История европейского искусства

Введение

Искусство Европы, также известное как западное искусство, охватывает историю изобразительного искусства в Европе. Европейское доисторическое искусство началось с мобильной наскальной и пещерной живописи верхнего палеолита и петроглифов и было характерно для периода между палеолитом и железным веком. Письменные истории европейского искусства часто начинаются с эгейских цивилизаций, датируемых III тысячелетием до нашей эры. Однако последовательная закономерность художественного развития в Европе становится ясной лишь с древнегреческим искусством, которое было воспринято и преобразовано Римом и распространено вместе с Римской империей по большей части Европы, Северной Африки и Западной Азии. Влияние искусства классического периода то возрастало, то убывало на протяжении следующих двух тысяч лет, временами словно уходя в далекую память в отдельные периоды Средневековья, чтобы вновь возникнуть в эпоху Возрождения, пережить период, который некоторые ранние историки искусства считали «упадком» в эпоху барокко, вновь проявиться в усовершенствованном виде в неоклассицизме и возродиться в постмодернизме. До 1800-х годов христианская церковь оказывала значительное влияние на европейское искусство, и заказы от Церкви обеспечивали основной источник работы для художников. В тот же период наблюдался также возросший интерес к классической мифологии, великим войнам, героям и героиням, а также к темам, не связанным с религией. Большинство произведений искусства последних 200 лет создавалось без обращения к религии и часто без какой-либо конкретной идеологии, но искусство часто находилось под влиянием политических вопросов, отражая ли заботы заказчиков или самого художника. Европейское искусство разделяется на ряд стилистических периодов, которые исторически перекрываются, поскольку различные стили процветали в разных областях. В целом к ним относятся классицизм, византийское искусство, средневековое искусство, готика, Ренессанс, барокко, рококо, неоклассицизм, модерн, постмодерн и новая европейская живопись. История доисторического искусства обычно делится на четыре основных периода: каменный век, неолит, бронзовый век и железный век. Большинство сохранившихся артефактов этого периода – небольшие скульптуры и наскальные рисунки. Большая часть сохранившегося доисторического искусства представляет собой небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских статуэток Венеры, таких как Венера Виллендорфская (24 000–22 000 гг. до н.э.), найденных по всей Центральной Европе; статуэтка Лёвенменша высотой 30 см, датированная примерно 30 000 г. до н.э., почти не имеет аналогов. Плавающий олень, датируемый примерно 11 000 г. до н.э., является одной из лучших из множества магдаленских резных работ на костях или рогах животных в искусстве верхнего палеолита, хотя их численность уступает гравюрам, которые иногда классифицируются как скульптуры. С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов, до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как котел Гундеструпа из европейского железного века и бронзовую солнечную колесницу из Трундхольма. Самая старая европейская пещерная живопись датируется 40 800 годом до н.э. и находится в пещере Эль-Кастильо в Испании. Другие места с пещерной живописью включают Ласко, пещеру Альтамира, Грот де Куссак, Пеш-Мерль, пещеру Нио, пещеру Шове, Фон-де-Гом, Кресуэлл-Крэгс, Ноттингемшир, Англия (пещерные гравюры и барельефы, обнаруженные в 2003 году), пещеру Колибоая в Румынии (считается самой старой пещерной живописью в Центральной Европе) и Магура. Наскальная живопись также выполнялась на скальных обрывах, но сохранилось меньше образцов из-за эрозии. Хорошо известен пример наскальных рисунков Астувансальми в районе Сайма в Финляндии. Когда Марселино Санс де Саутуола впервые увидел магдаленские картины в пещере Альтамира в Кантабрии, Испания, в 1879 году, ученые того времени считали их мистификацией. Недавние переоценки и многочисленные дополнительные открытия с тех пор доказали их подлинность, одновременно стимулируя интерес к искусству людей верхнего палеолита. Пещерные рисунки, выполненные с использованием самых примитивных инструментов, также могут дать ценную информацию о культуре и верованиях той эпохи. Наскальное искусство Иберийского Средиземноморского бассейна представляет собой совершенно другой стиль, в котором основное внимание уделяется человеческой фигуре, часто изображаемой в больших группах, с изображением сражений, танцев и охоты, а также других действий и деталей, таких как одежда. Фигуры обычно изображаются довольно схематично тонкой краской, при этом отношения между группами людей и животных изображаются более тщательно, чем отдельные фигуры. Другие, менее многочисленные группы наскального искусства, многие из которых выгравированы, а не нарисованы, демонстрируют схожие характеристики. Считается, что иберийские образцы датируются длительным периодом, возможно, охватывающим верхний палеолит, мезолит и ранний неолит. Доисторическое кельтское искусство происходит из большей части Европы железного века и сохранилось в основном в виде высокостатусных металлических изделий, искусно украшенных сложными, элегантными и в основном абстрактными узорами, часто с использованием изогнутых и спиральных форм. Есть изображения человеческих голов и некоторых полностью изображенных животных, но полноростовых человеческих фигур любого размера настолько мало, что их отсутствие может представлять собой религиозный табу. С завоеванием кельтских территорий римлянами оно почти полностью исчезает, но стиль продолжал использоваться в ограниченной степени на Британских островах и с приходом христианства возродился там в инсулярном стиле раннего Средневековья.

The art of Europe, also known as Western art, encompasses the history of visual art in Europe. European prehistoric art started as mobile Upper Paleolithic rock and cave painting and petroglyph art and was characteristic of the period between the Paleolithic and the Iron Age. Written histories of European art often begin with the Aegean civilizations, dating from the 3rd millennium BC. However a consistent pattern of artistic development within Europe becomes clear only with Ancient Greek art, which was adopted and transformed by Rome and carried; with the Roman Empire, across much of Europe, North Africa and Western Asia. The influence of the art of the Classical period waxed and waned throughout the next two thousand years, seeming to slip into a distant memory in parts of the Medieval period, to re emerge in the Renaissance, suffer a period of what some early art historians viewed as "decay" during the Baroque period, to reappear in a refined form in Neo Classicism and to be reborn in Post Modernism. Before the 1800s, the Christian church was a major influence on European art, and commissions from the Church provided the major source of work for artists. In the same period there was also a renewed interest in classical mythology, great wars, heroes and heroines, and themes not connected to religion. Most art of the last 200 years has been produced without reference to religion and often with no particular ideology at all, but art has often been influenced by political issues, whether reflecting the concerns of patrons or the artist. European art is arranged into a number of stylistic periods, which, historically, overlap each other as different styles flourished in different areas. Broadly the periods are, Classical, Byzantine, Medieval, Gothic, Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassical, Modern, Postmodern and New European Painting. Prehistoric art history is usually divided into four main periods: Stone Age, Neolithic, Bronze Age, and Iron Age. Most of the remaining artifacts of this period are small sculptures and cave paintings. Much surviving prehistoric art is small portable sculptures, with a small group of female Venus figurines such as the Venus of Willendorf (24,000–22,000 BC) found across central Europe; the 30 cm tall Löwenmensch figurine of about 30,000 BCE has hardly any pieces that can be related to it. The Swimming Reindeer of about 11,000 BCE is one of the finest of a number of Magdalenian carvings in bone or antler of animals in the art of the Upper Paleolithic, though they are outnumbered by engraved pieces, which are sometimes classified as sculpture. With the beginning of the Mesolithic in Europe figurative sculpture greatly reduced, and remained a less common element in art than relief decoration of practical objects until the Roman period, despite some works such as the Gundestrup cauldron from the European Iron Age and the Bronze Age Trundholm sun chariot. The oldest European cave art dates back 40,800, and can be found in the El Castillo Cave in Spain. Other cave painting sites include Lascaux, Cave of Altamira, Grotte de Cussac, Pech Merle, Cave of Niaux, Chauvet Cave, Font de Gaume, Creswell Crags, Nottinghamshire, England, (Cave etchings and bas reliefs discovered in 2003), Coliboaia cave from Romania (considered the oldest cave painting in central Europe) and Magura, Rock painting was also performed on cliff faces, but fewer of those have survived because of erosion. One well known example is the rock paintings of Astuvansalmi in the Saimaa area of Finland. When Marcelino Sanz de Sautuola first encountered the Magdalenian paintings of the Altamira cave, Cantabria, Spain in 1879, the academics of the time considered them hoaxes. Recent reappraisals and numerous additional discoveries have since demonstrated their authenticity, while at the same time stimulating interest in the artistry of Upper Palaeolithic peoples. Cave paintings, undertaken with only the most rudimentary tools, can also furnish valuable insight into the culture and beliefs of that era. The Rock art of the Iberian Mediterranean Basin represents a very different style, with the human figure the main focus, often seen in large groups, with battles, dancing and hunting all represented, as well as other activities and details such as clothing. The figures are generally rather sketchily depicted in thin paint, with the relationships between the groups of humans and animals more carefully depicted than individual figures. Other less numerous groups of rock art, many engraved rather than painted, show similar characteristics. The Iberian examples are believed to date from a long period perhaps covering the Upper Paleolithic, Mesolithic and early Neolithic. Prehistoric Celtic art comes from much of Iron Age Europe and survives mainly in the form of high status metalwork skillfully decorated with complex, elegant and mostly abstract designs, often using curving and spiral forms. There are human heads and some fully represented animals, but full length human figures at any size are so rare that their absence may represent a religious taboo. As the Romans conquered Celtic territories, it almost entirely vanishes, but the style continued in limited use in the British Isles, and with the coming of Christianity revived there in the Insular style of the Early Middle Ages.

Минойский

Минойская цивилизация на Крите считается древнейшей цивилизацией в Европе. Минойское искусство отличается яркими образами и исключительным мастерством исполнения. Синклер Худ описал «существенное качество лучшего минойского искусства – способность создавать атмосферу движения и жизни, несмотря на следование ряду строгих формальных канонов». Оно входит в более широкую группу эгейского искусства, а в более поздние периоды на время оказало определяющее влияние на кикладское искусство. Дерево и текстиль не сохранились, поэтому большинство дошедших до нас образцов минойского искусства – это керамика, искусно вырезанные минойские печати, дворцовые фрески (включающие пейзажи), небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия и изделия из металла. Отношения минойского искусства с другими современными культурами и более поздним древнегреческим искусством широко обсуждались. Оно явно доминировало над микенским и кикладским искусством того же периода, даже после того, как Крит был захвачен микенцами, но лишь некоторые аспекты этой традиции пережили греческий Тёмный век после краха микенской Греции. Минойское искусство характеризуется разнообразием сюжетов, многие из которых встречаются в различных видах искусства, хотя фигуративные сцены присутствуют лишь в некоторых стилях керамики. Сцены с прыжками через быка встречаются в живописи и различных видах скульптуры и, предположительно, имели религиозное значение; головы быков также часто изображались в терракоте и других скульптурных материалах. Нет фигур, которые можно было бы однозначно интерпретировать как портреты конкретных людей или членов королевской семьи, а идентификация религиозных фигур часто является предположительной, поскольку ученые не уверены, изображены ли божества, священнослужители или их последователи. Также неясно, были ли расписанные комнаты «святилищами» или светскими помещениями; одна из комнат в Акротири, по мнению некоторых исследователей, могла быть спальней с остатками кровати или же святилищем. Часто изображались животные, в том числе необычное разнообразие морской фауны; «Морской стиль» – это тип расписной дворцовой керамики периодов MM III и LM IA, на которой изображены морские существа, в частности осьминоги, покрывающие всю поверхность сосуда, и который, вероятно, возник из аналогичных фресковых сцен; иногда эти изображения встречаются и в других видах искусства. Сцены охоты и войны, а также изображения лошадей и всадников, в основном датируются более поздними периодами и, возможно, были созданы критянами для микенского рынка или микенскими правителями Крита. Хотя минойские фигуры, будь то человеческие или животные, отличаются жизненностью и динамикой, они часто не отличаются точностью, и иногда невозможно определить, к какому виду относится изображенное животное; по сравнению с древнеегипетским искусством они часто более яркие, но менее реалистичные. По сравнению с искусством других древних культур в нем присутствует значительная доля женских фигур, хотя представление о том, что у минойцев были только богини и не было богов, сейчас отвергнуто. Большинство человеческих фигур изображены в профиль или в соответствии с египетским каноном, с головой и ногами в профиль и туловищем, обращенным фронтально; однако минойские художники преувеличивали такие черты, как узкая талия у мужчин и большая грудь у женщин.

The Minoan civilization of Crete is regarded as the oldest civilization in Europe. Minoan art is marked by imaginative images and exceptional workmanship. Sinclair Hood described an "essential quality of the finest Minoan art, the ability to create an atmosphere of movement and life although following a set of highly formal conventions". It forms part of the wider grouping of Aegean art, and in later periods came for a time to have a dominant influence over Cycladic art. Wood and textiles have decomposed, so most surviving examples of Minoan art are pottery, intricately carved Minoan seals, palace frescos which include landscapes), small sculptures in various materials, jewellery, and metalwork. The relationship of Minoan art to that of other contemporary cultures and later Ancient Greek art has been much discussed. It clearly dominated Mycenaean art and Cycladic art of the same periods, even after Crete was occupied by the Mycenaeans, but only some aspects of the tradition survived the Greek Dark Ages after the collapse of Mycenaean Greece. Minoan art has a variety of subject matter, much of it appearing across different media, although only some styles of pottery include figurative scenes. Bull leaping appears in painting and several types of sculpture, and is thought to have had a religious significance; bull's heads are also a popular subject in terracotta and other sculptural materials. There are no figures that appear to be portraits of individuals, or are clearly royal, and the identities of religious figures is often tentative, with scholars uncertain whether they are deities, clergy or devotees. Equally, whether painted rooms were "shrines" or secular is far from clear; one room in Akrotiri has been argued to be a bedroom, with remains of a bed, or a shrine. Animals, including an unusual variety of marine fauna, are often depicted; the "Marine Style" is a type of painted palace pottery from MM III and LM IA that paints sea creatures including octopus spreading all over the vessel, and probably originated from similar frescoed scenes; sometimes these appear in other media. Scenes of hunting and warfare, and horses and riders, are mostly found in later periods, in works perhaps made by Cretans for a Mycenaean market, or Mycenaean overlords of Crete. While Minoan figures, whether human or animal, have a great sense of life and movement, they are often not very accurate, and the species is sometimes impossible to identify; by comparison with Ancient Egyptian art they are often more vivid, but less naturalistic. In comparison with the art of other ancient cultures there is a high proportion of female figures, though the idea that Minoans had only goddesses and no gods is now discounted. Most human figures are in profile or in a version of the Egyptian convention with the head and legs in profile, and the torso seen frontally; but the Minoan figures exaggerate features such as slim male waists and large female breasts.

Классическая греческая и эллинистическая

В Древней Греции были великие художники, скульпторы и архитекторы. Парфенон – пример их архитектуры, дошедшей до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто считается высшей формой классического искусства. Живопись на керамике Древней Греции дает особенно ценные сведения об устройстве общества в Древней Греции. Техники вазовой живописи с черными и красными фигурами оставили множество сохранившихся образцов греческой живописи. Среди известных греческих живописцев, работавших на деревянных панелях и упоминаемых в источниках, – Апеллес, Зевксис и Паррасий, однако до наших дней не дошло ни одной работы древнегреческой панельной живописи, сохранились лишь письменные описания современников или более поздних римлян. Зевксис жил в V–VI веках до н.э. и, как считается, первым начал использовать сфумато. По словам Плиния Старшего, его картины были настолько реалистичными, что птицы пытались клевать нарисованный виноград. Апеллес считается величайшим художником античности благодаря безупречной технике рисунка, ярким краскам и мастерскому моделированию.

Римский

Римское искусство испытывало влияние Греции и в некоторой степени может рассматриваться как продолжатель древнегреческой живописи и скульптуры, но также подверглось сильному влиянию более локального этрусского искусства Италии. Римская скульптура представлена преимущественно портретами, созданными по заказу высших слоев общества, а также изображениями богов. Однако римская живопись обладает важными уникальными характеристиками. Среди сохранившихся римских картин – настенные росписи, многие из которых найдены в виллах Кампании, в Южной Италии, особенно в Помпеях и Геркулануме. Эти росписи можно разделить на четыре основных "стиля" или периода и они содержат одни из первых примеров обманки зрения (trompe l'œil), псевдоперспективы и чистого пейзажа. Почти все сохранившиеся живописные портреты из Древнего мира – это многочисленные портреты в форме бюстов, обнаруженные на позднеантичном кладбище Аль-Файюм. Они позволяют судить о качестве, которым должно было обладать лучшее древнее искусство. Сохранилось очень немного миниатюр из эпохи Поздней Античности, а также значительное количество их копий, созданных в эпоху Раннего Средневековья. Раннехристианское искусство выросло из римского народного, а затем имперского искусства, заимствуя иконографию из этих источников.

Раннее средневековое искусство

Искусство периода Великого переселения народов — это общий термин для искусства "варварских" народов, переселившихся на территории бывшей Римской империи. В кельтском искусстве VII и VIII веков произошло слияние с германскими традициями через взаимодействие с англосаксами, что привело к формированию так называемого гиберно-саксонского стиля, или инсулярного искусства, оказавшего значительное влияние на все последующее Средневековье. Меровингское искусство характеризует искусство франков примерно до 800 года, когда каролингское искусство объединило инсулярные влияния с осознанным обращением к античности, развившись в искусство Оттонов. Англосаксонское искусство — это искусство Англии после инсулярного периода. Основную часть сохранившейся живописи того времени представляют собой иллюминированные рукописи, однако важными видами искусства также были архитектура, металлообработка и мелкая резьба по дереву или слоновой кости.

Византийский

Византийское искусство перекрывается или сливается с тем, что мы называем раннехристианским искусством, вплоть до периода иконоборчества 730–843 годов, когда было уничтожено подавляющее большинство изобразительных произведений с фигурами; сохранилось так мало, что любое новое открытие и сегодня проливает свет на наше понимание. После 843 года и до 1453 года формируется отчетливая византийская художественная традиция. Это часто лучшее искусство Средневековья по качеству материалов и мастерству исполнения, производство которого было сосредоточено в Константинополе. Вершиной византийского искусства стали монументальные фрески и мозаики внутри купольных церквей, большинство из которых не сохранилось из-за стихийных бедствий и переоборудования церквей в мечети.

Романский стиль

Романское искусство охватывает период примерно с 1000 года до расцвета готического искусства в XII веке. Это была эпоха растущего благосостояния и время, когда впервые в Европе, от Скандинавии до Сицилии, сформировался единый художественный стиль. Романское искусство отличается энергичностью и прямотой, изначально было ярко расписано и часто весьма изысканно. Важными видами искусства стали витражи и эмаль на металле, а также развивалась круглая скульптура, хотя преобладающей техникой оставался высокий рельеф. В архитектуре этого стиля доминируют массивные стены, окна и арки с полуциркульным завершением и обилие резного декора.

Готический

Готическое искусство – термин, значение которого меняется в зависимости от вида ремесла, места и времени. Термин возник в связи с готической архитектурой в 1140 году, однако готическая живопись появилась лишь около 1200 года (эта датировка имеет множество оговорок), когда она отделилась от романского стиля. Готическая скульптура зародилась во Франции в 1144 году с реконструкцией аббатской церкви Сен-Дени и распространилась по всей Европе; к XIII веку она стала международным стилем, вытеснив романский. «Международная готика» описывает готическое искусство приблизительно с 1360 по 1430 год, после чего готическое искусство постепенно переходит в искусство Ренессанса в разное время и в разных местах. В этот период такие формы, как живопись – фрески и живопись по доске – приобретают новое значение, а к концу периода появляются новые техники, такие как гравюра.

Ренессанс

[[Файл:Уомо Витрувиано. jpg|thumb|upright=0.80|right|Витрувианский человек Леонардо да Винчи (Uomo Vitruviano) (ок. 1490) – основополагающая работа эпохи Возрождения. Рисунок вдохновлён и назван в честь римского архитектора I века до н.э. Витрувия и его представлений об "идеальных" пропорциях человеческого тела, изложенных в его труде «De architectura». Рисунок отражает увлечение эпохи греко-римскими цивилизациями, обращение к классическому искусству, а также стремление к установлению взаимосвязи между строением тела и природой. В 1290 году Джотто начал писать в манере, менее традиционной и более основанной на наблюдении природы. Его знаменитый цикл фресок в капелле Скровеньи в Падуе считается началом стиля Возрождения. Другие художники XIV века развивали готический стиль, доводя его до большой детализации. Среди них выделяются Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано. В Нидерландах техника масляной живописи, в отличие от темперы, позволила достичь большей детализации, не зависящей от использования золотой фольги и рельефа, а основанной на точном изображении окружающего мира. В это время развилось искусство реалистичной передачи фактур. Голландские художники, такие как Ян ван Эйк и Хуго ван дер Гоэс, оказали значительное влияние на живопись поздней готики и раннего Возрождения.

Ранний Ренессанс

Идеи эпохи Возрождения впервые возникли в городе-государстве Флоренция, Италия. Скульптор Донателло вернулся к классическим техникам, таким как контраппосто, и к классическим сюжетам, как, например, свободно стоящая обнажённая фигура – его вторая скульптура Давида стала первой отдельно стоящей бронзовой обнажённой фигурой, созданной в Европе со времён Римской империи. Скульптор и архитектор Брунеллески изучал архитектурные идеи древних римских построек в поисках вдохновения. Мазаччо усовершенствовал такие элементы, как композиция, индивидуальная выразительность и изображение человеческой фигуры, чтобы создавать фрески, особенно в капелле Бранкаччи, отличающиеся удивительной элегантностью, драматизмом и эмоциональностью. Значительное число этих выдающихся художников работали над разными частями Флорентийского собора. Купол Брунеллески для собора стал одним из первых по-настоящему революционных архитектурных новшеств со времён готических аркбутанов. Донателло создал многие скульптуры для него. Джотто и Лоренцо Гиберти также внесли свой вклад в строительство собора.

Высокий ренессанс

Среди художников Высокого Возрождения – Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти и Рафаэль Санцио. Художественные достижения XV века в Италии (например, интерес к перспективным системам, анатомии и античной культуре) достигли зрелости в XVI веке, что и обусловило термины «Раннее Возрождение» для XV века и «Высокое Возрождение» для XVI века. Хотя Высокое Возрождение не характеризуется единым стилем, искусство его наиболее ярких представителей – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Тициана – демонстрирует поразительное мастерство как в техническом, так и в эстетическом плане. Художники Высокого Возрождения создавали произведения, обладающие таким авторитетом, что последующие поколения обращались к ним за обучением. Эти образцовые творения искусства еще больше возвысили статус художников. Художники могли заявлять о божественном вдохновении, тем самым приподняв изобразительное искусство до уровня, ранее принадлежавшего лишь поэзии. Таким образом, живописцы, скульпторы и архитекторы утвердились в своих правах, добившись высокого положения для своего творчества среди изящных искусств. В определенном смысле, мастера XVI века создали новую профессию со своими собственными правами на самовыражение и своим благородным статусом.

Маньеризм, барокко и рококо

В европейском искусстве возрождение классицизма породило два различных направления – маньеризм и барокко. Маньеризм, как реакция на идеалистическое совершенство классицизма, использовал искажение света и пространственных конструкций, чтобы подчеркнуть эмоциональное содержание картины и переживания художника. Работы Эль Греко являются особенно ярким примером маньеризма в живописи конца XVI – начала XVII веков. Северный маньеризм развивался медленнее и был преимущественно движением последней половины XVI века. Искусство барокко вывело репрезентативность эпохи Возрождения на новый уровень, акцентируя детали, движение, освещение и драматизм в стремлении к красоте. Среди наиболее известных художников барокко – Караваджо, Рембрандт, Питер Пауль Рубенс и Диего Веласкес. В XVII веке в голландской живописи Золотого века сформировалось довольно отличное направление, в котором было мало религиозного и исторического искусства, зато оно сыграло важную роль в развитии светских жанров, таких как натюрморт, бытовые сцены и пейзаж. Хотя барочность стиля Рембрандта очевидна, это определение менее применимо к Вермееру и многим другим голландским художникам. Фламандское барокко также участвовало в этой тенденции, продолжая развивать традиционные жанры. Барокко часто рассматривается как часть Контрреформации – художественное выражение возрождения духовной жизни в Римско-католической церкви. Кроме того, акцент барокко на величии расценивается как проявление абсолютизма. Религиозные и политические темы широко исследовались в контексте искусства барокко, а картины и скульптуры отличались сильным драматизмом, эмоциональностью и театральностью. Знаменитые художники барокко включают Караваджо и Рубенса. Артемизия Джентилески – еще одна выдающаяся художница, вдохновленная стилем Караваджо. Искусство барокко отличалось особой пышностью и сложностью, часто используя насыщенные, теплые цвета с темными оттенками. Величие и помпезность были важными элементами барочного движения в целом, что отражено в словах Людовика XIV: «Я – само воплощение величия». Многие художники барокко служили королям, стремившимся реализовать эту идею. Во многом искусство барокко было созвучно искусству эпохи Возрождения; на самом деле, этот термин изначально использовался в уничижительном смысле для описания искусства и архитектуры, последовавших за Ренессансом и отличавшихся чрезмерной вычурностью. В то время как барокко использовало насыщенные, яркие цвета, рококо предпочитало нежные, кремовые оттенки. Художественное движение больше не акцентировало внимание на политике и религии, сосредоточившись на более легких темах, таких как романтика, празднование жизни и восхищение природой. Искусство рококо контрастировало с барокко, часто отказываясь от симметрии в пользу асимметричных композиций. Кроме того, оно черпало вдохновение в художественных формах и орнаментах Дальнего Востока, что привело к популярности фарфоровых статуэток и китайских мотивов в целом. Стиль XVIII века процветал недолго; однако рококо вскоре утратил популярность, поскольку многие считали его показным и поверхностным движением, ставящим эстетику выше смысла. Неоклассицизм во многом развился как реакция на рококо, вызванная неприятием его чрезмерной декоративности.

In European art, Renaissance Classicism spawned two different movements—Mannerism and the Baroque. Mannerism, a reaction against the idealist perfection of Classicism, employed distortion of light and spatial frameworks in order to emphasize the emotional content of a painting and the emotions of the painter. The work of El Greco is a particularly clear example of Mannerism in painting during the late 16th, early 17th centuries. Northern Mannerism took longer to develop, and was largely a movement of the last half of the 16th century. Baroque art took the representationalism of the Renaissance to new heights, emphasizing detail, movement, lighting, and drama in their search for beauty. Perhaps the best known Baroque painters are Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, and Diego Velázquez. A rather different art developed out of northern realist traditions in 17th century Dutch Golden Age painting, which had very little religious art, and little history painting, instead playing a crucial part in developing secular genres such as still life, genre paintings of everyday scenes, and landscape painting. While the Baroque nature of Rembrandt's art is clear, the label is less use for Vermeer and many other Dutch artists. Flemish Baroque painting shared a part in this trend, while also continuing to produce the traditional categories. Baroque art is often seen as part of the Counter Reformation—the artistic element of the revival of spiritual life in the Roman Catholic Church. Additionally, the emphasis that Baroque art placed on grandeur is seen as Absolutist in nature. Religious and political themes were widely explored within the Baroque artistic context, and both paintings and sculptures were characterised by a strong element of drama, emotion and theatricality. Famous Baroque artists include Caravaggio or Rubens. Artemisia Gentileschi was another noteworthy artist, who was inspired by Caravaggio's style. Baroque art was particularly ornate and elaborate in nature, often using rich, warm colours with dark undertones. Pomp and grandeur were important elements of the Baroque artistic movement in general, as can be seen when Louis XIV said, "I am grandeur incarnate"; many Baroque artists served kings who tried to realize this goal. Baroque art in many ways was similar to Renaissance art; as a matter of fact, the term was initially used in a derogative manner to describe post Renaissance art and architecture which was over elaborate. Whilst the Baroque used rich, strong colours, Rococo used pale, creamier shades. The artistic movement no longer placed an emphasis on politics and religion, focusing instead on lighter themes such as romance, celebration, and appreciation of nature. Rococo art also contrasted the Baroque as it often refused symmetry in favor of asymmetrical designs. Furthermore, it sought inspiration from the artistic forms and ornamentation of Far Eastern Asia, resulting in the rise in favour of porcelain figurines and chinoiserie in general. The 18th century style flourished for a short while; nevertheless, the Rococo style soon fell out of favor, being seen by many as a gaudy and superficial movement emphasizing aesthetics over meaning. Neoclassicism in many ways developed as a counter movement of the Rococo, the impetus being a sense of disgust directed towards the latter's florid qualities.

Неоклассицизм, романтизм, академизм и реализм

Неоклассическое искусство, вдохновленное различными классическими темами, характеризовалось акцентом на простоте, порядке и идеализме. На изображении Антонио Канова «Психея, возвращенная к жизни поцелуем Купидона» (1787–1793).

thumb|right|Neoclassical art, inspired by different classical themes, was characterised by an emphasis on simplicity, order and idealism. In the image Antonio Canova's Psyche Revived by Cupid's Kiss (1787 1793)

Throughout the 18th century, a counter movement opposing the Rococo sprang up in different parts of Europe, commonly known as Neoclassicism. It despised the perceived superficiality and frivolity of Rococo art, and desired for a return to the simplicity, order and 'purism' of classical antiquity, especially ancient Greece and Rome. The movement was in part also influenced by the Renaissance, which itself was strongly influenced by classical art. Neoclassicism was the artistic component of the intellectual movement known as the Enlightenment; the Enlightenment was idealistic, and put its emphasis on objectivity, reason and empirical truth. Neoclassicism had become widespread in Europe throughout the 18th century, especially in the United Kingdom, which saw great works of Neoclassical architecture spring up during this period; Neoclassicism's fascination with classical antiquity can be seen in the popularity of the Grand Tour during this decade, where wealthy aristocrats travelled to the ancient ruins of Italy and Greece. Nevertheless, a defining moment for Neoclassicism came during the French Revolution in the late 18th century; in France, Rococo art was replaced with the preferred Neoclassical art, which was seen as more serious than the former movement. In many ways, Neoclassicism can be seen as a political movement as well as an artistic and cultural one. Neoclassical art places an emphasis on order, symmetry and classical simplicity; common themes in Neoclassical art include courage and war, as were commonly explored in ancient Greek and Roman art. Ingres, Canova, and Jacques Louis David are among the best known neoclassicists. thumb|Eugène Delacroix, Liberty Leading the People 1830, Romantic art. Just as Mannerism rejected Classicism, so did Romanticism reject the ideas of the Enlightenment and the aesthetic of the Neoclassicists. Romanticism rejected the highly objective and ordered nature of Neoclassicism, and opted for a more individual and emotional approach to the arts. Romanticism placed an emphasis on nature, especially when aiming to portray the power and beauty of the natural world, and emotions, and sought a highly personal approach to art. Romantic art was about individual feelings, not common themes, such as in Neoclassicism; in such a way, Romantic art often used colours in order to express feelings and emotion. Before the advent of postmodernism, the fine arts were characterised by a form of aesthetic quality, elegance, craftsmanship, finesse and intellectual stimulation which was intended to appeal to the upper or educated classes; this distinguished high art from low art, which, in turn, was seen as tacky, kitsch, easily made and lacking in much or any intellectual stimulation, art which was intended to appeal to the masses. Postmodern art blurred these distinctions, bringing a strong element of kitsch, commercialism and campness into contemporary fine art; have denounced or attempted to "supersede" painting, and there have also been other anti painting trends among artistic movements, such as that of Dada and conceptual art. The trend away from painting in the late 20th century has been countered by various movements, for example the continuation of Minimal Art, Lyrical Abstraction, Pop Art, Op Art, New Realism, Photorealism, Neo Geo, Neo expressionism, New European Painting, Stuckism, Excessivism and various other important and influential painterly directions.

На протяжении всего XVIII века в разных частях Европы возникло контр-движение, противостоящее рококо, обычно известное как неоклассицизм. Оно презирало кажущуюся поверхностность и легкомыслие искусства рококо и стремилось к возвращению к простоте, порядку и «пуризму» классической античности, особенно Древней Греции и Рима. На движение частично повлияло также Возрождение, которое само было под сильным влиянием классического искусства. Неоклассицизм был художественной составляющей интеллектуального движения, известного как Просвещение; Просвещение было идеалистическим и делало упор на объективность, разум и эмпирическую истину. Неоклассицизм получил широкое распространение в Европе в течение XVIII века, особенно в Великобритании, где в этот период появились выдающиеся произведения неоклассической архитектуры; увлечение неоклассицизма классической античностью проявлялось в популярности «Гранд-тура» в это десятилетие, когда богатые аристократы путешествовали к древним руинам Италии и Греции. Тем не менее, определяющим моментом для неоклассицизма стала Французская революция в конце XVIII века; во Франции искусство рококо было заменено предпочтительным неоклассическим искусством, которое считалось более серьезным, чем предыдущее направление. Во многом неоклассицизм можно рассматривать как политическое движение, а также художественное и культурное. Неоклассическое искусство делает акцент на порядке, симметрии и классической простоте; распространенные темы в неоклассическом искусстве включают в себя мужество и войну, как это часто изображалось в древнегреческом и римском искусстве. Ингрес, Канова и Жак-Луи Давид – одни из наиболее известных представителей неоклассицизма.

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ» (1830), искусство романтизма. Подобно тому, как маньеризм отверг классицизм, так и романтизм отверг идеи Просвещения и эстетику неоклассиков. Романтизм отверг высокообъективную и упорядоченную природу неоклассицизма и склонился к более индивидуальному и эмоциональному подходу к искусству. Романтизм делал акцент на природе, особенно стремясь передать силу и красоту природного мира, а также на эмоциях, и искал глубоко личный подход к искусству. Романтическое искусство было посвящено индивидуальным чувствам, а не общим темам, как в неоклассицизме; таким образом, в романтическом искусстве часто использовались цвета для выражения чувств и эмоций. До появления постмодернизма изобразительное искусство характеризовалось определенным эстетическим качеством, элегантностью, мастерством, изысканностью и интеллектуальной стимуляцией, которые предназначались для обращения к высшим или образованным классам; это отличало высокое искусство от низкого искусства, которое, в свою очередь, считалось вульгарным, китчем, легко создаваемым и лишенным интеллектуальной глубины, искусством, предназначенным для широких масс. Постмодернистское искусство размыло эти различия, привнесши в современное изобразительное искусство сильный элемент китча, коммерциализма и экстравагантности; некоторые художники отвергли или попытались «превзойти» живопись, а также существовали другие антиживописные тенденции в художественных движениях, такие как дадаизм и концептуальное искусство. Тенденция отказа от живописи в конце XX века была встречена различными движениями, например, продолжением минимального искусства, лирической абстракции, поп-арта, оп-арта, нового реализма, фотореализма, нео-гео, неоэкспрессионизма, новой европейской живописи, стукизма, эксессивизма и других важных и влиятельных живописных направлений.