафаэля Лозано-Хеммера, Джона Дугласа Пауэрса и Такиса. Выставка положила начало «году кинетического искусства» в музее, включающему специальную программу, посвященную этому виду искусства. Неокинетическое искусство получило широкое распространение в Китае, где интерактивные кинетические скульптуры можно встретить во многих общественных местах, в том числе в Международном парке скульптур Уху и в Пекине. Аэропорт Чанги в Сингапуре располагает тщательно отобранной коллекцией произведений искусства, включая крупномасштабные кинетические инсталляции международных художников ART+COM и Кристиана Мёллера.