Джозеф Косут: Американский художник-концептуалист

Введение

Американский концептуальный художник Джозеф Косут (произношение: /ˈkoʊsʊθ/; родился 31 января 1945 года) — американский концептуальный художник, проживающий в Нью-Йорке и Лондоне, после жизни в различных городах Европы, включая Гент и Рим.

Ранние годы и карьера

Родился в Толедо, штат Огайо, у американской матери и венгерского отца. (Один из родственников, Лайош Кошут, прославился своей ролью в Венгерской революции 1848 года.) Джозеф Кошут учился в Школе дизайна Музея Толедо с 1955 по 1962 год и занимался частным образом у бельгийской художницы Лины Блум Дрейпер. В 1963 году Кошут поступил в Кливлендский институт искусств по стипендии. Следующий год он провёл в Париже и путешествовал по Европе и Северной Африке. В 1965 году переехал в Нью-Йорк и учился в Школе визуальных искусств до 1967 года. В Школе визуальных искусств он оказал значительное влияние, будучи формально студентом, повлияв на сокурсников, а также на более консервативных преподавателей того времени, таких как Мел Бохнер. По мере роста его репутации, в 1967 году Кошут был исключён из студенческого состава и получил должность преподавателя, по решению Сайласа Роудса, основателя и президента школы. Это вызвало почти восстание среди преподавателей, поскольку многие считали его деструктивным элементом, и несколько из них были недовольны его постоянным вопрошанием основных предпосылок. Его назначение на должность преподавателя также было обусловлено внеучебной деятельностью Кошута, включая сооснование Музея нормального искусства (предоставившего первую платформу таким художникам, как Роберт Райман, Он Кавара, Ханне Дарбовен и другим), а также активную пропаганду и организацию художников в направлении, которое впоследствии было определено как концептуальное искусство. Своим творчеством, письмами и организационной деятельностью он подчеркивал свой интерес к диалектическому процессу формирования идей в связи с языком и контекстом. Он выдвинул идею о том, что искусство, по его словам, "касается не форм и цветов, а производства смысла". Его работы положили начало переосмыслению модернизма, инициировав серьёзную переоценку значения Марселя Дюшана и сигнализируя о переходе к тому, что мы сейчас определяем в искусстве как постмодернизм. Его анализ оказал значительное влияние на его художественную практику и вскоре после этого – на практику других. В этот период он также продолжал свои академические интересы. Его должность на факультете изобразительного искусства Школы визуальных искусств в Нью-Йорке продолжалась до 1985 года. С 1988 по 1990 год он был профессором в Высшей школе изобразительных искусств в Гамбурге, а с 1991 по 1997 год – в Государственной академии изобразительных искусств в Штутгарте. В настоящее время он является профессором в Мюнхенской академии искусств и в Институте архитектуры университета, на факультете дизайна и искусства, в Венеции. На протяжении почти тридцати лет он приглашался в качестве приглашённого профессора и гостевого лектора в различные университеты и учреждения, в том числе: Йельский университет; Корнеллский университет; Нью-Йоркский университет; Университет Дьюка; UCLA; CalArts; Купер Юнион; Институт Пратта; Музей современного искусства, Нью-Йорк; Институт искусств Чикаго; Королевская академия, Копенгаген; Музей Эшмолеон, Оксфордский университет; Университет Рима; Берлинская академия искусств; Королевский колледж искусств, Лондон; Школа искусств Глазго; Галерея Хейворд, Лондон; Сорбонна, Париж; Музей Зигмунда Фрейда, Вена. Кошут продолжал свою работу, писать, выставляться и организовывать выставки, быстро став признанным одним из пионеров концептуального искусства и инсталляционного искусства, инициируя работы, основанные на языке, а также работы, основанные на фотографии, и стратегии апроприации с начала своей деятельности в середине 1960-х годов. Его деятельность последовательно исследует производство и роль языка и смысла в искусстве. Его почти тридцатилетнее исследование взаимосвязи языка и искусства приняло форму инсталляций, музейных выставок, общественных заказов и публикаций по всей Европе, Америке и Дальнему Востоку, включая пять Documenta и четыре Венецианские биеннале. Его ранние работы, "Протоисследования", были выполнены, когда ему было всего двадцать лет, и, поскольку они считаются одними из первых работ концептуального движения, они включены в такие коллекции, как Музей современного искусства, Музей Гуггенхайма, Музей Уитни, Центр Помпиду, Галерея Тейт, Королева София в Мадриде и многие другие, и составляют юношескую запись в большинстве этих крупных коллекций. Карьера Джозефа Кошута включает более 170 персональных выставок в музеях и галереях по всему миру, двадцать две из них были организованы до достижения им двадцати пяти лет. В 1989 году Кошут вместе с Петером Пакешем основал Фонд искусств в рамках Музея Зигмунда Фрейда в Вене. Он является президентом фонда. Фонд был учреждён в 50-ю годовщину смерти Зигмунда Фрейда и представляет собой объединение художников, которые посредством взносов членов формируют коллекцию современного искусства в честь и в связи с Зигмундом Фрейдом. Выставочное пространство фонда расположено в бывших кабинетах Анны Фрейд в Музее Зигмунда Фрейда в Вене.

Born in Toledo, Ohio, Kosuth had an American mother and a Hungarian father. (A relative, Lajos Kossuth, achieved notability for his role in the Hungarian Revolution of 1848.) Joseph Kosuth attended the Toledo Museum School of Design from 1955 to 1962 and studied privately under the Belgian painter Line Bloom Draper. In 1963 Kosuth enrolled at the Cleveland Institute of Art on a scholarship. He spent the following year in Paris and traveled throughout Europe and North Africa. He moved to New York in 1965 and attended the School of Visual Arts there until 1967. At the School of Visual Arts he made a significant impact while technically a student, influencing fellow students as well as more traditional teachers there at the time such as Mel Bochner. As Kosuth's reputation grew, he was removed from the student body and given a position as a teacher, by Silas Rhodes the founder and President of the school, in 1967. This caused a near revolt of the faculty, as he had been a disruptive presence in the opinion of many of the instructors, several who had unhappily faced his questioning of basic presumptions. His elevation to a teacher was also a result of Kosuth's outside activities, which included the co founding of the Museum of Normal Art (giving the first exposure to artists such as Robert Ryman, On Kawara, Hanne Darboven, among others) along with proselytizing and organizing artists in a direction which was later identified as the conceptual art movement. Through his art, writing and organizing, he emphasized his interest in the dialectical process of idea formation in relation to language and context. He introduced the notion that art, as he put it, "was not a question of forms and colors but one of the production of meaning." His writing began a re reading of modernism, initiating a major re evaluation of the importance of Marcel Duchamp and signaling the shift into what we now identify, in art, as post modernism. His analysis had a major impact on his practice as an artist and, soon after, on that of others. During this period he also maintained his academic interests. His position on the Faculty, Department of Fine Art, The School of Visual Arts, New York City continued until 1985. He since been Professor at the Hochschule für Bildende Künste, Hamburg, 1988–90; and at the State Academy of Fine Arts Stuttgart, 1991–1997. Currently he is Professor at the Kunstakademie Munich and at the Istituto Universitario di Architettura, Faculty of Design and Art, in Venice. He has been invited as a visiting professor and guest lecturer at various universities and institutions for nearly thirty years, some of which include: Yale University; Cornell University; New York University; Duke University; UCLA; Cal Arts; Cooper Union; Pratt Institute; The Museum of Modern Art, New York; Art Institute of Chicago; Royal Academy, Copenhagen; Ashmoleon Museum, Oxford University; University of Rome; Berlin Kunstakademie; Royal College of Art, London; Glasgow School of Art; The Hayward Gallery, London; The Sorbonne, Paris; The Sigmund Freud Museum, Vienna. Kosuth continued his work, writing, exhibiting and exhibition organizing and rapidly became acknowledged as one of the pioneers of Conceptual art and installation art; initiating language based works as well as photo based works and appropriation strategies since the beginning of his work in the mid 1960s. His activity has consistently explored the production and role of language and meaning within art. Kosuth's nearly thirty five year inquiry into the relation of language to art has taken the form of installations, museum exhibitions, public commissions and publications throughout Europe, the Americas and the Far East, including five Documenta(s) and four Venice Biennale(s). His earliest work, the Protoinvestigations, were done when he was only twenty years old and as they are considered among the first works of the Conceptual art movement they are included in collections such as The Museum of Modern Art, The Guggenheim, The Whitney, Centre Pompidou, The Tate Gallery, The Reina Sophia, Madrid, among many others, and constitute a youthful record in most of these major collections. Joseph Kosuth's career includes over 170 one person exhibitions in museums and galleries around the world, twenty two of them by the time he was twenty five years old. In 1989 Kosuth, along with Peter Pakesch, founded The Foundation for the Arts as part of The Sigmund Freud Museum, Vienna. He is the President of the foundation. The foundation was established on the 50th anniversary of Sigmund Freud's death, and is a society of artists engaged, through contributions by members, in forming a collection of contemporary art in honor of and in relevance to Sigmund Freud. The foundation's exhibition space is in the former offices of Anna Freud at the Sigmund Freud Museum, Vienna.

Работа

Косут принадлежит к широкому международному поколению концептуальных художников, появившемуся в середине 1960-х годов. Эти художники освобождали искусство от личных эмоций, сводя его к почти чистой информации или идее и значительно снижая роль самого объекта искусства. Наряду с Лоуренсом Вайнером, Он Каварой, Ханне Дарбовен и другими, Косут придает особое значение языку. Его искусство, как правило, стремится исследовать природу искусства, а не создавать то, что традиционно называют «искусством». Работы Косута часто являются самореферентными. В 1969 году он заметил: «Ценность» отдельных художников после Дюшана можно оценить по степени их сомнений в природе искусства». В работах Косута часто встречаются отсылки к психоанализу Зигмунда Фрейда и философии языка Людвига Витгенштейна, в частности, к таким словам, как «вода», «смысл» и «идея». Фотографические изображения сопровождаются сертификатами документации и подтверждения прав собственности (не предназначенными для экспонирования), указывающими, что работы могут быть созданы и воссозданы для выставочных целей. Одной из его самых известных работ является «Один и три стула». В ней представлены физический стул, фотография этого стула и словарное определение слова «стул». Фотография изображает реальный стул, расположенный на полу, на переднем плане работы. Определение, размещенное на той же стене, что и фотография, словесно описывает концепцию стула в его различных проявлениях. В этой и других подобных работах, таких как «Четыре цвета, четыре слова» и «Стекло один и три», Косут использует тавтологические утверждения, где сами работы буквально соответствуют тому, что они собой представляют. В сотрудничестве с независимым режиссером Марион Кажори, 11 сентября 1972 года был создан минималистичный портрет солнечного света в студии Кажори. Его основополагающий текст «Искусство после философии», написанный в 1968–69 годах, оказал значительное влияние на осмысление искусства того времени и с тех пор рассматривается как своего рода «манифест» концептуального искусства, поскольку он предоставил единственную теоретическую основу для этой практики. (В результате он был переведен на 14 языков и включен в множество антологий.) Для двадцатичетырехлетнего Косута, написавшего его, это был скорее «агитпроп» – атака на гринберговский формализм, который Косут считал последним оплотом позднего, институционализированного модернизма, чем что-либо другое. Для него это также стало итогом того, что он усвоил от Витгенштейна, дополненного идеями Вальтера Беньямина и других, применительно к этому переходному моменту в искусстве. В начале 1970-х годов, обеспокоенный своей «этноцентричностью как белого мужчины-художника», Косут поступил в Новую школу для изучения антропологии. Он посетил острова Тробрианда в южной части Тихого океана (прославившиеся благодаря исследованиям антрополога Бронислава Малиновского) и индейцев хуаллага в перуанской Амазонии.

Kosuth belongs to a broadly international generation of conceptual artists that began to emerge in the mid 1960s, stripping art of personal emotion, reducing it to nearly pure information or idea and greatly playing down the art object. Along with Lawrence Weiner, On Kawara, Hanne Darboven and others, Kosuth gives special prominence to language. His art generally strives to explore the nature of art rather than producing what is traditionally called "art". Kosuth's works are frequently self referential. He remarked in 1969:
"The 'value' of particular artists after Duchamp can be weighed according to how much they questioned the nature of art." Kosuth's works frequently reference Sigmund Freud's psycho analysis and Ludwig Wittgenstein's philosophy of language. of words such as "water", "meaning", and "idea". Accompanying these photographic images are certificates of documentation and ownership (not for display) indicating that the works can be made and remade for exhibition purposes. One of his most famous works is One and Three Chairs. The piece features a physical chair, a photograph of that chair, and the text of a dictionary definition of the word "chair". The photograph is a representation of the actual chair situated on the floor, in the foreground of the work. The definition, posted on the same wall as the photograph, delineates in words the concept of what a chair is, in its various incarnations. In this and other, similar works, Four Colors Four Words and Glass One and Three, Kosuth forwards tautological statements, where the works literally are what they say they are. A collaboration with independent filmmaker Marion Cajori, Sept. 11, 1972 was a Minimalist portrait of sunlight in Cajori's studio. His seminal text Art after Philosophy, written in 1968–69, had a major impact on the thinking about art at the time and has been seen since as a kind of "manifesto" of Conceptual art insofar as it provided the only theoretical framework for the practice at the time. (As a result, it has since been translated into 14 languages, and included in a score of anthologies.) It was, for the twenty four year old Kosuth that wrote it, in fact more of a "agitprop" attack on Greenbergian formalism, what Kosuth saw as the last bastion of late, institutionalized modernism more than anything else. It also for him concluded at the time what he had learned from Wittgenstein dosed with Walter Benjamin among others as applied to that very transitional moment in art. In the early 1970s, concerned with his "ethnocentricity as a white, male artist", Kosuth enrolled in the New School to study anthropology. He visited the Trobriand Islands in the South Pacific (made famous in studies by the anthropologist Bronislaw Malinowski), and the Huallaga Indians in the Peruvian Amazon.

Сотрудничество

В 1992 году Косут разработал обложку альбома "Fragments of a Rainy Season" Джона Кейла. Два года спустя Косут сотрудничал с Ильей Кабаковым для создания инсталляции "Корридор двух банальностей", представленной в Центре современного искусства в Варшаве. Эта инсталляция состояла из 120 столов, выстроенных в ряд, на которых был представлен текст, отражающий характерные черты культур, из которых они оба родом.

Комиссии

С 1990 года Косут также начал работать над различными постоянными общественными заказами. В начале 1990-х годов он спроектировал памятник египтологу Жану Франсуа Шампольону, расшифровавшему Розеттский камень, по заказу правительства в Фигеаке; в Японии он курировал выставку, посвященную открытию магазина Barneys New York в Токио; а во Франкфурте (Германия) и Колумбусе (штат Огайо) он создал неоновые монументы в честь немецкого культуролога Вальтера Бенджамина. После реализации проектов в общественных зданиях, таких как Deutsche Bundesbank (1997), Дом Парламента в Стокгольме (1998) и Парламент Брюссельского столичного региона (1999), Косуту поручили разработать произведение для недавно отреставрированного здания Бундестага в 2001 году. Он спроектировал напольную инсталляцию с текстами Рикарды Хух и Томаса Манна для Paul Löbe Haus [de].

Преподаватель

Косут преподавал в качестве приглашенного лектора и преподавателя в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке (1967–85); Hochschule für bildende Künste Hamburg (1988–90); Государственной академии изобразительных искусств в Штутгарте (1991–97); и Академии изобразительных искусств в Мюнхене (2001–06). В настоящее время – профессор Istituto Universitario di Architettura в Венеции. На протяжении почти сорока лет Косут также работал приглашенным профессором и читал лекции в различных университетах и учреждениях, включая: Йельский университет, Корнеллский университет, Нью-Йоркский университет, Университет Дьюка, UCLA, CalArts, Купер Юнион, Институт Пратта, Музей современного искусства в Нью-Йорке, Художественный институт Чикаго, Королевскую академию в Копенгагене, Музей Эшмолеана при Оксфордском университете, Римский университет, Берлинскую Kunstakademie, Королевский колледж искусств в Лондоне, Школу искусств Глазго, Галерею Хейворда в Лондоне, Сорбонну в Париже и Музей Зигмунда Фрейда в Вене. Среди его учеников – Мишель Маджер.

Сочинения

Косут стал американским редактором журнала Art & Language в 1969 году. В том же году он организовал выставку своих работ под названием «Пятнадцать мест», которая одновременно проходила в пятнадцати музеях и галереях по всему миру; он также участвовал в знаковой выставке концептуального искусства в галерее Сета Сигелауба в Нью-Йорке.

Куратор

Для выставки "Пятнадцать человек представляют свою любимую книгу", организованной в галерее Ланнис, Нью-Йорк, в 1967 году, Косут собрал художников-единомышленников: Роберта Морриса, Ада Райнхардта, Сола Левитта, Роберта Мангольда, Дэна Грэма, Роберта Смитсона, Карла Андре, Роберта Раймана и других. В том же году, вместе с Кристиной Козлов, он основал Музей нормального искусства в Нью-Йорке, будучи студентом Школы изобразительных искусств. После того, как в 1989 году он передал работу в музей Зигмунда Фрейда в Вене, Косут, находясь под сильным влиянием Фрейда, пригласил других художников последовать его примеру; сегодня в музее находится 13 работ 13 концептуалистов, испытавших влияние Фрейда. Также в 1989 году Косут курировал выставку Людвига Витгенштейна "Das Spiel des Unsagbaren" в честь столетия со дня рождения философа, на которой представил множество работ коллег. Он отобрал экспонаты практически из всех отделов музея, включая религиозную живопись, многочисленные изображения обнажённых фигур, социальную сатиру и некоторые эротические произведения. Среди отобранных работ были скульптуры Огюста Родена, изображающие обнимающихся лесбиянок, и мебель из Баухауса – авангардной немецкой школы дизайна, закрытой нацистами.

Признание

Косут был удостоен гранта Фонда Кассандра в 1968 году, в возрасте 23 лет, по рекомендации Марселя Дюшана за неделю до его смерти. В 1993 году он получил Menzione d'Onore на Венецианской биеннале и был удостоен звания Кавалера ордена Искусств и литературы. В 1999 году в знак признания его заслуг французское правительство выпустило почтовую марку номиналом 3 франка в Фигеаке. В 2001 году он получил степень доктора honoris causa по философии и литературе в Болонском университете. В 2003 году Косут был награжден высшей наградой Австрийской Республики за достижения в науке и культуре – орденом Почёта в золоте. В 2017 году Косут получил премию Европейского культурного центра за его многолетнюю приверженность созданию смысла посредством современного искусства. Среди других наград – премия Брандейса (1990) и премия Фредерика Вайсмана (1991). Работы Джозефа Косута находятся в собраниях Галереи американского искусства Аддисона (Андовер, Массачусетс), Музея искусств Фреда Джонса-младшего (Норман, Оклахома), Музея искусств Гонолулу, Центра международного искусства света (Унна, Германия), Музея современного искусства в Лионе (Лион, Франция), Национальной галереи Виктории (Мельбурн, Австралия), Музея искусств Сент-Луиса (Сент-Луис, Миссури), Музея искусств Университета Аризоны (Тусон, Аризона) и Музея американского искусства Уитни (Нью-Йорк).