Искусство современности: от 1940-х годов до наших дней

Введение

Искусство нашего времени – это искусство, созданное с 1940-х годов и по настоящее время.

Современное искусство – это искусство сегодняшнего дня, созданное во второй половине XX века или в XXI веке. Современные художники работают в мире, находящемся под влиянием глобализации, культурного разнообразия и технологического прогресса. Их искусство – это динамичное сочетание материалов, техник, концепций и сюжетов, продолжающее начатое в XX веке разрушение границ и стереотипов. Разнообразное и эклектичное, современное искусство в целом характеризуется отсутствием единого, объединяющего принципа, идеологии или направления ("изма"). Современное искусство является частью культурного диалога, затрагивающего более широкие контексты, такие как личная и культурная идентичность, семья, общество и национальность. В разговорной речи понятия "современное" и "актуальное" часто используются как синонимы, что приводит к путанице и смешению терминов "современное искусство" и "актуальное искусство" среди неспециалистов.

Область применения

Некоторые определяют современное искусство как искусство, созданное в течение "нашей жизни", признавая, что продолжительность жизни различна. Однако существует понимание, что это общее определение подвержено определенным ограничениям. Классификация "современного искусства" как особого вида искусства, а не просто общего прилагательного, восходит к началу модернизма в англоязычном мире. В Лондоне в 1910 году критик Роджер Фрай и другие основали Общество современного искусства как частную организацию для приобретения произведений искусства для размещения в публичных музеях. В 1930-х годах возникло несколько других учреждений, использующих этот термин, например, в 1938 году – Общество современного искусства Аделаиды (Австралия), а после 1945 года их число увеличилось. Многие, такие как Институт современного искусства в Бостоне, изменили свои названия, отказавшись от использования термина "современное искусство" в этот период, поскольку модернизм стал определяться как историческое художественное течение, и значительная часть "современного" искусства перестала быть "современным". Определение того, что считать современным, постоянно меняется, оно привязано к настоящему моменту, с датой начала, которая сдвигается вперед, и работы, приобретенные Обществом современного искусства в 1910 году, уже нельзя назвать современными. Ключевыми моментами, отметившими смену художественных стилей, считаются окончание Второй мировой войны и 1960-е годы. После 1960-х годов четких рубежей, по-видимому, не было, и определения "современного искусства" в 2010-х годах различаются и в основном неточны. Искусство последних 20 лет, скорее всего, будет включено, а определения часто охватывают работы, созданные примерно с 1970 года; "искусство конца XX и начала XXI века"; "как развитие и одновременно отрицание современного искусства"; "в строгом смысле, термин "современное искусство" относится к искусству, созданному художниками, живущими сегодня"; "искусство с 1960-х или 1970-х годов и до настоящего момента"; а иногда и более раннее, особенно в музейном контексте, поскольку музеи, формирующие постоянные коллекции современного искусства, неизбежно сталкиваются с проблемой устаревания экспонатов. Многие используют формулировку "Современное и актуальное искусство", чтобы избежать этой проблемы. Небольшие коммерческие галереи, журналы и другие источники могут использовать более строгие определения, возможно, ограничивая понятие "современного" работами, созданными после 2000 года. Художники, продолжающие плодотворно работать на протяжении долгой карьеры, и продолжающиеся художественные движения могут представлять особую проблему: галереи и критики часто не хотят разделять их творчество на современное и несовременное. Социолог Натали Эйних проводит различие между современным и актуальным искусством, описывая их как две различные парадигмы, частично пересекающиеся в истории. Она обнаружила, что если "современное искусство" бросает вызов условностям репрезентации, то "актуальное искусство" ставит под сомнение само понятие произведения искусства. Она считает "Фонтан" Дюшана (созданный в 1910-х годах, в период расцвета современного искусства) отправной точкой актуального искусства, которое получило импульс после Второй мировой войны благодаря перформансам Гутай, монохромам Ива Кляйна и рисунку Раушенберга "Стертая работа де Кунинга".

Some define contemporary art as art produced within "our lifetime", recognising that lifetimes and life spans vary. However, there is a recognition that this generic definition is subject to specialized limitations. The classification of "contemporary art" as a special type of art, rather than a general adjectival phrase, goes back to the beginnings of Modernism in the English speaking world. In London, the Contemporary Art Society was founded in 1910 by the critic Roger Fry and others, as a private society for buying works of art to place in public museums. A number of other institutions using the term were founded in the 1930s, such as in 1938 the Contemporary Art Society of Adelaide, Australia, and an increasing number after 1945. Many, like the Institute of Contemporary Art, Boston changed their names from ones using "Modern art" in this period, as Modernism became defined as a historical art movement, and much "modern" art ceased to be "contemporary". The definition of what is contemporary is naturally always on the move, anchored in the present with a start date that moves forward, and the works the Contemporary Art Society bought in 1910 could no longer be described as contemporary. Particular points that have been seen as marking a change in art styles include the end of World War II and the 1960s. There has perhaps been a lack of natural break points since the 1960s, and definitions of what constitutes "contemporary art" in the 2010s vary, and are mostly imprecise. Art from the past 20 years is very likely to be included, and definitions often include art going back to about 1970; "the art of the late 20th and early 21st century"; "both an outgrowth and a rejection of modern art"; "Strictly speaking, the term "contemporary art" refers to art made and produced by artists living today"; "Art from the 1960s or [19]70s up until this very minute"; and sometimes further, especially in museum contexts, as museums which form a permanent collection of contemporary art inevitably find this aging. Many use the formulation "Modern and Contemporary Art", which avoids this problem. Smaller commercial galleries, magazines and other sources may use stricter definitions, perhaps restricting the "contemporary" to work from 2000 onwards. Artists who are still productive after a long career, and ongoing art movements, may present a particular issue; galleries and critics are often reluctant to divide their work between the contemporary and non contemporary. Sociologist Nathalie Heinich draws a distinction between modern and contemporary art, describing them as two different paradigms which partially overlap historically. She found that while "modern art" challenges the conventions of representation, "contemporary art" challenges the very notion of an artwork. She regards Duchamp's Fountain (which was made in the 1910s in the midst of the triumph of modern art) as the starting point of contemporary art, which gained momentum after World War II with Gutai's performances, Yves Klein's monochromes and Rauschenberg's Erased de Kooning Drawing.

Темы

Современное искусство характеризуется разнообразием: разнообразием материала, формы, тематики и даже временных периодов. Оно "отличается именно отсутствием единого организующего принципа, идеологии или направления ("изма"), которое характерно для многих других художественных эпох и течений". Модернизм сосредоточен на самореференции. Импрессионизм исследует наше восприятие момента посредством света и цвета, в отличие от реализма, стремящегося к отражению суровой реальности. В отличие от этого, современное искусство не имеет единой цели или точки зрения, поэтому оно может быть противоречивым и оставаться открытым для интерпретаций. Тем не менее, в современном искусстве можно выделить несколько общих тем, таких как политика идентичности, тело, глобализация и миграция, технологии, современное общество и культура, время и память, а также институциональная и политическая критика.

Институты

Функционирование мира искусства зависит от художественных институтов, начиная от крупных музеев и заканчивая частными галереями, некоммерческими пространствами, художественными школами и издательствами, а также от практики отдельных художников, кураторов, писателей, коллекционеров и филантропов. Основное разделение в мире искусства – между коммерческим и некоммерческим секторами, хотя в последние годы границы между коммерческими частными и некоммерческими государственными учреждениями становятся все более размытыми. Наиболее известное современное искусство экспонируется профессиональными художниками в коммерческих галереях современного искусства, частными коллекционерами, на художественных аукционах, корпорациями, общественно финансируемыми организациями искусства, в музеях современного искусства или самими художниками в пространствах, организованных художниками. Современные художники получают поддержку в виде грантов, премий и наград, а также от прямых продаж своих работ. Художники, посвятившие себя искусству профессионально, получают образование в художественных школах или приходят из других областей. Существуют тесные связи между общественными организациями современного искусства и коммерческим сектором. Например, в 2005 году в книге «Понимание международных художественных рынков и управления» сообщалось, что в Великобритании несколько дилеров представляли художников, чьи работы были представлены в ведущих общественных музеях современного искусства. Коммерческие организации включают галереи и художественные ярмарки. Корпорации также интегрировались в мир современного искусства, выставляя современное искусство в своих помещениях, организуя и спонсируя премии современного искусства и формируя обширные корпоративные коллекции. Корпоративные рекламодатели часто используют престиж, связанный с современным искусством и поиском новых трендов, чтобы привлечь внимание потребителей к предметам роскоши. Институты искусства подвергаются критике за регулирование того, что считается современным искусством. Искусство аутсайдеров, например, в буквальном смысле является современным искусством, поскольку оно создается в настоящее время. Однако один критик утверждает, что оно не рассматривается как таковое, потому что художники самоучки и, следовательно, предполагается, что они работают вне исторического контекста искусства. Ремесленные виды деятельности, такие как текстильный дизайн, также исключены из сферы современного искусства, несмотря на широкую аудиторию выставок. Художественный критик Питер Тиммс отметил, что внимание привлекает то, что предметы ремесла должны соответствовать определенным ценностям, чтобы быть допущенными в область современного искусства. «Керамический объект, задуманный как подрывная критика природы красоты, скорее соответствует определению современного искусства, чем тот, который просто красив». В любой момент времени определенное место или группа художников могут оказать сильное влияние на последующее современное искусство. Например, галерея Ferus была коммерческой галереей в Лос-Анджелесе и вновь оживила сцену современного искусства Калифорнии в конце 1950-х и 1960-х годов.

The functioning of the art world is dependent on art institutions, ranging from major museums to private galleries, non profit spaces, art schools and publishers, and the practices of individual artists, curators, writers, collectors, and philanthropists. A major division in the art world is between the for profit and non profit sectors, although in recent years the boundaries between for profit private and non profit public institutions have become increasingly blurred. Most well known contemporary art is exhibited by professional artists at commercial contemporary art galleries, by private collectors, art auctions, corporations, publicly funded arts organizations, contemporary art museums or by artists themselves in artist run spaces. Contemporary artists are supported by grants, awards, and prizes as well as by direct sales of their work. Career artists train at art school or emerge from other fields. There are close relationships between publicly funded contemporary art organizations and the commercial sector. For instance, in 2005 the book Understanding International Art Markets and Management reported that in Britain a handful of dealers represented the artists featured in leading publicly funded contemporary art museums. Commercial organizations include galleries and art fairs. Corporations have also integrated themselves into the contemporary art world, exhibiting contemporary art within their premises, organizing and sponsoring contemporary art awards, and building up extensive corporate collections. Corporate advertisers frequently use the prestige associated with contemporary art and coolhunting to draw the attention of consumers to luxury goods. The institutions of art have been criticized for regulating what is designated as contemporary art. Outsider art, for instance, is literally contemporary art, in that it is produced in the present day. However, one critic has argued it is not considered so because the artists are self taught and are thus assumed to be working outside of an art historical context. Craft activities, such as textile design, are also excluded from the realm of contemporary art, despite large audiences for exhibitions. Art critic Peter Timms has said that attention is drawn to the way that craft objects must subscribe to particular values in order to be admitted to the realm of contemporary art. "A ceramic object that is intended as a subversive comment on the nature of beauty is more likely to fit the definition of contemporary art than one that is simply beautiful." At any one time a particular place or group of artists can have a strong influence on subsequent contemporary art. For instance, The Ferus Gallery was a commercial gallery in Los Angeles and re invigorated the Californian contemporary art scene in the late fifties and the sixties.

Отношения общественности

Современное искусство порой кажется противоречащим ожиданиям публики, которая не ощущает общности ценностей между искусством, его институтами и собой. В Великобритании в 1990-х годах современное искусство вошло в массовую культуру, художники приобрели известность, однако это не привело к желаемой "культурной утопии". Некоторые критики, такие как Джулиан Спэлдинг и Дональд Куспит, полагают, что скептицизм и даже неприятие – это вполне оправданная и разумная реакция на значительную часть современного искусства. Брайан Эшби в эссе "Art Bollocks" критикует "множество инсталляций, фотографий, концептуального искусства, видео и других практик, обычно относимых к постмодернизму", за чрезмерную зависимость от словесных объяснений и теоретических рассуждений. Тем не менее, признание нетрадиционного искусства в музеях возросло благодаря изменению представлений о том, что может считаться произведением искусства.

Опасения

С начала XX века общей проблемой является вопрос о том, что такое искусство. В современный период (1950 год – настоящее время) концепция авангарда может влиять на то, какое искусство привлекает внимание галерей, музеев и коллекционеров. Современное искусство также подвергается критике. Андреа Розен заявила, что некоторые современные художники "совершенно не понимают, что значит быть современным художником", и что они "занимаются этим по неверным мотивам".