Японская гравюра Сосаку Ханга: Искусство самовыражения

Введение

Японское художественное движение

Сосаку ханга (創作版画) — это художественное течение гравюры на дереве, возникшее в Японии в начале XX века. Оно подчеркивало роль художника как единственного творца, движимого стремлением к самовыражению, и пропагандировало принципы искусства, основанного на самостоятельном создании работы: «самостоятельное рисование» (自画 jiga), «самостоятельная гравировка» (自刻 jikoku) и «самостоятельная печать» (自摺 jizuri). В отличие от параллельного движения син-ханга («новые гравюры»), которое сохраняло традиционную систему сотрудничества укиё-э, где художник, гравер, печатник и издатель разделяли труд. Рождение движения сосаку ханга ознаменовала небольшая гравюра Канаэ Ямамото (1882–1946) «Рыбак» в 1904 году. Отходя от системы сотрудничества укиё-э, Ямамото самостоятельно создал эту гравюру: нарисовал эскиз, вырезал доску и отпечатал изображение. Эти принципы – «самостоятельное рисование», «самостоятельная гравировка» и «самостоятельная печать» – стали основой движения, которое боролось за существование в довоенной Японии и получило мощный импульс и расцвет в послевоенной Японии, став истинным наследником традиции укиё-э. Однако на практике различие между сосаку ханга и другими течениями не всегда было четким. Например, один из ведущих художников, Косиро Ончи, заказывал гравировку таким мастерам, как Ямагиси Кадзуэ, и печать своим ученикам, например, Джуничиро Сэкино, для создания своих работ. На Биеннале искусств в Сан-Паулу в 1951 году движение творческой гравюры добилось успеха. Оба японских победителя, Ямамото и Киёси Сайто (1907–1997), были гравёрами, опередившими японскую живопись (нихонга), живопись западного стиля (йога), скульптуру и авангард. Другие художники сосаку ханга, такие как Косиро Ончи (1891–1955), Унъити Хирацука (1895–1997), Садао Ватанабэ (1913–1996) и Маки Хаку (1924–2000), также хорошо известны на Западе.

Истоки и ранние годы

Движение творческой печати стало одним из множества проявлений возвышения личности после десятилетий модернизации. В художественных и литературных кругах на рубеже веков появились выражения "я". В 1910 году в эссе "Зелёное солнце" Котаро Такамуры (1883–1956) поощрялось индивидуальное выражение художников: "Я стремлюсь к абсолютной свободе в искусстве. Следовательно, я признаю безграничный авторитет индивидуальности художника. Даже если два-три художника нарисуют "зелёное солнце", я никогда не буду их критиковать, ведь я сам могу видеть зелёное солнце". В 1912 году Нацуме Сосеки (1867–1916) в работе "Бунтен и творческое искусство" (Bunten to Geijutsu) утверждал, что "искусство начинается с выражения себя и заканчивается выражением себя". Эти два эссе положили начало интеллектуальной дискуссии о "Я", которая немедленно нашла отклик в художественной среде. В 1910 году был впервые опубликован ежемесячный журнал "Белая берёза" (Shirakaba), ставший важнейшим изданием, формировавшим мировоззрение эпохи Тайсё. В том же году молодые художники организовали первую выставку журнала. "Белая берёза" также спонсировала выставки западного искусства. На заре своего развития движение сосаку-ханга, как и многие другие – шин-ханга, футуризм и пролетарское искусство, – боролось за выживание, экспериментировало и искало свой голос в художественной среде, где доминировали традиционные виды искусства, пользовавшиеся признанием Бунтена (Японской художественной академии). В целом, ханга (включая шин-ханга) не достигло статуса западной масляной живописи (йога) в Японии. Ханг рассматривался как ремесло, уступающее живописи и скульптуре. Гравюры укиё-э всегда считались лишь репродукциями для массового коммерческого потребления, в отличие от европейского взгляда на укиё-э как на искусство, во время расцвета японизмов. Художникам сосаку-ханга было невозможно зарабатывать на жизнь, занимаясь исключительно творческой печатью. Многие из тех, кто впоследствии прославился, например, Косиро Ончи (также известный как отец движения творческой печати), работали иллюстраторами книг и резчиками по дереву. Лишь в 1927 году ханга была принята Тейтеном (бывшим Бунтеном). В 1935 году были разрешены факультативные занятия по ханге.

The creative print movement was one of the many manifestations of the rise of the individual after decades of modernization. In both artistic and literary circles, there emerged at the turn of the century expressions of the "self". In 1910, Kōtarō Takamura's (1883–1956) "A Green Sun" encouraged artists' individual expression: "I desire absolute freedom of art. Consequently I recognize the limitless authority of individuality of the artist Even if two or three artists should paint a "green sun", I would never criticize them for I myself may see a green sun". In 1912, in "Bunten and the Creative Arts" (Bunten to Geijutsu), Natsume Sōseki (1867–1916) states that "art begins with the expression of the self and ends with the expression of the self". These two essays marked the beginning of the intellectual discussion of the "self", which immediately found echo in the art scene. 1910 witnessed the first publication of a monthly magazine called White Birch (Shirakaba), the most important magazine shaping the thought of the Taishō period. Aspiring young artists organized its first exhibition in the same year. Shirakaba also sponsored exhibitions of Western art. In its formative years, the sōsaku hanga movement, like many others such as the shin hanga, futurism and proletarian art movements, struggled to survive, experiment and find a voice in an art scene dominated by those mainstream arts that were well received by the Bunten (Japan Art Academy). Hanga in general (including shin hanga) did not achieve the status of Western oil paintings (yōga) in Japan. Hanga was considered a craft that was inferior to paintings and sculptures. Ukiyo e woodblock prints had always been considered as mere reproductions for mass commercial consumption, as opposed to the European view of ukiyo e as art, during the climax of Japonisme. It was impossible for sōsaku hanga artists to make a living by just doing creative prints. Many of the later renowned sōsaku hanga artists, such as Kōshirō Onchi (also known as the father of the creative print movement), were book illustrators and wood carvers. It was not until 1927 that hanga was accepted by the Teiten (the former Bunten). In 1935, extracurricular classes on hanga were finally permitted.

Военное время

Военные годы с 1939 по 1945 год стали временем глубоких перемен для движения творческой печати. Общество Первого четверга, сыгравшее ключевую роль в послевоенном возрождении японской гравюры, было основано в 1939 году из числа людей, ежемесячно собиравшихся в доме Косиро Ончи в Токио для обсуждения вопросов гравюры на дереве. Первыми членами были Ген Ямагучи (1896–1976) и Джунъитиро Сэкино (1914–1988). Американские знатоки Эрнст Хакер, Уильям Хартнетт и Оливер Статлер также посещали собрания и способствовали возрождению интереса к японской гравюре на Западе. В 1944 году была создана коллекция "Первый четверг" (Итимоку шю) – собрание отпечатков, которые участники обменивались друг с другом. В трудные военные годы, когда ресурсы были ограничены и действовала строгая цензура, группа предоставляла возможность для товарищеского общения, художественного обмена и вдохновения.

Послевоенное творческое печатное движение

Возрождение японской гравюры совпало с возрождением Японии после Второй мировой войны. Во время оккупации островов американские солдаты и их жены покупали и коллекционировали японские гравюры в качестве сувениров. Можно сказать, что японские гравюры стали одним из элементов послевоенного экономического восстановления. С целью продвижения "демократического искусства" американская поддержка перешла от более традиционного шин-ханга к современному сосаку-ханга. Абстрактное искусство было запрещено военным правительством во время войны, но после войны художники, такие как Косиро Ончи, полностью обратились к абстракции. К 1950 году абстракция стала основным направлением в движении творческой гравюры, а японские гравюры воспринимались как подлинное сочетание восточного и западного искусства. Биеннале в Сан-Паулу 1951 года стало первым послевоенным участием Японии в международной выставке. Известные художники, такие как Шико Мунаката (1903–1975) и Наоко Мацубара (род. 1937), работали в традиции народного искусства (минге) и проводили персональные выставки в Соединенных Штатах.

Современные японские гравюры

Современные японские гравюры отличаются богатым разнообразием тем и стилей. Тетсуя Нода (род. 1940) использует фотографию и передает повседневность в своих гравюрах, создавая их в форме фотодневников. Художники, такие как Маки Хаку (1924–2000) и Шинода Токо (1913–2021), сочетают каллиграфию и абстрактную экспрессию, создавая поразительно красивые и умиротворяющие изображения. Садао Ватанабе работал в традиции минге (народного искусства), объединяя буддийские образы и мотивы западного христианства в своих уникальных гравюрах на библейские сюжеты. Начиная с 1960-х годов, грань между изящным и коммерческим искусством стала стираться. Художники, работающие в жанрах поп-арт и концептуального искусства, сотрудничают с профессиональными техниками, открывая безграничные возможности для новаторства.