Ясумаса Моримура: Искусство перевоплощения и идентичности.

Введение

Японский художник Ясумаса Моримура (森村泰昌, Моримура Ясумаса, родился 11 июня 1951 года) – современный японский художник, работающий в жанрах перформанса и апроприации, чьи работы охватывают фотографию, кино и живые выступления. Он известен своей реинтерпретацией узнаваемых произведений искусства и фигур из истории искусства, истории и массовой культуры посредством принятия образов, выходящих за рамки национальных, этнических, гендерных и расовых границ. В своих фотографических и перформативных сериях Моримура исследует ряд взаимосвязанных тем, включая природу идентичности и её способность к изменениям, постколониализм, авторство и западный взгляд на Японию – и Азию в целом – как на нечто женственное. Изначально намереваясь направить свою творческую энергию в черно-белую натюрмортную фотографию, Моримура испытывал трудности с определением своей идентичности и решил визуализировать эту внутреннюю борьбу через автопортреты. В 1985 году «Портрет (Ван Гог)» стал первым из десятков автопортретов, созданных Моримурой, в которых он принимал роль известных художников, выдающихся исторических личностей, знаменитых икон поп-культуры и узнаваемых персонажей из известных произведений искусства. С 1980-х годов художественный процесс Моримуры включает в себя строгую систему, в которой он преобразует всё своё тело в почти точную копию выбранного персонажа, используя сложные костюмы, макияж, реквизит и декорации. После того как цифровая фотография и программное обеспечение для компьютерной обработки стали более доступными и совершенными в конце 1990-х годов, работы Моримуры демонстрируют большую визуальную сложность в манипулировании композицией, освещением и количеством изображаемых фигур в одном произведении. На протяжении последних двух с половиной десятилетий Моримура оживляет своих персонажей в коротких видео, фильмах и живых выступлениях, в которых выражает их мысли через движение и написанные монологи.

Ранняя жизнь и образование (1951-1978)

Ясумаса Моримура родился в Осаке, Япония, в 1951 году в семье Нобуо (умер в 2006 году) и Хироко (умерла в 2016 году). После завершения американской оккупации Японии в 1952 году Моримура вырос в поколении, которое восприняло западные ценности и культурные тенденции, определившие послевоенную эпоху в Японии. Постоянное знакомство с западными, особенно американскими, социокультурными обычаями в музыке, кино и моде впоследствии повлияло на его художественные поиски в 1980-х годах. В середине 1970-х годов Моримура поступил в Киотский городской университет искусств, где в 1978 году получил степень бакалавра изобразительных искусств. Во время учебы у него проявился интерес к фотографии после курса, который вел фотограф журнала Life Y. Ernest Satow (1927–1990). Сатов преподавал о современных западных эстетических идеалах фотографии и методах съемки, особенно на примере работ французского фотографа-гуманиста Анри Картье-Брессона.

Ранняя карьера (1978-1988)

После окончания учебы Сатоу нанял Моримуру в качестве ассистента фотографа. Благодаря этому опыту Моримура создал свои первые произведения искусства – черно-белые натюрморты, снятые преимущественно в помещении. В их числе серия «Barco negro na mesa» начала 1980-х годов. Однако он добавил новый уровень креативности, фотографируя скульптурные композиции, созданные из найденных предметов. Одной из таких работ стала «Tabletop City (Arch of Triumph)» (1984) – вертикальная фотографическая композиция, в которой вилка занимает центральный план, опираясь на конический стеклянный стакан с лампочкой внутри. Тщательная аранжировка найденных предметов Моримуры становилась все более сложной, что видно на фотографии высокой, стройной башни, собранной из игральных костей, вырезанных букв и окрашенной доски. В 1985 году Моримура обратился к автопортрету, задумавшись о природе своей азиатской идентичности. Вспоминая мотивы этого тематического выбора, Моримура припомнил вопросы, которые он задавал себе тогда: «Кто я? У меня азиатское лицо, но я все больше живу в западном стиле? Могу ли я сказать, что я японец?». С этого момента Моримура начал размышлять о том, может ли смена одежды действительно заставить человека почувствовать себя совершенно другим. В 1985 году Моримура создал свои первые автопортреты, в которых изобразил художника-импрессиониста Винсента ван Гога и его модель Камиль Рулен. Эти фотореалистичные интерпретации картин ван Гога стали первым случаем, когда Моримура бросил вызов изменчивости формирования идентичности. Впоследствии, в 1985 году, Моримура вместе с художниками Томоаки Исихара и Хироси Кимура принял участие в групповой выставке «Smile with Radical Will» в галерее 16 в Киото, где впервые представил свои автопортреты ван Гога и Рулен. Важным моментом в карьере Моримуры стал 1988 год, когда он создал «Портрет (Футаго)» – современную интерпретацию скандальной картины Эдуарда Мане «Олимпия» 1863 года. Моримура поместил себя в роли как обнаженной белой Олимпии, так и ее чернокожей служанки, заменив часть окружения отчетливо японскими атрибутами, такими как постельное белье с изображением золотых журавлей и фигурка манэки-нэко (кошка, которая, как считается, символизирует удачу). Замена Моримурой белых и черных женских образов своим мужским азиатским телом была значима как подрыв работы, считающейся краеугольным камнем канона западноевропейского искусства. Фотография затрагивает вопросы мужского взгляда и объективации женского тела, одновременно высвечивая незнание неевропейских субъектов в истории искусства. Занимая роли двух единственных фигур, Моримура делает себя неизбежным объектом для наблюдения. Искусство Моримуры привлекло всемирное внимание после того, как его пригласили представить свои автопортреты от Японии на 43-й Венецианской биеннале в секции Aperto. Возможность участия в этой престижной международной художественной ярмарке быстро вознесла Моримуру до статуса мировой иконы искусства, что вскоре привело к его участию в десятках групповых и персональных выставках по всей Азии, Северной Америке, Европе и Австралии в конце 1980-х и на протяжении 1990-х годов.

Following graduation, Satow hired Morimura to work as a photography assistant. Through this employment experience, Morimura produced his first artworks which were black and white still life images mainly shot indoors. These encompassed his Barco negro na mesa series from the early 1980s. However, he incorporated an additional layer of creativity through his photographs of sculptural assemblages he designed from found objects. One of these works, Tabletop City (Arch of Triumph) (1984), is a vertical photographic composition in which a fork occupies the center plane as it leans against a conical glass with a light bulb inside of it. Morimura's careful arrangement of found objects grew more complex as seen in a photograph he took of a tall, slender tower made from dice, cut out letters, and a painted board. In 1985, Morimura shifted his attention to self portraiture after he contemplated the precise nature of his Asian identity. Reflecting on the motivations behind this thematic approach, Morimura recalled the questions he raised at this moment: “Who am I? My face is Asian, but I am increasingly living in a western style? Can I say I am Japanese?”. From here, Morimura began to question if a change in clothing could truly make a person feel like someone completely different. Morimura created his first self portraits in which he portrayed the Impressionist painter Vincent van Gogh and his sitter Camille Roulin in 1985. These photorealistic engagements with van Gogh's paintings marked the first instance of Morimura challenging the malleability of identity formation. Subsequently, Morimura participated with fellow artists Tomoaki Ishihara and Hiroshi Kimura in a three person group exhibition at Kyoto's Galerie 16 in 1985, Smile with Radical Will, where he first exhibited his van Gogh and Roulin self portraits. A watershed moment in Morimura's career occurred in 1988 when he created Portrait (Futago), a modern recreation of Édouard Manets's controversial 1863 painting Olympia. Morimura positions himself in the roles of both the reclining white Olympia figure and her black maidservant and he replaces part of the surroundings with distinctly Japanese attributes as seen in the golden crane bed linens and the maneki neko (“beckoning cat” figure said to symbolize good luck). Morimura supplanting both the white and black female subjects with his male Asian body was significant for its subversion of a work considered a staple of the Western Art History canon. The photograph addresses the issues of the male gaze and objectification of the female body, and it simultaneously brings to light the ignorance toward nonwhite subjects in Art History. By occupying the roles of the two sole figures, Morimura renders himself unavoidable for viewers to observe. Morimura's art attracted global attention after he was invited to exhibit his self portraits for Japan at the 43rd Venice Biennale in their Aperto section. The opportunity to participate in this prestigious international art fair rapidly catapulted Morimura's status to world art icon that soon led to his participation in dozens of group and solo exhibitions throughout Asia, North America, Europe, and Australia at the end of the 1980s and throughout the 1990s.

Карьерный успех и развитие (1988-2000)

Хотя Венецианская биеннале 1988 года ознаменовала официальный международный старт карьеры Моримуры, его персональная выставка 1990 года «Дочь истории искусства», представленная в выставочном пространстве Сагачо в Токио, принесла ему известность в японском художественном мире. Тема выставки была сосредоточена на критике Моримурой канона истории искусства, где он деконструировал западные представления об эстетической красоте и исследовал давний интерес Японии к западной культуре. Успех «Дочери истории искусства» был повторно реализован в последующих выставках, наиболее заметно в 1999 году в галерее Luhring Augustine в Нью-Йорке. «Японское искусство после 1945 года: крик против неба» – передвижная выставка, проходившая в музее Гуггенхайма, Йокогамском музее искусств и Музее современного искусства Сан-Франциско с 1994 по 1995 год. Как первый исторический обзор авангардного японского искусства после 1945 года, выбор Моримуры в качестве участника этой знакомой выставки привлек внимание художественной и культурной прессы. Художественный критик New York Times Холланд Коттер назвал Моримуру «звездой», а Марк Стивенс из New York Magazine отметил его способность эффективно сочетать «язык, образ, культуру и объект» в своей работе «Игра с богами (ночь)» (1991). С 1994 по 1996 год Моримура создал серию «Актриса», в которой изобразил американских и европейских актрис середины XX века и киноперсонажей в японских локациях. В «Автопортрете – Актриса по образу Джоди Фостер 2» (1996) Моримура создает образ проститутки Джоди Фостер из фильма «Таксист» (1976), сидя на красном стуле в токийском переулке, заваленном пачками сигарет. Однако Моримура не ограничивал своих «актрис» фотографией, а воплощал свои роли в жизнь посредством живых выступлений и короткометражного фильма. В 1995 году Моримура снял видео, на котором камера показывает огромный аудиторный зал Ясуда в кампусе Комаба Токийского университета, где студенты сидят за партами и готовятся к лекции профессора. Не зная об этом, Моримура появляется в костюме Мэрилин Монро (которую он называет «Актриса М»), начинает бегать, кричать и жестикулировать, а затем встает на парту впереди аудитории. Моримура принимает позу, имитирующую знаменитое выступление Монро в фильме «Зуд седьмого года» (1955). Хотя он играл роль белой американской актрисы, это выступление было одновременно отсылкой и косвенным воссозданием печально известной дискуссии правого писателя Юкио Мисимы с левой студенческой группой Дзэнкёто, которая состоялась в том же аудиторном зале 13 мая 1969 года. Моримура признался, что не изучал это событие в деталях, но постоянно упоминал, что театрально выразительная оппозиция Мисимы «культурской кастрации» и потребительству Японии побудила его задуматься о важности подлинности искусства в японском контексте. В качестве комментария к яростной оппозиции Мисимы воспринимаемой феминизации Японии в послевоенную эпоху Моримура решил переосмыслить событие с противоположной точки зрения узнаваемого женского образа и символа популярного медиапотребления – Мэрилин Монро. В рамках подготовки к выставке в Музее искусств Йокогамы «Болезнь красоты – Автопортрет в образе актрисы» (апрель 1996 г. – июнь 1996 г.) Моримуру попросили сняться в короткометражном фильме, который стал частью экспозиции, посвященной его недавней серии «Актриса». Экспериментальный режиссер Такаси Ито снял фильм «Аппарат М» (1996), в котором Моримура играет Мэрилин Монро. Фильм демонстрировался в классическом кинотеатре, расположенном в выставочном пространстве музея, чтобы подчеркнуть связь Монро с кинокультурой золотого века Голливуда. Для коллекции осень-зима 1996–7 японский модельер Исси Мияке пригласил Моримуру создать дизайн для печати на одежде из первой коллаборации Мияке «Художники-гости». Манифест Мияке заключался в создании одежды, предлагающей «интерактивные отношения между искусством и человеком, который им восхищается», и Моримура предоставил Мияке коллажи, воспроизводящие обнаженную картину Ингреса 1856 года «Источник», и автопортреты, на которых он изображен перевернутым и драпированным в красный тюль. Другой дизайн изображал обнаженную Моримуру, выходящую из-за вырезанной в натуральную величину фигуры «Источника».

Although the 1988 Venice Biennale was responsible for officially launching Morimura's career on an international scale, his 1990 solo exhibition Daughter of Art History at the Sagacho Exhibit Space in Tokyo led to his popularity within the Japanese art world. The exhibition's theme centered on Morimura's critique of the Art History canon in which he deconstructed Western notions of aesthetic beauty, and examined Japan's longstanding interest in Western culture. The success of Daughter of Art History was later revived in future exhibitions, most notably in 1999 at Luhring Augustine Gallery in New York. Japanese Art After 1945: Scream Against the Sky was a traveling exhibition held at the Guggenheim, Yokohama Museum of Art, and San Francisco Museum of Modern Art from 1994 to 1995. As the first historical survey of Post 1945 avant garde Japanese art, Morimura's selection as a participant in this landmark exhibition attracted positive attention from arts & culture publications. The New York Times art critic Holland Cotter lauded Morimura as a “star” and New York Magazine's Mark Stevens highlighted his ability to effectively cross fertilize “language, image, culture, and object” in his Playing with Gods (Night) (1991). From 1994 to 1996, Morimura produced his Actress series in which he portrays mid 20th Century American and European actresses and film characters situated in Japanese locales. In Self Portrait – Actress After Jodie Foster 2 (1996), Morimura fashions himself after Jodie Foster's prostitute character from Taxi Driver (1976) while seated on a red stool in an urban Tokyo alleyway littered with packets of cigarettes. However, Morimura did not only restrict his Actress subjects to still photography as he breathed life into his roles through both live performance and a short film. In 1995, Morimura had a video recorded in which the camera shows the massive Yasuda Auditorium classroom at Tokyo University's Komaba campus as students sit at their desks and prepare for their professor's lecture. Unbeknownst to them, Morimura arrives dressed as Marilyn Monroe (who he refers to as “Actress M”) and proceeds to run around shouting and gesticulating before standing atop a desk at the front of the room. Morimura strikes a pose that mimics Monroe's famous performance in The Seven Year Itch (1955). Although he was in character as a white, female American actress, the performance was both a reference to and an indirect recreation of the right wing writer Yukio Mishima's infamous debate with the left wing student group Zenkyōtō that occurred in the same auditorium on May 13, 1969. While Morimura admitted he did not research the event in great detail, he has continually referenced how Mishima's theatrically expressive opposition to the “cultural castration” and consumerism of Japan moved him to consider the importance of art's authenticity in a Japanese context. As a commentary on Mishima's vehement opposition to the perceived feminization of Japan in the Post World War II era, Morimura decided to reinterpret the event from the polar opposite standpoint of a recognizably female subject and symbol of popular media consumption, Marilyn Monroe. In preparation for the Yokohama Museum of Art's exhibition The Sickness Unto Beauty – Self portrait as Actress (April 1996 – June 1996), Morimura was commissioned to appear in a short film as part of the show's focus on his recent Actress series. The experimental filmmaker Takashi Itoh directed Apparatus M (1996) that features Morimura as Marilyn Monroe. The film was screened in a classic style theater venue contained within the museum's exhibition space to evoke the connections between Monroe and the filmgoing culture of the Golden Age of Hollywood. For Fall Winter 1996–7, the Japanese fashion designer Issey Miyake invited Morimura to create a design to be printed on garments from Miyake's first "Guest Artists" collaboration. Miyake's manifesto was to produce clothing offering an “interactive relationship between art and the person who admires it,” and Morimura provided Miyake with collages reproducing Ingres's 1856 nude painting La Source, and self portraits showing himself inverted and draped in red tulle. Another design showed the nude Morimura emerging from behind a life sized cutout of La Source.

Карьера (2000 - настоящее время)

Начиная с конца 1990-х годов, достижения в области цифровых камер и компьютерных технологий предоставили Моримуре более широкий спектр творческих инструментов для визуальной манипуляции и изменения его портретных композиций и внешности изображаемых объектов, таких как Photoshop. Существует множество примеров работ, в которых Моримура вставлял свое лицо на негуманоидные объекты. "Поющие подсолнухи" (1998) – цветная фотография, основанная на натюрморте Винсента ван Гога "Подсолнухи" (1888), сохраняющая ту же самую композицию из цветов, цветовую палитру и интерьер, что и в оригинальной картине. Однако Моримура цифровым способом воспроизводит свое лицо, помещая его на каждую головку подсолнуха под разными углами. Параллельно со своим творчеством, Моримура был назначен профессором в Международном исследовательском центре искусств Киотского университета искусств и дизайна в период с 2004 по 2006 год. Вместе с художниками Хироси Сендзю и Тацуо Миядзимой он был отобран в качестве художника-резидента, которому было поручено обучать стипендиатов в области изобразительного искусства университетского уровня. Целью программы было стимулирование нового поколения художественного производства в Киото, которое можно было бы представить миру. Серия "Реквием" Моримуры (2006) ознаменовала значительный сдвиг в содержании его автопортретов. Проявляя глубокий интерес к современной японской и мировой истории, Моримура обратился к конкретным историческим личностям и тому, как их власть и влияние формировали окружающую их страну. Это стало кратким отходом от типичных для Моримуры женских образов и сюжетов, связанных с историей искусства, поскольку он решил изображать мужские фигуры: японского правого писателя и политического агитатора Юкио Мисиму, актера Чарли Чаплина в пародийной роли Адольфа Гитлера из фильма "Великий диктатор" (1940), аргентинского революционера Че Гевары и китайского коммунистического лидера Мао Цзэдуна. В декабре 2012 года было официально объявлено, что Моримура выбран художественным директором триеннале искусства в Йокогаме в 2014 году. В 2016 году Моримура представил свой первый полнометражный фильм "Эго Симпозиум". Возвращаясь к темам, связанным с историей искусства, которые он исследовал в 1980-х – 2000-х годах, Моримура воплощает роли одиннадцати выдающихся художников из канона истории искусства: Энди Уорхола, Фриды Кало, Винсента ван Гога, Иоганна Вермеера, Диего Веласкеса, Яна ван Эйка, Леонардо да Винчи, Альбрехта Дюрера, Микеланджело Меризи да Караваджо, Рембрандта ван Рейна и Луизы Виже Лебрен. Эта работа с движущимся изображением состоит из виньеток, в которых каждый из художников произносит драматический монолог о природе самобытности, идентичности и их связи с творчеством. В качестве юмористического высказывания о себе, Моримура заявляет в начале, что Марсель Дюшан будет упомянут, но поскольку он придерживается мнения, что отсутствие является доказательством существования, то сегодня он к нам не присоединится; вместо него Моримура вводит себя в качестве персонажа и модератора встречи одиннадцати художников. Подобно кинематографическому формату "Эго Симпозиума", "Nippon Cha Cha Cha!" (2018) – это мультимедийная работа, сочетающая в себе кино и живое театральное представление. Моримура изображает разнообразный набор персонажей, анализируя, как американская культура формирует идентичность Японии после окончания союзной оккупации в 1952 году. В ролях император Сёва Хирохито, генерал Дуглас Макартур, актриса Мэрилин Монро и писатель Юкио Мисима, работа представляет собой смесь исторических и автобиографических отсылок. В одной из сцен фильма Моримура воссоздает историческую фотографию встречи между императором Хирохито и генералом Макартуром, но переносит место действия с резиденции американского посла в дом своего детства и чайную лавку родителей. Эти сцены должны были отразить понимание Моримурой сложной взаимосвязи между влиянием Америки на японскую культуру и тем, как это привело к его внутреннему конфликту относительно того, что значит быть "японцем" в XX и XXI веках. Хотя искусство Моримуры было представлено на десятках групповых и персональных выставках по всему миру с момента его публичного дебюта в 1980-х годах, ретроспективная выставка его творчества в The Japan Society, "Yasumasa Morimura: Ego Obscura" (октябрь 2018 – январь 2019), стала его первой персональной выставкой в институциональном пространстве в Нью-Йорке и получила всеобщее признание критиков и публикаций, таких как The New York Times, The Brooklyn Rail, Hyperallergic и The Eye of Photography.

Starting in the late 1990s, advancements in digital camera and computer technology permitted Morimura a broader range of creative tools to visually manipulate and alter his portrait compositions and subjects’ appearances such as Photoshop. There are multiple examples of works in which Morimura inserted his countenance onto non human subjects. Singing Sunflowers (1998) is a color photograph print based on Vincent van Gogh's still life Sunflowers (1888) in that it retains the exact same floral arrangement, color palette, and interior space from the original painting. However, Morimura digitally replicates his face to appear on each of the sunflowers’ heads at different angles. In tandem with his art, Morimura was appointed as a professor at Kyoto University of Art and Design's International Research Center for the Arts from 2004 to 2006. Alongside the artists Hiroshi Senju and Tatsuo Miyajima, he was selected as an artist in residence in which he was tasked with educating University level visual arts fellows. The intent of the program was to foster a new generation of artistic production in Kyoto that could be shared with the rest of the world. Morimura's Requiem series (2006) denoted a significant shift in the content of his self portraits. With an embedded interest in Modern Japanese and world history, Morimura was attracted to specific historical figures and how their power and influence shaped their national surroundings. This marked a brief departure from Morimura's typically female and Art History rooted subjects in that he chose to portray masculine figures: Japanese right wing writer and political agitator Yukio Mishima, actor Charlie Chaplin as a parodic Adolf Hitler from The Great Dictator (1940), Argentine revolutionary Che Guevara, and Chinese Communist leader Mao Zedong. In December 2012, a formal announcement revealed that Morimura was selected as the artistic director of the 2014 installment of the Yokohama Triennale art festival. Morimura debuted his first feature length film, Ego Symposium, in 2016. Returning to the Art History laden content of his work from the 1980s to the 2000s, Morimura embodies the roles of eleven distinguished artists from the Art History canon: Andy Warhol, Frida Kahlo, Vincent van Gogh, Johannes Vermeer, Diego Velazquez, Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Albrecht Durer, Michelangelo Merisi da Caravaggio, Rembrandt van Rijn, and Louise Vigee Le Brun. This moving image work consists of vignettes in which each of the artists deliver a dramatic monologue on the nature of selfhood, identity, and how it relates to their artistry. As a humorous statement on self, Morimura expresses in the opening that Marcel Duchamp will be referenced but that “ because Mr. Duchamp is of the opinion that absence is a testament to existence, he will not be joining us today”; in his place, Morimura inserts himself as both a character and the moderator of the meeting between the eleven artists. Similar to Ego Symposium’s filmic format, Nippon Cha Cha Cha! (2018) is a multimedia work that combines film and live theatrical performance. Morimura portrays a diverse set of characters in an assessment of how Japan’s identity is shaped by American culture following the end of the Allied Occupation in 1952. As Showa Emperor Hirohito, General Douglas MacArthur, actress Marilyn Monroe, and writer Yukio Mishima, the work is a blend of historical and autobiographical references. During one of the film’s scenes, Morimura recreates the historic photograph of the meeting between Emperor Hirohito and General MacArthur but switches the original location from the American ambassador’s residence to his childhood home and parents’ tea shop. These scenes were intended to signify Morimura's understanding of the complex relationship between America's influence on Japanese culture and how it led to his internal conflict as to what it means to identify as “Japanese” in the 20th and 21st Centuries. Although Morimura's art has been the subject of dozens of group and solo exhibitions around the world since his public debut in the 1980s, the 2018 retrospective of his career at The Japan Society, Yasumasa Morimura: Ego Obscura (October 2018 – January 2019), was his first institutional solo exhibition in New York and was met with all around praise by art critics and publications, from The New York Times and The Brooklyn Rail, to Hyperallergic and The Eye of Photography.

Личная жизнь

В настоящее время Моримура живет и работает в родном городе Осака и женат на Тошими Такахаре.

Стиль и содержание

Как художник перформанса и художник, работающий с присвоением, искусство Моримуры определяется его принятием на себя личностей известных художников, персонажей произведений искусства, исторических фигур и икон поп-культуры. Чтобы воплотить идентичность своих ролей, Моримура воссоздает эти образы с помощью сложного грима и реквизита, а затем помещает их в обстановку, связанную с этими личностями, или в места, совершенно чуждые им. В работе «Исследование Вермеера: Великая история из угла маленькой комнаты» (2004) представлено точное воспроизведение интерьера и фигур из картины «Искусство живописи» голландского художника-барокко Йоханнеса Вермеера (1666–1668). Воссоздавая персонажей из картин, Моримура воспроизводит точные детали поверхности и текстуру мазков, свойственные оригинальным произведениям. Основанный на знаменитом автопортрете Винсента ван Гога (1889), лицо Моримуры покрыто пятнами и следами золотисто-желтой краски, а его одежда содержит смеси зеленой и синей краски, дополняющие закрученные сине-зеленые формы на заднем плане; эта фотографическая постановка перекликается с живописной техникой импасто ван Гога. Часто искусствоведы и критики описывают его автопортреты как форму пародии. Фотография «Автопортрет: Белая Мэрилин 2» (1996) часто приводится в качестве примера этой характеристики, поскольку Моримура носит блонд парик и белое платье, визуально напоминающие прическу и гардероб Мэрилин Монро, и воспроизводит ее знаменитую сцену из фильма «Семь лет зуда» (1955), где ее героиня смущенно пытается удержать платье, взлетающее над коленями.

Темы

Исследование идентичности – главная, всеобъемлющая тема, определяющая искусство Моримуры, включающая анализ множественных пересекающихся идентичностей: этнической принадлежности, национальности, гендера и сексуальности, расы и т.д. В серии «Актриса» (1994–1996) Моримура изобразил себя в образах американских и европейских актрис: Одри Хепберн, Марлен Дитрих, Джоди Фостер, Брижит Бардо, Мэрилин Монро и других. Эта серия бросила вызов концепции мужского взгляда, поскольку Моримура намеренно вводил свою мужскую японскую идентичность в фотографические реконструкции образов всемирно известных белых киноикон. Постоянное обращение к канону истории искусства, постколониализм и феминизация Азии – сквозные темы, которые сохраняются в его творчестве. Представление о Японии и Азии как о феминизированном пространстве было распространено в евро-американской культуре XIX века и основывалось на гендерных бинарных оппозициях для объяснения различий между западной и восточной культурами: западная цивилизация демонстрировала мужское доминирование благодаря мощному военно-промышленному комплексу и империалистическим амбициям, в то время как Азия считалась бессильной, бедной и слабой, но при этом положительно воспринималась как экзотическая благодаря своему исконному искусству, декору и моде. Две версии «Олимпии» Эдуарда Мане (1863), созданные Моримурой с разницей в тридцать лет, исследуют наследие постколониализма и исторический взгляд на Азию как на женщину. «Портрет (Футаго)» (1988) подрывает западный мужской взгляд, изображая белую лежащую Олимпию и ее чернокожую служанку в образах японского мужчины, занимающего их места. «Современная Олимпия» (2018) расширяет границы первой интерпретации картины Мане, превращая Олимпию в японскую женщину, облаченную в атрибуты гейши – исторический западный стереотип и мифологизированный символ японской женственности. Чернокожую служанку заменяет европеец в элегантной черной шляпе и перчатках, преподносящий гейше букет цветов. Мужчина, стоящий за гейшей, ставит под вопрос насильственные последствия мужского взгляда, как буквальную объективацию женщин, так и символическое «изнасилование» японской культуры.

Identity exploration is the main, overarching theme that predominates the scope of Morimura's art, and it encompasses an analysis of multiple identities that often intersect within works: ethnicity, nationality, gender & sexuality, race, etc. In his Actress series (1994 – 1996), Morimura depicted himself as a number of American and European actresses: Audrey Hepburn, Marlene Dietrich, Jodie Foster, Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, et al. This series challenged the notions of the male gaze as Morimura purposefully inserts his male Japanese identity into photographic recreations of world famous white, female cinema icons. Through his continual engagement with the Art History canon, postcolonialism and the feminization of Asia are recurring themes that have persisted. The association of Japan and Asia as a feminized space was a 19th Century Euro American perception that utilized gendered binaries to explain the differences between Western and Eastern cultures: Western civilization demonstrated masculine dominance for its massive military industrial complex and imperialist ambitions, whereas Asia was deemed powerless, poor, and weak, but viewed positively as exotic for its indigenous art, decoration, and fashion. Completed thirty years apart, Morimura's two versions of Edouard Manet's Olympia (1863) both examine the legacies of postcolonialism and the historic view of Asia as female. Portrait (Futago) (1988) degrades the Western male gaze through the portrayal of the white reclining Olympia and her black maidservant with that of a male Japanese figure in their positions. Une Moderne Olympia (2018) further pushes the boundaries on Morimura's first redesign of the Manet painting in which he now transforms Olympia into a Japanese woman with the accoutrements of a geisha, a historic Western stereotype and mythologizing signifier of Japanese womanhood. The black maidservant is replaced with a European man donning an elegant black top hat and matching gloves as he presents the geisha with a bouquet of flowers. The encroaching male behind the geisha interrogates the violent implications of the male gaze as both a literal objectification of women and a figurative raping of Japanese culture.