Джордж Клэр Тукер: Жизнь и творчество американского художника

Введение

Джордж Клэр Тукер-младший (5 августа 1920 – 27 марта 2011) – американский художник, работавший в жанре фигуративной живописи. Его творчество связывают с магическим реализмом, социальным реализмом, фотореализмом и сюрреализмом. Его объекты изображены естественно, как на фотографии, однако в его работах используются плоские тона, неоднозначная перспектива и тревожные сочетания, чтобы создать ощущение воображаемой или приснившейся реальности. Он не соглашался с отнесением его работ к магическому реализму или сюрреализму, говоря: "Я стремлюсь изобразить реальность, настолько сильно отпечатавшуюся в сознании, что она возвращается как сон, но я не стремлюсь рисовать сами сны или фантазии".

Ранние годы

Джордж Тукер родился 5 августа 1920 года в Бруклине, Нью-Йорк, где он прожил первые шесть лет своей жизни. Его воспитывала мать, Анжела Монтехо Рура, имевшая английские, немецкие и кубинские (испанские) корни, и отец, Джордж Клэр Тукер, имевший английское и французское происхождение. Он был воспитан в Епископальной церкви. Во время Великой депрессии семья жила в Беллпорте, штат Нью-Йорк. У него была сестра, Мэри Тукер Грэм. В детстве он брал уроки рисования и провел много времени в Музее искусств Фогга в юности.

Влияния

Тукер провел конец 1940-х и начало 1950-х годов в Бруклине. Он учился в Лиге студентов искусств Нью-Йорка под руководством Реджинальда Марша с 1943 по 1945 год. Кеннет Хейз Миллер оказал влияние на творчество Тукера, поощряя акцент на форме, а не на выразительных эмоциях, для передачи смысла картины. Тукер считал Гарри Стернберга хорошим преподавателем в Лиге благодаря его острым и заставляющим задуматься вопросам. После прочтения книги Дэниела В. Томпсона «Практика темперной живописи» Тукер начал работать в традиционной ренессансной технике живописи, особенно оценив её медленный способ нанесения краски. Тукер признавал необходимость в других видах искусства для поддержки его творческого развития. Он проводил большую часть свободного времени за чтением книг по живописи и скульптуре, изучая произведения античности вплоть до искусства XX века, стремясь расширить свое художественное видение. Особый интерес он проявлял к классической скульптуре, фламандской живописи и скульптуре, итальянской живописи и скульптуре эпохи Возрождения, голландской живописи Золотого века, французскому искусству XVII века, искусству Новой вещественности и мексиканскому искусству 1920-х и 1930-х годов. Среди художников, оказавших влияние на Тукера, были итальянцы Паоло Уччелло и Пьеро делла Франческа, а также американцы Джаред Френч, Эдвард Хоппер, Пол Кадмус, Оноре Десмонд Шаррер и Генри Кёрнер.

Творческая карьера

Его самые известные картины несут в себе сильный социальный подтекст и часто характеризуются как его "публичные" или "политические" работы. Некоторые из них включают: «Метро» (1950), «Государственное учреждение» (1955–1956), «Зал ожидания» (1956–1957), «Обед» (1964), «Кассир» (1967), «Зал ожидания II» (1982), «Корпоративное решение» (1983) и «Терминал» (1986). Эти работы особенно влиятельны, поскольку отражают универсальный опыт современной городской жизни. Многие представляют собой визуально точные изображения социальной отчужденности и изоляции. Анонимность, массовое производство и быстрый темп современности предстают в суровом, мрачном, безтенёвом свете, передающем ощущение зловещего предчувствия и одиночества. Использование множества резких прямых линий приводит к угнетающе упорядоченной, прямоугольной архитектуре. Эта точная геометрическая архитектура, созданная для обслуживания персонажей, физически доминирует над ними. Тукер видел, что современное общество ведет себя именно так. Современная жизнь превращается в тюрьму бездушных ритуалов, лишенных индивидуальности, как в «Пейзаже с фигурами» (1966). Пространство часто сжато, как в «Палате» (1970–1971), где больничные койки выстроены вплотную друг к другу, оставляя очень мало места для передвижения, так что человечество ограничено строгими сетками. Эти образы передают ощущение подавляющей тишины и отсутствия контроля над ситуацией со стороны каждого изображенного персонажа. Люди, которых изображает Тукер, редко проявляют эмоции, не кичатся собой и редко демонстрируют индивидуальность. Скорее, они медленно передвигаются в тяжелой, однообразной одежде и, кажется, действуют не по собственной воле, а под влиянием социальных установок. В «Супермаркете» (1973) безликие покупатели окружены ярко упакованными товарами, которые так же легко воспроизводятся, как и сами люди. В то время как «публичные» образы Тукера враждебны и торжественны, его «частные» образы часто более интимны и позитивны. К ним относятся десять изображений серии «Окна» (1955–1987), «Двери» (1953), «Гитара» (1957), «Туалетный столик» (1962) и серия «Зеркала» (1962–1971). Многие из этих изображений сопоставляют красоту и уродство, молодость и старость в анализе женского тела. Пространство часто сжимается занавеской или близко расположенной стеной, так что зритель сталкивается с символической идентичностью главного героя. Бумажные фонари также являются распространенным мотивом в «частных» работах Тукера, часто разделяемым людьми, маяками мягкого, теплого света, создающими приятную атмосферу во всей сцене. См. «Садовая вечеринка» (1952), «В летнем домике» (1958) и «Фонари» (1986). Стиль изображения людей у Тукера особенно узнаваем. Часто они напоминают скелеты и кажутся застывшими во времени и пространстве, хотя и не плоскими. См. «Водолазы» (1952) или «Акробаты» (1950–1952). Даже если люди, изображенные на этих картинах, более индивидуальны, чем на «публичных» работах, люди на одном изображении часто изображаются как вариации одного и того же лица, с похожими цветами волос и физическими чертами, которые объединяют и подчеркивают общие черты. Даже эти «частные» образы содержали социальный подтекст. «Голоса I» (1963) изображает двух физически идентичных мужчин, разделенных тонкой дверью, но не способных общаться. Он глубоко беспокоился об очевидной неспособности понимать и общаться в американском обществе. Хотя выражения лиц фигур Тукера редко бывают особенно эмоциональными, эти образы несут в себе сильную эмоциональную окраску благодаря жестам, символике и освещению. См. «Дверь» (1969–1970), «Человек в коробке» (1967) и «Ночь I» (1963). Он также создавал религиозные работы. Его тщательно проработанная семипанельная картина «Семь таинств» находится в его местной церкви в Виндзоре, штат Вермонт. «Тайная вечеря» (1963) изображает чернокожего мужчину, молящегося над куском хлеба перед двумя белыми мужчинами, легко узнаваемый как современная интерпретация Тайной вечери. «Молящаяся девушка» (1977), «Орант» (1977), «Влюбленные» (1982) и «Объятие II» (1984) вдохновляют своим изображением подлинной духовной связи. Сопоставление эмоций в этих четырех изображениях говорит о значимости духовности и любви для Тукера. Первая выставка Тукера была «Четырнадцать американцев» в Музее современного искусства в 1946 году. В 1974 году Музеи изобразительных искусств Сан-Франциско организовали ретроспективную выставку под названием «Джордж Тукер: Картины, 1947–1973». В 1989 году в галерее Марш при Университете Ричмонда была проведена выставка, посвященная Тукеру. Галерея Аддисона американского искусства, Национальный музей Академии, Академия изящных искусств Пенсильвании, Музей искусств Колумбуса и Музей американского искусства Уитни также проводили выставки, посвященные Джорджу Тукеру. Галерея DC Moore представляет его наследие. Томас Х. Гарвер, автор монографии о творчестве Джорджа Тукера, писал: «Это мощные картины, которые останутся в общественном сознании. Каждый может сказать: «Да, я был в этой безликой ситуации», даже если это просто стояние в очереди для получения водительских прав». Он посвятил множество картин одной теме, исследуя множество возможных вариаций, чтобы полностью выразить сложные идеи. В середине 1950-х годов Тукер встретил своего давнего партнера, художника Уильяма Р. Кристофера, и они жили вместе в Нью-Йорке. В 1960 году они переехали в дом, который построили в Хартленде, штат Вермонт. Пара участвовала в движении за гражданские права и приняла участие в одном из маршей из Сельмы в Монтгомери в 1965 году. Он преподавал в Лиге студентов-художников Нью-Йорка с 1965 по 1968 год. Зимой он проводил время в Малаге, Испания. Спустя несколько лет после смерти Кристофера в 1973 году Тукер обратился в католицизм. Его вера была очень важна для него, поскольку он был тесно связан со своей местной церковью. Тукер умер в возрасте 90 лет в своем доме в Хартленде, штат Вермонт, от почечной недостаточности.

His most well known paintings carry strong social commentary, and are often characterized as his "public" or "political" pieces. Some of these include: The Subway (1950), Government Bureau (1955 1956), The Waiting Room (1956 1957), Lunch (1964), Teller (1967), Waiting Room II (1982), Corporate Decision (1983), and Terminal (1986). These works are particularly influential, because they draw from universal experiences of modern, urban life. Many portray visually literal depictions of social withdrawal and isolation. Modernity's anonymity, mass production, and fast pace are cast under an unforgiving, bleak, shadow less light that conveys a sense of foreboding and isolation. The use of many strong straight lines culminates in oppressively ordered, rectilinear architecture. This precise geometric architecture, constructed to serve the subjects, physically dominates them. Tooker saw modern society as behaving in this same way. Modern life becomes a prison of soulless ritual devoid of individuality in Landscape with Figures (1966). Space is often compressed, as in Ward (1970 1971), with patients' beds lined head to foot with very little walking space, such that humanity is confined to strictly organized grids. These images convey a sense of overwhelming silence in the lack of control each individual portrayed has over their depicted situation. The people Tooker depicts are rarely overcome by emotion, never strut, and seldom convey individuality. Rather, they shuffle along in heavy, uniform clothing and seem to act not based on individual will, but based on social conditioning. In Supermarket (1973), nondescript shoppers are surrounded by brightly packaged consumables as easily replicated as the people themselves. While Tooker's "public" imagery is hostile and solemn, his "private" images are often more intimate and positive. Some of these include the ten images of the Windows series (1955 1987), Doors (1953), Guitar (1957), Toilette (1962), and the Mirror series (1962 1971). Many of these images juxtapose beauty and ugliness, youth and age, in the analysis of the female body. The space is often compressed by a curtain or close up wall, so that the viewer is confronted by the symbolic identity of the protagonist. Paper lanterns are also a common motif in Tooker's "private" works, often being shared amongst individuals, beacons of soft, warm light that present a pleasant mood to the entire scene. See Garden Party (1952), In the Summer House (1958), and Lanterns (1986). Tooker's style of person is notably recognizable. Often they resemble skeletons and seem frozen in time and space, though certainly not flat. See Divers (1952) or Acrobats (1950 1952). Even as the people depicted in these images are more individualized than those of the "public" pieces, people in a single image are often depicted as variations of the same face, with similar hair colors and physical features that unify and highlight commonalities. Even these "private" images held social commentary. Voices I (1963) depicts two men, physically identical, separated by a thin door yet unable to communicate. He was deeply concerned with the apparent failure to understand and communicate within American society. While Tooker's figures' facial expressions are rarely particularly emotional, these images carry heavy emotional tones, through the gestures, symbolism, and lighting. See Door (1969–70), Man in the Box (1967), and Night I (1963). He also created religious works. His elaborately painted seven panel piece The Seven Sacraments is located in his local church in Windsor, Vermont. Supper (1963) depicts a black man praying over a loaf of bread in front of two white men, easily recognizable as a modern update on the Last Supper. Girl Praying (1977), Orant (1977), Lovers (1982), and Embrace II (1984) are uplifting in their portrayal of genuine spiritual connection. The juxtaposition of emotions in these four images suggest the gravity of spirituality and love for Tooker. Tooker's first exhibition was "Fourteen Americans" at the Museum of Modern Art in 1946. In 1974, the Fine Arts Museums of San Francisco organized a retrospective called "George Tooker: Paintings, 1947 1973." In 1989, the Marsh Gallery at the University of Richmond held an exhibition dedicated to Tooker. The Addison Gallery of American Art, the National Academy Museum, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, the Columbus Museum of Art, and the Whitney Museum of American Art all held exhibitions dedicated to George Tooker. The DC Moore Gallery represents his estate. Thomas H. Garver, who wrote a monograph on the works of George Tooker wrote, "These are powerful pictures that will stay in the public consciousness. Everyone can say, 'Yes, I've been in that faceless situation,' even if it's just standing in line waiting to apply for a driver's license." He devoted numerous paintings to a single theme, investigating many possible variations to fully express the complex ideas conveyed. In the mid 1950's Tooker met his long time partner, painter William R. Christopher, and they lived together in New York City. They moved into a house they had built in Hartland, Vermont in 1960. The couple were involved in the Civil Rights Movement and participated in one of the Selma to Montgomery marches in 1965. He taught at the Art Students League of New York from 1965 to 1968. He spent his winters in Málaga, Spain. A few years after Christopher's 1973 death, Tooker converted to Catholicism. His faith was very important to him, as he was very much involved with his local church. Tooker died at the age of 90 in his Hartland, Vermont, home due to kidney failure.