Джитиш Каллат: Индийский художник и его творчество

Введение

Индийский художник Джиттиш Калат (род. 1974, Мумбаи) – индийский современный художник. Он живёт и работает в Мумбаи, Индия. В творчестве Каллата представлены живопись, фотография, коллажи, скульптура, инсталляции и мультимедийные проекты. Он был художественным руководителем второго выпуска Биеннале Кочи-Музирис, проходившего в Кочи в 2014 году. В настоящее время Джиттиш Калат представлен галереями Nature Morte (Нью-Дели), Chemould Prescott Road (Мумбаи), ARNDT (Берлин) и Galerie Daniel Templon (Франция и Бельгия). Он также входит в состав попечительского совета Индийского фонда искусств. Он женат на художнице Рине Сайни Калат.

Образование

Джитиш Каллат родился в 1974 году в Мумбаи, Индия.

Карьера

Получив степень бакалавра изобразительных искусств в 1996 году, Каллат представил свою первую персональную выставку "PTO" в галерее Chemould Prescott Road. Его масштабные картины и рисунки уже содержали темы, которые впоследствии неоднократно появлялись в его творчестве. В центре разворачивающегося повествования – самобытие, эти работы были связаны с идеями времени, смерти, жизненных циклов, небесными мотивами и семейной историей. Лишь в последующие три-четыре года образ города, ранее присутствовавший лишь на периферии его картин, вышел на первый план. В те годы Каллат называл городскую улицу своим университетом, видя в ней указания на вечные темы жизни, которые оставались подтекстом его работ и обретали форму в различных медиа. "Другие индийские художники до него экспериментировали с международными стилями, такими как поп-арт (в частности, Джоти Бхатт и Бхупен Хакар) и эклектика постмодернизма (например, Гуламмохаммед Шейх и Атул Додия), но никому не удалось так успешно превратить текстуры и поверхности городской Индии в разрушение живописного пространства", – отмечал художник, галерист и содиректор Nature Morte Питер Нагги в эссе "Джитиш Калат: парень XXI века". "Некоторые фрагменты полотен Каллата выглядят так, будто их оставили под дождем в сезон муссонов, другие – обожжены неумолимым солнцем. Работы обычно кажутся старше, чем они есть на самом деле, словно состариваются сразу после создания, подобно множеству предметов и людей на всем субконтиненте. Истертые и истерзанные поверхности создают поле для погружения образов, которые, в свою очередь, подвергаются обработке и деформации различными способами. Все это вместе создает произведения, которые тесно связаны с мизансценой художника и одновременно комментируют уникальные особенности его родины. Деградация, искажение, разрушение и возрождение культуры и истории стали темами для Каллата благодаря умелому обращению как с содержанием, так и с техникой". Творчество Каллата также развивалось в ответ на музейные коллекции, как, например, в проектах "Field Notes, (Tomorrow was here yesterday) (2011)" в Музее доктора Бхау Даджи Лад в Мумбаи, за который он был номинирован на премию Skoda в 2012 году, или "Circa" в Музее Яна Поттера в Мельбурне. В обоих проектах многие его излюбленные темы обрели форму и структуру в диалоге с музеем, который он рассматривал как инфраструктуру знаков и одновременно как поле стимулов и смыслов. Часто работы, начинающиеся с личной истории или автобиографического импульса, материализуются в форме, где "я" остается невидимым в пространстве произведения, и его можно проследить, изучая различные серии работ. Например, тема времени может быть представлена в виде даты в работах, таких как Public Notice 3, где два исторических момента накладываются друг на друга, как палимпсест, или в работах, таких как Epilogue, где каждая луна, которую видел его отец за свою жизнь, превращается в лабиринт полноты и пустоты, а образ луны трансформируется в форму трапезы. Каллат работает с различными медиа, включая живопись, крупномасштабные скульптурные инсталляции, фотографию и видеоарт. Картины Каллата затрагивают проблему живописи в эпоху господства масс-медиа, пишет арт-дилер и коллекционер Амрита Джавери в книге "Путеводитель по 101 современному и современному индийскому художнику". "Используя изображения из газет и журналов, рекламных щитов, обоев и граффити, его работы богаты слоями и метафорами. Каллат изобрел новую живописную поверхность, имитирующую изображение на экране телевизора или компьютерного монитора, со всеми его полосами и аурой".

Having received his BFA in painting in 1996, Kallat had his debut solo exhibition titled "PTO" at Chemould Prescott Road. His large format paintings and drawings already had in them the themes that would recur throughout his work until today. With the self at the centre of an unfolding narrative, these paintings were connected to ideas of time, death, cycles of life, references to the celestial, and familial ancestry. It was only in the next three or four years that an image of the city, otherwise seen at the margins of his paintings, began to take centre stage. In those days Kallat referred to the city street as his university, often carrying within it pointers to the perennial themes of life that have remained a subtext to his work that have taken form in diverse media. "Other indigenous painters before him had flirted with international styles such as Pop (most notably Jyothi Bhatt and Bhupen Khakhar ) and the mix and match of Postmodernism (namely Gulammohammed Sheikh and Atul Dodiya), but no one had turned the textures and surfaces of urban India into the fracture of painting quite so successfully," noted artist, gallerist, and co director of Nature Morte, Peter Nagy in an essay titled "Jitish Kallat: 21st Century Boy". "Parts of Kallat's canvases appear as if they had been left outdoors during the monsoon season, other sections seem blistered and scorched by the unrelenting sun. The works usually appear much older than they actually are, aged as soon as they are born, not unlike all manner of objects and people through the subcontinent. The distressed and tortured surfaces create a field in which to submerge images while the images themselves are processed and mutilated in a variety of ways. All of which combine to create works that both participate intimately with the artist's mise en scene and comment upon the unique idiosyncrasies of his home. Degradation, bastardisation, the destruction and retrieval of culture and history became Kallat's subjects through the astute handling of both subject matter and technique." Kallat’s work has also developed in response to museum collections in the case of projects such as "Field Notes, (Tomorrow was here yesterday) (2011)" at the Dr Bhau Daji Lad Museum, Mumbai, for which he was shortlisted for The Skoda Prize in 2012, or "Circa," at the Ian Potter Museum in Melbourne. Both these projects had several of his recurring preoccupations find their form and structure in conversation with the museum viewed both as an infrastructure of signs but equally a field of stimuli and meaning. Often works which begin with a private narrative or an autobiographical impulse might be materialized in a form where the self remains invisible within the space of the artwork and could often be traced back by observing several bodies of work alongside each other. The theme of time, for instance, could be rendered as date in works such as Public Notice 3, where two historical moments are overlaid like a palimpsest or in works such as Epilogue, every moon that his father saw in his lifetime becomes a labyrinth of fullness and emptiness with the image of the moon morphing with the form of a meal. Kallat is known for working with a variety of media, including painting, large scale sculpture installations, photography, and video art. Kallat's paintings address the problem of painting in an age dominated by mass media, writes art dealer and collector, Amrita Jhaveri, in A Guide to 101 Modern & Contemporary Indian Artists. "Using images from newspapers and magazines, advertising billboards, wallpaper and graffiti, his works are richly layered and replete with metaphor. Kallat has reinvented the painted surface to mimic the appearance of a television still or a computer monitor, complete with its surface striations and auras."