Даниэль Грэм: Художник, теоретик и куратор

Введение

Американский художник (1942–2022), ловец из Высшей бейсбольной лиги

Дэниел Грэм (31 марта 1942 года – 19 февраля 2022 года) – американский художник-визуалист, писатель и куратор, работавший в традиции художников-писателей. Помимо своих визуальных работ, он опубликовал множество критических и теоретических текстов, охватывающих широкий спектр тем – от эссе по теории искусства и рецензий на рок-музыку до анализа картин Дуайта Д. Эйзенхауэра и телевизионного шоу Дина Мартина. Его раннее искусство, созданное для журналов, предшествует концептуальному искусству, но часто с ним ассоциируется. В более поздних работах он фокусировался на культурных явлениях, используя фотографию, видео, перформанс, инсталляции из стекла и зеркал, а также системы видеонаблюдения замкнутого цикла. Он жил и работал в Нью-Йорке.

Детство и начало карьеры

Дэн Грэм родился в Урбане, штат Иллинойс, в семье химика и психолога-педагога. Когда ему было три года, Грэм переехал из Иллинойса в Винфилд Тауншип, штат Нью-Джерси, а затем в соседний Уэстфилд. Лабиринт в Скульптурном саду Миннеаполиса – одна из его работ. Другие работы Грэма включают «Побочные эффекты / Распространенные препараты» (1966) и «Detumescence» (1966). После этого Грэм расширил свою концептуальную практику, обратившись к скульптуре, перформансу, кино и видео, включая, возможно, его самые известные работы – «Rock My Religion» (1984) и «Performer/Audience/Mirror» (1975). Его инсталляции, такие как «Public Space/Two Audiences» (1976) или «Yesterday/Today» (1975), послужили дальнейшим импульсом для работы над павильонами для внутреннего и внешнего пространства. Его многочисленные концептуальные павильоны, в том числе «Двустороннее зеркало с живой изгородью-лабиринтом» (1989) и «Двустороннее зеркало и открытый деревянный экран в форме треугольного павильона» (1990), способствовали росту его популярности как художника. Первым скульптурным проектом Грэма стало кафе «Браво» в Институте современного искусства Kunst Werke в Берлине. После лекции в Берлинском университете искусств Клаус Бисенбах пригласил Грэма разработать павильон для Kunst Werke, который он основал, и оказал помощь Грэму в реализации этого проекта.

Влияния

В публикации Сары Лерер Грайвер "Pep Talk" в 2009 году Грэм представил список "Работы художников и архитекторов, оказавших на меня влияние" (в алфавитном порядке): Майкл Ашер, Ларри Белл, Флавин, Ицуко Хасегава, Левитт, Рой Лихтенштейн, Роберт Мангольд, Брюс Науман, Клас Олденбург, Кадзуо Шинохара, Майкл Сноу, Мис ван дер Роэ и Роберт Вентури. Писатель Брайан Уоллис отмечал, что работы Грэхема "свидетельствовали о глубокой вере в силу настоящего момента, [он] стремился постичь послевоенную американскую культуру посредством новаторских форм аналитического исследования, фактического графического репортажа и квазинаучных картографирований пространственно-временных связей". На творчество Грэхема повлияли социальные перемены, вызванные движением за гражданские права, войной во Вьетнаме, женской эмансипацией и многими другими культурными сдвигами. Эти значимые события и изменения в истории оказали влияние на концептуальное искусство и минимализм. В своих ранних фотографиях и гравюрах Грэм демонстрировал преимущественно минималистическую эстетику. Его оттиски с числовыми последовательностями, словами, графиками и изображениями ярко отражают его минималистические черты. Поздние работы приобрели выраженный концептуальный характер и исследуют взаимосвязь между внутренним и внешним пространством, а также восприятие зрителя при изменении привычных границ.

Фотография

Вскоре после ухода из галереи Джона Дэниелса, Грэм начал серию фотографий, начатую в 1960-х годах и продолжавшуюся до начала XXI века. О своей работе в журналах Грэм говорил: «В 60-е годы в воздухе витала идея победы над денежной стоимостью, поэтому я решил помещать вещи на страницы журналов, где они были бы одноразовыми и не имели бы ценности. И это было гибридное решение, поскольку работа представляла собой сочетание художественной критики и эссе: страница журнала как самостоятельное произведение искусства». Эти фотографии ставят под вопрос взаимосвязь между общественной и частной архитектурой, а также то, как каждое из этих пространств влияет на поведение. Некоторые из его первых концептуальных работ были посвящены различным формам печатного искусства, использующим числовые последовательности. В 1965 году Грэм начал снимать цветные фотографии для своей серии «Дома для Америки». Все фотографии были сделаны частных домов в американских пригородах. Эта фотосерия, одно из первых произведений искусства, использующих пространство текста, была опубликована в виде двухстраничной публикации в журнале Arts Magazine. «Статья» представляет собой сборник текстов, включающий его фотографии. Эти фотографии также были отобраны для выставки «Проектируемое искусство» в Музее искусств колледжа Финча. В 1969 году Грэм сосредоточился на перформансе и кино, исследуя социальную динамику зрителей и вовлекая их в процесс, что привело к созданию фотосерии длиной 80 футов под названием «От заката до рассвета».

Спектакль, фильм и видео

С конца 1960-х до конца 1970-х Грэм перешел к практике, в основном основанной на перформансе, активно используя фильм и новый медиум видео в своих систематических исследованиях кибернетики, феноменологии и воплощения. В 1969 году он создал свой первый фильм «Закат до восхода», в котором камера движется навстречу солнцу, инвертируя течение времени. Эта работа является ключевой для его кинематографического творчества начала 1970-х годов, в котором он исследовал «субъективные, временные процессы» посредством перцептивных и кинетических упражнений, используя камеру как продолжение своего тела и вовлекая в процесс субъективность зрителя. Другие его фильмы этого периода включают «Два коррелированных вращения» (1969), «Ролл» (1970) и «Body Press» (1970–72), все три демонстрируют взаимодействие двух камер или сопоставление двух фильмов. «Ролл» (1970) представлял собой перформативное упражнение в феноменологии, схожее с ранними фильмами Брюса Наумана. В «Body Press», где обнаженный мужчина и женщина стоят спиной друг к другу в цилиндре, облицованном вогнутыми зеркалами, снимая себя и свои искаженные отражения, зеркальный образ становится важной темой для Грэма, которую он будет активно исследовать в своих перформансах, видеоработах и последующих архитектурных проектах. Грэм утверждал, что его работы являются «моделями для определения границ идеи репрезентации, как условных границ, которые неизбежно определяют ситуацию между художником и зрителем», и его перформансы 1970-х годов подчеркивают этот реляционный подход. В этих работах Грэм явно ссылался на теории структурной лингвистики, особенно на работы Жака Лакана. Перформанс Грэма «Два проекции сознания» (1972) подчеркивает его увлечение феноменологическими аспектами релятивности, используя отражающие возможности видеообратной связи. В этом перформансе женщина сидит перед монитором, на котором отображается ее изображение с живой видеокамеры, удерживаемой мужчиной за монитором, и пытается описать свои сознательные мысли, в то время как мужчина описывает ее, наблюдая через камеру. Эта работа представляет собой эксперимент в области самовосприятия и репрезентации, модулируемый множеством зеркальных агентов – собственным изображением женщины на мониторе, «образом» ее, описанным мужчиной, а также осознанием аудитории обоими участниками. В своих текстах Грэм выразил интерес к деконструкции разделения между внутренним намерением и видимым поведением, возникающего при взгляде на свое отражение в зеркале, и предложил видеообратную связь как техническое и концептуальное средство для достижения этой цели. Многие перформансы Грэма стремятся продемонстрировать и использовать спонтанное взаимодействие между мыслью и выражением, внутренним и внешним, расширяя это разрушение барьеров до дихотомии исполнителя и аудитории, частного и публичного. Наиболее сложным исследованием этой темы является перформанс «Исполнитель/Зрители/Зеркало» (1977), в котором он стоял между большим зеркалом и аудиторией, описывая себя, аудиторию, свое отражение и отражение аудитории в последовательных фазах непрерывного комментария. Развивая темы, затронутые в «Двух проекциях сознания», эта работа вовлекает аудиторию в собственный цикл обратной связи самовосприятия. Грэм создал ряд видео, документирующих его перформансы, таких как «Прошлое/Будущее/Разделенное внимание» (1972), в котором разговор двух знакомых превращается в какофонию одновременной речи и перебиваний. Другим важным примером задокументированного перформанса является «Performance/Audience/Mirror» (1975). Грэм также интегрировал видео в инсталляции, создавая среды, в которых видеотехнологии используются для изменения телесного опыта зрителя. В 1974 году он создал инсталляцию «Комната временной задержки» («Time Delay Room»), состоящую из серии видео, использующих телевизионные камеры с замкнутым контуром и временной задержкой, а также видеопроекции. Наконец, Грэм снял ряд видеодокументальных фильмов, таких как «Rock My Religion» (1983–84) и «Minor Threat» (1983). «Rock My Religion» (1984) исследует рок-музыку как форму искусства и проводит параллель между ней и развитием религии шейкеров в Соединенных Штатах. Он наблюдал за изменениями в верованиях и суевериях в религии шейкеров с XVIII века и сопоставил их с развитием рок-культуры. Фильм получил широкое распространение и был показан как в институциональных, так и в контркультурных пространствах по всей Европе и США, включая галерею Lisson, Auto Italia South East, Музей американского искусства Уитни и Музей современного искусства Château de Montsoreau. «Minor Threat» документирует молодежную культуру, окружающую одноименную группу. В нем Грэм анализирует социальные последствия этой субкультуры, рассматривая ее «как племенной ритуал, катализатор насилия и фрустрации преимущественно мужской, подростковой аудитории».

From the late 1960s into the late 70's, Graham shifted toward a largely performance based practice, incorporating film and the new medium of video in his systematic investigations of cybernetics, phenomenology, and embodiment. In 1969, he made his first film Sunset to Sunrise, in which the camera moves opposite to the course of sun, inverting the progression of time. This piece is emblematic of his filmic work that would extend into the early 1970s, in which he would explore “subjective, time based processes” through perceptual, kinetic exercises, using the camera as an extension of his body and implicating the subjectivity of the viewer. His other films from this period include Two Correlated Rotations (1969), Roll (1970), and Body Press (1970–72), all three featuring the interaction of two cameras or the juxtaposition of two films. Roll (1970) was a performance exercise in phenomenology similar to Bruce Nauman's early films. Body Press, in which a naked man and woman stand back to back in a cylinder lined with concave mirrors filming themselves and their distorted reflections, introduces the mirrored image as a prominent theme for Graham, which he would explore extensively in his performance and video practice as well as his later architectural work. Graham stated that his works are “models to define the limits of an idea of representation as the conventional limits which necessarily define the situation between the artist and spectator,” and his performances in the 1970s foreground this relational approach. In these works Graham explicitly invoked theories of structural linguistics, especially the work of Jacques Lacan. Graham's 1972 performance piece Two Consciousness Projections underscores a preoccupation with phenomenological aspects of relationality, utilizing the reflective capacities of video feedback. In the performance, a woman sits in front of a monitor displaying her image from the live feed of a video camera held by a man behind the monitor and attempts to narrate her conscious mind, while the man describes her as he watches through the camera. This work presents an experiment in self perception and representation, modulated by numerous mirroring agents—the woman's own image on the monitor, the “image” of her depicted by the man, as well as both performers’ awareness of the audience. In his own writings, Graham articulated an interest in deconstructing the divisions between interior intention and visible behavior formed when looking at one's reflection in a mirror, and proposed video feedback as both a technical and conceptual means by which to achieve this. Many of Graham's performance pieces work to exhibit and exploit the spontaneous interaction between thought and expression, inside and outside, extending this dissolution of barriers to dichotomies of performer and audience, private and public. Graham's most complex interrogation of this is the performance Performer/Audience/Mirror (1977), in which he stood between a large mirror and an audience, describing himself, the audience, his reflection, and the audience's reflection in sequential phases of continuous commentary. Expanding upon the themes in Two Consciousness Projections, this work implicates the audience in their own feedback cycle of self perception. Graham produced a number of videos that documented his performance works, such as the 1972 Past Future Split Attention, in which the conversation of two acquaintances becomes a cacophony of simultaneous speech and interruption. One other major example of a documented performance by Graham Performance/Audience/Mirror (1975). Graham also incorporated video into installations, where he created environments in which video technology is used to alter the viewer's own bodily experience. In 1974, he created an installation with a series of videos called "Time Delay Room", which used time delayed Closed circuit television cameras and video projections. Lastly, Graham produced a number of video documentaries, such as Rock My Religion from (1983–84) and Minor Threat (1983). Rock My Religion (1984) explores rock music as an art form and draws a parallel between it and the development of the Shaker religion in the United States. He observed the changes in beliefs and superstitions in the Shaker religion since the 18th century, and related them to the development of rock culture. The film has been distributed widely, and has included screenings at both institutional and counter cultural venues across Europe and the U. S., including Lisson Gallery, Auto Italia South East, Whitney Museum of American Art, and Château de Montsoreau Museum of Contemporary Art. Minor Threat documents the youth culture surrounding the band of the same name. In it, Graham analyses the social implications of this subculture, treating it "as a tribal rite, a catalyst for the violence and frustration of its predominantly male, teenage audience."

Павильоны

Говорят, что некоторые работы Грэхема размывают грань между скульптурой и архитектурой. Начиная с 1980-х годов, Грэм работал над серией отдельно стоящих скульптурных объектов, называемых павильонами. Популярность Грэхема возросла после того, как он начал создавать «прогулки в павильонах», и он получил заказы по всему миру. Его павильоны – это скульптуры из стали и стекла, создающие иное пространство, дезориентирующее зрителя, отрывая его от привычной обстановки или восприятия пространства. Они сделаны из нескольких огромных стеклянных панелей или зеркал, либо из полузеркального стекла, которое одновременно отражает и пропускает свет. Деревянные решетки и сталь – другие материалы, наиболее часто используемые в его работах. Центр визуальных искусств MIT называет его павильоны строго концептуальными, уникально красивыми и подчеркнуто общественными. Павильоны создают уникальный опыт для зрителя. Его павильоны созданы для публичного восприятия. Его павильоны объединяют архитектуру и искусство. Работы Дэна Грэхема на тему павильонов сравнивают с работами Рюэ Нисизавы и Кадзуё Седзимы над Музеем современного искусства XXI века в Каназаве. Стеклянная стена сооружения отражает и искажает свет, подобно скульптурам Грэхема. Говорят, что слоистая, но лаконичная природа этих работ очень напоминает стиль Грэхема. Конструкции схожи в своем исследовании пространства и света. В 1981 году Грэм начал работу над десятилетним проектом в Нью-Йорке. Работа «Two Way Mirror Cylinder Inside Cube and Video Salon» была частью проекта «Рooftop Urban Park». Грэм работал над этим произведением в сотрудничестве с архитекторами Моджед Баратлу и Клифтоном Балчем. Этот прозрачный и отражающий павильон превратил крышу дома 548 West 22nd Street в парк на крыше. Павильон захватывает окружающий ландшафт и изменения света, создавая интенсивный визуальный эффект в сочетании с небом. «Двусторонний зеркальный цилиндр внутри куба» и «Видео салон» стали одними из самых известных работ в его художественной карьере. После многочисленных заказов в Европе «Детский павильон» (1988–93) стал первым проектом, реализованным Грэхэмом в Соединенных Штатах. В сотрудничестве с Джеффом Уоллом павильон представляет собой концептуальную работу, посвященную детям страны. Это круглая комната с зенитом, который одновременно прозрачен и отражает свет, позволяя зрителям снаружи заглянуть внутрь. Вокруг комнаты расположены девять фотографий Уолла, на которых изображены дети разных национальностей и этнических групп. Каждый ребенок показан по пояс и снят снизу на фоне неба. На каждом снимке Уолл выбирает разное небо. В 1991 году Центр современного искусства Witte de With попытался реализовать павильон в районе Оммоорд в Роттердаме, но план был окончательно отменен в 1994 году. К связанным работам относятся «Детский павильон (Chambre d'Amis)» (1986), «Павильон для скейтбордистов» (1989) и «Дом развлечений для детей Сент-Янслейна» (1997–99). В 2014 году на крыше Метрополитен-музея в сотрудничестве со швейцарским ландшафтным архитектором Гюнтером Вогтом была создана временная инсталляция Грэхема под названием «Hedge Two Way Mirror Walkabout» (2014). Павильон состоит из S-образной кривой, выполненной из слегка отражающего стекла, с двух сторон ограниченной параллельными живыми изгородями из плюща. Позже Грэм сотрудничал с британским дизайнером Фиби Фило, чтобы создать S-образный павильон из стали и стекла, в котором она представила свою коллекцию весна-лето 2017 года.

Some of Graham's artworks are said to blur the line between sculpture and architecture. From the 1980s on, Graham worked on an ongoing series of freestanding, sculptural objects called pavilions. Graham's popularity grew after he started his walk in pavilions and he received commissions all over the world. His pavilions are steel and glass sculptures which create a different space which disorients the viewer from his or her usual surroundings or knowledge of space. They are made of a few huge panes of glass or mirror, or of half mirrored glass that is both reflective and transparent. Wooden lattice and steel are other materials most commonly used in his work. The List Visual Arts Center at MIT calls his pavilions rigorously conceptual, uniquely beautiful, and insistently public. The pavilions create a unique experience for the viewer. His pavilions are created for the public experience. His pavilions combine architecture and art. Dan Graham's pavilion works have been compared to Ryue Nishizawa and Kazuyo Sjima's work on the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa. The glass wall of the structure reflects and distorts light much like Graham's sculptures. The layered, but simplistic quality is said to be very much like Graham's. The structures are similar in their study of space and light. In 1981, Graham started work on a decade long project in New York City. The work Two Way Mirror Cylinder Inside Cube and Video Salon was part of the Rooftop Urban Park Project. Graham worked on the piece in collaboration with architects Mojdeh Baratloo and Clifton Balch. This transparent and reflective pavilion transformed the roof of 548 West 22nd Street into a rooftop park. The pavilion captures the surrounding landscape and changes of light creating an intense visual effect with the sky. The Two Way Mirror Cylinder Inside Cube and Video Salon has become one of his most well known works throughout his art career. After numerous commissions in Europe, the Children's Pavilion (1988–93) was the first piece Graham was commissioned to do in the United States. A collaboration with Jeff Wall, the pavilion is a conceptual piece relating to the children of the nation. It is a circular shaped room with an oculus that is both transparent and reflective at the top, so the viewers on the outside of the building could look inside as well. Wall's nine circular framed photographs of children belonging to many nationalities and ethnic backgrounds surround the room. Each child is shown half length and viewed from below against the background of a sky. In each image Wall chooses a different sky. In 1991, the Witte de With Center for Contemporary Art attempted to realise the pavilion in Rotterdam's Ommoord district; the plan was eventually abandoned in 1994. Related works include Children's Pavilion (Chambre d'Amis) (1986), Skateboard Pavilion (1989), and Funhouse for the Children of Saint Janslein (1997–99). In 2014, a temporary installation by Graham called Hedge Two Way Mirror Walkabout (2014) was created on the roof of the Metropolitan Museum of Art in collaboration with the Swiss landscape architect Günther Vogt. The pavilion consists of an S shaped curve of slightly reflective glass, bookended by two parallel ivy hedgerows. Later, Graham worked with the British fashion designer Phoebe Philo to create an S shaped steel and glass pavilion in which to show her spring/summer 2017 collection.