Искусство движения тела: Танец и его формы

Введение

Танец – это форма искусства, часто классифицируемая как спорт, состоящая из последовательностей движений тела, обладающих эстетической и часто символической ценностью, будь то импровизированные или намеренно выбранные. Танец можно классифицировать и описывать по его хореографии, репертуару движений, историческому периоду или месту происхождения. Обычно танец исполняется под музыкальное сопровождение, а иногда танцор одновременно играет на музыкальном инструменте. Важно проводить различие между театральным и участническим танцем, хотя эти две категории не всегда чётко разграничены; обе могут выполнять специальные функции – социальные, церемониальные, соревновательные, эротические, боевые, священные или литургические. Другие виды человеческой деятельности иногда обладают качествами, схожими с танцем, например, боевые искусства, гимнастика, чирлидинг, фигурное катание, синхронное плавание, марширующие оркестры и многие другие виды атлетики. Танец не ограничивается исключительно выступлениями, поскольку он также используется как форма физических упражнений и иногда как тренировка для других видов спорта. Для некоторых танец стал видом спорта, и по всему миру проводятся танцевальные соревнования, демонстрирующие различные стили и уровни мастерства. Танец обладает эстетической привлекательностью для многих людей.

Театральный и коллективный танец

Театральный танец, также называемый сценическим или концертным танцем, предназначен прежде всего как зрелище, обычно как представление на сцене виртуозными танцорами. Он часто рассказывает историю, возможно, используя пантомиму, костюмы и декорации, или же может интерпретировать музыкальное сопровождение, которое часто специально сочиняется и исполняется в театральной обстановке, хотя это и не является обязательным условием. Примерами служат западный балет и современный танец, классические индийские танцы, такие как Бхаратанатьям, а также китайские и японские песенно-танцевальные драмы, например, танец дракона. Большинство классических форм сосредоточены исключительно на танце, но сценический танец может также появляться в опере и других формах музыкального театра. Танцы с участием зрителей, будь то народный танец, социальный танец, групповой танец, такой как хоровод, круг, цепочка или квадратный танец, или парный танец, как в западных бальных танцах, выполняются прежде всего для общей цели, такой как социальное взаимодействие или физические упражнения, или для развития гибкости участников, а не для развлечения зрителей. Такой танец редко содержит какой-либо сюжет. Групповой танец и кордебалет, социальный парный танец и па-де-де, принципиально различаются. Даже сольный танец или танец-интерпретация могут выполняться исключительно для удовлетворения самого танцора. Участники танцев с участием зрителей часто используют одни и те же движения и шаги, но, например, в рейв-культуре электронной танцевальной музыки, огромные толпы могут предаваться свободному танцу, не координируясь друг с другом. С другой стороны, в некоторых культурах существуют строгие правила относительно того, в каких танцах люди могут или должны участвовать.

История

Археологические свидетельства раннего танца включают в себя 10 000-летние наскальные рисунки в штате Мадхья-Прадеш, Индия, в скальных убежищах Бхимбетки, а также египетские росписи в гробницах, изображающие танцующих людей, датированные приблизительно 3300 годом до нашей эры. Предполагается, что до изобретения письменности танец был важной частью устной традиции и исполнительских практик передачи историй из поколения в поколение. Использование танца в экстатических трансовых состояниях и исцеляющих ритуалах (как это наблюдается сегодня во многих современных культурах коренных народов) считается еще одним ранним фактором в социальном развитии танца. Упоминания о танце встречаются в самых ранних письменных источниках: греческий танец (хорос) упоминается Платоном, Аристотелем, Плутархом и Лукианом. Библия и Талмуд содержат множество упоминаний о событиях, связанных с танцем, и более 30 различных терминов, обозначающих танец. На китайской керамике неолитического периода изображены группы людей, танцующих в линию, держась за руки, а самое раннее китайское слово, обозначающее «танец», найдено на гадательных костях. Танец описан в «Люши Чуньцю». Примитивный танец в древнем Китае был связан с колдовством и шаманскими ритуалами. В течение первого тысячелетия до нашей эры в Индии было создано множество текстов, пытавшихся кодифицировать различные аспекты повседневной жизни. «Натьяшастра» Бхараты Муни (дословно «трактат о драматургии») является одним из ранних таких текстов. Он в основном посвящен драме, в которой танец играет важную роль в индийской культуре. С тех пор в Индии сохраняется сильная и непрерывная традиция танца, которая продолжается и в наши дни, играя роль в культуре, ритуалах и индустрии развлечений Болливуда. Многие другие современные формы танца также восходят к историческим, традиционным, церемониальным и этническим танцам.

Музыка

Танец обычно, но не исключительно, исполняется под музыкальное сопровождение и может исполняться как в такт музыке, так и без привязки ко времени. Некоторые танцы (например, степ или танцы в резиновых сапогах) могут создавать собственное слышимое сопровождение вместо (или в дополнение к) музыке. Многие ранние формы музыки и танца создавались друг для друга и часто исполняются вместе. Яркими примерами традиционных сочетаний танца и музыки являются джиг, вальс, танго, диско и сальса. У некоторых музыкальных жанров есть соответствующая танцевальная форма, например, барочная музыка и барочный танец; другие виды танца и музыки могут иметь общую терминологию, но развивались независимо, как, например, классическая музыка и классический балет. Хореография и музыка призваны дополнять друг друга, выражая историю, рассказанную хореографом и танцорами.

Ритм

Ритм и танец глубоко связаны в истории и практике. Американский танцор Тед Шон писал: "Понимание ритма, лежащего в основе всех исследований танца, – это то, о чем можно говорить вечно, и все равно не закончить". Музыкальный ритм требует двух основных элементов: во-первых, регулярно повторяющийся пульс (также называемый "битом" или "тактусом"), который задает темп, и, во-вторых, паттерн акцентов и пауз, определяющий характер размера или основной ритмической модели. Основной пульс примерно равен по продолжительности простому шагу или жесту. Танцы обычно имеют характерный темп и ритмический рисунок. Например, танго обычно танцуют в размере 2/4 с темпом около 66 ударов в минуту. Основной медленный шаг, называемый "медленным", длится один удар, так что полный шаг "правая-левая" равен одному такту. Основная ходьба вперед и назад в танце отсчитывается как "медленно-медленно", в то время как многие дополнительные фигуры отсчитываются как "медленно-быстро-быстро". Повторяющиеся движения тела часто зависят от чередования "сильных" и "слабых" мышечных усилий. Учитывая чередование левого и правого, вперед-назад и подъема-спада, а также билатеральную симметрию человеческого тела, многие танцы и музыка исполняются в двухдольном и четырехдольном размере. Поскольку некоторые такие движения требуют больше времени в одной фазе, чем в другой – например, больше времени для подъема молота, чем для удара, – некоторые танцевальные ритмы попадают в трехдольный размер. Иногда, как в народных танцах Балкан, танцевальные традиции сильно зависят от более сложных ритмов. Кроме того, сложные танцы, состоящие из фиксированной последовательности шагов, всегда требуют фраз и мелодий определенной фиксированной длины для сопровождения этой последовательности. Музыкальное сопровождение возникло в самых ранних танцах, так что древние египтяне приписывали происхождение танца божественному Атоту, который, как говорили, заметил, что музыка, сопровождающая религиозные ритуалы, заставляла участников двигаться ритмично и приводила эти движения в пропорциональный порядок. Та же идея, что танец возникает из музыкального ритма, встречается в европейском Ренессансе в трудах танцора Гульельмо Эбрео да Пезаро, который говорит о танце как о физическом движении, возникающем и выражающем внутреннее, духовное движение, согласующееся с "тактами и совершенными гармониями гармонии", которые достигают человеческого слуха, и пишет: "Я не могу танцевать, если ты не ведешь. Если ты хочешь, чтобы я взлетел, пой, и я взлечу – в любовь, а из любви к знанию, а из знания к экстазу, превосходящему все человеческие чувства". Знаменитый танцевальный трактат Тоно Арбо 16-го века "Оркезография" действительно начинается с определений более чем восьмидесяти различных ритмов барабанов. Как было показано выше, танец на протяжении веков представлялся как реакция на музыку, но, как предполагал Линкольн Кирштейн, не менее вероятно, что примитивная музыка возникла из танца. Шон согласен, утверждая, что танец "был первым искусством человеческой расы и матрицей, из которой выросли все другие искусства", и что даже "метр в нашей современной поэзии является результатом акцентов, необходимых для движения тела, поскольку танцы и декламация исполнялись одновременно". Эмиль Жак Далькроз, прежде всего музыкант и педагог, рассказывает, как изучение физических движений пианистов привело его "к открытию, что музыкальные ощущения ритмического характера требуют мышечного и нервного ответа всего организма", к разработке "специальной подготовки, предназначенной для регулирования нервных реакций и координации мышц и нервов" и, в конечном итоге, к поиску связей между "искусством музыки и искусством танца", которые он сформулировал в свою систему эвритмии. Он заключил, что "музыкальный ритм – это лишь транскрипция в звук движений и динамизмов, спонтанно и невольно выражающих эмоции". Поэтому, хотя, как утверждает Шон, "вполне возможно развивать танец без музыки, а музыка вполне способна стоять на своих ногах без какой-либо помощи от танца", тем не менее, "эти два искусства всегда будут связаны, и эти отношения могут быть полезны как для танца, так и для музыки", вопрос о первичности одного искусства над другим остается открытым. Общие балладные размеры гимнов и народных песен получили свое название от танца, как и кароль, изначально являвшийся хороводным танцем. Многие чисто музыкальные произведения были названы "вальс" или "менуэт", например, в то время как многие концертные танцы были созданы на основе абстрактных музыкальных произведений, таких как двух- и трехчастные инвенции, Концерт для скрипки Адамса и Андантино. Аналогично, поэмы часто структурируются и называются в честь танцев или музыкальных произведений, в то время как танец и музыка черпали свое понимание "такта" или "размера" из поэзии. Шон с одобрением цитирует утверждение Далькроза о том, что, в то время как искусство музыкального ритма состоит в дифференциации и комбинировании длительностей, пауз и акцентов "в соответствии с физиологическим законом", искусство "пластического ритма" (т.е. танца) "заключается в обозначении движения в пространстве, в интерпретации длительных временных значений медленными движениями, а коротких – быстрыми движениями, в регулировании пауз их разнообразной последовательностью и в выражении звуковых акцентов в их многочисленных нюансах посредством добавления веса тела, с помощью мышечных иннерваций". Тем не менее, Шон отмечает, что система музыкального времени – это "созданная человеком, искусственная вещь – изготовленный инструмент, в то время как ритм – это нечто, что всегда существовало и нисколько не зависит от человека", будучи "непрерывным течением времени, которое наш разум разделяет на удобные единицы", предполагая, что музыка может быть возрождена путем возвращения к ценностям и восприятию времени танца. Американская танцовщица начала 20-го века Хелен Моллер заявила, что "именно ритм и форма, а не гармония и цвет, с самого начала связывают музыку, поэзию и танец в неразрывный союз".

Rhythm and dance are deeply linked in history and practice. The American dancer Ted Shawn wrote; "The conception of rhythm which underlies all studies of the dance is something about which we could talk forever, and still not finish." A musical rhythm requires two main elements; first, a regularly repeating pulse (also called the "beat" or "tactus") that establishes the tempo and, second, a pattern of accents and rests that establishes the character of the metre or basic rhythmic pattern. The basic pulse is roughly equal in duration to a simple step or gesture. Dances generally have a characteristic tempo and rhythmic pattern. The tango, for example, is usually danced in time at approximately 66 beats per minute. The basic slow step, called a "slow", lasts for one beat, so that a full "right–left" step is equal to one measure. The basic forward and backward walk of the dance is so counted – "slow slow" – while many additional figures are counted "slow – quick quick". Repetitive body movements often depend on alternating "strong" and "weak" muscular movements. Given this alternation of left right, of forward backward and rise fall, along with the bilateral symmetry of the human body, many dances and much music are in duple and quadruple meter. Since some such movements require more time in one phase than the other – such as the longer time required to lift a hammer than to strike – some dance rhythms fall into triple metre. Occasionally, as in the folk dances of the Balkans, dance traditions depend heavily on more complex rhythms. Further, complex dances composed of a fixed sequence of steps always require phrases and melodies of a certain fixed length to accompany that sequence. Musical accompaniment arose in the earliest dance, so that ancient Egyptians attributed the origin of the dance to the divine Athotus, who was said to have observed that music accompanying religious rituals caused participants to move rhythmically and to have brought these movements into proportional measure. The same idea, that dance arises from musical rhythm, was found in renaissance Europe, in the works of the dancer Guglielmo Ebreo da Pesaro, who speaks of dance as a physical movement that arises from and expresses inward, spiritual motion agreeing with the "measures and perfect concords of harmony" that fall upon the human ear, writes;

I can not dance unless thou leadest. If thou wouldst have me spring aloft, sing thou and I will spring, into love and from love to knowledge and from knowledge to ecstasy above all human sense

Thoinot Arbeau's celebrated 16th century dance treatise Orchésographie, indeed, begins with definitions of over eighty distinct drum rhythms. As has been shown above, dance has been represented through the ages as having emerged as a response to music yet, as Lincoln Kirstein implied, it is at least as likely that primitive music arose from dance. Shawn concurs, stating that dance "was the first art of the human race, and the matrix out of which all other arts grew" and that even the "metre in our poetry today is a result of the accents necessitated by body movement, as the dancing and reciting was performed simultaneously"

Émile Jaques Dalcroze, primarily a musician and teacher, relates how a study of the physical movements of pianists led him "to the discovery that musical sensations of a rhythmic nature call for the muscular and nervous response of the whole organism", to develop "a special training designed to regulate nervous reactions and effect a co ordination of muscles and nerves" and ultimately to seek the connections between "the art of music and the art of dance", which he formulated into his system of eurhythmics. He concluded that "musical rhythm is only the transposition into sound of movements and dynamisms spontaneously and involuntarily expressing emotion". Hence, though doubtless, as Shawn asserts, "it is quite possible to develop the dance without music and music is perfectly capable of standing on its own feet without any assistance from the dance", nevertheless the "two arts will always be related and the relationship can be profitable both to the dance and to music", the precedence of one art over the other being a moot point. The common ballad measures of hymns and folk songs takes their name from dance, as does the carol, originally a circle dance. Many purely musical pieces have been named "waltz" or "minuet", for example, while many concert dances have been produced that are based upon abstract musical pieces, such as 2 and 3 Part Inventions, Adams Violin Concerto and Andantino. Similarly, poems are often structured and named after dances or musical works, while dance and music have both drawn their conception of "measure" or "metre" from poetry. Shawn quotes with approval the statement of Dalcroze that, while the art of musical rhythm consists in differentiating and combining time durations, pauses and accents "according to physiological law", that of "plastic rhythm" (i. e. dance) "is to designate movement in space, to interpret long time values by slow movements and short ones by quick movements, regulate pauses by their divers successions and express sound accentuations in their multiple nuances by additions of bodily weight, by means of muscular innervations". Shawn nevertheless points out that the system of musical time is a "man made, artificial thing a manufactured tool, whereas rhythm is something that has always existed and depends on man not at all", being "the continuous flowing time which our human minds cut up into convenient units", suggesting that music might be revivified by a return to the values and the time perception of dancing. The early 20th century American dancer Helen Moller stated that "it is rhythm and form more than harmony and color which, from the beginning, has bound music, poetry and dancing together in a union that is indissoluble."

Театральный

Концертный танец, как и опера, в своей крупной форме обычно опирается на повествовательную драматическую структуру. Движения и жесты хореографии прежде всего призваны передавать характер и цели персонажей, а также их роль в сюжете. Такие театральные требования ведут к более протяженным и свободным движениям, чем те, что характерны для ненарративных танцевальных стилей. С другой стороны, балет-блан, развившийся в XIX веке, допускает вставки ритмического танца, которые в XX веке превратились в полностью "бессюжетные" балеты и позволили использовать быстрые, ритмичные танцевальные шаги, такие как малый аллегро (petit allegro). Хорошо известный пример – «Танец маленьких лебедей» во втором акте «Лебединого озера». Балет возник из придворных драматических постановок Франции и Италии XVI и XVII веков, и некоторое время танцоры исполняли танцы, развившиеся из тех, что были знакомы по музыкальным сюитам, все из которых отличались четкими ритмами, тесно связанными с каждым танцем. Эти танцы появились как танцы персонажей в эпоху романтического национализма. Балет достиг широкой популярности в романтическую эпоху, сопровождаясь большим оркестром и более масштабными музыкальными замыслами, которые не всегда способствовали ритмической ясности, а также танцем, подчеркивающим драматическую мимику. Потребовалось более широкое понимание ритма, которое Рудольф Лабан назвал «ритмом и формой» движения, передающими характер, эмоции и намерения. При этом точная синхронизация шага и музыки, необходимая для других танцевальных стилей, требовалась лишь в отдельных сценах, так что, по мнению Лабана, современные европейцы, казалось, совершенно не способны понять смысл «примитивных ритмических движений». Эта ситуация начала меняться в XX веке с такими постановками, как «Весна священная» Игоря Стравинского, с ее новым ритмическим языком, вызывающим первобытные чувства далекого прошлого. Индийские классические танцевальные стили, как и балет, часто имеют драматическую форму, поэтому между повествовательным выражением и «чистым» танцем существует схожая взаимодополняемость. В этом случае оба элемента определяются отдельно, хотя и не всегда исполняются раздельно. Ритмические элементы, абстрактные и технические, известны как нритта. Однако и этот танец, и выразительный танец (нритья) тесно связаны с ритмической системой (тала). Учителя адаптировали устную ритмическую мнемоническую систему, называемую бол, к потребностям танцоров. Японские классические танцевально-театральные стили, такие как кабуки и но, как и индийская танцевальная драма, различают нарративные и абстрактные танцевальные постановки. Три основные категории кабуки – дзидаймоно (исторические), севамоно (бытовые) и сёсагото (танцевальные пьесы). Подобным образом, в нох различают геки-но, основанный на развитии сюжета и повествовании, и фурю-но, танцевальные пьесы, включающие акробатику, сценический реквизит, множество персонажей и сложные сценические действия.

Concert dance, like opera, generally depends for its large scale form upon a narrative dramatic structure. The movements and gestures of the choreography are primarily intended to mime the personality and aims of the characters and their part in the plot. Such theatrical requirements tend towards longer, freer movements than those usual in non narrative dance styles. On the other hand, the ballet blanc, developed in the 19th century, allows interludes of rhythmic dance that developed into entirely "plotless" ballets in the 20th century and that allowed fast, rhythmic dance steps such as those of the petit allegro. A well known example is The Cygnets' Dance in act two of Swan Lake. The ballet developed out of courtly dramatic productions of 16th and 17th century France and Italy and for some time dancers performed dances developed from those familiar from the musical suite, all of which were defined by definite rhythms closely identified with each dance. These appeared as character dances in the era of romantic nationalism. Ballet reached widespread vogue in the romantic era, accompanied by a larger orchestra and grander musical conceptions that did not lend themselves easily to rhythmic clarity and by dance that emphasised dramatic mime. A broader concept of rhythm was needed, that which Rudolf Laban terms the "rhythm and shape" of movement that communicates character, emotion and intention, while only certain scenes required the exact synchronisation of step and music essential to other dance styles, so that, to Laban, modern Europeans seemed totally unable to grasp the meaning of "primitive rhythmic movements", a situation that began to change in the 20th century with such productions as Igor Stravinsky's The Rite of Spring with its new rhythmic language evoking primal feelings of a primitive past. Indian classical dance styles, like ballet, are often in dramatic form, so that there is a similar complementarity between narrative expression and "pure" dance. In this case, the two are separately defined, though not always separately performed. The rhythmic elements, which are abstract and technical, are known as nritta. Both this and expressive dance (nritya), though, are closely tied to the rhythmic system (tala). Teachers have adapted the spoken rhythmic mnemonic system called bol to the needs of dancers. Japanese classical dance theatre styles such as Kabuki and Noh, like Indian dance drama, distinguish between narrative and abstract dance productions. The three main categories of kabuki are jidaimono (historical), sewamono (domestic) and shosagoto (dance pieces). Somewhat similarly, Noh distinguishes between Geki Noh, based around the advancement of plot and the narration of action, and Furyū Noh, dance pieces involving acrobatics, stage properties, multiple characters and elaborate stage action.

Участие и социальные

Социальные танцы, предназначенные для участия, а не для зрителей, могут включать в себя различные формы мима и повествования, но обычно тесно связаны с ритмическим рисунком музыки, поэтому такие термины, как вальс и полька, относятся как к музыкальным произведениям, так и к самому танцу. Ритм движений танцоров может даже быть существенной частью музыки, как, например, в чечетке. Африканский танец, к примеру, базируется на фиксированных базовых шагах, но также допускает значительную степень ритмической интерпретации: ступни или туловище задают основной пульс, а перекрестные ритмы улавливаются плечами, коленями или головой, при этом лучшие танцоры одновременно пластически выражают все элементы полиритмического рисунка.

Африка

Танцы в Африке глубоко укоренены в обществе, и важные события в жизни общины часто находят отражение в танцах: их исполняют при рождении и на похоронах, на свадьбах и во время войн. Традиционные танцы передают культурные ценности и мораль, включая религиозные традиции и нормы поведения; дают выход подавленным эмоциям, таким как скорбь; побуждают членов общины к сотрудничеству, будь то участие в военных действиях или совместный труд, например, перемалывание зерна; воспроизводят духовные ритуалы и способствуют социальной сплоченности. По всему континенту исполняются тысячи различных танцев. Их можно разделить на традиционные, нео-традиционные и классические стили: фольклорные танцы, характерные для определенной общины, танцы, созданные недавно под влиянием традиционных стилей, и танцы, которые преподаются более формально в школах или на частных уроках.

Азия

Все классические индийские танцы в разной степени укоренены в Натьяшастре и поэтому имеют общие черты: например, мудры (положения рук), некоторые позы тела, движения ног и включение драматического или выразительного актерского мастерства, известного как абхиная. Индийская классическая музыка обеспечивает сопровождение, а танцоры почти всех стилей носят колокольчики на лодыжках, чтобы создавать контрапункт и дополнять перкуссию. В настоящее время существует множество региональных разновидностей индийского классического танца. Танец "Одра Магадхи", который после десятилетий споров был прослежен до современной Митилы, танцевальной формы Одисси (Орисси) в регионе Одиша, свидетельствует о влиянии танцев в культурном обмене между различными регионами. Район Пенджаба, охватывающий Индию и Пакистан, является родиной бхангры. Он широко известен как музыкальный стиль, так и как танец, тесно связанный с древними праздниками урожая, любовью, патриотизмом или социальными проблемами. Его музыка координируется музыкальным инструментом, называемым 'Дхоль'. Бхангра – это не только музыка, но и танец, празднование урожая, во время которого люди играют на дхоле (барабане), поют боляяны (тексты песен) и танцуют. Он получил дальнейшее развитие с праздником вайсакхи сикхов. Танцы Шри-Ланки включают в себя танцы дьяволов (якун натима) – тщательно разработанный ритуал, уходящий корнями в добуддийское прошлое Шри-Ланки, сочетающий древние "аюрведические" представления о причинах болезней с психологической манипуляцией и включающий множество аспектов, в том числе сингальскую космологию. Их влияние заметно в классических танцах Шри-Ланки. Индонезийские танцы отражают богатство и разнообразие индонезийских этнических групп и культур. В Индонезии насчитывается более 1300 этнических групп, что проявляется в культурных корнях австронезийских и меланезийских народов, а также в различных культурных влияниях из Азии и Запада. Танцы в Индонезии берут начало в ритуальных движениях и религиозных церемониях, часто начинающихся с ритуалов, таких как военные танцы, танцы шаманов для исцеления или предотвращения болезней, танцы для вызова дождя и другие подобные танцы. С принятием религии дхарма в I веке в Индонезии индуистские и буддийские ритуалы отмечались в различных художественных представлениях. Индуистские эпосы, такие как Рамаяна, Махабхарата и Панджи, стали источником вдохновения для танцевальной драмы под названием "Сендратари", напоминающей "балет" в западной традиции. Была изобретена сложная и высокостилизованная техника танца, сохранившаяся до наших дней, особенно на островах Ява и Бали. Яванский танец Уаянг-Вонг использует сюжеты из эпизодов Рамаяны или Махабхараты, но сильно отличается от индийской версии. Индонезийские танцы уделяют меньше внимания "мудрам", чем индийские, делая больший акцент на демонстрации местных форм. Священный яванский ритуальный танец Бедхая, как полагают, восходит к периоду Маджапахита в XIV веке или даже раньше, возникнув из ритуальных танцев, исполняемых девственницами для поклонения индуистским богам, таким как Шива, Брахма и Вишну. На Бали танец стал неотъемлемой частью священных ритуалов индуистской Дхармы. Некоторые эксперты полагают, что балийский танец происходит от более древней танцевальной традиции Явы. На рельефах храмов Восточной Явы XIV века изображены короны и головные уборы, похожие на те, что используются в балийском танце сегодня. Ислам начал распространяться по Индонезийскому архипелагу, когда местные танцы и танцы дхармы все еще были популярны. Художники и танцоры продолжали использовать стили предыдущей эпохи, заменяя сюжеты более исламскими интерпретациями и одеждой, соответствующей исламским учениям. Танцы Ближнего Востока обычно представляют собой традиционные формы круговых танцев, которые в некоторой степени модернизированы. К ним относятся дабке, тамзара, ассирийский народный танец, курдский танец, армянский танец и турецкий танец, среди прочих. Все эти формы танца обычно предполагают взаимодействие участников, держащихся за руки или предплечья (в зависимости от стиля танца). Они выполняют ритмичные движения ногами и плечами, описывая круги по танцполу. Ведущий танец обычно держит трость или платок.

All Indian classical dances are to varying degrees rooted in the Natyashastra and therefore share common features: for example, the mudras (hand positions), some body positions, leg movement and the inclusion of dramatic or expressive acting or abhinaya. Indian classical music provides accompaniment and dancers of nearly all the styles wear bells around their ankles to counterpoint and complement the percussion. There are now many regional varieties of Indian classical dance. Dances like "Odra Magadhi", which after decades long debate, has been traced to present day Mithila, Odisha region's dance form of Odissi (Orissi), indicate influence of dances in cultural interactions between different regions. The Punjab area overlapping India and Pakistan is the place of origin of Bhangra. It is widely known both as a style of music and a dance. It is mostly related to ancient harvest celebrations, love, patriotism or social issues. Its music is coordinated by a musical instrument called the 'Dhol'. Bhangra is not just music but a dance, a celebration of the harvest where people beat the dhol (drum), sing Boliyaan (lyrics) and dance. It developed further with the Vaisakhi festival of the Sikhs. The dances of Sri Lanka include the devil dances (yakun natima), a carefully crafted ritual reaching far back into Sri Lanka's pre Buddhist past that combines ancient "Ayurvedic" concepts of disease causation with psychological manipulation and combines many aspects including Sinhalese cosmology. Their influence can be seen on the classical dances of Sri Lanka. Indonesian dances reflect the richness and diversity of Indonesian ethnic groups and cultures. There are more than 1,300 ethnic groups in Indonesia, it can be seen from the cultural roots of the Austronesian and Melanesian peoples, and various cultural influences from Asia and the west. Dances in Indonesia originate from ritual movements and religious ceremonies, this kind of dance usually begins with rituals, such as war dances, shaman dances to cure or ward off disease, dances to call rain and other types of dances. With the acceptance of dharma religion in the 1st century in Indonesia, Hinduism and Buddhist rituals were celebrated in various artistic performances. Hindu epics such as the Ramayana, Mahabharata and also the Panji became the inspiration to be shown in a dance drama called "Sendratari" resembling "ballet" in the western tradition. An elaborate and highly stylized dance method was invented and has survived to this day, especially on the islands of Java and Bali. The Javanese Wayang wong dance takes footage from the Ramayana or Mahabharata episodes, but this dance is very different from the Indian version, indonesian dances do not pay as much attention to the "mudras" as Indian dances: even more to show local forms. The sacred Javanese ritual dance Bedhaya is believed to date back to the Majapahit period in the 14th century or even earlier, this dance originated from ritual dances performed by virgin girls to worship Hindu Gods such as Shiva, Brahma, and Vishnu. In Bali, dance has become an integral part of the sacred Hindu Dharma rituals. Some experts believe that Balinese dance comes from an older dance tradition from Java. Reliefs from temples in East Java from the 14th century feature crowns and headdresses similar to the headdresses used in Balinese dance today. Islam began to spread to the Indonesian archipelago when indigenous dances and dharma dances were still popular. Artists and dancers still use styles from the previous era, replacing stories with more Islamic interpretations and clothing that is more closed according to Islamic teachings. The dances of the Middle East are usually the traditional forms of circle dancing which are modernized to an extent. They would include dabke, tamzara, Assyrian folk dance, Kurdish dance, Armenian dance and Turkish dance, among others. All these forms of dances would usually involve participants engaging each other by holding hands or arms (depending on the style of the dance). They would make rhythmic moves with their legs and shoulders as they curve around the dance floor. The head of the dance would generally hold a cane or handkerchief.

Европа и Северная Америка

Народные танцы различаются по всей Европе и могут уходить корнями в глубь веков, на сотни или даже тысячи лет, но многие из них имеют общие черты, такие как групповое участие под руководством ведущего, держание за руки или сцепленные руки между участниками и устоявшиеся музыкальные формы, известные как кароли. Некоторые, например, танец с майским шестом, распространены во многих странах, в то время как другие, такие как céilidh и полька, глубоко укоренены в отдельной культуре. Некоторые европейские народные танцы, например, квадратный танец, были завезены в Новый Свет и впоследствии стали частью американской культуры. Балет возник сначала в Италии, а затем во Франции из пышных придворных зрелищ, сочетавших в себе ритм, драму, поэзию, песни, костюмы и танец. Члены придворной знати участвовали в них в качестве исполнителей. Во время правления Людовика XIV, который сам был танцором, танец стал более кодифицированным. Профессиональные танцоры начали заменять придворных любителей, а балетмейстеры получили лицензии от французского правительства. Первой академией танца стала Королевская танцевальная академия (Académie Royale de Danse), открытая в Париже в 1661 году. Вскоре после этого была сформирована первая профессиональная балетная труппа, связанная с Академией; эта труппа начиналась как ансамбль, состоящий только из мужчин, но к 1681 году стала принимать и женщин.

Латинская Америка

Танец играет центральную роль в латиноамериканской социальной жизни и культуре. Бразильская самба, аргентинское танго и кубинская сальса – всемирно известные парные танцы, а другие национальные танцы – меренге, куэка, плена, харабе, хоропо, маринера, кумбия, бачата и другие – являются важными составляющими культуры своих стран. Традиционные карнавальные фестивали включают в себя эти и другие танцы в масштабные празднования. Танец сыграл важную роль в формировании общей идентичности среди многочисленных культурных и этнических групп Латинской Америки, объединяя африканцев, европейцев и коренные народы региона.

Танцоры

Профессиональные танцоры обычно работают по контракту или для конкретных выступлений и постановок. Профессиональная жизнь танцора, как правило, характеризуется постоянно меняющимися условиями работы, сильной конкуренцией и невысокой оплатой. В связи с этим профессиональным танцорам часто приходится подрабатывать, чтобы обеспечить финансовую стабильность. В США многие профессиональные танцоры состоят в профсоюзах (таких как Американская гильдия музыкальных артистов, Гильдия киноактеров и Ассоциация актеров), которые устанавливают условия труда и минимальные зарплаты для своих членов. Профессиональные танцоры должны обладать выдающимися физическими данными. Для успешной карьеры полезно владеть различными стилями танца, иметь прочную техническую базу и заниматься другими видами физической подготовки для поддержания формы и здоровья.

Учителя

Учителя танцев обычно сосредоточены на обучении танцевальному исполнению, подготовке соревновательных танцоров или и тому, и другому. Как правило, они имеют опыт выступлений в тех видах танцев, которые преподают или тренируют. Например, преподаватели и тренеры танцевального спорта часто сами являются участниками турниров или бывшими танцорами. Учителя танцев могут быть самозанятыми или работать в танцевальных школах, а также в общеобразовательных учреждениях, имеющих танцевальные программы. Некоторые работают в университетах или других учебных заведениях, связанных с профессиональным классическим танцем (например, балетом) или современными танцевальными компаниями. Другие трудоустроены в небольших частных танцевальных школах, предлагающих обучение танцам и подготовку к выступлениям в различных стилях.

Хореографы

Хореографы создают танцевальные движения в танце. Они часто получают образование в университете и обычно привлекаются к работе над конкретными проектами, а реже могут работать по контракту в качестве штатного хореографа для определенной танцевальной труппы.

Соревнования

Танцевальное соревнование – это организованное мероприятие, в котором участники исполняют танцы перед судьей или коллегией судей для получения наград, а в некоторых случаях и денежных призов. Существует несколько основных типов танцевальных соревнований, различающихся прежде всего по стилю или стилям исполняемых танцев. Танцевальные соревнования – прекрасная возможность для установления связей с ведущими преподавателями, судьями, хореографами и другими танцорами из конкурирующих студий. Типичное танцевальное соревнование для молодых танцоров, готовящихся к профессиональной карьере, может длиться от двух до четырех дней, в зависимости от того, является ли оно региональным или национальным. Цель танцевальных соревнований – предоставить танцорам веселое и образовательное пространство, а также возможность продемонстрировать на сцене свои хореографические номера из текущего танцевального сезона. Зачастую соревнования проводятся на профессиональных площадках, но могут проходить и в неисполнительских пространствах, таких как школьный театр. Результаты выступлений танцоров определяются авторитетной коллегией судей, которые оценивают их выступления, а не просто выставляют баллы. Категории соревнований обычно основываются на стиле танца, возрасте, уровне подготовки и количестве танцоров в номере. Основные типы танцевальных соревнований включают:

Dancesport, который специализируется исключительно на бальных и латиноамериканских танцах. Конкурсный танец, допускающий различные театральные танцевальные стили, такие как акробатика, балет, джаз, хип-хоп, лирический танец, степ и чечетка. Коммерческий танец, включающий в себя хип-хоп, джаз, локинг, поппинг, брейк-данс, контемпорари и другие стили.

Обувь

В большинстве видов танца нога является источником движения, и в некоторых случаях требуется специальная обувь, чтобы обеспечить здоровье и безопасность танцора, в зависимости от типа танца, интенсивности движений и поверхности, на которой он будет танцевать. Танцевальная обувь может как поддерживать, так и ограничивать движения танцора. Эффективность обуви определяется её способностью помогать стопе выполнять движения, для которых она не предназначена, или облегчать сложные движения. Такие эффекты влияют на здоровье и безопасность, поскольку обувь создает неестественные условия для обычной подвижности тела.

Балет

Балет характеризуется высоким риском травм из-за биомеханики голеностопа и пальцев ног, которые служат основной опорой для выполнения движений. Пуанты сконструированы таким образом, чтобы плотно сжимать пальцы вместе, позволяя танцовщице дольше удерживать вес тела на кончиках пальцев. Существуют аксессуары для пуантов, предназначенные для снижения риска травм и облегчения боли во время танца, такие как подушечки для пальцев, тейп для пальцев и смягчающие прокладки.

Образ тела

Танцоры, по общему мнению, крайне обеспокоены восприятием своего тела и стремятся соответствовать определенным стандартам, принятым в индустрии. Исследования показывают, что танцорам действительно сложнее контролировать пищевое поведение, поскольку многие стремятся к идеальной для этого вида искусства массе тела. Некоторые танцоры часто прибегают к деструктивным методам, чтобы поддерживать определенный внешний вид. Распространенные случаи включают злоупотребление слабительными для контроля веса, что приводит к развитию нездоровых расстройств пищевого поведения. Исследования демонстрируют, что значительное количество танцоров использует хотя бы один метод контроля веса, включая чрезмерные физические нагрузки и ограничение в еде. Давление, с которым сталкиваются танцоры, чтобы поддерживать вес ниже среднего, влияет на их пищевые привычки, поведение, связанное с контролем веса, и образ жизни в целом. В силу своей творческой природы, танцоры склонны к самокритике и негативному отношению к себе. Как это часто встречается у исполнителей, многие могут испытывать сопротивление к идеям самосострадания.

Расстройства пищевого поведения

В Северной Америке расстройства пищевого поведения являются серьезной проблемой общественного здравоохранения, поражающей, по оценкам, 10% молодых девушек. Танцоры, занимающиеся эстетическими видами спорта, подвергаются еще большему риску из-за интенсивного давления, связанного с поддержанием худощавой фигуры. Расстройства пищевого поведения среди танцоров встречаются очень часто. Анализ данных и опубликованных исследований позволил получить достаточную информацию о проценте и вероятности того, что танцоры могут развить нездоровые пищевые привычки или расстройство пищевого поведения. В целом, у танцоров риск развития расстройств пищевого поведения выше, чем у населения в целом, в основном это нервная анорексия и EDNOS. На данный момент исследования не выявили прямой связи между занятиями танцами и повышенным риском развития нервной булимии. Исследования показали, что танцоры в целом в три раза чаще сталкиваются с расстройствами пищевого поведения, особенно с нервной анорексией и EDNOS.

Танцы в социальных сетях

Танец стал популярной формой контента на многих платформах социальных сетей, включая TikTok. В 2020 году танцы в TikTok дали возможность изолированным людям взаимодействовать и общаться друг с другом в виртуальном формате. С момента запуска в 2017 году приложение также привлекло небольшую, но растущую аудиторию профессиональных танцоров в возрасте от 20 до 30 лет. Хотя большинство представителей этой возрастной группы привыкли выступать на сцене, приложение предложило новый способ получить профессиональное признание.

У животных

Некоторые попугаи и слоны демонстрируют танцевальные движения, соответствующие ритму музыки. Другие животные, по-видимому, не обладают способностью делать это спонтанно, хотя некоторых можно обучить или направлять при помощи человека.