Оп-арт: Иллюзии и оптические эффекты в искусстве

Введение

Художественное направление

"оперативное искусство", как это используется в военной терминологии.

Оп-арт, сокращение от "оптическое искусство", – это стиль визуального искусства, использующий оптические иллюзии. Работы оп-арта обычно абстрактны, и многие из наиболее известных выполнены в чёрно-белой гамме. Как правило, они создают у зрителя впечатление движения, скрытых изображений, мерцающих и вибрирующих узоров, а также раздувания или искажения.

История

Иллюзионизм, сосредоточенный на восприятии расширенного пространства внутри плоской картины, встречается с самых ранних этапов истории искусства. Однако истоки оп-арта, в отношении графических эффектов и интереса к экзотическим оптическим иллюзиям, можно проследить в неоимпрессионизме, кубизме, футуризме, конструктивизме и дадаизме. Дивизионисты, группа художников-неоимпрессионистов, стремились увеличить кажущуюся яркость своих картин, используя оптику и оптические иллюзии. Ласло Мохоли-Надь создавал фотографический оп-арт и преподавал эту дисциплину в Баухаусе; один из его уроков заключался в том, чтобы студенты делали отверстия в карточках, а затем фотографировали их. Журнал Time ввел термин «оп-арт» в 1964 году в ответ на выставку Джулиана Станчака «Оптические картины» в галерее Марты Джексон, определяя им форму абстрактного искусства (в частности, нефигуративного искусства), использующую оптические иллюзии. Работы, которые сегодня классифицируются как «оп-арт», создавались за несколько лет до публикации статьи в журнале Time в 1964 году. Например, картина Виктора Вазарели «Зебры» (1938) полностью состоит из криволинейных черно-белых полос, не ограниченных контурными линиями. В результате полосы одновременно сливаются с окружающим фоном и как бы вырываются из него. Кроме того, ранние черно-белые «камуфляжные» панели, которые Джон МакХейл установил на выставке «This Is Tomorrow» в 1956 году, и его серия «Pandora» в Институте современного искусства в 1962 году демонстрируют черты прото-оп-арта. Мартин Гарднер представил оп-арт и его связь с математикой в своей колонке «Математические игры» в журнале Scientific American в июле 1965 года. В Италии Франко Григнани, изначально получивший образование архитектора, стал ведущей фигурой в графическом дизайне, где оп-арт или кинетическое искусство играли центральную роль. Его логотип Woolmark (запущенный в Великобритании в 1964 году) – вероятно, самый известный из всех его проектов. Возможно, оп-арт имеет более тесную связь с конструктивистской практикой Баухауса. Эта немецкая школа, основанная Вальтером Гропиусом, подчеркивала взаимосвязь формы и функции в рамках анализа и рациональности. Студентов учили сосредотачиваться на общем дизайне или всей композиции, чтобы создавать целостные произведения. Оп-арт также берет начало в технике trompe l'œil и анаморфозе. Установлены связи и с психологическими исследованиями, в частности, с теорией гештальта и психофизиологией. «Художники оп-арта смогли использовать различные явления, – пишет Поппер, – послеизображение и последовательное движение; интерференцию линий; эффект ослепления; неоднозначные фигуры и обратимую перспективу; последовательные цветовые контрасты и хроматические вибрации; а в трехмерных работах – различные точки зрения и наложение элементов в пространстве». С 1964 года Арнольд Шмидт (Arnold Alfred Schmidt) провел несколько персональных выставок своих крупных черно-белых оптических картин в галерее Terrain в Нью-Йорке.

Illusionism, focused on the perception of extended space within a flat picture, is found from the earliest points of art history. However, the antecedents of op art, in terms of graphic effects and concern for exotic optical illusions, can be traced back to Neo Impressionism, Cubism, Futurism, Constructivism and Dada. The Divisionists, a group of Neo Impressionist painters, attempted to increase the apparent luminosity of their paintings through recourse to optics and optical illusions. László Moholy Nagy produced photographic op art and taught the subject in the Bauhaus; one of his lessons consisted of making his students produce holes in cards and then photographing them. Time magazine coined the term op art in 1964, in response to Julian Stanczak's show Optical Paintings at the Martha Jackson Gallery, to mean a form of abstract art (specifically non objective art) that uses optical illusions. Works now described as "op art" had been produced for several years before Time's 1964 article. For instance, Victor Vasarely's painting Zebras (1938) is made up entirely of curvilinear black and white stripes not contained by contour lines. Consequently, the stripes appear to both meld into and burst forth from the surrounding background. Also, the early black and white "dazzle" panels that John McHale installed at the This Is Tomorrow exhibit in 1956 and his Pandora series at the Institute of Contemporary Arts in 1962 demonstrate proto op art tendencies. Martin Gardner featured op art and its relation to mathematics in his July 1965 Mathematical Games column in Scientific American. In Italy, Franco Grignani, who originally trained as an architect, became a leading force of graphic design where op art or kinetic art was central. His Woolmark logo (launched in Britain in 1964) is probably the most famous of all his designs. Op art perhaps more closely derives from the constructivist practices of the Bauhaus. This German school, founded by Walter Gropius, stressed the relationship of form and function within a framework of analysis and rationality. Students learned to focus on the overall design or entire composition to present unified works. Op art also stems from trompe l'œil and anamorphosis. Links with psychological research have also been made, particularly with Gestalt theory and psychophysiology. <blockquote>Op artists thus managed to exploit various phenomena," writes Popper, "the after image and consecutive movement; line interference; the effect of dazzle; ambiguous figures and reversible perspective; successive colour contrasts and chromatic vibration; and in three dimensional works different viewpoints and the superimposition of elements in space. From 1964, Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) had several solo exhibitions of his large, black and white shaped optical paintings exhibited at the Terrain Gallery in New York.

Отзывчивый глаз

В 1965 году, с 23 февраля по 25 апреля, в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка под названием «Отзывчивый глаз», организованная Уильямом С. Зайцем. Затем она гастролировала по Сент-Луису, Сиэтлу, Пасадене и Балтимору. На выставке были представлены разнообразные работы, включая минимализм Фрэнка Стеллы и Эллсворта Келли, плавную пластичность Александра Либермана, совместные проекты группы Anonima, а также произведения известных художников Войцеха Фангора, Виктора Вазарели, Джулиана Станцака, Ричарда Анускьевича, Вэнь Ин Цая, Бриджит Райли и Гетулио Альвиани. Выставка была посвящена перцептивным аспектам искусства, возникающим как из иллюзии движения, так и из взаимодействия цветовых сочетаний. Выставка пользовалась успехом у публики (её посетило более 180 000 человек), но вызвала неоднозначную реакцию у критиков. Критики расценили оп-арт как не более чем обман зрения, или трюки, вводящие глаз в заблуждение. Тем не менее, популярность оп-арта росла, и его изображения стали использоваться в различных коммерческих целях. Одним из первых фильмов Брайана де Палмы стал документальный фильм об этой выставке.

Черно-белый и фигура-земля

Оп-арт – это перцептивный опыт, связанный с функционированием зрения. Это динамичное визуальное искусство, возникающее из диссонанса в отношении фигуры и фона, который помещает эти две плоскости – передний и задний план – в напряженное и противоречивое сопоставление. Художники создают оп-арт двумя основными способами. Первый, наиболее известный метод, – это создание эффектов посредством узоров и линий. Часто эти картины выполнены в черно-белых тонах или оттенках серого (гризайль) – как в ранних работах Бриджит Райли, например, Current (1964), изображенной на обложке каталога The Responsive Eye. Здесь близко расположенные друг к другу на поверхности холста черно-белые волнистые линии создают нестабильное взаимодействие фигуры и фона. Гетулио Альвиани использовал алюминиевые поверхности, которые обрабатывал для создания световых узоров, меняющихся при перемещении зрителя (вибрирующие текстурные поверхности). Другая реакция заключается в том, что линии вызывают послеобразия определенных цветов из-за того, как сетчатка воспринимает и обрабатывает свет. Как демонстрирует Гете в своем трактате «Теория цветов», на границе между светом и тьмой возникает цвет, поскольку светлота и темнота являются двумя основными свойствами в его создании.

Цвет

Начиная с 1965 года Бриджит Райли начала создавать оп-арт на основе цвета; однако другие художники, такие как Джулиан Станчак и Ричард Анушкевич, всегда стремились сделать цвет главным элементом своих работ. Йозеф Альберс преподавал этим двум ведущим представителям школы "Функция цвета" в Йельском университете в 1950-х годах. Часто в работах колористов доминируют те же проблемы, связанные с движением фигуры и фона, но добавляется еще и элемент контрастных цветов, которые оказывают различное воздействие на зрение. Например, в "храмовых" картинах Анушкевича сопоставление двух резко контрастирующих цветов вызывает ощущение глубины в иллюзорном трехмерном пространстве, создавая впечатление, будто архитектурная форма вторгается в личное пространство зрителя.

Сходство с другими стилями искусства

Хотя оп-арт – это уникальный стиль, он имеет сходство с такими направлениями, как абстрактный экспрессионизм (живопись цветовых полей). Несмотря на то, что живопись цветовых полей не создает иллюзий, можно найти и общие черты. Очевидно, что оба стиля минималистичны: в них доминирует лишь несколько цветов и отсутствуют объекты или сюжеты. Эти стили способны вызывать эмоции, поскольку отсутствие четкого сюжета заставляет человеческий разум самостоятельно домысливать и интерпретировать увиденное. Холодные цвета обычно ассоциируются с грустью, а теплые – с радостью. Кроме того, оп-арт и живопись цветовых полей характеризуются эстетичностью и организованностью изображения.