Введение

Бурхан Доганчай (11 сентября 1929 – 16 января 2013) – турецко-американский художник. Доганчай наиболее известен тем, что на протяжении полувека изучал стены в разных городах мира, используя их в своем творчестве.

Биография

Бурхан Доганчай родился в Стамбуле, Турция, и получил художественное образование у своего отца, Адиля Доганчая, и Арифа Каптана, обоих известных турецких художников. В юности Доганчай играл в футбольной команде «Генчлербирлиги». В 1950 году он окончил юридический факультет Анкарского университета. Обучаясь в Парижском университете с 1950 по 1955 год, где получил докторскую степень по экономике, он посещал занятия по искусству в Академии де ла Гранд Шомьер. В этот период он регулярно рисовал и участвовал в нескольких групповых выставках. Вскоре после возвращения в Турцию он принял участие во многих выставках, включая совместные выставки с отцом в клубе любителей искусства в Анкаре. После недолгой карьеры на государственной службе (в дипломатической сфере), которая привела его в Нью-Йорк в 1962 году, Доганчай в 1964 году решил полностью посвятить себя искусству и сделать Нью-Йорк своим постоянным местом жительства. Он начал искать вдохновение и материалы для своих коллажей и ассамбляжей на улицах Нью-Йорка. Он стал сомневаться в возможности зарабатывать на жизнь как художник. Томас М. Мессер, директор Музея Соломона Р. Гуггенхайма на протяжении 27 лет, оказал значительное влияние на Доганчая, убеждая его остаться в Нью-Йорке и принять вызовы города. В 1970-х годах Доганчай начал путешествовать в рамках своего фотодокументального проекта «Стены мира». Он познакомился со своей будущей женой, Анджелой, на венгерском балу в отеле «Пьер» в Нью-Йорке. В 2006 году картина Доганчая «Троянский конь» была подарена турецким правительством ОЭСР в Париже. Последние восемь лет своей жизни Доганчай жил и работал, чередуя свои студии в Нью-Йорке и Тургутрейсе, Турция. Он умер в возрасте 83 лет в январе 2013 года.

Художественный вклад

С начала 1960-х годов Доганчай был очарован городскими стенами и выбрал их в качестве своей темы. Он считал их барометром общества и свидетельством течения времени, отражающим эмоции города, часто выдерживающим натиск стихии и следы, оставленные людьми. Это началось, по словам Доганчая, когда что-то привлекло его внимание во время прогулки по 86-й улице в Нью-Йорке:

«Это была самая красивая абстрактная картина, которую я когда-либо видел. Там были остатки плаката и текстура стены с небольшими участками теней, исходящими из ее поверхности. Цвет был преимущественно оранжевым, с небольшими вкраплениями синего, зеленого и коричневого. А еще там были следы дождя и грязи». Как путешественник по городам, на протяжении полувека он составлял карты и фотографировал стены в различных городах по всему миру. В этом контексте городские стены служат документами соответствующего климата и духа времени, шифрами социальных, политических и экономических изменений. Важная часть внутренней сути его работы – это намек на то, что ничто не является тем, чем кажется. Искусство Доганчая – это искусство стены, и поэтому его источники вдохновения реальны. Следовательно, его вряд ли можно назвать абстрактным художником, хотя при первом знакомстве многие его работы кажутся абстрактными. В подходе Доганчая ключевыми являются последовательный характер исследования и возвышение характерных элементов до уровня орнаментальных узоров. В рамках этого он формулирует последовательное развитие стратегий деколажа – по сути, реконтекстуализированную деконструкцию позиций, связанных с новыми реалистами. Доганчай, возможно, начинал как простой наблюдатель и летописец стен, но быстро научился выражать в своих работах широкий спектр идей, чувств и эмоций. Его видение продолжало расширяться, подстегиваемое как содержанием, так и техникой.

Стены мира

В середине 1970-х годов Доганчай приступил к тому, что он считал второстепенным проектом: фотографировать городские стены по всему миру. Эти фотографии, которые Доганчай назвал «Стены мира», являются архивом нашего времени и источником вдохновения для его картин, также отражающих современность. В центре внимания его «энциклопедического» подхода находились исключительно структуры, знаки, символы и изображения, которые люди оставляют на стенах. Здесь он увидел весь спектр человеческого существования в одном мотиве, без каких-либо культурных, расовых, политических, географических или стилистических ограничений. Доганчай точно определил суть своего исследования, сказав: «Стены – зеркало общества». Тщательность исполнения Доганчая, его радикальное тематическое самоограничение и одержимость запечатлением того, что его больше всего интересовало, сопоставимы с работами других «документалистов», таких как Август Сандер (портреты) и Карл Блоссфельдт (растения). Его работы – это не случайные снимки, а детальные сегментации поверхностей, тонкие исследования материалов, цветов, структур и света, иногда напоминающие монохромии в своей радикальной лаконичности. Со временем этот проект приобрел значимость и глубину; за четыре десятилетия он пополнился примерно 30 000 изображений из более чем 100 стран на пяти континентах. В 1982 году изображения из архива были представлены на персональной выставке в Центре Жоржа Помпиду в Париже, после чего экспозиция переместилась в Пале де Бель-Арт в Брюсселе и Музей современного искусства в Монреале.

Живопись и коллаж

Основным ингредиентом его работы являются плакаты и предметы, собранные со стен, а предпочтительной техникой Доганчая является преимущественно «коллаж» и в некоторой степени «фумаж». Доганчай воссоздает облик городских рекламных щитов, стен, покрытых граффити, а также сломанных или заброшенных входов, таких как окна и двери, в различных сериях. Единственными мастерами, с которыми он себя сравнивает, являются Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс из последнего героического периода искусства, частью которого он был. Однако Доганчай всегда предпочитал воспроизводить фрагменты поверхности стены в их взаимосвязи, в том виде, в котором он их находил, с минимальной коррекцией цвета или положения, а не деконструировать или произвольно сочетать их, как это делал Раушенберг. В значительной степени его практика представляет собой симуляцию в духе документирования, осуществляемую с точки зрения коллекционера, а не собирателя. Во многих случаях его картины вызывают ощущение упадка и разрушения города, отчужденности, ощущение, что городская жизнь находится в руинах и вышла из-под контроля, и не может быть восстановлена. Живописные фрагменты часто отрываются от первоначального контекста и перекомпоновываются в новые, порой загадочные сочетания. Его сложное и последовательно экспериментальное живописное творчество варьируется от фотографического реализма до абстракции, от поп-арта до материального образа/монтажа/коллажа. В 1970-х и 1980-х годах он получил известность благодаря своей интерпретации городских стен в своей фирменной серии «Ленты», состоящей из чистых полос бумаги и их теневых каллиграфических образов. Они контрастируют с его коллажными работами на основе рекламных щитов, такими как «Серия конусов», «Серия дверей» или «Стены Александра». Эти ярко-интенсивные, криволинейные ленточные формы, кажется, вырываются из плоских, однотонных фонов. Изящные лентовидные формы приобретают трехмерный эффект, особенно благодаря подразумеваемым теням. Эта серия впоследствии породила скульптуры из алюкобонда – композитного алюминиевого материала, а также серию гобеленов «Обуссон».

Литография из тамаринды

В 1969 году Генри Гелдзалер, в то время руководитель отдела искусства XX века в Метрополитен-музее, получил для Доганкая стипендию в мастерской литографии Тамаринда в Лос-Анджелесе. Эта мастерская, основанная Джун Уэйн, была десятилетним проектом, в котором с 1960 по 1970 год приняли участие около семидесяти художников, включая Эда Рушу, Джима Дайна, Йозефа Альберса и Луизу Невелсон, и была задумана для популяризации литографии в США. Доганкай создал шестнадцать литографий, в том числе серию из одиннадцати оттисков под названием «Стены V». Они стали поворотным моментом в его творчестве, поскольку по сути представляют собой диалог с плоскостью. В мастерской, отчасти из-за специфики техники, он был вынужден отказаться от своего спонтанного подхода, вдохновленного его непосредственными сюжетами, в пользу графической организации работы. Эта навязанная дисциплина помогла ему создать впечатляющие новые эффекты, приведшие к более четким плоским областям и более ярким цветам в изображениях. Доганкай нашел новое соотношение между предметом и методом, что оказало глубокое влияние на его дальнейшее развитие как художника. Канон насыщенной тональности и сильного визуального воздействия остался для него выражением сущности городского противоречия, которым он стремится поделиться со зрителями.

Музей Доганчая

Музей Доганчая посвящен исключительно творчеству Бурхана Доганчая, а также, в меньшей степени, искусству его отца Адиля. Он представляет собой ретроспективный обзор различных творческих периодов художника, начиная с его студенческих работ и до его смерти, с экспозицией около 100 произведений. Основанный в 2004 году, Музей Доганчая в стамбульском районе Бейоглу рассматривается как первый музей современного искусства в Турции. Также упоминаются Израильский музей в Иерусалиме и Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге.