Графическая нотация в музыке: история и современные подходы.

Введение

Тип представления музыки
Графическая нотация (или графическая партитура) — это представление музыки посредством визуальных символов, выходящих за рамки традиционной музыкальной нотации. Графическая нотация приобрела популярность в 1950-х годах и может использоваться как в сочетании с традиционной музыкальной нотацией, так и вместо неё. В своей концепции графическая нотация находилась под влиянием современных тенденций в изобразительном искусстве, привнося стилистические элементы современного искусства в музыку. Композиторы часто прибегают к графической нотации в экспериментальной музыке, где стандартная музыкальная нотация может оказаться неэффективной. Также она используется в произведениях, где требуется алеаторический или неопределённый эффект. Одним из первых пионеров этой техники был Эрл Браун, который вместе с Джоном Кейджем стремился освободить исполнителей от ограничений, налагаемых нотацией, и сделать их активными соавторами музыкального произведения.

Характеристики

Графическая нотация характеризуется своей изменчивостью и отсутствием стандартизации. Согласно «Бейкерской студенческой энциклопедии музыки», том 1, «Графическая нотация используется для указания чрезвычайно точной (или намеренно неточной) высоты звука или для стимулирования музыкального поведения или действий при исполнении». Современная графическая нотация в значительной степени опирается на воображение и вдохновение каждого отдельного исполнителя для интерпретации визуального контента, предоставленного композитором. Из-за этой относительной свободы реализация графически обозначенных произведений обычно варьируется от исполнения к исполнению. Например, в нотации «E» своей пьесы «Концерт для фортепиано и оркестра» Джон Кейдж пишет: «Играйте руками, как указано. Если ключи различаются, нота относится либо к басу, либо к треб», – неопределенность, которая не является необычной для работ Кейджа и оставляет принятие решений на усмотрение исполнителя. Некоторые графические партитуры можно определить как основанные на действиях, где музыкальные жесты обозначаются формами, а не традиционными музыкальными идеями. Графическую нотацию трудно охарактеризовать однозначно, поскольку система нотации ограничена лишь воображением и способностями композитора. Хотя некоторые композиторы, такие как Джон Кейдж, были характерны для Ars subtilior, «эксперименты с мензурными знаками и графическими формами и цветами часто были особенностью музыкального дизайна – ради визуального, а не обязательно звукового эффекта». Другим примером «глазной музыки» из ars subtilior является «La harpe de melodie» Якоба Сенлеша, где голоса записаны на нотном стане, напоминающем струны арфы. Популярность «глазной музыки» снизилась после движения гуманистов в середине XVI века, но позднее возродилась в двадцатом веке, когда использование графических партитур снова стало заметным. Музыкальный педагог XIX века Пьер Гален разработал метод нотации музыки, известный как система Галена-Парижа-Шеве, основанный на системе нотации, созданной в XVIII веке Жаном Жаком Руссо. Эта система использовала цифры для обозначения ступеней лада и точки над или под нотой, чтобы указать, находятся ли они в самой низкой или самой высокой октаве. Средняя октава, относительно примера, не содержала точек. Бемоли и диезы обозначались обратными и прямыми слешами соответственно. Продолжительность ноты обозначалась точками, а пауза – цифрой ноль. Этот метод в основном использовался для обучения сольфеджио. Использование символов для обозначения музыкального направления можно сравнить с ранней версией графической нотации. Как отмечает Ж.И. Боссёр в «La musique du XXe siècle à la croisée des arts», партитура эволюционировала в сторону представления управления пространством, графическим пространством, которое позволяет нам понять многочисленные связи, заключенные в нем. Графическая нотация в ее современном виде впервые появилась в 1950-х годах как развитие движения алеаторики, начатого Джоном Кейджем. Изначально эта техника использовалась музыкантами авангарда и проявлялась в использовании символов для передачи информации, которую невозможно было передать традиционной нотацией, например, расширенных техник. С момента своего появления графические партитуры эволюционировали в две основные категории: одна – изобретение новых систем нотации для передачи конкретных музыкальных техник, а другая – использование концептуальной нотации, такой как формы, рисунки и другие художественные приемы, предназначенные для вызова импровизации у исполнителя. Примером первой является «Projection 1» Мортона Фельдмана, который был результатом рисования Фельдманом абстрактных форм на миллиметровой бумаге.

Graphic notation is characterized by its variability and lack of standardization. According to Baker's Student Encyclopedia of Music, Vol. 1, "Graphic notation is used to indicate extremely precise (or intentionally imprecise) pitch or to stimulate musical behavior or actions in performance." Modern graphic notation relies heavily on the imagination and inspiration of each individual performer to interpret the visual content provided by the composer. Because of this relative freedom, the realization of graphically notated pieces usually varies from performance to performance. For example, in notation indication "E" of his piece Concert for Piano and Orchestra, John Cage writes: "Play with hands indicated. Where clefs differ, a note is either bass or treble", an indeterminacy which is not unusual in Cage's work, and which leaves decision making up to the performer. Some graphic scores can be defined as action based, where musical gestures are notated as shapes instead of conventional musical ideas. Graphic notation is difficult to characterize with specificity, as the notation system is only limited by the imagination and ability of the composer. Though some composers, like John Cage, Characteristic of the Ars subtilior, "experimentations with mensural signs and graphic shapes and colours were often a feature of musical design – for the sake of visual, rather than necessarily audible effect." Another example of eye music from the ars subtilior is Jacob Senleches' La harpe de melodie, where the voices are notated on a stave that appears to be the strings of a harp. Eye music's popularity died down after the Humanist movement of the mid 16th century, later to be revitalized in the twentieth century as the use of graphic scores became prominent once again. The 19th century music educator Pierre Galin developed a method of notating music known as the Galin Paris Chevé system, building on a notation system created in the 18th century by Jean Jacques Rousseau. This system used numbers to indicate scale degrees, and used dots either above or below the note to indicate if they were in the lowest octave or the highest. The middle octave, relative to the example, contained no dots. Flats and sharps were notated using backslashes and forward slashes respectively. Prolongations of the note were notated using periods, and silence was notated with the number zero. This method was primarily used to teach sight singing. The usage of symbols to indicate musical direction have been likened to an early version of graphic notation. As J. Y. Bosseur mentions in La musique du XXè siècle à la croisé des artes, the score progressed towards representing the management of space, a graphic space that allows us to know the multiple connections enclosed within it. Graphic notation in its modern form first appeared in the 1950s as an evolution of movement of Indeterminacy as pioneered by John Cage. The technique was originally used by avant garde musicians and manifested itself as the use of symbols to convey information that could not be rendered with traditional notation such as extended techniques. Graphic scores have, since their conception, evolved into two broadly defined categories, one being the invention of new notation systems used to convey specific musical techniques and the other the use of conceptual notation such as shapes, drawings and other artistic techniques that are meant to evoke improvisation from the performer. Examples of the former include Morton Feldman's Projection 1, which was the result of Feldman drawing abstract shapes on graph paper,

Другими известными пионерами графической нотации являются композиторы, такие как Роман Хаубеншток-Рамати, Маурицио Кагель, Дьёрдь Лигети («Artikulation»), Кшиштоф Пендерецкий, Карлхайнц Штокхаузен и Йаннис Ксенакис, Мортон Фельдман, Констанс Кохновер Вирту и Кристиан Вольф.

Прогресс XXI века

В 2008 году Тереза Сауэр составила сборник графических партитур композиторов из более чем пятидесяти стран, демонстрируя, насколько широко распространилась эта практика. Помимо растущей популярности графической нотации, новые технологии расширили её возможности. В своей книге "Цифровая партитура: мастерство, творчество и инновации" Крейг Вир описывает, как искусственный интеллект и анимация могут быть использованы для обогащения опыта работы с графической партитурой. Он утверждает, что эти технологии – "логическое развитие экспериментов с графическими партитурами, проводившихся во второй половине двадцатого века. Интересная особенность этих партитур заключается в том, что для их прочтения необходимо движение; без движения они нечитаемы".

Как система обозначения

Основанные на времени пиктографические партитуры, такие как Waterwalk Джона Кейджа, используют сочетание обозначения времени и пиктографической нотации в качестве инструкции о том, как и когда выполнять определенные действия. Пиктографические партитуры, такие как Stripsody Кэти Бербериан, используют только рисунки и текст, отказываясь от каких-либо временных указаний. Это позволяет исполнителю интерпретировать произведение по своему усмотрению. Линейные нотные станы показывают приблизительную высоту звука, а фактическая высота определяется во время исполнения. Измененную нотацию можно увидеть в работах Джорджа Крамба, где он использует традиционную нотацию, но представляет музыку на странице в графической или нетрадиционной форме, например, в виде спиралей или кругов. Одним из примеров измененной нотации является "Makrokosmos" Крамба для усиленного фортепиано. Партитура Крамба содержала три страницы подробных инструкций, включающих такие части, как "Первобытные звуки", "Распятие" и "Спиральная галактика". Новая специфическая система нотации, то есть новый способ специфического и графического обозначения музыкальных действий, как, например, в "Psappha" Ксенакиса.

Как абстрактная визуальная ссылка

Абстрактное представление, основанное на времени, можно увидеть в партитуре Ганса Кристофа Штайнера для произведения «Одиночество», в которой музыка представлена с помощью символов и иллюстраций. Важно отметить, что здесь время по-прежнему отображается горизонтально, слева направо, как в графической системе высоты звука, и, следовательно, подразумевает, что произведение имеет определенную форму. Абстрактная нотация, основанная на времени, как, например, в «Шансоне» Рудольфа Коморуса, использует абстрактные обозначения с указанием времени или, по крайней мере, направления чтения произведения, что также подразумевает наличие формы. Хотя это может показаться случайными линиями, каждая из них обозначает определенный стиль пения, записанный волнистыми линиями в десяти разных цветах, а черные квадраты указывают на неспецифические «немузыкальные» звуки. Свободная абстрактная нотация, такая как «Метафизика нотации» Марка Эпплбаума, сочетает элементы традиционной музыкальной нотации с абстрактными дизайнами. Другой пример – «Золотой цветок» Тома Филлипса, в котором прописные буквы обозначают ноты, исполняемые в басовом регистре, а строчные – в более высоком. Добавление диезов и бемолей допускается по усмотрению исполнителя. Точки вокруг нот призваны помочь определить громкость и длительность звучания каждой ноты.