Музыка XX века: направления и стили

Введение

Художественное направление

Классическая музыка XX века — это художественная музыка, написанная в период с 1901 по 2000 год включительно. Музыкальный стиль в XX веке разошёлся как никогда прежде, поэтому в этот век не было доминирующего стиля. Модернизм, импрессионизм и пост-романтизм берут начало в десятилетиях, предшествовавших началу XX века, но их можно включить, поскольку они эволюционировали за пределы музыкальных рамок стилей XIX века, которые были частью более раннего периода общей практики. Неоклассицизм и экспрессионизм возникли преимущественно после 1900 года. Минимализм зародился значительно позже в течение века и может рассматриваться как переход от модернизма к постмодернизму, хотя некоторые относят начало постмодернизма к примерно 1930 году. В течение столетия были разработаны алеаторика, атональность, сериализм, конкретная музыка, электронная музыка и концептуальная музыка. Джаз и этническая народная музыка стали важными источниками вдохновения для многих композиторов в этот период.

История

На рубеже веков музыка была характерна для позднего романтизма. Композиторы, такие как Густав Малер, Рихард Штраус и Жан Сибелиус, расширяли границы пост-романтического симфонического письма. В то же время во Франции развивалось движение импрессионистов, возглавляемое Клодом Дебюсси. Дебюсси, по сути, ненавидел термин «импрессионизм»: «Я пытаюсь сделать “что-то другое” – в некотором роде, реальность – то, что идиоты называют “импрессионизмом”, это термин, который используется как можно реже, особенно искусствоведами». Музыка Мориса Равеля, также часто причисляемая к импрессионизму, исследует музыку во множестве стилей, не всегда с ним связанных (см. обсуждение неоклассицизма ниже). Многие композиторы отреагировали на стили пост-романтизма и импрессионизма и пошли по совершенно иным путям. Самым важным моментом, определившим направление развития музыки на протяжении всего столетия, стал повсеместный разрыв с традиционной тональностью, осуществленный различными композиторами в первом десятилетии века в самых разных формах. Из этого возникло беспрецедентное «многообразие языков» стилей, техник и выразительных средств. В Вене Арнольд Шёнберг развил атональность, выросшую из экспрессионизма, возникшего в начале XX века. Позже он разработал додекафонную технику, которую его ученики Альбан Берг и Антон Веберн развили еще дальше; более поздние композиторы (включая Пьера Булеза) продолжили ее развитие. Стравинский (в своих поздних произведениях) также исследовал додекафонную технику, как и многие другие композиторы; более того, даже Скотт Брэдли использовал эту технику в своих партитурах к мультфильмам «Том и Джерри». После Первой мировой войны многие композиторы начали обращаться к прошлому за вдохновением и писать произведения, заимствующие элементы (форму, гармонию, мелодию, структуру) из него. Этот тип музыки получил название неоклассицизма. Игорь Стравинский («Пульчинелла»), Сергей Прокофьев («Классическая симфония»), Равель («Гробница Куперена»), Мануэль де Фалья («Кукольный театр маэстро Педро») и Пауль Хиндемит (Симфония «Матис-художник») создали неоклассические произведения. Итальянские композиторы, такие как Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло, развивали музыкальный футуризм. Этот стиль часто стремился воссоздать повседневные звуки и поместить их в «футуристический» контекст. Из этого развились «машинная музыка» Джорджа Антейла (начиная со второй сонаты «Самолет») и Александра Мосолова (наиболее известная его «Сталелитейный завод»). Процесс расширения музыкального словаря путем исследования всех доступных тонов был продолжен использованием микротонов в произведениях Чарльза Айвза, Джулиана Каррильо, Алоиса Габы, Джона Фолдса, Ивана Вышнеградского, Гарри Парча и Милдред Купер, среди многих других. Микротоны – это интервалы, меньшие полутона; человеческий голос и неладовые струнные инструменты могут легко воспроизводить их, переходя между «нормальными» нотами, но другим инструментам это сделать сложнее – фортепиано и орган вообще не имеют возможности их воспроизводить, кроме как путем перестройки и/или серьезной реконструкции. В 1940-х и 50-х годах композиторы, в частности Пьер Шеффер, начали изучать применение технологий к музыке в musique concrète. Позже был введен термин «электроакустическая музыка», чтобы охватить все формы музыки, включающие магнитную ленту, компьютеры, синтезаторы, мультимедиа и другие электронные устройства и техники. Живая электронная музыка использует живые электронные звуки в процессе исполнения (в отличие от предварительно обработанных звуков, которые накладываются во время исполнения), ранним примером является «Cartridge Music» Джона Кейджа. Спектральная музыка (Жерар Гризе и Тристан Мюраиль) – это дальнейшее развитие электроакустической музыки, использующее анализ звуковых спектров для создания музыки. Кейдж, Берио, Булез, Милтон Бэббит, Луиджи Ноно и Эдгар Варез писали электроакустическую музыку. С начала 1950-х годов Кейдж вводил элементы случайности в свою музыку. Процессная музыка (Карлхайнц Штокхаузен «Процессия», «Из семи дней»; и Стив Райх «Piano Phase», «Clapping Music») исследует определенный процесс, который по сути раскрывается в произведении. Термин «экспериментальная музыка» был введен Кейджем для описания произведений, дающих непредсказуемые результаты, в соответствии с определением: «экспериментальное действие – это действие, исход которого не предвидим». Этот термин также используется для описания музыки в рамках конкретных жанров, которая выходит за их границы или определения, или же чей подход представляет собой гибрид различных стилей или включает в себя необычные, новые, уникальные элементы. Важные культурные тенденции часто влияли на музыку этого периода – романтизм, модернизм, неоклассицизм, постмодернизм или что-либо другое. Игорь Стравинский и Сергей Прокофьев особенно тяготели к примитивизму в начале своей карьеры, что отражено в таких произведениях, как «Весна священная» и «Шут». Другие русские композиторы, в частности Дмитрий Шостакович, отражали социальное влияние коммунизма и впоследствии должны были работать в рамках строгих ограничений социалистического реализма в своей музыке. Другие композиторы, такие как Бенджамин Бриттен («Военный реквием»), исследовали политические темы в своих произведениях, хотя и полностью по собственной воле. Национализм также был важным средством выражения в начале века. Культура Соединенных Штатов Америки, в частности, начала формировать американский народный стиль классической музыки, особенно в произведениях Чарльза Айвза, Джона Алдена Карпентера и (позже) Джорджа Гершвина. Народная музыка (Вагнера-Вильямса «Пять вариаций на тему Дивы и Лазаря», Густава Холста «Сомерсетская рапсодия») и джаз (Гершвин, Леонард Бернстайн, Дариус Мийо «Творение мира») также оказали влияние. В последнем квартале века эклектика и полистилизм стали важными. Эти, а также минимализм, «Новая сложность» и «Новая простота», более подробно рассматриваются в соответствующих статьях.

At the turn of the century, music was characteristically late Romantic in style. Composers such as Gustav Mahler, Richard Strauss and Jean Sibelius were pushing the bounds of post Romantic symphonic writing. At the same time, the Impressionist movement, spearheaded by Claude Debussy, was being developed in France. Debussy in fact loathed the term Impressionism: "I am trying to do 'something different—in a way realities—what the imbeciles call 'impressionism' is a term which is as poorly used as possible, particularly by art critics". Maurice Ravel's music, also often labelled as impressionist, explores music in many styles not always related to it (see the discussion on Neoclassicism, below). Many composers reacted to the Post Romantic and Impressionist styles and moved in quite different directions. The single most important moment in defining the course of music throughout the century was the widespread break with traditional tonality, effected in diverse ways by different composers in the first decade of the century. From this sprang an unprecedented "linguistic plurality" of styles, techniques, and expression. In Vienna, Arnold Schoenberg developed atonality, out of the expressionism that arose in the early part of the 20th century. He later developed the twelve tone technique which was developed further by his disciples Alban Berg and Anton Webern; later composers (including Pierre Boulez) developed it further still. Stravinsky (in his last works) explored twelve tone technique, too, as did many other composers; indeed, even Scott Bradley used the technique in his scores for the Tom and Jerry cartoons. After the First World War, many composers started returning to the past for inspiration and wrote works that draw elements (form, harmony, melody, structure) from it. This type of music thus became labelled neoclassicism. Igor Stravinsky (Pulcinella), Sergei Prokofiev (Classical Symphony), Ravel (Le Tombeau de Couperin), Manuel de Falla (El retablo de maese Pedro) and Paul Hindemith (Symphony: Mathis der Maler) all produced neoclassical works. Italian composers such as Francesco Balilla Pratella and Luigi Russolo developed musical Futurism. This style often tried to recreate everyday sounds and place them in a "Futurist" context. The "Machine Music" of George Antheil (starting with his Second Sonata, "The Airplane") and Alexander Mosolov (most notoriously his Iron Foundry) developed out of this. The process of extending musical vocabulary by exploring all available tones was pushed further by the use of Microtones in works by Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, John Foulds, Ivan Wyschnegradsky, Harry Partch and Mildred Couper among many others. Microtones are those intervals that are smaller than a semitone; human voices and unfretted strings can easily produce them by going in between the "normal" notes, but other instruments will have more difficulty—the piano and organ have no way of producing them at all, aside from retuning and/or major reconstruction. In the 1940s and 50s composers, notably Pierre Schaeffer, started to explore the application of technology to music in musique concrète. The term electroacoustic music was later coined to include all forms of music involving magnetic tape, computers, synthesizers, multimedia, and other electronic devices and techniques. Live electronic music uses live electronic sounds within a performance (as opposed to preprocessed sounds that are overdubbed during a performance), John Cage's Cartridge Music being an early example. Spectral music (Gérard Grisey and Tristan Murail) is a further development of electroacoustic music that uses analyses of sound spectra to create music. Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt, Luigi Nono and Edgard Varèse all wrote electroacoustic music. From the early 1950s onwards, Cage introduced elements of chance into his music. Process music (Karlheinz Stockhausen Prozession, Aus den sieben Tagen; and Steve Reich Piano Phase, Clapping Music) explores a particular process which is essentially laid bare in the work. The term experimental music was coined by Cage to describe works that produce unpredictable results, according to the definition "an experimental action is one the outcome of which is not foreseen". The term is also used to describe music within specific genres that pushes against their boundaries or definitions, or else whose approach is a hybrid of disparate styles, or incorporates unorthodox, new, distinctly unique ingredients. Important cultural trends often informed music of this period, romantic, modernist, neoclassical, postmodernist or otherwise. Igor Stravinsky and Sergei Prokofiev were particularly drawn to primitivism in their early careers, as explored in works such as The Rite of Spring and Chout. Other Russians, notably Dmitri Shostakovich, reflected the social impact of communism and subsequently had to work within the strictures of socialist realism in their music. Other composers, such as Benjamin Britten (War Requiem), explored political themes in their works, albeit entirely at their own volition. Nationalism was also an important means of expression in the early part of the century. The culture of the United States of America, especially, began informing an American vernacular style of classical music, notably in the works of Charles Ives, John Alden Carpenter, and (later) George Gershwin. Folk music (Vaughan Williams' Five Variants of Dives and Lazarus, Gustav Holst's A Somerset Rhapsody) and jazz (Gershwin, Leonard Bernstein, Darius Milhaud's La création du monde) were also influential. In the last quarter of the century, eclecticism and polystylism became important. These, as well as minimalism, New Complexity, and New Simplicity, are more fully explored in their respective articles.

Романтический стиль

В конце 19 века (часто называемый "Fin de siècle") романтический стиль начал разрушаться, развиваясь по различным параллельным направлениям, таким как импрессионизм и пост-романтизм. В 20-м веке различные стили, выросшие из музыки предыдущего столетия, оказали влияние на композиторов, побуждая их следовать новым тенденциям – иногда как реакцию на эту музыку, а иногда как её развитие. Обе эти тенденции сосуществовали на протяжении всего 20-го века. Более ранние направления, такие как экспрессионизм, будут рассмотрены позднее. В начале 20-го века многие композиторы писали музыку, являвшуюся продолжением романтической музыки 19-го века, и традиционные инструментальные составы, такие как оркестр и струнный квартет, оставались наиболее распространенными. Традиционные формы, такие как симфония и концерт, продолжали использоваться. Густав Малер и Жан Сибелиус – примеры композиторов, которые взяли традиционные симфонические формы и подвергли их переработке. (См. Романтическая музыка.) Некоторые исследователи полагают, что творчество Шёнберга полностью уходит корнями в позднюю романтическую традицию Вагнера и Брамса, и в более широком смысле, что "композитором, наиболее прямо и полно соединяющим позднего Вагнера и 20-й век, является Арнольд Шёнберг".

Неоклассицизм

Неоклассицизм — это стиль, развивавшийся между двумя мировыми войнами, который стремился возродить сбалансированные формы и чётко воспринимаемые тематические разработки XVII и XVIII веков, в противовес тому, что воспринималось как преувеличенные жесты и бесформенность позднего романтизма. Поскольку эти композиторы обычно заменяли функциональную тональность своих предшественников расширенной тональностью, модальностью или атональностью, этот термин часто подразумевает пародию или искажение стиля барокко или классицизма. Известные примеры включают «Классическую симфонию» Прокофьева и «Пульчинеллу» Стравинского, «Симфонию псалмов» и концерт ми-бемоль «Dumbarton Oaks». Пол Хиндемит («Симфония: Mathis der Maler»), Дариус Мийо, Франсис Пуленк («Концертный поход») и Мануэль де Фалья («El retablo de maese Pedro», Концерт для клавесина) также использовали этот стиль. «Le Tombeau de Couperin» Мориса Равеля часто рассматривают как необарокко (архитектурный термин), хотя различие между этими терминами не всегда проводится.

Импрессионизм

Импрессионизм зародился во Франции как реакция, возглавляемая Клодом Дебюсси, против эмоциональной насыщенности и эпических тем немецкого романтизма, воплощенных в творчестве Вагнера. По мнению Дебюсси, искусство представляло собой чувственное переживание, а не интеллектуальное или этическое. Он призывал своих соотечественников заново открыть для себя французских мастеров XVIII века, для которых музыка должна была очаровывать, развлекать и служить "фантазией для чувств". Среди других композиторов, связанных с импрессионизмом, – Морис Равель, Альберт Руссель, Исаак Альбенис, Поль Дюкас, Мануэль де Фалья, Чарльз Мартин Лоффлер, Чарльз Гриффис, Фредерик Делиус, Отторино Респиги, Сирил Скотт и Кароль Шимановский. Многие французские композиторы продолжали развивать язык импрессионизма в 1920-х годах и позднее, включая Альберта Русселя, Шарля Кошлена, Андре Капле и, впоследствии, Оливье Мессиана. Композиторы из не западных культур, такие как Тору Такэмицу, а также джазовые музыканты, такие как Дюк Эллингтон, Гил Эванс, Арт Тейтум и Сесил Тейлор, также испытали сильное влияние импрессионистского музыкального языка.

Футуризм

На своем зарождении футуризм был итальянским художественным движением, основанным в 1909 году Филиппо Томасо Маринетти; он был быстро воспринят русским авангардом. В 1913 году художник Луиджи Руссоло опубликовал манифест "Искусство шума" (L'arte dei rumori), призывающий к включению в музыку шумов всякого рода. Помимо Руссоло, к этому движению принадлежали такие композиторы, как итальянцы Сильвио Микс, Нуччо Фиорда, Франко Касавола и Панниги (в его "Ballo meccanico" 1922 года использовались два мотоцикла), а также русские Артур Лурье, Михаил Матюшин и Николай Рославец. Хотя сегодня исполняется немного футуристических произведений этих композиторов, влияние футуризма на дальнейшее развитие музыки XX века было огромным. Сергей Прокофьев, Морис Равел, Игорь Стравинский, Артур Онеггер, Джордж Антейл, Лео Орнштейн и Эдгар Варез – одни из выдающихся композиторов первой половины века, испытавших влияние футуризма. Характерные черты музыки позднего XX века, восходящие к футуризму, включают в себя подготовленное фортепиано, интегральный серийный метод, расширенные вокальные техники, графическую нотацию, импровизацию и минимализм.

Свободный диссонанс и экспериментализм

В начале XX века Чарльз Айвз объединил американские и европейские традиции, а также народную и церковную музыку, применяя новаторские приемы в ритме, гармонии и форме. В его технике использовались политональность, полиритмия, тоновые кластеры, алеаторические элементы и четвертитональность. Эдгар Варез сочинял крайне диссонирующие произведения, в которых использовались необычные тембры и футуристические, звучащие научно названия. Он был пионером в использовании новых инструментов и электронных средств (см. ниже).

Экспрессионизм

К концу 1920-х годов, хотя многие композиторы продолжали писать в некоторой степени в экспрессионистской манере, она уступала место более отстраненному стилю немецкой Neue Sachlichkeit и неоклассицизму. В силу того, что экспрессионизм, как и любое направление, подвергшееся клеймению со стороны нацистов, получил переосмысление с сочувствием после Второй мировой войны, экспрессионистская музыка возродилась в произведениях таких композиторов, как Ганс Вернер Хенце, Пьер Булез, Питер Максвелл Дэвис, Вольфганг Рихм и Бернд Алоис Циммерманн.

Постмодернистская музыка

Постмодернизм — это реакция на модернизм, но его также можно рассматривать как ответ на глубокий сдвиг в общественном мировоззрении. Согласно этой точке зрения, постмодернизм начался, когда исторический (в отличие от личного) оптимизм сменился пессимизмом, самое позднее к 1930 году. Джон Кейдж — выдающаяся фигура в музыке XX века, и его с некоторой справедливостью относят как к модернизму, так и к постмодернизму, поскольку сложные взаимосвязи между модернизмом и постмодернизмом не сводятся к простым схемам. Его влияние постоянно росло на протяжении жизни. Он часто использует элементы случайности: «Воображаемый пейзаж № 4» для 12 радиоприемников и «Музыка перемен» для фортепиано. «Сонаты и интерлюдии» (1946–48) написаны для препарированного фортепиано: обычного фортепиано, тембр которого кардинально изменяется путем тщательного размещения различных предметов внутри инструмента в контакте со струнами. В настоящее время к постмодернизму относят композиторов, реагирующих на авангардные и экспериментальные стили конца XX века, таких как Астор Пьяццолла (Аргентина) и Мигель дель Агила (США).

Минимализм

В конце 20-го века такие композиторы, как Ла Монте Янг, Арво Пярт, Филипп Гласс, Терри Райли, Стив Райх и Джон Адамс начали исследовать то, что теперь называется минимализмом, в котором произведение сведено к своим наиболее фундаментальным элементам; музыка часто характеризуется повторениями и итерациями. Ранним примером является «In C» (1964) Терри Райли, алеаторическое произведение, в котором музыканты выбирают короткие фразы из заданного списка и исполняют их произвольное количество раз, в то время как нота До повторяется восьмыми нотами на фоне. В произведениях Стива Райха «Фазовый сдвиг» (1967, для двух фортепиано) и «Ритмизация» (1970–71, для ударных, женских голосов и пикколо) используется техника, называемая фазированием, в которой фраза, исполняемая одним музыкантом в постоянном темпе, одновременно исполняется другим, но немного быстрее. Это приводит к тому, что музыканты теряют синхронность друг с другом, и исполнение может продолжаться до тех пор, пока они снова не войдут в фазу. По словам Райха, «Ритмизация» – это окончательное расширение и усовершенствование процесса фазирования, а также первое использование четырех новых техник: (1) постепенная замена ударов паузами (или пауз ударами); (2) постепенное изменение тембра при сохранении постоянного ритма и высоты звука; (3) одновременное сочетание инструментов с разным тембром; и (4) использование человеческого голоса как части музыкального ансамбля путем имитации точного звучания инструментов. «Ритмизация» стала последним применением фазирующей техники Райхом. «1 + 1» (1968) Филиппа Гласса использует аддитивный процесс, в котором короткие фразы медленно расширяются. В «Композициях 1960 года» Ла Монте Янга используются очень длинные тоны, исключительно высокая громкость и внемузыкальные техники, такие как «нарисуйте прямую линию и следуйте по ней» или «разведите костер». Майкл Найман утверждает, что минимализм был реакцией на сериализм и индетерминизм и стал возможным благодаря им. (См. также экспериментальную музыку.)

Атональность и двенадцатитонная техника

Арнольд Шёнберг – одна из наиболее значительных фигур в музыке XX века. Если его ранние работы были написаны в позднем романтическом стиле под влиянием Вагнера («Верклиарте ночь», 1899), то впоследствии это переросло в атональную идиому в годы, предшествовавшие Первой мировой войне («Три фортепианных пьесы» в 1909 году и «Лунный Пьеро» в 1912 году). В 1921 году, после нескольких лет исследований, он разработал технику двенадцатитоновой композиции, которую впервые в частном порядке описал своим коллегам в 1923 году. Его первой крупной работой, полностью написанной с использованием этой техники, стал Ветровой квинтет, Op. 26, созданный в 1923–24 годах. Более поздние примеры включают Вариации для оркестра, Op. 31 (1926–28), Третий и Четвертый струнные квартеты (1927 и 1936 годов соответственно), Концерт для скрипки (1936) и Концерт для фортепиано (1942). В более поздние годы он периодически возвращался к более тональному стилю («Камерная симфония» № 2, начатая в 1906 году, но завершенная лишь в 1939 году; Вариации на речитатив для органа в 1941 году). Он преподавал Антона Веберна и Альбана Берга, и этих трех композиторов часто называют основными представителями Второй венской школы (Гайдн, Моцарт и Бетховен – а иногда и Шуберт – рассматриваются как Первая венская школа в этом контексте). Веберн писал произведения, используя строгую технику двенадцати тонов, и оказал влияние на развитие тотального сериализма. Берг, подобно Шёнбергу, использовал двенадцатитоновую технику в рамках позднего романтического или пост-романтического стиля (Концерт для скрипки, в котором цитируется хорол Баха и используется классическая форма). Он написал две крупные оперы («Воццек» и «Лулу»).

Электронная музыка

Развитие технологии записи сделало все звуки доступными для потенциального использования в качестве музыкального материала. Электронная музыка обычно относится к репертуару академической музыки, разработанному в 1950-х годах в Европе, Японии и Америке. Растущая доступность магнитной ленты в это десятилетие предоставила композиторам среду, позволяющую записывать звуки и затем манипулировать ими различными способами. Вся электронная музыка зависит от воспроизведения через громкоговорители, но выделяют два основных типа: акусматическая музыка, существующая только в записанном виде, предназначенном для прослушивания через громкоговорители, и живая электронная музыка, в которой электронные аппараты используются для генерации, преобразования или запуска звуков во время исполнения музыкантами с использованием голоса, традиционных инструментов, электроакустических инструментов или других устройств. Начиная с 1957 года, компьютеры стали играть все более важную роль в этой области. Когда исходным материалом служили акустические звуки из повседневной жизни, использовался термин musique concrète; когда звуки производились электронными генераторами, это определялось как электронная музыка. После 1950-х годов термин "электронная музыка" стал применяться к обоим типам. Иногда такая электронная музыка сочеталась с более традиционными инструментами; примечательными примерами являются "Дезерты" Эдгара Вареза (1954), "Гимны" Карлхайнца Штокхаузена (1969), "Wo bist du Licht!" Клода Вивье (1981) и серия "Синхронизмы" Марио Давидовского (1963–2006).